hip-hop alternatif / Moyen-Orient / Levant / Maghreb / rap-jazz

POP Montréal : DAM + Narcy + Muhoza au Piccolo Rialto

par Rédaction PAN M 360

DAM

DAM, qui signifie « éternel » en arabe, est le premier groupe de hip-hop palestinien et l’un des premiers à rapper en arabe. Formé à la fin des années 1990, Tamer Nafar, Suhell Nafar et Mahmood Jrere ont voulu raconter leur histoire à travers les rythmes du hip-hop. Le son de DAM est unique. Leur musique est une fusion unique entre l’Orient et l’Occident, mêlant un rap arabe féroce aux rythmes arabes, aux sonorités et mélodies du Moyen-Orient et aux rythmes entraînants du hip-hop urbain.
DAM est connu pour aborder des questions politiques importantes et des tabous sociaux dans ses chansons. Leur chanson « Min Irhabi » (« Qui est le terroriste »), sortie pendant la seconde Intifada et téléchargée plus d’un million de fois sur Internet peu après sa sortie (2001), a fait du groupe une figure emblématique pour les jeunes du Moyen-Orient. La popularité de DAM reste intacte à ce jour. La première sortie de leur troisième album « BEN HAANA WA MAANA » (2019), Emta Njawzak Yamma (« Quand te marieras-tu ? »), qui traite des pressions sociales liées au mariage, a également connu un succès immédiat, atteignant 1,6 million de vues en seulement 6 mois.
DAM s’est formé à la fin des années 1990 lorsque Tamer Nafar, Suhell Nafar et Mahmood Jrere ont eu envie de raconter leur histoire (de Palestiniens vivant en Israël) à travers les rythmes du hip-hop. En 2015, le groupe a sorti son premier single « Who You Are » avec Maysa Daw, qui a ensuite rejoint le groupe hip-hop. DAM s’est produit non seulement dans le monde arabe, mais aussi de plus en plus en Europe et aux États-Unis au cours des 15 dernières années.

DAM, meaning “everlasting” in Arabic, is the first Palestinian hip hop crew and among the first to rap in Arabic. Formed in the late 1990s, Tamer Nafar, Suhell Nafar, and Mahmood Jrere were inspired to tell their story through the rhythms of hip hop. DAM’s sound is unmistakable. Their music is a unique fusion of east and west, blending fierceful Arabic rap with Arabic rhythms, Middle Eastern sounds and melodies, and the pulsating beats of urban hiphop.
DAM is known for addressing important political issues and social taboos in their songs. Their song “Min Irhabi” (“Who is the Terrorist”), which was released during the second Intifada and was downloaded over a million times on the internet shortly after its release (2001), made the band a figure of identification for young people in the Middle East. DAM’s popularity remains unbroken to this day. Their first release of their third album “BEN HAANA WA MAANA” (2019), Emta Njawzak Yamma (“When will you get married?”), which deals with the social pressures of marriage, also became an instant hit, reaching 1.6 million views in just 6 months.
DAM was formed in the late 1990s when Tamer Nafar, Suhell Nafar and Mahmood Jrere were inspired to tell their story (as Palestinians living in Israel) through the rhythms of hip-hop. In 2015, the group released their first joint single “Who You Are” with Maysa Daw, who subsequently became part of the hip-hop crew. DAM have not only played in the Arab world but have also increasingly performed in Europe and the USA over the last 15 years.

Narcy

NARCY est un artiste polyvalent basé à Montréal, au Canada. Il rappe, produit, réalise, enseigne, écrit et crée.
De son vrai nom Yassin Alsalman, il est principalement reconnu comme la première voix irakienne de la communauté hip-hop, ayant fait ses preuves pendant la guerre contre sa mère patrie, exprimant la vérité aux puissants du monde entier pendant la période la plus difficile de l’histoire moderne en Irak. Réalisateur primé, professeur d’université reconnu et libraire chez MAKTABA à Montréal, il est également l’un des artistes les plus influents de la scène internationale.
Sa tournée « To Be An (Arab) » est une expérience multimédia qui explore sa discographie et aboutit à son double album éponyme. L’album est disponible uniquement en vinyle et sera disponible lors du concert. Il présente des collaborations avec des artistes de renom tels que Bu Kolthoum, Todd Rundgren, Redveil, Talib Kweli, Dave Chappelle, Mo Amer et bien d’autres.

NARCY is a a polymath based in Montréal, Canada. NARCY raps, produces, directs, teaches, writes and creates.
Real name Yassin Alsalman, he is predominantly recognized as the first Iraqi voice in the Hip-Hop community, earning his chops during the war on his Motherland – speaking truth to power across the world during the most difficult Era of modern history in Iraq. He is an award winning director, a celebrated University professor and a bookshop owner of MAKTABA in Montreal.
His To Be An (Arab) tour is a multi-media Experience meant to span his discography leading to his present Double album by the same name. The album is only available on vinyl and will be available at the show. It boasts features from greats like Bu Kolthoum, Todd Rundgren, redveil, Talib Kweli, Dave Chappelle, Mo Amer and more.

Muhoza

Muhoza signifie « la consolation » en kinyarwanda, la langue nationale du Rwanda. Né à Montréal d’un père camerounais et d’une mère rwandaise, Déric Muhoza Eloundou a grandi à Ahuntsic dans un milieu précaire. Le rappeur met en lumière cette noirceur dans ses textes pour honorer la force de ceux et celles qui s’y reconnaissent. Ses paroles crues et imagées, portées par une mélodie jazz rap rappelant les années 90, sont interprétées par cinq jeunes musiciens talentueux de la scène underground de Montréal. La majorité d’entre eux se sont rencontrés au cégep de Saint-Laurent. Actif depuis quatre ans, Muhoza a donné plus d’une vingtaine de spectacles à travers le Québec. En concert, il n’a pas froid aux yeux et n’hésite pas à engager la foule à participer avec lui et sa troupe. Sa présence sur scène est une célébration des moments difficiles et une promesse d’espoir.

Muhoza means “consolation” in Kinyarwanda, the national language of Rwanda. Born in Montreal to a Cameroonian father and a Rwandan mother, Déric Muhoza Eloundou grew up in the neighborhood of Ahuntsic in a precarious environment. The rapper sheds light on this darkness through his lyrics, honoring the strength of those who see themselves in it. His raw and vivid words, carried by a jazz-rap melody reminiscent of the ’90s, are performed by five talented young musicians from Montreal’s underground scene, most of whom met at Cégep de Saint-Laurent. Active for four years, Muhoza has played over twenty shows across Quebec. On stage, he’s fearless and eagerly involves the audience in the performance with his crew. His stage presence is both a tribute to difficult times and a promise of hope.

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post-grunge / rock / shoegaze

POP Montréal : Taraneh + Comet + Mirella + Witch Victim à la Casa del Popolo

par Rédaction PAN M 360

Taraneh

Taraneh est un projet new-yorkais multi-genres axé sur le rock, mené par l’auteure-compositrice-interprète, instrumentiste et productrice irano-américaine Taraneh Azar. Taraneh, qui signifie « mélodie » ou « chanson » en farsi, mêle avec fluidité des ballades électroniques envoûtantes et des riffs grunge percutants, créant un paysage brut de rock authentique dans l’ère moderne.

Taraneh is a rock-centered multi-genre project from New York City fronted by Iranian-American singer/songwriter, instrumentalist and producer Taraneh Azar. Taraneh, meaning “melody” or “song” in Farsi, seamlessly weaves together hypnotizing electronic ballads and hard-hitting grunge riffs that create a gritty landscape of true rock in the modern age.

Comet

Comet est une force du nu-grunge qui déferle sur l’underground new-yorkais. Son EP à succès, Two-Winged, dégouline de murmures fantomatiques qui se transforment en cris à glacer le sang, imprégnés de larsens et de vagues de guitares fuzzées. Chaque note frappe comme un coup de poing dans le ventre, chaque parole est un regard brut et sans filtre sur les décombres de notre monde, vu à travers ses yeux. Avec un groupe qui joue comme s’il invoquait la fin des temps, Comet ne fait pas que du bruit. Elle s’assure que vous le ressentiez.

Comet is a nu-grunge force tearing through New York City’s underground. Her breakout EP, Two-Winged, drips with ghostly whispers that rip into blood curdling screams, drenched in feedback and walls of fuzzed-out guitars. Every note hits like a punch to the gut, every lyric a raw, unfiltered gaze into the wreckage of our world—seen through her eyes. With a band that plays like it’s summoning the end times, Comet isn’t just making noise. She’s making damn sure you feel it.

Mirella

Mirella, Ian et Jordan jouent de la musique alternative compatissante, du grunge et un peu de shoegaze, chantant des paroles que votre thérapeute apprécierait.

Mirella, Ian and Jordan play compassionate alternative, grunge and a bit of shoegaze music and singing lyrics your therapist would enjoy.

Witch Victim

Witch Victim est un groupe psyché orienté groove qui mélange des éléments de post-punk, de rythmes motorik et de guitares shoegaze pour créer une musique décrite comme du « krautrock sur quaaludes ».
« On ne se souvient plus exactement de ce qui nous a poussés à découvrir Witch Victim pour la première fois à l’édition 2022 de Sled Island, mais on a été conquis dès ce moment. Ce quintet (dont deux membres de Bridgeland – le groupe, peut-être aussi la communauté ?) fusionne shoegaze, krautrock et néo-psychédélisme en un seul et même plat délicieux. La première cassette de Witch Victim est un vrai régal pour les oreilles, avec des sonorités luxuriantes et des voix oniriques qui flottent dans le mix. Un point bonus pour avoir lancé la cassette avec une chanson de plus de huit minutes qui ne se fait pas attendre. »
– Calgary Cassette Preservation Society

Witch Victim is a groove-oriented psych band that blends elements of post-punk, motorik beats, and shoegaze guitars to make music that has been described as “krautrock on quaaludes”
“We can’t remember what exactly compelled us to first see Witch Victim at the 2022 edition of Sled Island, but we were hooked from that moment. This five-piece (featuring two members from Bridgeland – the band, maybe also the community?) meld together shoegaze, krautrock and neo-psychedelia into one great delicious dish. Witch Victim’s debut tape is headphone candy, with lush sounds and dreamy vocals floating through the mix. Bonus points for kicking the tape off with an eight-plus minute song that doesn’t outstay its welcome.”
– Calgary Cassette Preservation Society

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dream pop / Indie / pub-rock

POP Montréal : The Tubs + Ducks LTD + Ribbon Skirt à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

The Tubs

Le deuxième album des Tubs, Cotton Crown, voit le boys band celtique Jangle s’aventurer sur des terres plus sombres et plus personnelles, tout en continuant à peaufiner son style musical hautement addictif. Véritable opus de haut niveau, il permet au groupe d’élargir sa palette sonore pour explorer un éventail kaléidoscopique d’influences : du pub rock soul (Chain Reaction) à l’agressivité des Husker Du (One More Day) en passant par la sophisto-pop mélancolique (Narcissist). Comme l’a souligné Pitchfork, The Tubs voient le jangle comme un « vaste monde d’humeurs et de muses » et Cotton Crown les voit continuer à explorer cet univers et créer ainsi un son typiquement Tub-ulaire.

The Tubs’ second album, Cotton Crown, sees the Celtic Jangle boyband venture into darker, more personal territory while continuing to hone their highly addictive brand of songcraft. It’s a true level up album which sees the band expand their sonic palette to take in a kaleidoscopic range of influences: everything from soulful pub rock (Chain Reaction) to Husker Du aggression (One More Day) to melancholy sophisto-pop (Narcissist) gets a look in. As Pitchfork noted, The Tubs see jangle as a ‘vast world of moods and muses’ and Cotton Crown sees them continuing to explore this world and creating a distinctly Tub-ular sound in the process.

Ducks Ltd.

Ducks Ltd. est un groupe de Toronto composé du guitariste principal australien Evan Lewis et du chanteur, bassiste et guitariste rythmique Tom McGreevy, né au Royaume-Uni et élevé aux États-Unis. Sous le nom de Ducks Ltd., les deux s’épanouissent à la lisière de la jangle pop dynamique et de la power pop entraînante. Leur dernier album, Harm’s Way, contient des chansons angoissantes qui, selon McGreevy, “parlent de la lutte. Sur le fait de voir les gens que j’aime souffrir et d’essayer de comprendre comment être là pour eux. Et sur la tension de vivre dans un monde qui semble prêt à s’effondrer”.
Harm’s Way est une évolution indéniable du processus d’écriture de Ducks Ltd. Alors que Modern Fiction, leur premier album acclamé par la critique en 2021, et Get Bleak, leur EP de 2019, ont été enregistrés et autoproduits dans un sous-sol de Toronto, ils ont ici réalisé un LP à Chicago avec le producteur Dave Vettraino et certains de leurs musiciens préférés. Ces collaborateurs comprennent Macie Stewart de Finom, Julia Steiner et Marcus Nuccio de Ratboys, Jason Balla de Dehd, Margaret McCarthy de Moontype, Rui De Magalhaes de Lawn, Nathan O’Dell de Dummy, et Lindsey-Paige McCloy de Patio. Le batteur de tournée de Ducks Ltd., Jonathan Pappo, apparaît également sur l’album.
« Notre relation est basée sur la confiance et nous ne laissons pas nos egos intervenir dans le processus créatif », explique Lewis. Notre relation est basée sur la confiance et nous ne laissons pas nos egos intervenir dans le processus créatif« , explique Lewis. »Nous avons une relation vraiment géniale où chaque décision concernant le groupe est filtrée par nous deux. Ici en particulier, nous avons vraiment trouvé le moyen de faire quelque chose qui nous ressemble vraiment.”

Ducks Ltd. are a Toronto band featuring Australian lead guitarist Evan Lewis and U.K-born, U.S.-raised singer, bassist, and rhythm guitarist Tom McGreevy. As Ducks Ltd., the two thrive on skirting the edges of buoyant jangle pop and driving power pop. Their latest album, Harm’s Way, contains anxious songs that McGreevy explains are “about struggling. About watching people I care for suffer, and trying to figure out how to be there for them. And about the strain of living in the world when it feels like it’s ready to collapse.”
Harm’s Way is an undeniable evolution of Ducks Ltd.’s songwriting process. Where their critically acclaimed 2021 debut Modern Fiction and 2019 EP Get Bleak were self-recorded and self-produced in a Toronto basement, here, they made an LP in Chicago with producer Dave Vettraino and some of their favorite musicians. These collaborators include Finom’s Macie Stewart, Ratboys’ Julia Steiner and Marcus Nuccio, Dehd’s Jason Balla, Moontype’s Margaret McCarthy, Lawn’s Rui De Magalhaes, Dummy’s Nathan O’Dell, and Patio’s Lindsey-Paige McCloy. Ducks Ltd.’s touring drummer Jonathan Pappo also appears on the LP.
“Our relationship is built on trust and we don’t let our egos come into the creative process in any way,” says Lewis. “We have this really great thing where every decision with the band is filtered through both of us. Here especially, we really figured out how to make something that truly sounds like us.”

Ribbon Skirt

Dirigé par la musicienne Anishinaabe Tashiina Buswa, Ribbon Skirt est un groupe montréalais anciennement connu sous le nom de Love Language. Leur premier album « Bite Down » est sorti en avril 2025 sur le label Mint Records. Il a été produit par Scott « Monty » Munro (Preoccupations) et Marlaena Moore, et mixé par Greg Saunier (Deerhoof). L’album apporte un son plus sombre et plus introspectif, abordant les thèmes de la mémoire, du deuil et de la connexion de Buswa à son identité indigène et à ses pratiques culturelles. Le groupe a participé à des festivals dans toute l’Amérique du Nord, notamment SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest et Pop Montréal, et a partagé la scène avec Dehd, Ombiigizi, Packs et Wombo.

Led by Anishinaabe musician Tashiina Buswa, Ribbon Skirt are a band from Montreal, formerly known as Love Language. Their debut album ‘Bite Down’ was released in April 2025 on Mint Records and was produced by Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) and Marlaena Moore, and mixed by Greg Saunier (Deerhoof). The album brings a darker and more introspective sound, dealing with themes of memory, grief and Buswa’s connection to her Indigenous identity and cultural practices. They have played festivals across North America, including SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, and Pop Montreal, and shared stages with Dehd, Ombiigizi, Packs and Wombo.

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hip-hop / R&B / rap belge

Off Piknic : Hamza au parc Jean-Drapeau

par Rédaction PAN M 360

Faisant partie de la famille de Piknic Électronik, OfF Piknic est un « spin-off » en mode concert des rendez-vous dominicaux de Piknic. Prenant place au Parc Jean-Drapeau, les événements OfF Piknic sont le fruit d’une réinterprétation du site par les géants de l’industrie. Mettant en lumière l’ensemble de la scène électronique, ces événements ont lieu les vendredis et samedis, de la fin de l’après-midi à la tombée de la nuit.

Part of the Piknic Électronik family, OfF Piknic is a concert spin-off of the regular Piknic Sunday gatherings. Taking place at Parc Jean-Drapeau, OfF Piknic events are the fruit of a production takeover led by curated all-star line-ups. Highlighting the whole realm of the electronic scene, these events take place on Fridays and Saturdays, from late afternoon to dusk.

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alt-pop / électro-pop / indie pop

Lorde au Centre Bell

par Rédaction PAN M 360

Lorde est une artiste primée aux Grammy Awards, connue pour son son qui défie les genres, son introspection et sa vision créative saisissante. Depuis sa percée avec Pure Heroine en 2013, elle a redéfini les contours de la musique pop moderne, alliant une narration poétique à une production minimaliste à forte résonance émotionnelle. À ce jour, elle a accumulé plus de 18 milliards de streams et 18 millions de ventes d’albums dans le monde entier. En avril 2025, elle est revenue avec What Was That, son premier album original depuis quatre ans. Le single a été largement acclamé et a connu un grand succès commercial, atteignant la première place sur Spotify aux États-Unis – son premier numéro 1 sur la plateforme depuis « Royals ». Il s’est également classé troisième au Royaume-Uni et cinquième au niveau mondial, réaffirmant sa place à l’avant-garde de la musique pop.

Lorde is a Grammy-winning artist and cultural force, known for her genre-defying sound, introspectivelyricism, and striking creative vision. Since her breakthrough withPure Heroinein 2013, she has redefinedthe contours of modern pop—merging poeticstorytelling with minimalist, emotionally resonantproduction. To date, she has amassed over 18 billion global streamsand 18 million albumsalesworldwide.In April 2025, she returned withWhat Was That, her first original release in four years. The single debutedto widespread acclaim and commercial success, hitting #1 on Spotify in the US—her first US #1 on theplatform since “Royals.” It also landed at #3 in the UKand #5 globally, reaffirming her place at theforefront of pop music.

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Alternative / indie pop / rock psychédélique

POP Montréal : Cure-Pipe + Wizaard + DAPHNE + Tom Leger à l’Escogriffe Bar Spectacle

par Rédaction PAN M 360

Cure-Pipe

Cure-Pipe, c’est le projet de l’auteur-compositeur-interprète Thomas Dakin, qui s’entoure de collaborateurs de talent pour créer une expérience musicale totalement éclatée et prenante. Ainsi, rock psychédélique et garage pop se mêlent aisément au rock classique et à l’hyperpop pour créer une recette surprenante, un peu crasseuse, mais surtout, totalement vraie. Thomas ne fait pas dans la demi-mesure. Avec Cure-Pipe, il se livre entièrement, sans compromis. Il y a de ces artistes qui nous obligent à s’arrêter et à prendre le temps d’écouter. Thomas est de ceux-là.
En 2021, à la suite de la parution de son premier album, Mazeless Loudness, Thomas et ses acolytes ont tourné un peu partout au Québec. Les mélomanes ont rapidement été séduits par la présence et l’intensité du jeune artiste fortement inspiré par l’esthétique psychédélique. Avec l’album Le Pire, paru en 2022 avec le soutien de Soluté Records, Cure-Pipe prend un virage pop tout en restant fidèle à ses racines garage.
L’année 2023 marque un tournant important dans la carrière de Thomas, puisque l’album J’avais a rapidement attiré l’attention des mélomanes et des professionnels de l’industrie. Ainsi, Cure-Pipe se positionne maintenant comme un artiste original et prometteur de la scène musicale québécoise. Après une année chargée marquée par une participation aux demi-finales des Francouvertes, des nominations au GAMIQ et une mini-tournée européenne, Cure-Pipe est maintenant gonflé à bloc et prêt à nourrir les mélomanes de gras purement saguenéen avec son nouvel album : J’ai trouvé Jésus.

Cure-Pipe is the project of singer-songwriter Thomas Dakin, who surrounds himself with talented collaborators to create a totally exploded and gripping musical experience. Psychedelic rock and garage pop blend effortlessly with classic rock and hyperpop to create a recipe that’s surprising, a little grimy, but above all, totally real. Thomas doesn’t do things by halves. With Cure-Pipe, he gives himself away completely, without compromise. There are artists who force us to stop and take the time to listen. Thomas is one of them.
In 2021, following the release of his debut album, Mazeless Loudness, Thomas and his band toured throughout Quebec. Music lovers were quickly won over by the presence and intensity of this young artist, strongly inspired by the psychedelic aesthetic. With the album Le Pire, released in 2022 with the support of Soluté Records, Cure-Pipe took a pop turn while remaining true to their garage roots.
The year 2023 marks an important turning point in Thomas’s career, as the album J’avais quickly caught the attention of music lovers and industry professionals alike. As a result, Cure-Pipe is now positioned as an original and promising artist on the Quebec music scene. After a busy year marked by an appearance in the Francouvertes semi-finals, GAMIQ nominations and a European mini-tour, Cure-Pipe is now pumped up and ready to feed music lovers pure Saguenay fat with his new album: J’ai trouvé Jésus.

Wizaard

Le groupe montréalais Wizaard indie rock psychédélique est constitué de Marie-Hélène Coutu et de Jean-Nicolas Doss-tranchant comme l’hiver mais doux comme la sauce gravy. Au fil des ans et évoluant avec des chansons anglophones, le groupe est devenu un incontournable de la scène musicale underground de la ville, et émerge aujourd’hui avec un répertoire bilingue, à l’avant-garde d’un nouveau mouvement psychédélique. Un délicieux cocktail de folie, d’éclectisme et de groove.

The Montreal band Wizaard is a psychedelic pop-rock group made up of founding members Marie-Hélène Coutu and Jean-Nicolas Doss – sharp as winter but smooth as gravy. Over the years and evolving with English-language songs, the band has become a mainstay on the city’s underground music scene, emerging today with a bilingual repertoire at the forefront of a new psychedelic movement. A delicious cocktail of madness, eclecticism and groove.

DAPHNE

DAPHNE est une artiste pop indépendante basée à Toronto qui mélange des mélodies euphoriques avec des paroles vulnérables qui incitent les auditeurs à augmenter le volume et à baisser les vitres. Lauréate du Prix des jeunes auteurs-compositeurs canadiens de la Fondation SOCAN en 2024 et du People’s Choice Award du NXNE en 2025, ses compositions ont été diffusées dans les émissions Boarders (saisons 1 et 2) de la BBC et The Verge de SiriusXM. Avec un élan grandissant, elle se prépare à lancer son premier EP, livrant une nouvelle vague d’hymnes pop indie et de visuels en 2025.

DAPHNE is a Toronto-based indie pop artist blending euphoric melodies with vulnerable lyricism that urges listeners to crank up the volume and roll down their windows. Winner of the 2024 SOCAN Foundation Young Canadian Songwriter Award and NXNE’s 2025 People’s Choice Award, her songwriting shines on BBC’s Boarders (Seasons 1 & 2) and SiriusXM’s The Verge. With growing momentum, she is preparing to release her debut EP, delivering a fresh wave of indie pop anthems and visuals in 2025.

Tom Leger

Tom Leger est le projet solo de Thomas Leger, auteur-compositeur, chanteur, batteur et co-réalisateur au sein de la formation Valse Fréquence. Actif sur la scène musicale francophone québécoise depuis 2018, il y développe une approche personnelle de la chanson, ancrée dans la batterie et la voix, et nourrie par une curiosité constante pour les textures, la production et la forme.
Son projet solo poursuit ce qu’il a entamé avec Valse Fréquence, mais avec plus de liberté, d’intimité et d’assurance. Il y approfondit sa relation à la création sonore, en explorant ce qui se passe quand le rythme, le chant et le son deviennent un même geste. Sa musique évolue dans une zone fluide entre chanson, rock indie, textures lo-fi et électroacoustique. Sa démarche se nourrit de ce qui est là : un souffle, une prise brute, un motif rythmique qui devient chanson. Ses influences — de la musique contemporaine à la chanson populaire — s’intègrent dans un rapport instinctif à l’instrument et à la matière.
Jouer et chanter en même temps, c’est maintenir une tension entre précision et débordement. Ce geste paradoxal, il le connaît bien : à l’école, on l’appelait « l’enfant terrible », celui qui ne restait jamais en place. Cette énergie traverse encore sa musique — une pulsation vive, physique, qui cherche sans cesse à prendre forme. Son projet solo se construit dans l’expérimentation et la narration, avec l’envie de laisser la forme ouverte. C’est une recherche libre, portée par la voix et par le corps, où le son devient un langage en soi.

Tom Leger is the solo project of Thomas Leger, a songwriter, singer, drummer, and co-producer within the group Valse Fréquence. Active on the Quebec Francophone music scene since 2018, he has been developing a personal approach to songwriting—rooted in drums and vocals, and fueled by a constant curiosity for textures, production, and form.
His solo project continues what was started with Valse Fréquence, but with more freedom, intimacy, and confidence. He deepens his relationship with sound composition, exploring what happens when rhythm, voice, and sound become a single entity. His music moves fluidly between indie rock, lo-fi textures and electroacoustic genres. His approach is grounded in what’s already there: a breath, a raw take, a rhythmic motif that becomes a song. His influences—from contemporary music to pop songs—merge into an instinctive relationship with instruments and raw material.
Playing and singing at the same time means maintaining a tension between precision and excess. He knows this paradoxical gesture well: in school, he was called “enfant terrible”, the kid who never stayed still. That same energy still runs through his music—a vivid, physical pulse that constantly seeks form. His solo work is built through experimentation and storytelling, with a desire to keep the form open. It’s a free exploration, driven by voice and body, where sound becomes a language in itself.

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Indie / shoegaze / synth-pop

POP Montréal : U.S. Girls + Elle Barbara + Shunk au Théâtre Rialto

par Rédaction PAN M 360

U.S. Girls

Originaire de l’Illinois, Meg Remy est reconnue comme l’une des auteures-compositrices et interprètes les plus acclamées de la scène musicale underground éclectique de Toronto, où elle vit actuellement. Force créatrice du groupe musical U.S. Girls, sa discographie célèbre s’étend sur 15 ans, depuis ses premières œuvres expérimentales parues sur le label Siltbreeze jusqu’à trois albums nominés au prix Polaris chez 4AD : Half Free (2015), In A Poem Unlimited (2018) et Heavy Light (2020). Ces trois albums ont également été nominés aux Juno du meilleur album alternatif.
Meg Remy a effectué de nombreuses tournées en Europe et en Amérique du Nord, se forgeant une réputation pour ses commentaires politiques perspicaces et ses performances théâtrales avec son groupe U.S. Girls, ce qui lui a valu d’être nommée meilleure artiste live de 2018 par le magazine Paste. Durant cette période, elle a maintenu une pratique artistique visuelle, exposé des collages et réalisé plusieurs vidéoclips et autres œuvres d’art vidéo, dont son court métrage Woman’s Advocate (2014), dans lequel elle a également joué. Récemment, Remy a publié son premier livre, un mémoire intitulé Begin By Telling (2021), et elle a également fait ses débuts dans la composition de musique de film cette année, ayant été choisie pour la comédie d’horreur surréaliste Dead Lover de la cinéaste (et compatriote torontoise) Grace Glowicki (qui a été présentée en première mondiale au Festival du film de Sundance et à SXSW).

Originally from Illinois, Meg Remy is established as one of the most acclaimed songwriters and performers to emerge from Toronto’s eclectic underground music scene where she currently lives. As the creative force behind the musical entity U.S. Girls, her celebrated discography spans 15 years from early experimental works released on the Siltbreeze label and includes three Polaris Prize shortlisted albums on 4AD: Half Free (2015), In A Poem Unlimited (2018), and Heavy Light (2020). All three albums also garnered Juno nominations for Best Alternative Album.
Remy has toured extensively through Europe and North America, establishing a reputation for politically astute commentary and theatrical performances with her extended U.S. Girls band, leading her to be named the best live act of 2018 by Paste Magazine. During this time, she has maintained a visual arts practice, exhibited collage work and directed several music videos and other video art works including her short film Woman’s Advocate (2014), in which she also performed. Recently, Remy published her first book, a memoir called Begin By Telling (2021), and she also made her first foray into film-scoring this year, having been tapped for filmmaker (and fellow Torontonian) Grace Glowicki’s surreal horror-comedy Dead Lover (which world-premiered at Sundance Film Festival and featured at SXSW). As a platform and persona, U.S. Girls operates on a uniquely out-of-time wavelength, alternately wronged and rueful, classic but contemporary, bruised vignettes of poetic Americana through a feminist lens. Her most recent album, Bless This Mess (2023), marked both a divergence from and deepening of Remy’s songbook, more at peace with her restless truths and moods. New music is set to follow in 2025.

Elle Barbara

Elle Barbara est une auteure-compositrice-interprète avant-gardiste, artiste de studio, metteuse en scène de théâtre expérimental, réalisatrice de vidéos, performeuse, travailleuse communautaire et pin-up, basée à Montréal, au Québec. Sa musique combine tour à tour des éléments de dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz et glam, avec un intérêt pour la musique de bibliothèque, la musique orchestrale et la soul psychédélique. Elle est une figure incontournable de la scène underground de sa ville natale, Montréal, depuis plus d’une décennie. Amoureuse des éléments étranges, obscurs et méconnus de la musique pop, Elle Barbara trouve son inspiration dans des sources inattendues, comme les artistes méconnus Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell et Alain Kan, en plus des grands noms du mainstream tels que Madonna, Marvin Gaye, David Bowie et Mary J. Blige.

Elle Barbara is an avant-garde singer-songwriter, recording artist, experimental theatre director, video director, performer, community worker, and pinup, based in Montreal, Quebec. Her music alternately combines elements of dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz, and glam, with an interest in library music, orchestral music, and psychedelic soul. She has been an underground fixture in her native Montreal for more than a decade. A lover of the odd, obscure, and overlooked elements in pop music, Elle Barbara finds inspiration in unexpected sources, like off-the-radar acts Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell, and Alain Kan, in addition to mainstream luminaries such as Madonna, Marvin Gaye, David Bowie, and Mary J. Blige.

Shunk

Le groupe montréalais, Shunk, vous offre un son éclectique et enivrant, composé de leurs influences variées (post-punk, dreampop, shoegaze, indie pop, opéra). Leur son excentrique est imprégné du courant avant-garde de la communauté musicale leur ville.

Montreal’s Shunk seamlessly blend a myriad of musical influences (Post-Punk, Dreampop, Shoegaze, Indie Pop, Opera) to form their own specific sonic palette. Their electrifying live performances, described as “pure entropy” (PanM 360, 2024) reflect their city’s ever-evolving, boundary-pushing music scene.

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hip-hop / post-punk / post-rock

POP Montréal : Fat Dog + Godly The Ruler + Fresh Wax à la Toscadura

par Rédaction PAN M 360

Fat Dog

Fat Dog est l’un des nouveaux groupes les plus excitants de Londres, évoquant le genre de concerts frénétiques et sauvages qu’on n’a pas vu dans la capitale depuis des années. Leur premier album WOOF. est un mélange brillant et hallucinant d’électro-punk, de grognements rock’n’roll, de paysages sonores techno, de pop industrielle et d’euphorie rave, une musique pour se laisser aller ou, selon les mots du leader Joe Love, une « musique à hurler dans un oreiller ».

Fat Dog are one of London’s most exciting new bands, conjuring the sort of frenzied and wild live shows not seen in the capital for years. Their debut album WOOF. is a brilliant and mind-bending blend of electro-punk, rock’n’roll snarling, techno soundscapes, industrial-pop and rave euphoria, music for letting go to or, in the words of frontman Joe Love, “screaming-into-a-pillow music”.

Godly The Ruler

Godly the Ruler (they/them) (né Godwill Oke) est un musicien né au Nigéria et élevé à Chicago, qui s’appuie sur sa curiosité et son intuition pour faire avancer les choses. Leur travail échappe aux classifications simples et aux réponses faciles, préférant travailler avec les tripes pour traduire leur imagination débridée en un territoire éclectique et électrisant. Depuis l’âge de 14 ans, Godly repousse les limites et les décibels ; des démos à domicile aux caves et aux scènes, ils ont appris à canaliser les éléments dramatiques et théâtraux de leurs favoris pour exprimer l’urgence de la vie au-delà de l’identité et du genre. Un coup d’œil sur ce dernier révèle des éclairs sonores et thématiques à travers le spectre – hip-hop, punk alt-indie, EDM, pour n’en citer que quelques-uns – ancrant le monde de Godly the Ruler dans un état d’imprévisibilité constante.

Godly the Ruler (they/them) (born Godwill Oke) is a Nigeria-born, Chicago-raised musician working from curiosity and intuition to push today forward. Their work evades simple classification and easy answers, opting to work from the gut to translate their wild imagination into eclectic, electrifying territory. Since 14 years old, Godly’s pushed boundaries and decibels; from home demos to basements to stages, they’ve learned to channel the dramatic and theatrical elements of their favorites to articulate the urgency of life across identity and genre. A glance into the latter will show sonic and thematic flashes across the spectrum – hip-hop, alt-indie punk, EDM to name a few – anchoring Godly the Ruler’s world in a state of consistent unpredictability.

Fresh Wax

Fresh Wax est un groupe expérimental de post-rock qui se compose de riffs de basse déchaînés, d’une batterie puissante, de synthétiseurs palpitants et de voix qui s’entremêlent pour en dire plus avec moins. Le groupe s’inspire de Roxy Music, Talking Heads et DEVO, mais détourne les genres pour donner à son son un caractère unique mais bien connu.

Fresh Wax is a experimental post-rock two-piece that center around wild bass riffs, powerful drums, pulsating synthesizers, and interchanging vocals that say more with less. The band takes inspiration from Roxy Music, Talking Heads, and DEVO, but bends genres giving their sound a unique but familiar sound.

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danse / musique contemporaine

Sororité bienveillante des Veilleuses à la salle Bourgie

par Frédéric Cardin

Neuf femmes sur scène, dans une sorte de grande geste théâtrale où sont évoquées toutes les facettes d’une sororité riche et complexe. De la bienveillance (surtout) à l’abandon, de l’exclusion à la réconciliation.

Les Veilleuses, de Simon Renaud (chorégraphie et conception) et Romain Camiolo (musique) se sont donc levées mercredi soir à la salle Bourgie du Musée des Beaux-Arts de Montréal. Une rare incursion de la salle de musique classique dans l’univers de la danse (la première? Je ne peux le confirmer…), mais une bien belle réussite. Il faut dire que le spectacle des Veilleuses est autant chorégraphique que musical. Six des neuf interprètes sont des chanteuses dans la vie : Marie-Annick Béliveau, Salomé Karam, Kathy Kennedy, Elizabeth Lima, Hélène Picard et Ellen Wieser. Celles-ci ont fait équipe avec les danseuses professionnelles Marie-Hélène Bellavance, Nasim Lootij et Ingrid Vallus.

On n’a bien sûr pas demandé aux danseuses de chanter pleinement, ni au chanteuses de faire des contorsions trop acrobatiques, mais la mise en espace avait manifestement pour but d’intégrer toutes les participantes à une seule communauté, celle de ces femmes de plusieurs tailles et gabarits, quoique pas trop hétérogènes. De manière assez abstraitement suggestive, ces femmes ont parcouru l’heure et quelques du spectacle pour exprimer différents états d’âme et surtout les moyens de les affronter ensemble, parfois désunies, ou de les partager entre toutes.

La pièce est déclinée dans un rythme lent et mesuré. Ces femmes évoluent dans un monde de ressenti mutuel qui prend le temps de s’exprimer et d’être accueilli. C’est la musique qui sert de puissant liant de l’ensemble psycho-émotionnel du spectacle, en appui à la cohérence visuelle des costumes, soit des robes de différentes teintes chromatiques liées au jaune-orangé-brun-ocre. La dite musique, toute vocale (sinon un drone électro préenregistré agissant comme coussin harmonique) et essentiellement tonale, est bien entendu interprétée par les chanteuses du groupe, qui agissent à la fois comme l’incarnation émotionnelle de chaque unité individuelle mais aussi comme coalescence de la relation de groupe. La partition de Camiolo est belle et semble progresser, du moins c’est l’impression que j’ai eue, selon une évolution chronologique historique.

Au tout début, les voix prennent une apparence collective de chœur grec, dans une expression de type modal qui évoque subtilement quelque chose de très ancien, peut-être archaïque. Plus loin, on entend quelque chose comme un air médiéval. Plus loin encore, ça se rapproche de la chanson folk ou populaire. Mais ce sont là des moments brefs, émergeant d’une trame plus ample et soutenue de longues lignes mélodiques qui ne déplairaient pas à plusieurs compositeurs ou compositrices actuels faisant dans le choral néo-mystique. À quelques reprises, les harmonies se resserrent, jusqu’à saturation et grincement rugueux. C’est dans ces moments, comme le soulignait le compositeur dans l’entrevue que j’ai réalisée avec lui et le chorégraphe à propos du spectacle (ENTREVUE À ÉCOUTER ICI) que les femmes de cette sororité symboliste semble s’éloigner les unes des autres et dissoudre leurs liens. La tactique est simple, mais efficace.

En fin de compte, Les Veilleuses est un regard assez juste et poétique sur la force, mais aussi sur les périls, d’une communauté féminine qui a, depuis des millénaires maintenant, dû se serrer les coudes devant l’adversité et se donner la main dans les épisodes lumineux.

Les Veilleuses est un spectacle beau et complet, complexe mais pas hermétique, et surtout parfaitement adapté à une large possibilité d’engagements : dans des festivals de danse comme de musique ou de propositions transdisciplinaires. Un lancement parfaitement adéquat pour la série Arts croisés de la salle Bourgie.

Les Veilleuses est une coproduction de Amour Amour, la Salle Bourgie, Chants Libres et Corpuscule Danse.

classique / période romantique

OSM : Brahms & Dvořák – splendeur du romantisme

par Rédaction PAN M 360

López rend un vibrant hommage à la Finlande à travers son poème symphonique Aino, tandis que Dvořák affirme avec éclat son identité slave en insérant, pour la première fois, une danse folklorique dans sa Symphonie n°6. Enfin, laissez-vous envoûter par le légendaire Concerto pour violon de Brahms, un monument du répertoire, magistralement interprété par le violoniste mondialement reconnu James Ehnes.

López’s symphonic poem Aino is a beautiful tribute to Finland, while Dvořák affirms his Slavic identity in his Symphony No. 6 by using material from a Slavic folk dance for the first time. Finally, let yourself be enchanted by Brahms’ legendary Violin Concerto, a mainstay of the instrument’s repertoire, which will be masterfully performed by the internationally acclaimed violinist James Ehnes.

Programme

Jimmy López, Aino (14 min)
Johannes Brahms, Concerto pour violon, op. 77 (35 min)
Antonín Dvořák, Symphonie no 6, op. 60, B. 112 (41 min)

Program

Jimmy López, Aino (14 min)
Johannes Brahms, Concerto for Violin, Op. 77 (35 min)
Antonín Dvořák, Symphony No. 6, Op. 60, B. 112 (41 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

électro-minimal / jazz / techno

POP Montréal : Bolis Pupul + Annie-Claude Deschênes + Surma au Rialto Hall

par Rédaction PAN M 360

Bolis Pupul

Ce n’est pas un hasard si la musique de Bolis Pupul sonne ainsi. Né en Belgique d’une mère chinoise et d’un père belge, et élevé dans la ville créative et branchée de Gand, la musique de Bolis est un joyeux mélange interculturel. Mêlant l’électronique grand écran – pensez à la techno des débuts de Mr Fingers et au minimalisme homme-machine exubérant de Yellow Magic Orchestra – à la naïveté chaleureuse et décalée du New Beat belge, la sonorité singulière de Bolis est à la fois ludique, émotive, implacable et tendre.
La véritable clé pour percer le secret musical de Bolis réside dans ce dialogue entre ses racines orientales et occidentales. C’est une notion qu’il a inconsciemment abordée sur ses deux premières sorties pour le label DEEWEE de David et Stephen Dewaele (Soulwax/2manydjs).

It’s no coincidence that Bolis Pupul’s music sounds the way it does. Born in Belgium to a Chinese mother and Belgian father and raised in the super-cool creative city of Ghent, Bolis’ music is a joyous cross-cultural assemblage. Mixing widescreen electronica – think early Mr Fingers-like techno and Yellow Magic Orchestra’s exuberant man-machine minimalism – with the warm-hearted and wonky naivete of Belgian New Beat, Bolis’ singular sonics are at once playful, emotive, unrelenting and tender.
The real key to unlocking Bolis’ musical secret, however, is that conversation he has between his Eastern and Western roots. It was something he subconsciously touched upon on his first two releases for David and Stephen Dewaele (Soulwax/2manydjs)’s DEEWEE label.

Annie-Claude Deschênes

Annie-Claude Deschênes, figure incontournable de la scène musicale montréalaise, explore la fusion de la musique et de la performance artistique. Après avoir marqué son passage avec Duchess Says et PyPy, elle présente son premier album solo, Les manières de table, une œuvre mélangeant pop minimale et musique électronique, mêlant danse, mélodie et introspection.

Annie-Claude Deschênes, a key figure in Montreal’s music scene, explores the fusion of music and performance art. After making her mark with Duchess Says and PyPy, she presents her debut solo album, Les manières de table, a work blending minimal pop and electronic music, mixing dance, melody, and introspection.

Surma

Surma crée un univers musical unique, mêlant jazz, électronique et diverses influences. Avec plus de 250 représentations dans 21 pays, ses albums Antwerpen et alla témoignent de son évolution musicale et la consacrent comme une artiste primée et innovante sur la scène internationale.

Surma creates a unique musical universe, blending jazz, electronics and diverse influences. With over 250 performances in 21 countries, her albums Antwerpen and alla showcase her musical evolution, establishing her as an award-winning and innovative artist on the global stage.

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afrobeat / dancehall / soul/R&B

POP Montréal : Kizaba + Sankya + 1000joules + MAZA au Belmont

par Rédaction PAN M 360

Kizaba

Le spectacle Kizaba propose un style musical riche rappelant le Congo et est un voyage afro futuriste « Fumu na betu », pour lequel il crée des vocalisations inspirées de ses ancêtres et mélange des sons de soukous-congolais, d’afrobeat et de pop rock. Sur scène, il utilise son chant, sa batterie et ses percussions en mélangeant musique électronique et sons traditionnels du Congo pour créer un univers afro-futuriste. Pour offrir aux spectateurs une expérience complète, des visuels avec des masques 3D, conçus par KIZABA et inspirés des masques traditionnels du Congo imaginés dans le futur, sont projetés derrière les musiciens, créant une atmosphère captivante dans une autre dimension. La Sapologie fait aussi partie de son univers. . Sur scène, il est accompagné de musiciens (guitariste congolais, guitariste rythmique rock et un DJ). À travers sa musique électronique afro-électro congolaise fascinante et électrisante, KIZABA propose un spectacle fédérateur qui saura émouvoir la foule !

Kizaba’s show features a rich musical style reminiscent of the Congo and is a futuristic Afro journey “Fumu na betu”, for which he creates vocalizations inspired by his ancestors and mixes the sounds of soukous-congolais, afrobeat and pop rock. On stage, he uses his vocals, drums and percussion to blend electronic music with traditional Congolese sounds to create an Afro-futuristic universe. To offer spectators a complete experience, visuals with 3D masks, designed by KIZABA and inspired by the traditional Congo masks imagined in the future, are projected behind the musicians, creating a captivating atmosphere in another dimension. Sapology is also part of his universe. On stage, he is accompanied by musicians (a Congolese guitarist, a rock rhythm guitarist and a DJ). With his fascinating and electrifying Congolese Afro-electro electronic music, KIZABA puts on a unifying show that’s sure to move the crowd!

Sankya

La chanteuse-auteure-compositrice et interprète Sankya a fait sensation dans sa ville natale, Montréal, avec ses singles en 2019. Elle a développé un répertoire musical qui inclut des genres tels que le RnB, le trap soul et la musique dancehall.
Sankya est passionnée de musique depuis un très jeune âge, mais sa carrière musicale a officiellement débuté il y a moins de quatre ans lorsqu’elle a commencé à publier ses chansons en ligne. Ses singles ont atteint plus de 1,3 million de vues/écoutes au total, jusqu’à aujourd’hui. La musique étant sa principale passion, Sankya a quitté l’école pour se consacrer pleinement à
son art et mener à bien ses projets. Depuis 2019, en tant que gestionnaire de sa carrière, elle
veille à rester sur la carte. Écouter de la musique a toujours été son meilleur moyen de s’exprimer et de s’évader de la
réalité. Avec ce contenu, elle souhaite aider les autres à se connecter à sa musique afin qu’ils puissent échapper à leurs problèmes et se sentir bien.

Singer-songwriter and performer Sankya took her native city, Montreal, by a storm with her singles
in 2019. She has built up a body of work that features genres like RnB, trap soul and dancehall
music. Sankya has been into music since a very young age but her music career officially began less than four years ago when she started uploading her songs online. Her singles have reached more than 1.3 million views/streams in total, up to date.
Music being her main passion, Sankya quit school to fully dedicate herself to her craft and get things done. Since 2019, managing herself, she has made sure she stays a part of the map. Listening to music has been her best way to express herself and escape from reality. With this content, she would like to help others connect with her music so they can escape their issues and
feel as good.

1000joules

1000joules mélange des voix jazzées et des raps percutants pour explorer la spiritualité, l’amour queer et la réinvention de soi. Ancrée dans la scène R&B/soul montréalaise, sa musique est intime et puissante. Accompagnée d’un groupe live, ses performances dégagent une énergie qui marque les esprits.

1000joules blends jazzy vocals and punchy raps to explore spirituality, queer love, and self-reinvention. Rooted in Montreal’s R&B/soul scene, their music is both intimate and powerful. Backed by a live band, their performances radiate energy and emotion, leaving a lasting impact on Montreal’s vibrant music community.

MAZA

Maza met en avant sa vulnérabilité et sa conscience profonde, qu’il mêle à des mélodies jazzy. Maza a poussé son style à incorporer des éléments de soul psychédélique et son style sudiste. Je présente mon prochain album, Yesterday’s Mysteries. Yesterdays Mysteries est un album conceptuel qui s’ouvre sur mon passé et donne à l’auditeur un aperçu des différentes circonstances qui ont contribué à mon développement personnel. L’album montre la vulnérabilité d’être arraché à sa famille et à tout ce que l’on connaît à un jeune âge pour aller vivre dans un pays étranger où ma culture a été négligée et incomprise. Il traite des concepts de culpabilité du survivant, de méfiance à l’égard de la famille et d’identité perdue, pour ensuite se transformer en quelque chose de nouveau. L’œuvre comprend des influences représentant les régions d’où je viens, jouant avec les genres du blues, du jazz et de l’âme psychédélique. L’album vise à montrer la persévérance et la détermination à continuer à être qui je dois être sans jamais oublier qui je suis, en rendant hommage au passé tout en continuant l’héritage de mes ancêtres dans un nouveau monde.

Maza showcases vulnerability and deep consciousness, blending them with jazzy melodies. Maza has pushed his style to incorporate psychedelic soul elements and his Southern style. Showcasing my up and coming release Yesterday’s Mysteries. Yesterdays Mysteries is a concept album that opens about my past and gives the listener a glimpse into the different circumstances that contributed to my personal development. The album showcases the vulnerability of being taken from family and everything you know at a young age to move to a foreign land where my culture was overlooked and misunderstood. Dealing with concepts of survivors guilt, mistrust in family and identity lost, to later rubilid to become something new. The work includes influences representing the regions I am from, playing with genres of Blues, Jazz, and Psychedelic soul. The album aims to showcase perseverance and determination to continue being who I need to be but never forget who I made myself, paying homage to the past while continuing the legacy of my ancestors in a new world.

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