Montréal

DJ set / dub-techno / électroacoustique

EAF x SAT — Andy Stott (live) • Corporation (live) + William Hayes-Dulude

par Rédaction PAN M 360

Le duo Corporation (Racine, Keru Not Ever) ouvrira les festivités en présentant une musique dance et électronique mêlant collages plunderphoniques et sampling étoffé. William Hayes-Dulude les accompagnera avec des visuels créés spécialement pour l’occasion. Le clou de la soirée, Andy Stott, vous fera planer sur ses instrumentations dub-techno vaporeuses, lentes et percutantes, où kicks puissants guident le public à travers brouillard et voix hypnotiques.
Attendez-vous à une nuit atmosphérique remplie de surprises.

Starting the ceremonies is the duo Corporation (Racine, Keru Not Ever), presenting electronic/dance music with plunderphonic collage, and deep sample research. To top it off, William Hayes-Dulude will accompany them on visuals with a bespoke piece. Crown jewel of the night – Andy Stott – will present his vaporous instrumentations, where steady kicks guide the audience through haze and hypnotic vocals, shaping them into his famous slow dub-techno bangers.
A night promising a deep hypnotic atmosphere and surprising twists.

Andy Stott

Andy Stott, né à Oldham et basé dans la région de Manchester, est un producteur britannique dont la carrière a évolué de manière constante depuis ses débuts au milieu des années 2000. Ancien élève de piano, il s’est tourné vers le sound design et a commencé à sortir de la musique sous le label Modern Love en 2005. Ses premières expérimentations en dub techno ont abouti à son premier album Merciless (2006), avant qu’il n’adopte des sonorités plus sombres et expérimentales sur Passed Me By et We Stay Together (2011). Ses œuvres ultérieures, dont Luxury Problems (2012) et Never the Right Time (2021), mettent en avant ses collaborations avec Skidmore et son style atmosphérique unique.

Andy Stott, born in Oldham and based around Manchester, is a British producer whose career has steadily evolved since his debut in the mid-2000s. A former piano student, he shifted to sound design and began releasing music with the Modern Love label in 2005. His early dub techno experiments culminated in his first album Merciless (2006), before he embraced darker, more experimental sounds on Passed Me By and We Stay Together (2011). Later works, including Luxury Problems (2012) and Never the Right Time (2021), showcase hiscollaborations with Skidmore and his uniquely atmospheric style.

Corporation

Le duo Corporation, formé par Racine (Julien Racine) et Keru Not Ever (Justin Leduc-Frenette), associe depuis plusieurs années la musique électronique contemporaine aux pratiques brutes de l’électroacoustique et de la musique plunderphonique. Ce processus – comme en témoignent leur premier album, Graffito (2019 [Genot Centre]) et leur deuxième, Tableaux du doute (tbr – 2025 [Danse Noire]) – résulte en une musique hallucinatoire fondée sur le collage, la superposition, la répétition, la synthèse et l’enregistrement sur le terrain, composée comme un théâtre acousmatique d’artefacts sonores sans acteurs.

The duo Corporation, formed by Racine (Julien Racine) and Keru Not Ever (Justin Leduc-Frenette), have been linking contemporary electronic music with the brute practices of electro-acoustic and plunderphonic music for several years. This – as patent in their debut album, Graffito (2019 [Genot Centre]) as in their sophomore, Tableaux du doute (tbr – 2025 [Danse Noire]) – results in hallucinatory music based on collage, superposition, repetition, synthesis and field-recording. It is composed as an acousmatic theater of sound artifacts without actors.

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classique

Orchestre Philharmonique et Chœur des Mélomanes : Puccini – Turandot en concert à la Maison symphonique

par Rédaction PAN M 360

Vivez une soirée inoubliable de drame, de passion et de musique saisissante avec une version concert de Turandot de Giacomo Puccini. 
Cet opéra emblématique, situé dans la Chine antique, raconte l’histoire palpitante de la princesse Turandot, dont le cœur glacé et le défi impitoyable envers ses prétendants créent une atmosphère de mystère et de suspense.
L’opéra regorge de certaines des musiques les plus puissantes et émotionnelles de Puccini, incluant l’air célèbre Nessun Dorma, qui est devenu un symbole de triomphe et d’espoir. Des moments intenses et dramatiques aux mélodies aériennes et luxuriantes, Turandot est un voyage émotionnel qui captive le public du début à la fin.
Interprété par l’Orchestre Philharmonique et Chœur des Mélomanes sous la direction de Francis Choinière, cette version concert donne vie à l’opéra avec toute la force d’un orchestre symphonique, accompagné de chanteurs de classe mondiale qui insuffleront une vie vibrante aux personnages inoubliables de cet opéra.

Enjoy an unforgettable evening of drama, passion, and stunning music with a concert version of Giacomo Puccini’s Turandot.
This iconic opera, set in ancient China, tells the thrilling story of Princess Turandot, whose cold heart and ruthless challenge to her suitors create an atmosphere of mystery and suspense.
The opera is filled with some of Puccini’s most powerful and emotional music, including the famous aria Nessun Dorma, which has become a symbol of triumph and hope. From the intense and dramatic moments to the soaring, lush melodies, Turandot is an emotional journey that captivates audiences from start to finish.
Performed by the Orchestre Philharmonique et Chœur des Mélomanes under the baton of Francis Choiniere, this concert version brings the opera to life with the full force of a symphonic orchestra, accompanied by world-class vocalists who will bring the unforgettable characters of the opera to vivid life.

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classique / post-romantique

OSM : Wagner et Debussy – De l’amour à la mer

par Rédaction PAN M 360

Dans ce programme, l’alto, avec ses sonorités profondes et émouvantes, exprime la douleur de la séparation qui résonne dans l’œuvre de Wagner et dans le Concerto de la compositrice canadienne Cassandra Miller, créé en 2023 par Lawrence Power. Quant à Debussy, il dépeint la mer à travers des touches impressionnistes, mêlant nostalgie et rêve, pour un voyage sonore fait de subtiles sensations. Une expérience musicale à la fois intense et poétique, à découvrir absolument!

This program highlights the viola’s deep, expressive voice in Canadian composer Cassandra Miller’s Concerto, a poignant reflection on separation premiered in 2023 by Lawrence Power, and an excerpt from Wagner’s Tristan and Isolde, both poignant reflections on separation. Meanwhile, Debussy paints a vivid portrait of the sea with impressionistic colours, immersing listeners in a nostalgic and dreamlike soundscape. Enjoy a musical journey that is both powerful and poetic.

Programme

Hector Berlioz, Le Corsaire, Ouverture, op. 21, H 101 (8 min)
Cassandra Miller, I cannot love without trembling, concerto pour alto (25 min)
Richard Wagner, Tristan und Isolde, WWV90 : Prélude et mort d’Isolde (17 min)
Claude Debussy, La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre, L. 109, CD 111 (23 min)

Program

Hector Berlioz, Le Corsaire, Overture, Op. 21, H 101 (8 min)
Cassandra Miller, I cannot love without trembling, Concerto for Viola (25 min)
Richard Wagner,  Tristan und Isolde, WWV90: Prelude and death of Isolde (17 min)
Claude Debussy, La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre, L. 109, CD 111 (23 min)

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expérimental / musique contemporaine / post-rock

Le Vivier : Emmanuel Lacopo & Il Buio à la Salle Bleue de l’Édifice Wilder

par Rédaction PAN M 360

Il Buio est un ensemble basé à Montréal qui explore les frontières de la musique classique du XXIe siècle à travers la collaboration, l’expérimentation et les pratiques transgenres. Fondé par Emmanuel Jacob Lacopo, l’ensemble réunit cordes, guitares, percussions, piano et électronique afin de créer des œuvres immersives mêlant musique de chambre, post-rock, musique ambiante et pratiques contemporaines. Inspiré par l’héritage de la musique expérimentale montréalaise ainsi que par des artistes comme Godspeed You! Black Emperor, Il Buio propose des expériences de concert à la fois audacieuses et accessibles, qui renouvellent la manière dont le public découvre et vit la musique de chambre contemporaine.

Il Buio is a Montréal-based large ensemble exploring the boundaries of 21st-century classical music through collaboration, experimentation, and cross-genre practice. Founded by guitarist and composer Emmanuel Jacob Lacopo, the ensemble combines strings, guitars, percussion, piano, and electronics to create immersive works that blend chamber music, post-rock, ambient music, and contemporary classical practices. Inspired by Montréal’s experimental music legacy and artists such as Godspeed You! Black Emperor, Il Buio creates adventurous and approachable concert experiences that expand how audiences engage with contemporary chamber music.

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emo / fuzz-rock / pop psychédélique

Coup de cœur francophone : Valery Vaughn et Vincent Khouni au Quai des Brumes

par Rédaction PAN M 360

Valery Vaughn

Valery Vaughn, c’est Vincent et Victor : une quantité déraisonnable de V, mais aussi deux amis qui ont décidé de faire le party à leur manière. Duo basse et batterie offrant un fuzz-rock aux échos emo, minimaliste dans la forme mais massif dans l’impact, VV se fait à la fois dansant, abrasif et mélancolique : parce que le moshpit c’est ben la meilleure place pour ressasser des sentiments. Sont-ils les rois de l’underground… de l’underground? Peut-être, mais une chose est sûre : l’amitié, c’est le band; le band, c’est l’amitié.

Valery Vaughn is Vincent and Victor: an absurd number of V’s, but also two friends who’ve decided to party their own way. A bass-and-drums duo delivering fuzz-rock with emo undertones—minimalist in form but massive in impact—VV is at once danceable, abrasive, and melancholic: because the mosh pit is definitely the best place to mull over your feelings. Are they the kings of the underground… of the underground? Maybe, but one thing is certain: friendship is the band; the band is friendship.

Vincent Khouni

Artiste visuel à temps perdu, Vincent Khouni aime jouer avec les images, les mots et leurs résonances, créant des chansons comme il fait des collages. Aussi leader du groupe rock garage montréalais Double Date with Death (DDWD), c’est en solo qu’il explore des textures plus intimes, allant de la psych-pop à l’électro et au post-rock. Suivant 8:12pm, un premier mini-album salué par Le Devoir comme « une dose de réconfort », il offrait l’hiver dernier Accident, un EP comme une micro-odyssée intérieure, où les émotions se fondent dans la matière sonore.

A visual artist in his spare time, Vincent Khouni enjoys playing with images, words, and their resonances, creating songs the same way he makes collages. Also the frontman of the Montreal garage rock band Double Date with Death (DDWD), he explores more intimate textures as a solo artist, ranging from psych-pop to electro and post-rock. Following 8:12pm, a debut mini-album hailed by Le Devoir as “a dose of comfort,” he released Accident last winter—an EP that feels like a micro-odyssey of the inner self, where emotions blend into the soundscape.

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théâtre musical

Le Vivier : Mathilde Côté: Suzanne Guité – Théâtre Musical Contemporain à l’Espace orange de l’Édifice Wilder

par Rédaction PAN M 360

Entre théâtre et musique, le projet Suzanne Guité porté par la compositrice gaspésienne Mathilde Côté, met en lumière la vie, l’œuvre et la fougue de cette créatrice visionnaire. Suzanne Guité était une artiste gaspésienne, une femme d’idées, d‘images et de mots. Des années 1950 à 1980, elle a mené de front sa carrière d’artiste, produit sculptures, murales, aquarelles et œuvres textiles, dirigé un centre d’art à Percé et élevé 4 enfants entre le Mexique, l’Europe et la Gaspésie. Suite à son assassinat en 1981, elle est tombée dans l’oubli collectif, comme trop de femmes de son époque. Alors que l’année 2026 marque le centenaire de sa naissance, la compositrice Mathilde Côté lui rend un hommage poétique. On découvre Suzanne Guité à travers sa propre parole, incarnée par l’actrice et percussionniste Krystina Marcoux, Suzanne prend vie et se raconte. La pierre et le bois à sculpter deviennent des entités sonores en conversation avec l’artiste. On y parle d’art, d’amour et de maternité dans ce qu’ils ont de beau, de fort et de difficile.

Between theatre and music, the Suzanne Guité project, led by Gaspesian composer Mathilde Côté, brings to light the life, work and fervour of this visionary creator. Suzanne Guité was a Gaspesian artist, a woman of ideas, images and words. From the 1950s to the 1980s, she pursued her career as an artist on all fronts — producing sculptures, murals, watercolours and textile works, directing an art centre in Percé and raising four children between Mexico, Europe and the Gaspé Peninsula. Following her murder in 1981, she fell into collective oblivion, like too many women of her time. As the year 2026 marks the centenary of her birth, composer Mathilde Côté pays her a poetic tribute. We discover Suzanne Guité through her own words: embodied by actress and percussionist Krystina Marcoux, Suzanne comes to life and tells her own story. The stone and wood awaiting the sculptor’s hand become sonic entities in conversation with the artist. The work speaks of art, of love and of motherhood — in all that is beautiful, powerful and difficult about them.

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électroacoustique / expérimental / contemporain

Festival Flux : Beatings Are in the Body + Tallado En El Aire à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Beatings Are in the Body

Beatings Are in the Body est un nouveau projet puissant et énigmatique, réunissant trois figures majeures de la musique expérimentale canadienne : la pianiste, compositrice et improvisatrice Róisín Adams (Vancouver), la vocaliste et compositrice Erika Angell (Montréal) et la violoncelliste, compositrice et improvisatrice Peggy Lee (Vancouver). Comme leur nom l’indique, leur musique possède une dimension brute et volatile : elle explore la manière dont les souvenirs, la douleur et une palette d’émotions sont stockés dans le corps et continuent d’y être portés. Leurs compositions cherchent à libérer des mémoires neuronales profondément ressenties à travers des vibrations sonores, tout en agissant comme un baume pour des corps fatigués et des âmes tourmentées.

Beatings Are in the Body is a powerful and enigmatic new project from three of Canada’s leading figures in experimental music—Vancouver-based pianist, composer, and improviser Róisín Adams (of Hildegard’s Ghost), Montréal-based experimental vocalist and composer Erika Angell (of Thus Owls), and fellow Vancouverite Peggy Lee—a renowned cellist, composer and improviser. As their name indicates, there’s a raw, volatile dimension to the music they create; it’s an investigation of how memories, pain, and a spectrum of emotions are stored in and continue to be carried by our physical bodies. Their “compositions seek to unlock some deeply felt neural memories and release them via sonic vibrations” (Annapoorna Shruthi for The Vancouver Arts Review) while “acting like a balm on our tired bodies and tortured souls” (Gérard de Oliviera, Á Décrouvrir Absolument).

Tallado En El Aire

Tout comme les artistes (public compris), chaque espace porte une empreinte, une trajectoire et une volonté qui lui sont propres — somme des intérêts qu’il rassemble, de ses particularités acoustiques et de l’ensemble des sons qu’il accueille, invoque, favorise et accumule. Chaque lieu constitue en soi un univers sonore riche et profond, un univers taillé dans l’air. Tallado en el aire part de l’approche de l’univers sonore où elle prend place, et de la relation que ses interprètes établissent avec celui-ci, en prenant en compte à la fois certains sons survenant dans la salle pendant l’exécution elle-même, et les sons présents dans des « phonographies ». Pour l’élaboration de la trame électronique de Tallado en el aire, Áñez and Geneviève Liboiron ont fouillé dans les archives sonores du Festival Suoni Per Il Popolo , et inclut des extraits de concerts des éditions de 2009, 2017 et 2018, dans des événements ayant lieu à la Sala Rossa. Tallado en el aire est composé d’Adrianne Munden-Dixon (violon), de Daniel Áñez (piano) et de Daniel Leguizamón (composition).

Like artists (and audience), every space bears its own imprint, trajectory, and will—shaped by the interests it brings together, its acoustic particularities, and the totality of sounds it hosts, invokes, fosters, and accumulates. Each place is, in itself, a rich and profound sonic universe—an universe carved in air. Tallado en el aire begins from an engagement with the sonic universe in which it takes place, and with the relationship its performers establish with it, considering both certain sounds that occur in the room during the performance itself, and the sounds present in the “phonographies”. For the creation of the electroacoustic track of Tallado en el aire, Áñez and Geneviève Liboiron dug into the sonic archives of the Suoni Per Il Popolo Festival, and includes excerpts of concerts from the 2009, 2017 and 2018 editions, all happening at Sala Rossa. Tallado en el aire features Adrianne Munden-Dixon (violon), Daniel Áñez (piano) and Daniel Leguizamón (composition).

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folk

POP Montréal 2026 : Le Ren sur le toit du Rialto

par Rédaction PAN M 360

Sur Don’t Be Funny Without Me (DBFWM), Le Ren nous confie, avec une douce évidence : « J’aime l’homme que je voulais être. » Elle est à la fois drôle et bouleversante, lucide tout en se laissant parfois tromper par elle-même. Tout au long de l’album, elle garde ces contradictions près d’elle : sans honte et pourtant honteuse, honnête mais encore en quête d’une version de la vérité qui ferait un peu moins mal. Au cœur de DBFWM se trouvent l’amour, la jalousie et les façons inconfortables dont ces deux sentiments s’entremêlent. À travers l’album, Le Ren revient sur les enchevêtrements émotionnels de sa vingtaine et sur le tiraillement persistant entre attachement, envie et conscience de soi. Il en résulte un disque à la fois tendre et finement observateur, qui équilibre sincérité et un humour discret, presque protecteur. Le Ren, au cas où vous ne le sauriez pas déjà, est la drôle. Après avoir longuement tourné en première partie d’artistes comme Jeff Tweedy, Devendra Banhart et Men I Trust, Le Ren est revenue au Canada pour enregistrer l’album à Mountain Grove, en Ontario. Coproduit avec ses amis de longue date Fez Gielen et Jonas Bonetta, DBFWM porte une sensibilité résolument canadienne. Les paroles de Le Ren sont imprégnées de cette endurance nordique, comme regarder le soleil se coucher derrière l’asphalte fissuré de l’avenue du Parc ou depuis le stationnement de ton On Route préféré. Sur le plan sonore, DBFWM est plus ample que son prédécesseur : arrangements plus riches, harmonies superposées et instrumentation entraînante viennent soutenir la voix angélique de Le Ren. L’album évoque la chaleur d’influences classiques comme Emmylou Harris et l’intensité émotionnelle de Gillian Welch, tout en restant profondément ancré dans une voix qui continue d’évoluer. Don’t Be Funny Without Me se termine là où il commence : avec le désir, chez Le Ren, d’un amour simple et pur, quelque chose qui se rapproche davantage de sa relation avec la musique elle-même. Ce faisant, elle chante son identité en devenir, aspirant à devenir celle qu’elle imagine. À la fois douloureux et envoûtant, le disque ressemble à un road trip d’après-rupture avec ta meilleure amie : aucune destination précise, un coffre rempli de bagages (au sens propre comme au figuré), et une lumière tachetée qui réchauffe ton visage à travers la vitre de la voiture.

On Don’t Be Funny Without Me (DBFWM), Le Ren tells us, “I love the man I wanted to be,” as a matter of tender fact. She is funny while devastating, self-aware and a little self-deceiving. Across the record, she holds those contradictions close: shameless and ashamed, honest but still searching for a version of the truth that hurts a little less. At its core, DBFWM explores love, jealousy, and the uneasy ways the two often intertwine. Across the album, Le Ren reflects on emotional entanglements from her twenties and the lingering push-and-pull between attachment, envy, and self-awareness. The result is a record that is both tender and sharply observant, balancing sincerity with a quiet, self-protective humour. Le Ren, if you didn’t already know, is the funny one. After touring extensively opening for acts like Jeff Tweedy, Devendra Banhart, and Men I Trust, Le Ren returned to Canada to record the album in Mountain Grove, Ontario. Self-produced alongside old friends Fez Gielen and Jonas Bonetta, DBFWM carries a distinctly Canadian sensibility—Le Ren’s lyrics are imbued with that northern endurance, like watching the sunset fade behind the cracked asphalt on avenue du Parc, or from the parking lot of your favourite On Route. Sonically, DBFWM is more expansive than its predecessor: fuller arrangements, layered harmonies, and driving instrumentation that complement Le Ren’s angelic vocals. The record evokes the warmth of classic influences like Emmylou Harris and the emotional edge of Gillian Welch, while remaining firmly rooted in her own evolving voice. Don’t Be Funny Without Me ends where it begins: with Le Ren craving an uncomplicated, pure love—something closer to her relationship with music itself. In doing so, she sings her evolving, aspirational self into being. Aching and intoxicating, the record feels like a post-breakup road trip with your best friend: no fixed destination, a trunk full of baggage (literal and figurative) and mottled sunlight warming your face through the car window.

LES BILLETS POUR CET ÉVÉNEMENT SONT ÉPUISÉS!

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DJ set / Moyen-Orient / Levant / Maghreb

Festival Orientalys : DJ Mina au Quai de l’Horloge

par Rédaction PAN M 360

L’accordéon de Farzad Milani ne joue pas seulement des notes, il dessine des espaces entre elles. Compositeur, chanteur et chercheur basé à Montréal, l’artiste creuse depuis des années les modes persans et leurs micro-intervalles, ces nuances subtiles absentes du système occidental mais essentielles à l’âme de cette musique. Avec ses acolytes sur scène, il compose un pont entre les traditions orales du Moyen-Orient et les pratiques harmoniques d’ici, sans jamais sacrifier l’une pour l’autre.
Sa musique n’est pas pensée pour être seulement écoutée : le rythme y est structurel, le mouvement y est intégré dès la composition, si bien que le corps répond avant même que l’oreille comprenne pourquoi. Entre répertoires traditionnels et pièces originales, Milani propose une expérience immersive où la rigueur de la recherche rencontre le plaisir simple de danser.

Some DJs mix sounds. DJ Mina mixes worlds. A son of the Nile raised at the Cairo Opera House, who passed through the choirs of Mary, Queen of the World Cathedral before conquering the clubs, Mina never chose between tradition and the night; he decided the two would speak to each other instead. On his turntables, the ancestral oud slips into house music, Middle Eastern rhythms embrace Latin accents, and for the length of a set, Montreal becomes somewhere between Cairo, Ibiza, and the Old Port.
A trained pharmacist and master of nighttime formulas, he never improvises his mixes; they’re measured, balanced, and set to explode at exactly the right moment.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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autochtone / indie pop / reggae

Présence autochtone : TDH aux Jardins Gamelin

par Rédaction PAN M 360

Tommylee Dauphinais Howard est un jeune artiste dont les origines jamaïcaines et premières nations Innu de Mashte Uiatsh du Saguenay-Lac-Saint-Jean ont fortement influencé son parcours créatif au cours des dernières années. Aujourd’hui, Tommylee Dauphinais Howard effectue un retour aux sources sous la bannière de Nikamo Production, explorant l’univers de la musique fusion contemporaine allant du reggae québécois, du folk, du Indie pop, du rock et cherche à faire connaitre cette identité musicale alternative. Ses derniers titres, « La raison m’échappe » et « No Fear », témoignent de cette exploration artistique. Il cherche à repousser les limites de sa créativité et prépare le terrain pour son prochain album, sur lequel il travaille avec passion depuis déjà deux ans. Dans ce processus de création TDH comprend l’importance qu’on les mots, l’histoire de ses ancêtres et l’impact que les chansons peuvent avoir sur la population. Il tentera d’approcher des sujets plus sensibles le tout en français. TDH eu la chance de collaborer avec Mia Kelly, ENOMiS, QuietMike, Otto, Samian, Elie Paquet, Ramon Chicharron, Fovelle ainsi que bien d’autres artistes déjà établi ou encore émergents. Il a eu l’opportunité de collaborer avec des artistes qui ont su croire en lui et qui ont également beaucoup à proposer. Tommylee Dauphinais Howard est un artiste énergique et talentueux, qui trouve dans son art une véritable liberté d’expression et un outil pour transmettre des messages remplis de sagesses et d’espoirs. Sa volonté de partager ses textes envoutants, ses sons uniques et à vouloir interagir avec le publique est une preuve de sa détermination à se faire une place dans le monde artistique montréalais. Avec sa vision unique et son amour pour les différentes formes d’expression, TDH promet de continuer à inspirer les autres et à créer des œuvres qui touchent les cœurs et les esprits.

Tommylee Dauphinais Howard is a young artist whose Jamaican and Innu First Nation roots from Mashteuiatsh, in the Saguenay–Lac-Saint-Jean region, have profoundly shaped his creative journey over the past several years. Today, under the banner of Nikamo Production, Tommylee Dauphinais Howard is returning to his roots while exploring a contemporary fusion of Québécois reggae, folk, indie pop, and rock. Through this alternative musical identity, he continues to carve out a distinctive artistic path. His recent singles, La raison m’échappe and No Fear, reflect this ongoing exploration. Currently, he is pushing the boundaries of his creativity as he passionately works on his upcoming album, a project that has been in development for the past two years. Throughout this creative process, TDH has come to appreciate the power of words, the stories of his ancestors, and the impact that music can have on people. His upcoming work will tackle more sensitive subjects, primarily in French. Along the way, he has collaborated with artists such as Mia Kelly, ENOMiS, QuietMike, Otto, Samian, Elie Paquet, Ramon Chicharron, Fovelle, and many other established and emerging musicians. These collaborations have allowed him to grow alongside artists who believed in his talent and shared their own unique creative visions. An energetic and gifted performer, Tommylee Dauphinais Howard finds true freedom of expression through his music, using it as a vehicle to share messages of wisdom and hope. His desire to connect with audiences through compelling lyrics, distinctive sounds, and dynamic performances reflects his determination to establish himself on Montreal’s artistic scene. Guided by a unique vision and a deep appreciation for diverse forms of artistic expression, TDH continues to create work that resonates with both the heart and the mind.

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autochtone / Musique traditionnelle

Présence autochtone : Shanipiap aux Jardins Gamelin

par Rédaction PAN M 360

Artiste innue aux multiples talents, Geneviève McKenzie-Sioui, également connue sous le nom de Shanipiap, est auteure-compositrice-interprète, conteuse, animatrice, productrice de télévision et écrivaine. Née à Matimekush, près de Schefferville, elle est établie depuis de nombreuses années à Wendake, où elle poursuit une démarche artistique profondément ancrée dans la transmission des savoirs et de la culture innue. Elle compose et interprète des chansons en langue innue depuis la fin des années 1970. En 1999, elle lance son premier album, La Lune du Labrador, sous le nom de Shanipiap. En parallèle de sa carrière musicale, elle fonde les Productions Shanipiap et crée l’émission jeunesse Les Découvertes de Shanipiap, qu’elle produit et anime pour les chaînes APTN et TFO. À travers ses chansons, ses contes et ses écrits, Geneviève McKenzie-Sioui tisse un pont entre les traditions innues et le monde contemporain. Accompagnée de son tambour et de sa voix, elle célèbre la mémoire des ancêtres, la langue innue et les valeurs culturelles qui continuent d’inspirer son œuvre. Son parcours fait d’elle une figure incontournable de la création autochtone au Québec et au Canada.

Innue artist of many talents, Geneviève McKenzie-Sioui, also known as Shanipiap, is a singer-songwriter, storyteller, host, television producer, and author. Born in Matimekush, near Schefferville, she has lived for many years in Wendake, where she continues an artistic practice deeply rooted in the transmission of Innu knowledge and culture. She has been writing and performing songs in the Innu language since the late 1970s. In 1999, she released her debut album, La Lune du Labrador, under the name Shanipiap. Alongside her music career, she founded Productions Shanipiap and created the children’s television series Les Découvertes de Shanipiap, which she produced and hosted for APTN and TFO. Through her songs, stories, and writings, Geneviève McKenzie-Sioui builds a bridge between Innu traditions and the contemporary world. Accompanied by her drum and distinctive voice, she honours the memory of her ancestors, the Innu language, and the cultural values that continue to inspire her work. Her remarkable career has made her one of the leading figures in Indigenous arts and culture in Quebec and across Canada.

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