Agenda

acid-techno / DJ set / Électro

Dômesicle x CYBERCUNT — SALOME • Pyromane b2b Cori à la SAT

par Rédaction PAN M 360

On finit cette série Dômesicle en puissance avec le collectif Cybercunt. Une soirée de techno énergétique au féminin et queer avec l’iconique SALOME et les DJs montréalaises Pyromane et Cori en b2b explosif. Depuis Berlin, la DJ et productrice de haut calibre SALOME atterrit à la SAT pour nous offrir son électro, techno et acid qui a enflammé les clubs et festivals du monde entier. En b2b, nos local gems Pyromane (du collectif Cybercunt) et Cori (du collectif T.I.T.S.) serviront un set éclectique et maximaliste au tempo rapide, aux kicks puissants et aux structures percussives complexes. Aucune règle ici. Juste la nuit, le dancefloor et le son qui rentre au poste.

We’re closing this Dômesicle series with a bang with the Cybercunt collective. A night of energetic, queer, and female-driven techno featuring the iconic SALOME and Montreal DJs Pyromane and Cori in an explosive b2b. Flying in from Berlin, high-caliber DJ and producer SALOME lands at the SAT to deliver her electrifying electro, techno, and acid sound that has set clubs and festivals ablaze worldwide. Our local gems Pyromane (from the Cybercunt collective) and Cori (from the T.I.T.S. collective) will serve up an eclectic, maximalist b2b set with fast tempo, powerful kicks, and complex percussive structures. No rules here. Just the night, the dancefloor and sound that hits straight to the core.

SALOME

DJ SALOME, née à Tbilissi, en Géorgie, s’est imposée comme une figure incontournable de la scène musicale électronique après s’être installée à Berlin. DJ, productrice et résidente de la célèbre soirée queer Herrensauna, sa musique est un mélange d’électro, de techno et d’acid (parmi de nombreux autres genres). Elle s’est produite dans des festivals et des clubs parmi les plus réputés au monde, notamment Primavera Sound, Tomorrowland, Dour Festival, Sonar, Dekmantel, Monegros, Draaimolen, Body Movements, WIRE, Fold, Basement et NITSA, pour en nommer quelques-uns. Elle a également partagé la scène avec des artistes tels que SPFDJ, Anetha, Boys Noize, VTSS, LSDXOXO, MCR-T et Brutalismus 3000.

DJ SALOME, born in Tbilisi, Georgia, has emerged as a prominent figure in the electronic music scene after her move to Berlin. As a DJ, producer, and resident of the infamous queer party Herrensauna, her music is a rousing blend of electro, techno and acid (amongst numerous other genres). She has played for some of the most notorious festivals and clubs worldwide, including Primavera Sound, Tomorrowland, Dour Festival, Sonar, Dekmantel, Monegros, Draaimolen, Body Movements, WIRE, and Fold, Basement, and NITSA to name a few. She has also shared the booth with artists like SPFDJ, Anetha, Boys Noize, VTSS, LSDXOXO, MCR-T and Brutalismus 3000.

Pyromane

PYROMANE est une DJ self-made de Tiohtià:ke/Montréal. Entourée de musique tout au long de sa vie, d’abord en jouant de la musique classique à la flûte traversière, elle a toujours voulu devenir DJ et faire danser les gens, surtout leur donner un sentiment de liberté. Tatoueuse, artiste visuelle et cofondatrice de @cybercunt, la musique demeure pour elle une source majeure d’inspiration. Faisant partie de la communauté queer et artistique, ses mix représentent bien ces scènes tout en y ajoutant une touche personnelle éclectique et maximaliste. Elle aime les tempos rapides et bouncy et s’inspire de la musique du monde entier pour donner une expérience réellement hors du commun.

PYROMANE is a self-made dj from Tiohtià:ke/Montreal. Surrounded by music all her life starting with playing classical music on the flute, she always wanted to be a DJ and make people dance, especially to make them feel free. Tattoo artist, visual artist and one of the founders of @cybercunt, music has always been an important source of inspiration for her. Being part of the queer and artistic community, her mixes represent these scenes well, but she also adds her personal eclectic and maximalist touch. She likes fast tempos and bouncy music and draws inspiration from music around the world to give an experience out of the ordinary.

Cori

Cori, anciennement connue sous le nom de Corinita, est l’une des têtes derrière T.I.T.S., un collectif créé par et pour les femmes, centré sur l’idée d’élever son entourage à travers la passion du dancefloor. Que ce soit par son rôle de programmatrice d’événements au sein de la plateforme T.I.T.S. ou derrière les platines, Cori met de l’avant les communautés marginalisées à travers ses sélections de morceaux, ses choix d’artistes et ses événements. Son univers sonore se caractérise par des kicks puissants, des grooves intenses et des ambiances atmosphériques, avec une attention particulière aux structures percussives complexes. Malgré tout, Cori aborde le DJing comme quelque chose qui doit être amusant pour être bon. Aucun genre n’est exclu. Aucune règle n’est applicable.

Cori, formerly known as Corinita, is one of the brains behind T.I.T.S., a for women, by- women collective centered around the notion of uplifting your surroundings through a passion for the dancefloor. Whether it is through her event curator role with the T.I.T.S platform or when she DJs, Cori puts marginalized communities forward with her track selections, bookings and event concepts. Cori’s sound is focused on hard kicks, heavy grooves and ambient sounds atmosphere with an accent on more complex percussive structures. Nonetheless, she approaches DJing as something that needs to be fun to be good. No genre is off limits. No rules are applicable.

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Ce contenu provient de la SAT et est adapté par PAN M 360

chant lyrique / variété

Bruno Pelletier : 3 & moi à la salle Albert-Rousseau

par Rédaction PAN M 360

Dans ce nouveau rendez-vous musical, Bruno Pelletier revisite avec authenticité et générosité les grandes chansons qui ont marqué sa carrière — Coriace, Ailleurs c’est comme ici, Le temps des cathédrales — ainsi que plusieurs classiques indémodables qui l’ont personnellement marqué et inspiré, de Supertramp à Elvis Presley, en passant par The Beatles et Grease. Accompagné de ses complices de toujours – Martin Bachand (guitare), Claude Pineault (multi-instrumentiste) et Brigitte Marchand (voix et envolées lyriques) – Bruno nous invite à un moment de pure complicité musicale, où tout peut arriver. Bruno nous offre une soirée où la virtuosité rencontre la spontanéité. Chaque concert est unique : les musiciens s’amusent, improvisent, se répondent et partagent avec le public le pur plaisir de jouer ensemble, dans une atmosphère à la fois intime et vibrante. Bruno chante, joue de la basse et de la guitare, et se livre avec simplicité sur son parcours, ses inspirations et les histoires derrière ses succès. Entre confidences, rires et moments d’émotion, il nous entraîne dans un tourbillon musical où rock, pop, opéra et même un brin de country se côtoient naturellement. Plus qu’un concert, c’est une rencontre chaleureuse entre quatre amis musiciens et un public conquis — un grand jam collectif où la musique rassemble, où l’on se reconnaît, et d’où chacun repart le sourire aux lèvres et la tête pleine de refrains qu’il connaît par cœur.

Bruno Pelletier revisits the major songs that have defined his career — Coriace, Ailleurs c’est comme ici, Le temps des cathédrales — with heartfelt authenticity and generosity, alongside timeless classics that have personally shaped and inspired him, from Supertramp and Elvis Presley to The Beatles and Grease. Joined by his longtime collaborators – Martin Bachand (guitar), Claude Pineault (multi-instrumentalist), and Brigitte Marchand (vocals and operatic flights) – Bruno invites us into a moment of pure musical synergy where anything can happen. It is an evening where virtuosity meets spontaneity; every concert is unique as the musicians play, improvise, and play off one another, sharing the raw joy of performing in an atmosphere that is both intimate and vibrant. Bruno sings, plays bass and guitar, and opens up simply about his journey, his inspirations, and the stories behind his hits. Between personal anecdotes, laughter, and emotional highlights, he sweeps us up in a musical whirlwind where rock, pop, opera, and even a touch of country coexist naturally. More than just a concert, it is a warm encounter between four musical friends and an adoring audience — a grand collective jam session where music brings people together, where we recognize ourselves, and where everyone leaves with a smile and a head full of choruses they know by heart.

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Ce contenu provient de la salle Albert-Rousseau et est adapté par PAN M 360

jazz / saxophone

FIMAV : Darius Jones Trio « Legend of e’Boi (The Hypervigilent Eye) » au Cabaret Guy-Aubert

par Rédaction PAN M 360

La série Man’ish Boy, dont le plus récent tome s’intitule Legend of e’Boi (The Hypervigilant Eye), est un véhicule visionnaire pour l’époustouflant saxophoniste-compositeur Darius Jones. Celui-ci y déballe une cosmologie et un style éminemment personnels. Ce volet consiste en une profonde méditation sur la santé mentale afro-américaine et sa guérison.

Legend of e’Boi (The Hypervigilant Eye) is the latest chapter in the Man’ish Boy series by composer Darius Jones, a visionary outlet for his astonishing saxophone sound. The series manifests Jones’s highly personal aesthetic and cosmology, and this instalment is a profound meditation on African American mental health and healing.

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classique / post-romantique / violon

Mayumi Seiler & Kyoko Hashimoto à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Ce concert se veut à l’image de ses interprètes, en faisant écho à leurs racines japonaises et européennes. De beaux liens qui se retrouvent aussi dans l’œuvre de l’éminent compositeur japonais Tōru Takemitsu qui fut lui-même inspiré de Debussy. Les sonates de Mozart et de Brahms, pleines de vitalité et de lyrisme, viennent compléter parfaitement ce programme.

This concert echoes the performers’ Japanese and European roots—a blend of influences also found in the music of Tōru Takemitsu, an illustrious Japanese composer who was profoundly influenced by Debussy. Spirited and lyrical sonatas by Mozart and Brahms perfectly round out this programme.

Programme

MOZART Sonate pour violon et piano no 35 en la majeur, K. 526
DEBUSSY Sonate pour violon et piano en sol mineur, L. 140
TAKEMITSU Hika [Élégie], pour violon et piano
BRAHMS Sonate pour violon et piano no 1 en sol majeur, op. 78

Program

MOZART Violin Sonata No. 35 in A major, K. 526
DEBUSSY Violin Sonata in G minor, L. 140
TAKEMITSU Hika [Elegy], for violin and piano
BRAHMS Violin Sonata No. 1 in G major, Op. 78

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avant-garde / musique contemporaine / saxophone

Le Vivier / Semaine du Neuf | Quatuor Quasar : Montréal-Monterrey, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

Après le succès du projet Montréal-Mexico en 2023, Quasar – quatuor de saxophones est fier d’annoncer le renouvellement de sa collaboration avec la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey (ESMDM).

Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf, nous fait ici l’introduction:

« Ce projet a été en incubation à Monterrey,  ce projet inclut des commandes de compositeurs-compositrices mexicains et canadiens, impliquant aussi des chorégraphes mexicains et canadiens. L’entièreté  du programme, en fait, sera constitué des créations et des partenariats et des collaborations entre artistes canadiens et mexicains. Ce projet a été mené de concert avec l’École supérieure de musique et de danse à Monterrey.  C’est vraiment un bel échange. De toute façon, il y a de plus en plus de trucs au Mexique et en Colombie. Il y a beaucoup d’affaires en musique contemporaine aussi, en musique de création.  Quasar cultive cette relation depuis un bon moment, c’est leur deuxième grande collaboration mexicaine.  Je dirais que c’est dans la poursuite de leur démarche amorcée précédemment ».

Cette nouvelle initiative transculturelle fera dialoguer les univers de la musique et de la danse contemporaine du Québec et du Mexique à travers une production ambitieuse. Le projet réunira cinq compositeurs.trice.s et chorégraphes issus des deux communautés, qui créeront en tandem cinq œuvres originales interprétées par dix danseurs et danseuses de l’ESMDM et par les musiciens de Quasar. En conjuguant recherche chorégraphique et composition musicale contemporaine, cette collaboration explore de nouvelles formes de dialogue entre les corps et les sons, tout en favorisant un échange artistique et culturel profond.

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After the success of the Montréal-Mexico project in 2023, Quasar – saxophone quartet is proud to announce the renewal of its collaboration with the Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey (ESMDM).

Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, introduces the project:

« This project was incubated in Monterrey and includes commissions from Mexican and Canadian composers, as well as Mexican and Canadian choreographers. The entire program will consist of creations, partnerships, and collaborations between Canadian and Mexican artists. This project was carried out in collaboration with the Escuela Superior de Música y Danza in Monterrey. It’s a really wonderful exchange. In any case, there are more and more things happening in Mexico and Colombia. There’s a lot going on in contemporary music too, in creative music. Quasar has been cultivating this relationship for quite some time; this is their second major Mexican collaboration. I would say that it’s a continuation of the process they started previously.

This new transcultural initiative will bring together the worlds of contemporary music and dance from Quebec and Mexico through an ambitious production. The project will unite five composers and choreographers from both communities, who will work in tandem to create five original works performed by ten dancers from ESMDM and the musicians of Quasar. By combining choreographic research with contemporary musical composition, this collaboration explores new forms of dialogue between bodies and sounds while fostering a deep artistic and cultural exchange.

Ce contenu provient du Quatuor Quasar et est adapté par PAN M 360

classique rock / metal symphonique

The Rock Orchestra à la salle Wilfrid-Pelletier

par Rédaction PAN M 360

Après une tournée mondiale à guichets fermés, l’Orchestre de rock aux chandelles revient avec un tout nouveau concert épique, mêlant l’intensité du rock et du métal légendaires à une énergie sombre et envoûtante.
Dans un décor féérique illuminé par des centaines de bougies, 14 musiciens classiques livrent des mélodies enivrantes qui se fondent dans de puissants murs de distorsion. Vivez la rencontre inattendue entre la musique classique et du métal.
Au programme : Metallica, AC/DC, The Rolling Stones, Rage Against The Machine, My Chemical Romance, Linkin Park, System Of A Down, Guns N’ Roses, Evanescence, Papa Roach, The Cranberries… et bien plus encore!
Le Rock Orchestra est un collectif tournant de musiciens classiques, composé de certains des plus grands instrumentistes et chanteurs au monde.

After entertaining 700,000 guests across the UK, USA and Europe, The Rock Orchestra by Candlelight is kicking off the first expansive tour of Canada.
Prepare for a spellbinding spectacle that infuses iconic Rock & Metal anthems with a hauntingly beautiful energy.
In ethereal candlelit settings, this band of 14 classical musicians unleash effortlessly enchanting melodies alongside powerful walls of distortion. Witness the unexpected union of Classical music and Metal.
Performing the music of iconic bands including: Metallica, AC/DC, Rolling Stones, Rage Against The Machine, My Chemical Romance, Linkin’ Park, System Of A Down, Guns N Roses, Evanescence, Papa Roach, The Cranberries & MORE!
The Rock Orchestra is a rotating collective of classical musicians, featuring some of the world’s greatest instrumentalists and vocalists.

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Ce contenu provient de la Place des Arts et est adapté par PAN M 360

jazz / musique contemporaine / saxophone

FIMAV : Sakina Abdou / Toma Gouband / Marta Warelis à la salle les-frères-Lemaire

par Rédaction PAN M 360

Après un concert solo mémorable lors de l’édition 2024 du FIMAV, la saxophoniste française Sakina Abdou est de retour, avec son trio Hammer, Roll and Leaf, mettant en vedette l’indescriptible percussionniste Toma Gouband et une jeune pianiste tout simplement géniale, Marta Warelis. Le son d’Abdou est une puissante expérience à la fois nouvelle et éternelle.

Following her unforgettable solo concert at the 2024 FIMAV, French saxophonist Sakina Abdou returns with her Hammer, Roll and Leaf trio with indescribable percussionist Toma Gouband and a brilliant newer voice on piano, Marta Warelis. The sound of Abdou’s saxophone is a powerfully grounding experience, at once palpably new and eternal.

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Ce contenu provient du Festival international de musique actuelle de Victoriaville et est adapté par PAN M 360

Afrique / classique / kora

Zal Sissokho & Laurent Perrault-Jolicoeur – Racines à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Racines, c’est le dialogue entre le jazz et la musique mandingue; la rencontre entre les quatre cordes de la contrebasse occidentale et les vingt-et-une que possède la kora africaine. Laurent Perrault-Jolicoeur et Zal Sissokho cherchent à retisser les liens entre ces deux traditions musicales grâce à leurs compositions qui mêlent rythme, harmonie et improvisation.

Roots is the dialogue between jazz and Mandinka music—the place where the Western double bass with its four strings meets the African kora with its twenty-one. Laurent Perrault-Jolicoeur and Zal Sissokho work to forge new ties between their musical traditions, using captivating rhythms, harmonies, and improvisation in each of their compositions.

Programme/program

Laurent PERRAULT-JOLICOEUR
Farka
À petit feu
Racines
Après la fin
Zal SISSOKHO
Miniamba
Sila
Nadiara
Traditional Mandinka
Bara
Kéléfa
Traditional
Jarabi

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Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360

expérimental / contemporain / improvisation libre

Le Vivier / Semaine du Neuf | Du Vivant + Frying Pan & Nous perçons les oreilles, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

On présente ce concert comme un double plateau de musique improvisée des deux bords du fleuve.

Directeur artistique de la Semaine du Neuf, Jeffrey Stonehouse introduit le concept:

« Alors nous nous retrouvons avec Joane Hétu et son concept Nous perçons les oreilles  qui existe depuis très longtemps, mais qui revient sporadiquement. Cette fois, ii s’agit d’une  soirée dédiée aux improvisateurs. trices. Le groupe se fonde sur Jean-François Laporte et ses instruments inventés, Éric Normand, Philippe Lauzier, Annie Saint-Jean. Il y aura une trame évoquant un territoire mi-fantastique, mi-glauque, cette  performance propose une lecture poétique du tout. Donc avec Jean-François Laporte, bien sûr, on a la présence des instruments de Jean-François, donc de lutherie sauvage. La direction sera tantôt assumée par Joane Hétu, tantôt par Jean Derome. Ce sera aussi une rencontre entre SuperMusique , la communauté Tour de bras et Éric Normand (Rimousk)  et Totem contemporain de Jean-François Laporte. »

Plus précisément:


Du vivant – Tour de Bras & Totem Contemporain
Avec sa lutherie sauvage, son aspect méditatif et son intensité sonore, Du vivant est une performance cinétique et instrumentale qui recrée l’univers sombre du film créé par les artistes en 2020 sur un immense rouleau de papier géant tel un ruban de photo. Si le film évoquait un territoire mi-fantastique mi-glauque, la performance propose une autre lecture: une performance poétique, musicale, et cinétique (sans écran) qui balance entre photographie, film, performance, sténopé et musique improvisée.
Au confluent des âmes – Nous perçons les oreilles & Frying Pan
Ce concert réunit quatre artistes visionnaires qui partagent une même compréhension du geste, qu’il soit musical ou physique. Le duo Frying Pan, constitué des deux grandes danseuses Sarah Bild et Susanna Hood, se joint au duo Nous perçons les oreilles, formé des ébouriffants Jean Derome et Joane Hétu, connu pour sa musique improvisée et expérimentale.


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This concert is presented as a double bill of improvised music from both sides of the St.Lawrence river.

Artistic director of Semaine du Neuf, Jeffrey Stonehouse introduces the concept:

« So here we are with Joane Hétu and her concept Nous perçons les oreilles (We pierce ears), which has been around for a long time but comes back sporadically. This time, it’s an evening dedicated to improvisers. The group is based on Jean-François Laporte and his invented instruments, Éric Normand, Philippe Lauzier, and Annie Saint-Jean. There will be a storyline evoking a territory that is half-fantastic, half-gloomy, and this performance offers a poetic interpretation of the whole. So with Jean-François Laporte, of course, we have the presence of Jean-François’ instruments, and therefore wild lutherie. The direction will be taken on by Joane Hétu at times and Jean Derome at others. It will also be a meeting between SuperMusique, the Tour de bras community and Éric Normand (Rimousk), and Jean-François Laporte’s Totem contemporain. »

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

A double bill of improvised music from both sides of the river

Du vivant – Tour de Bras & Totem Contemporain
With its wild instrumentarium, meditative aspect, and sonic intensity, Du vivant is a kinetic and instrumental performance that recreates the dark universe of the film created by the artists in 2020 on an immense giant roll of paper like a photo ribbon. While the film evoked a half-fantastical, half-murky territory, the performance offers another reading: a poetic, musical, and kinetic performance (without a screen) that oscillates between photography, film, performance, pinhole camera, and improvised music.
Au confluent des âmes – Nous perçons les oreilles & Frying Pan
This concert brings together four visionary artists who share the same understanding of gesture, whether musical or physical. The duo Frying Pan, consisting of two great dancers Sarah Bild and Susanna Hood, joins the duo Nous perçons les oreilles, formed by the electrifying Jean Derome and Joane Hétu, known for their improvised and experimental music.

danse / Experimental / musique contemporaine

Le Vivier / Semaine du Neuf | Ictus & Ula sickle – Holding Present, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

Holding Present, collaboration entre la chorégraphe Ula Sickle et l’ensemble de musique contemporaine bruxellois Ictus, est une performance où musique et danse se fondent en un geste collectif puissant. Sur scène, sept interprètes – trois musiciens et quatre danseurs – partagent le même espace, brouillant les frontières entre corps et instruments. La pièce explore comment un mouvement individuel peut devenir un acte commun. Inspiré par les mouvements de protestation passés et présents, Holding Present devient ainsi une réflexion scénique sur la communauté : un espace où la présence partagée, le rythme commun et l’écoute mutuelle dessinent une forme d’action collective. Entrelaçant des œuvres existantes et nouvellement commandées d’Alvin Lucier, Pauline Oliveros, Didem Coskunseven et Stellan Veloce, l’œuvre propose une autre manière d’habiter ensemble le présent, dans une intensité physique et symbolique rare.

Voici ce qu’en pense Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf:

“Co-présentée par L’Agora de la danse et Le Vivier, Holding Present est une proposition où, sur scène, on a trois musiciens et quatre danseurs, mais les interprètes partagent le même espace et les frontières entre les disciplines disparaissent. Les danseurs deviennent musiciens, les musiciens deviennent danseurs et interprètent des œuvres d’artistes renommés comme Alvin Lucier ou  Pauline Oliveros. J’ai vu ce spectacle  pour la première fois à Paris, et ça m’a bouleversé. J’ai trouvé super poétique cette façon de travailler est très loin de ce qu’on fait présentement ici à Montréal. Ici, on va plutôt travailler avec une chorégraphe, mais il va y avoir quand même une distinction entre ce qui est fait musicalement  et ce qui est accompli par le ou la chorégraphe.  On sort de ce show, d’ailleurs, en se demandant si c’était de la musique ou de la danse. Je ne le sais toujours pas, et ce n’est pas grave parce que ce à quoi j’ai assisté était fantastique. Quand on n’a pas l’impression qu’un médium domine l’autre, on ne se pose pas la question, c’est tout.”

Programme

-Alvin Lucier: Silver Street Car for the Orchestra , 1988 pour pour triangle amplifié0
-Gert Aertsen: On to somewhere near , 2017 – 2019 pour pour 5 tubes d’aluminum
-Stellan Veloce: A giant blowing machine or a pocket tin sandwich , 2021 pour pour 5 musiciens avec harmonicas diatoniques et mégaphones
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 1 , 2023 pour improvisation pour synthétiseur modulaire, timbales amplifiées, flûte basse et électronique
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 2 , 2023 (commande de Ictus et Ircam-Centre Pompidou) pour pour synthétiseur modulaire et guitare électrique
-Pauline Oliveros: Rock piece , 1979
-Pauline Oliveros: Teen age piece , 1980
-Pauline Oliveros: Environmental dialogue , 1975 – 1996
-Gert Aertsen: On to somewhere near , 2017 – 2019 pour pour 1 tube d’aluminium
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 3 , 2023 pour Pour des sons fixes, flûte basse, timbales, guitare électrique et clavier, improvisation avec rhombe

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Holding Present, a collaboration between choreographer Ula Sickle and the Brussels contemporary music ensemble Ictus, is a performance where music and dance merge into a powerful collective gesture. On stage, three musicians and four dancers share the same space, blurring the boundaries between bodies and instruments. The piece explores how an individual movement can become a common act. Inspired by past and present protest movements, Holding Present thus becomes a stage reflection on community: a space where shared presence, common rhythm, and mutual listening sketch out a form of collective action. Interweaving existing and newly commissioned works by Alvin Lucier, Pauline Oliveros, Didem Coskunseven, and Stellan Veloce, the work proposes another way of inhabiting the present together, in a rare physical and symbolic intensity.

Here is what Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, has to say about it:

“Co-presented by L’Agora de la danse and Le Vivier, Holding Present is a production featuring three musicians and four dancers on stage, but the performers share the same space and the boundaries between disciplines disappear. The dancers become musicians, the musicians become dancers, and they perform works by renowned artists such as Alvin Lucier and Pauline Oliveros. I saw this show for the first time in Paris, and it moved me deeply. I found this way of working to be incredibly poetic, very different from what we currently do here in Montreal. Here, we tend to work with a choreographer, but there is still a distinction between what is done musically and what is accomplished by the choreographer. You leave the show wondering whether it was music or dance. I still don’t know, and that’s okay because what I saw was fantastic. When you don’t feel that one medium dominates the other, you don’t ask yourself the question, that’s all. »

Program

-Alvin Lucier: Silver Street Car for the Orchestra , 1988 for for amplified triangle
-Gert Aertsen: On to somewhere near , 2017 – 2019 for for 5 aluminum tubes
-Stellan Veloce: A giant blowing machine or a pocket tin sandwich , 2021 for for 5 players with diatonic harmonicas and megaphones
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 1 , 2023 for for modular synthesizer Improvisation for amplified timpani with bass flute and electronics
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 2 , 2023 (commission of Ictus and Ircam-Centre Pompidou) for for modular synthesizer and electric guitar
-Pauline Oliveros: Rock piece , 1979
-Pauline Oliveros: Teen age piece , 1980
-Pauline Oliveros: Environmental dialogue , 1975 – 1996
-Gert Aertsen: On to somewhere near , 2017 – 2019 for for 1 aluminum tube
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 3 , 2023 for for fixed sounds, bass flute, timpani, electric guitar and keyboard, improvisation with bullroarer

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

expérimental / contemporain / improvisation libre

Le Vivier / Semaine du Neuf | Limules + No Hay Banda & Ana María Romano, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf, nous emmène au programme de l’ultime concert au programme:

« Le Festival se conclut  avec un programme double qui met en vedette le groupe d’improvisation Limul avec No Hay Banda qui invite Anna Maria Romano. Donc, c’est une rencontre des corps, des souvenirs, des rêves qui s’entrelacent à travers une écoute curieuse, on pourrait dire. Une œuvre qui  dialogue avec des univers sonores qui sont à la fois nourris d’histoires personnelles, mais aussi qui sont en lien avec les instruments. J’ai très hâte d’assister à cette rencontre entre No Hay  Banda et la compositrice colombienne  Anna-Maria Romano qui sera sur place. »

Un programme double mettant en vedette le groupe d’improvisation Limules aux côtés de No Hay Banda et Ana María Romano.
No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado (personne ne peut enlever ce que nous avons dansé)
Une rencontre des corps, des souvenirs, des rêves et des sensibilités qui s’entrelacent à travers l’écoute et la curiosité. Cette œuvre fait dialoguer des univers sonores nourris d’histoires personnelles, de liens avec les instruments, d’affects, de confiance et d’échanges culturels. Elle est une invitation à respirer, imaginer, créer, transformer. Un espace où se croisent la conversation, la minutie, la subtilité, la vulnérabilité, le petit, le fragile. Un pari sur les présents, les passés et les futurs qui nous relient et nous parlent.
Limules
Réunissant des improvisateurs férus de langages contemporains, le groupe explore les formes de l’improvisation libre en travaillant sur la permanence et la transformation, le stable et l’imprévisible. Comme la musique, la limule présente un conservatisme morphologique exceptionnel. Cependant, les études biochimiques montrent qu’un grand nombre de caractères moléculaires distinguent les organismes actuels des espèces éteintes, même morphologiquement proches. Si l’animal remonte à plus de 50 millions d’années, l’ensemble est né en 2022, d’un simple désir d’improvisation outre-frontière.

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Programme

  • Ana María Romano: No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado , 2025 – 2026  – création
  • Limules , 2026  – création

Artistes

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Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, takes us through the program for the final concert:

« The Festival concludes with a double bill featuring the improvisational group Limul with No Hay Banda, who invite Anna-Maria Romano. So, it’s an encounter of bodies, memories, and dreams that intertwine through what you might call curious listening. A work that engages in dialogue with soundscapes that are both nourished by personal stories and connected to the instruments. I am very much looking forward to attending this encounter between No Hay Banda and Colombian composer Anna-Maria Romano, who will be there.

A double bill featuring the improvisation group Limules alongside No Hay Banda and Ana María Romano.
No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado (no one can take away what we have danced)
A meeting of bodies, memories, dreams, and sensibilities that intertwine through listening and curiosity. This work creates a dialogue between sonic universes nourished by personal stories, connections with instruments, affects, trust, and cultural exchanges. It is an invitation to breathe, imagine, create, transform. A space where conversation, meticulousness, subtlety, vulnerability, the small, the fragile intersect. A wager on the presents, pasts, and futures that connect us and speak to us.
Limules
Bringing together improvisers passionate about contemporary languages, the group explores forms of free improvisation by working on permanence and transformation, the stable and the unpredictable. Like music, the horseshoe crab (limule in french) exhibits exceptional morphological conservatism. However, biochemical studies show that a large number of molecular characteristics distinguish current organisms from extinct species, even those that are morphologically similar. While the animal dates back more than 50 million years, the ensemble was born in 2022, from a simple desire for cross-border improvisation..

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Program

  • Ana María Romano: No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado , 2025 – 2026  – premiere
  • Limules , 2026  – premiere

Artists

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

afro-latin / Europe de l'Est / klezmer

Syli d’Or : Thaynara Peri & Red Hot Chili Schleppers au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Thaynara Peri est une chanteuse, compositrice et percussionniste brésilienne basée à Montréal. Son parcours artistique se développe à la croisée des racines afro-brésiliennes et d’influences variées telles que le jazz, le rock et la bossa nova. Parallèlement à son travail personnel, Thaynara fait partie du groupe Tamboreal Samba Bloco, où elle se produit comme chanteuse et percussionniste. Avec le groupe, elle a participé au Festival International Nuits d’Afrique, une expérience marquante qui a nourri son rapport au groove, à l’énergie collective et à l’improvisation. Ses projets personnels reflètent cette richesse d’influences, mêlant ijexá, samba de coco et percussions traditionnelles à des harmonies contemporaines et une interprétation vocale à la fois puissante et sensible. Sur scène, Thaynara propose des performances immersives, ancrées dans le rythme, le mouvement et la présence.
Les Red Hot Chili Schleppers, c’est pas le klezmer de ta Bubbe ! Ce groupe montréalais revisite avec fougue et humour les airs traditionnels juifs dans un style qu’il décrit comme du « klezmer pour le club » : une fusion festive et débridée entre tradition et modernité. Leur musique fait tour à tour rire, pleurer et danser le public jusqu’au bout de la nuit. Depuis trois ans, les Red Hot Chili Schleppers enflamment les scènes à Montréal, au Québec et à travers le Canada, avec un sens du rythme contagieux et une joie de jouer irrésistible.

Thaynara Peri is a Brazilian singer, songwriter, and percussionist based in Montreal. Her artistic journey unfolds at the crossroads of Afro-Brazilian roots and diverse influences such as jazz, rock, and bossa nova. Alongside her solo work, Thaynara is a member of the group Tamboreal Samba Bloco, where she performs as both singer and percussionist. With the group, she took part in the Festival International Nuits d’Afrique, a defining experience that deepened her connection to groove, collective energy, and improvisation. Her personal projects reflect this wealth of influences, blending ijexá, samba de coco, and traditional percussion with contemporary harmonies and a vocal style that is both powerful and sensitive. On stage, Thaynara offers immersive performances rooted in rhythm, movement, and presence.
The Red Hot Chili Schleppers, this ain’t your Bubbe’s klezmer! This Montreal-based band brings new life to traditional Jewish tunes with infectious energy and humor, in a style they like to call “klezmer for the club.” A vibrant mix of old-world soul and modern groove. Their music will make you laugh, cry, and dance all night long. For the past three years, the Red Hot Chili Schleppers have been lighting up stages across Montreal, Quebec, and Canada, sharing their unmistakable energy and love of music wherever they go.

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Ce contenu provient du Club Balattou et est adapté par PAN M 360

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