C’est après une décennie d’absence que le dernier des monstres sacrés de la variété française triomphait vendredi dernier au Centre Bell de Montréal. Nostalgie quand tu nous tiens…

Accompagné de sa fille de 20 ans qui ne connaissait pour ainsi dire que la très belle reprise de Je vole par Louane, popularisée par le film La famille bélier, et Comme d’habitude (version Claude François et Elvis), l’auteur de ces lignes n’allait pas rater cet artiste qui demeure probablement l’une des quatre ou cinq plus belles voix de la francophonie avec, notamment, celle de Claude Dubois.

Le récital s’ouvre avec un panorama animé d’un magnifique cheval blanc galopant dans les plaines irlandaises. On comprend rapidement que nous sommes en Irlande dès les premières notes de l’entrainante Les Lacs du Connemara. Version réussie, bien que courte, de ce morceau incontournable du répertoire sardoussien qui, depuis des décennies, termine les plus belles surboums en France. Cet été, ce morceau a fait l’objet d’une controverse lorsque Juliette Armanet a déclaré en entrevue pour une radio belge que cette chanson la ferait fuir une soirée… Immense polémique à laquelle le chanteur de 76 ans a refusé de répondre avant que la belle ne s’excuse en privé par courriel.

C’est vrai que casser du sucre sur le dos de Sardou fut longtemps un passage obligé à gauche de la gauche, mais nous croyions cette époque révolue. D’ailleurs, le vieux crooner a repris, pendant une mixture de ses plus grands succès, l’irrésistible En chantant… « Et c’est tellement plus mignon, de se faire traiter de con, en chansons… » pour le plus grand plaisir de la foule largement composée de têtes blanches, qui ne s’est pas fait prier pour reprendre à l’unisson.

La rumeur veut que Sardou, avec En chantant, répondait au jeune Renaud qui s’était payé sa tête en parodiant d’une autre chanson : Les Ricains. Excellente reprise de ce dernier titre (ici à la sauce cajun avec banjo), puisé dans l’époque plus engagée où Sardou avait eu l’outrecuidance, ou le courage, de rappeler aux Français qui manifestaient, à juste titre, contre la guerre du Vietnam, que sans les Amerloques, ils seraient tous en Germanie « à saluer vous savez qui… ». Une chute percutante qui, de mémoire, ne figure pas exactement ainsi dans les versions enregistrées.

Si les réorchestrations sont généralement réussies, certaines pièces passent moins l’épreuve du temps, comme cette version parlée de Je vole ou d’Une fille aux yeux clairs, un éloge d’une mère par son fils qui déstabilisa ma jeune accompagnatrice, lui faisant déclarer : « Mais c’est carrément de l’inceste ça, je suis dégoutée. » Bonjour l’ambiance… Heureusement, Sardou retrouve grâce à ses yeux avec sa pièce suivante, Le Privilège, empathique à l’égard d’un jeune qui dévoile son homosexualité.

Parsemé de quelques pièces plus ou moins connues pour le public québécois, Sardou nous aura adressé d’indéniables clins d’œil, notamment en parlant toujours du Québec, et non du Canada, comme le font souvent les Français évoquant leurs cousins d’Amérique…

Clins d’œil 

Étrangement, si le plus bourru des chanteurs nous a gratifiés de La rivière de notre enfance, sans Garou qui se trouvait… en France, il n’aura pas interprété Je me souviens d’un adieu, un autre titre très accrocheur, qui est pourtant le nom de la tournée.

Parmi les grands moments, Vladimir Ilitch une chanson sur les sirènes du communisme où un écran qui surplombe la scène nous montre une immense statue de Lénine en lente décomposition, un extrait, trop court de l’exutoire Le France ou une relecture de Verdun et son diaporama de guerre, qui résonnait particulièrement fort au regard de l’actualité en Ukraine et au Proche-Orient. La reprise de Quelque chose de Tennessee, comme pour se faire pardonner par Johnny avec qui il n’aura pas eu le temps de se réconcilier. Mais l’apothéose fut atteinte quand Sardou, convaincant, nous a balancé son hymne Je vais t’aimer, dont les images fortes furent mises en relief par des cuivres saccadés.

Instants plus légers avec la caricaturale Être une femme, et aussi en nous révélant qu’il découvrit un jour chez un disquaire que le grand Louis Armstrong avait repris une chanson de son père, Fernand Sardou, comédien et chanteur de jazz, Aujourd’hui peut-être qu’il nous a interprété avec une fierté manifeste.

Bref, soirée très agréable placée sous le signe de la nostalgie et du charisme, malgré quelques moments un chouïa ringards, dont des chœurs souvent années 1980. Et, surtout, on retiendra qu’il n’a pas été avare en se déplaçant avec une équipe de plus de 20 personnes, juste pour la scène, dont une belle section de cuivres et un non moins impressionnant chœur. Quant au verdict de la fan de Lady Gaga et Sia qui m’accompagnait : « Correct. Très correct. »

Anthony Marwood et les Violons du Roy ont visité la Salle Bourgie vendredi soir pour un concert présentant des œuvres assez peu communes, mais qui après leur écoute en compagnie de ces musiciens aguerris, occuperont certainement une plus grande place dans les mémoires.

Marwood fait très bonne impression sur scène. Son jeu puissant et son showmanship font de lui un violon solo excitant et agréable à entendre. Il réalise avec brio et adresse des lignes mélodiques virtuoses et, surtout, très chargées. Durant la seconde pièce, celle de Mendelssohn, il dirigeait en tant que soliste et sa prestance humble et confiante semblait centrer l’orchestre autour de lui. Il n’y a plus de doutes à avoir sur la qualité des musiciens des Violons du Roy. Chaque section a su réaliser avec justesse et intensité les partitions souvent très complexes des trois œuvres présentées, même en support. On note également le travail exemplaire de Isaac Chalk à l’alto, qui avait d’importantes sections solos durant la dernière pièce, et dont les sonorités évoquaient presque une section complète de vents.

Que dire sur les œuvres joués? On peut commencer par le fait que les trois œuvres ont été composée durant la jeunesse des trois compositeurs. La première œuvre, la Sérénade pour cordes en mi mineur de Edward Elgar a été composée en 1892 alors qu’il avait 35 ans et précède encore un peu sa maturation musicale finale. Il s’agit d’une œuvre enlevante, presque enivrante qui vous emporte dans ces largesses et ses sonorités enchanteresses. La seconde œuvre, composée à 13 ans par Félix Mendelssohn, est le Concerto pour violon et cordes no. 1 datant de 1822. La composition y est plus simple, plus formelle, mais on y trouve une énergie et une intensité tant pour le soliste que pour l’orchestre autour. Le style y est presque classique (Mendelssohn n’ayant visiblement pas encore acquis son style propre), mais on sent l’éclosion proche d’un langage nouveau.

La dernière œuvre est plus paradoxale. L’Octuor en do majeur de Georges Enesco, fabuleusement arrangé par nul autre qu’Anthony Marwood, témoigne de la fougue et de l’ambition du jeune compositeur qui l’a écrit. Enesco avait en 1900, date de la composition, 19 ans et il avait clairement beaucoup de choses à dire. Peut-être un peut trop, parce qu’on perd facilement le fil avec toutes les idées différentes qui nous sont présentées. Les idées musicales sont très intéressantes, mais la surcharge de notes et le manque de continuité laisse l’auditeur un peu au dépourvu. C’est une œuvre de qualité, mais qui démontre également que, parfois, trop vouloir en dire revient à n’en dire que peu au final.

Il s’agit, somme toute, d’un concert bien réussi pour les Violons du Roy. La Salle Bourgie est effectivement bien adaptée à ce format et à cet ensemble. On espère avoir la chance d’en entendre plus souvent dans le futur!

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L’ambiance était à la fête hier soir à La Chapelle Scènes Contemporaines. L’ensemble Stick&Bow, duo atypique composé de Krystina Marcoux au marimba et Juan Sebastian Delgado au violoncelle, célèbre cette année leur cinquième anniversaire. Devant un public enthousiaste, les deux interprètes ont manifestement voulu se faire plaisir en proposant un programme comprenant presque uniquement des créations. Presque tous les compositeurs et toutes les compositrices étaient présent.e.s pour assister à la première exécution publique de leurs œuvres.

Le timbre du violoncelle et du marimba se marient parfaitement et la salle de La Chapelle était tout à fait adaptée à ce genre de concert. L’ambiance intime faisait en sorte que le public se sentait tout près des interprètes, et aucun problème de volume n’est à noter. La scénographie du concert est également à saluer. La scène était tantôt plongée dans la pénombre, tantôt éclairée par des lampes suspendues au plafond. Ces éléments contribuaient à créer différentes ambiances, tant mystérieuses qu’animées, ajoutant chaque fois une nouvelle dimension à chacune des pièces.

Il s’agit d’ailleurs du concept du concert : mobiliser plusieurs sens. À l’entrée en salle, chaque membre du public a reçu un petit sac contenant diverses collations à déguster durant le concert. Un élément parfois distrayant durant les allocutions entre les pièces, mais tout de même apprécié. On se sentait réellement à une fête d’anniversaire!

Musicalement, le duo nous a fait entendre toute l’étendue de leur talent. Les pièces demandaient l’utilisation de plusieurs techniques de jeu, autant au marimba qu’au violoncelle. Les instruments étaient réellement utilisés à leur plein potentiel, et on a l’impression qu’il s’agit de deux instruments solos, tant les partitions sont exigeantes et intenses. Le public a pu prendre part à un voyage sonore qui les menait de pièces introspectives et planantes à des œuvres aux sonorités jazz, en passant par des morceaux pleins d’intensité et de fougue. Les pièces étaient entrecoupées d’anecdotes sur les cinq premières années d’existence de l’ensemble.

Stick&Bow nous a offert un cadeau pour leur anniversaire, celui de nous offrir des œuvres passionnantes, touchantes et impressionnantes. Les deux interprètes ont visiblement beaucoup de plaisir à nous partager ces œuvres, et ce plaisir est contagieux. Pour Stick&Bow, l’aventure ne fait que commencer!

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Le Théâtre Outremont, plein à craquer de Portugais de Montréal et d’amateurs de fado, a été abasourdi mercredi soir par la prestation de Carminho et de son groupe, qui s’apparentait parfois à un opéra intime, à une mise à nu de l’âme en direct.

« Je chante le fado depuis que je suis dans le ventre de ma mère », a déclaré Carminho au public, vêtue d’une robe entièrement noire et de gants en cuir noir. Elle avait l’air d’un présage des ténèbres et son comportement sur scène nous laissait deviner qu’elle serait très sérieuse. Mais ce n’était qu’une apparence, car elle était en fait très humoristique ; elle plaisantait avec le public, jouant de son français minimal et de son anglais approximatif pour apporter un peu de légèreté entre les chansons de son dernier album, Portuguesa, et de quelques œuvres antérieures.

Lorsqu’elle a déclaré qu’elle chantait du fado dans le ventre de sa mère, ce n’était pas un mensonge. Sa mère, Teresa Siqueira, est également une célèbre chanteuse de fado, et Carminho a grandi entourée de musiciens dans des maisons de fado, de sorte que le style de vie de la musique fado est profondément ancré dans le sang de Carminho. Et ceux qui n’avaient aucune idée de ce qu’était le fado ont eu droit à une brève leçon d’histoire de la part de Carminho. Pour elle, le fado est la vie, sa langue, un moyen d’exprimer la passion et les difficultés du peuple portugais. Le fado, dont l’origine remonte aux années 1800, suit une structure traditionnelle et sonne souvent comme un deuil, avec de longues pauses dramatiques permettant au chanteur de tenir une note passionnée spécifique.

La voix de Carminho est pleine de vie et de tristesse, avec une touche dramatique qui vous secoue et vous laisse sans voix, que vous compreniez ou non de quoi parle la chanson. Une leçon d’histoire sur le fado, mais aussi sur l’origine des chansons, les poètes portugais qui les ont écrites et les amis de Carminho qui lui ont donné la bénédiction d’ajouter de la musique à leurs poèmes.

L’une d’entre elles parlait de deux amoureux qui ne ressentent rien l’un pour l’autre. « Je me demande s’il y a un couple dans le public ce soir à qui cette chanson s’adresse », a déclaré Carminho sous les rires du public. Une autre chanson était la réimagination par Carminho d’un poème classique sur une jeune fille qui se rend à une fontaine, mais qui est dérangée par des « oiseaux », qui semblent être en fait des hommes. Carminho a réécrit les paroles pour que ce soit un homme qui aille à la fontaine. « Il est vrai que beaucoup de fado a toujours été masculin et sexiste, les hommes écrivant les poèmes pour que les femmes les chantent, alors j’ai voulu changer cela », a déclaré Carminho. Et changer cela n’a pas été une mince affaire. Carminho a dû obtenir la bénédiction de la famille du poète originel et la signature de la Société portugaise des auteurs. En ce qui concerne le fado, la poésie et l’art en général, la valeur artistique et les droits d’auteur semblent revêtir une grande importance au Portugal.

Carminho a également été qualifiée d’innovatrice du fado pour avoir introduit le mellotron, la guitare électrique et la guitare lap steel en plus de la configuration traditionnelle de la basse acoustique, de la guitare classique et de la guitare portugaise. En raison de cette configuration, elle a interprété des chansons de fado plus traditionnelles, mettant l’accent sur les trilles et les gammes de la guitare portugaise, et des réimaginations plus modernes avec les tons chauds du mellotron et les lignes obsédantes de la guitare lap steel. Le spectacle était donc varié, sans aucun moment d’ennui.

Est-ce possible d’entrer dans le son? C’est la question à laquelle la musique électroacoustique semble vouloir répondre. Entouré des trente haut-parleurs ide l’acousmonium installé à l’Usine C, on avait en tout cas l’impression d’être enveloppé dans le son en mouvement.

En guise d’ouverture de sa 19^e édition, le festival Akousma proposait une gamme diversifiée d’œuvres savamment ficelées grâce à des procédés technologiques variés. Fort de 7 décennies de développement, ce classicisme de la musique électro n’est pas en reste en matière de renouveau. Hier, on pouvait d’ailleurs entendre des esthétiques les plus académiques à celles plus profanes. Mis à part les deux prestations, il n’y avait absolument rien à voir, mais beaucoup à entendre. Tout était fixé sur support, comme si vous alliez voir un film sans image, mais rebondissant d’action.

Francis Dhomont

À 96 ans, Francis Dhomont a pratiquement écrit l’histoire de l’électroacoustique. D’ailleurs, sa pièce Somme toute agissait comme un ‘best of’ de sa carrière. Elle était diffusée par Louis Dufort, ancien élève de Dhomont et directeur artistique d’Akousma, qui n’a pas raté l’occasion de souligner l’énorme influence du compositeur français. Bruits qui vous tournent autour, rebonds, objets qui roulent et articulations imprévisibles : tous les éléments clés d’une œuvre concrète phare y étaient. Bien que réalisée dans les règles de l’art, règles en partie écrites par Dhomont lui-même –, la pièce avait peut-être tout de même le défaut de ses qualités. C’était un exposé somme toute très académique, où l’aspect rétrospectif de l’œuvre pouvait être perçu comme un saut du coq à l’âne. Il n’en demeure pas moins qu’entendre une nouvelle pièce de Francis Dhomont, c’est toujours un plaisir ainsi qu’un réel privilège.

Julie Delisle 

Pipa Aura Suichi est-il un titre annonciateur de l’utilisation du pipa chinois? On aurait pu y croire. Pourtant, c’est une banque de son uniquement conçue des instruments inventés du compositeur Jean-François Laporte qui est à la source de cette œuvre de Julie Delisle, compositrice et flûtiste montréalaise. Complètement acousmatique, cette pièce cachait bien son jeu. On y entendait divers crépitements sonores, lesquels sonnaient parfois humides, à l’instar d’un mouvement d’ébullition. Il y avait un usage marqué des traitements sonores, camouflant bien souvent la nature des sons utilisés. Si le tout se développait selon une structure et des phrasés relativement convenus, la pièce avait toutefois une profondeur de champ créée par ses différentes couches texturales évoluant en concomitance.

Mourad Bncr

Comment l’environnement terrestre sonnera-t-il lorsqu’il n’y aura plus d’humains? Chose certaine, personne n’y sera pour l’entendre. Cela ne signifie pas pour autant que notre monde ne sera que silence. Dans Le monde après nous, l’artiste multimédia Mourad Bncr s’imagine un tel paysage sonore. Dès son entrée sur scène, la salle est immédiatement tombée dans une atmosphère lugubre, où la musique évoluait lentement dans une esthétique à la croisée du drone, du dark ambient et du glitch.  Mis à part la présence de l’artiste ainsi que l’inclusion distante d’une mélodie feutrée de flûte nord-africaine, la musique de Bncr était une affaire désincarnée, soustrayant l’anthropocène du portrait pour y laisser derrière une musique qui respire. Les articulations subtiles avaient tout l’espace nécessaire pour que leur mouvement soit pleinement ressenti par l’auditoire. Fort différente des autres propositions, Le monde après nous était un moment fort de la soirée.

Guillaume Côté

Avec Guillaume Côté, on s’aventurait dans des territoires autrefois proscrits par l’enseignement académique de l’électroacoustique. Discrete Stream of Light était une longue pièce de vingt minutes, structurée avec une poignée de longues montées en intensité, juxtaposées les unes après les autres. Durant l’un de ces mouvements, on baignait dans une superposition d’arpèges consonants reprenant les grands principes de l’esthétique minimaliste. Il y avait alors une densification progressive des strates sonores, culminant vers un sommet et une chute brève. Une nouvelle vague pouvait ensuite débuter. Harmoniquement, le tout était très statique. Aucune dérogation du mode majeur dans le choix des notes. De plus, l’essentiel de la matière utilisée semblait constitué de sons de synthèse. Si l’impression était loin d’être celle d’un contenu novateur et surprenant, la familiarité du résultat musical a fait de Discrete Stream of Light une œuvre fort satisfaisante sur le plan des affects. S’il y a eu un moment de bonbon auditif à Akousma hier soir, c’était définitivement celui-là.

Roxanne Melissa Guerra-Lacasse

Il y a parfois un décalage entre les inspirations thématiques des artistes et la perception qu’on peut avoir des œuvres finales. Dans La Berceuse de la veuve de Roxanne Melissa Guerra-Lacasse, c’est l’amour qui devrait être le moteur de création. Ce n’est pourtant pas évident d’y déceler un concept à la fois si vague et si omniprésent dans l’art. Il en va de même pour la pièce de théâtre éponyme qui a inspiré l’œuvre. Ce qu’on pouvait entendre, par contre, c’est une pièce acousmatique très bien montée, dans laquelle une variété de sources sonores plus ou moins identifiables se courtisent et dansent une ronde au-dessus de nos têtes. La pièce est vaguement narrative et les articulations sont graduelles. Il y a une histoire qui se raconte à travers cette trame plutôt ambiante et ses sons inversés, mais on ne sait pas laquelle. La relation avec le théâtre est certainement intéressante, et on peut s’attendre à ce que cet apport porte fruit à long terme dans la musique de Guerra-Lacasse. Une artiste dont il faudra surveiller le travail.

Rocío Cano Valiño

Même constat avec le travail de la compositrice argentine Rocío Cano Valiño dont les deux œuvres présentées à Akousma (Astérion; Okno) étaient respectivement basées sur des récits de Jeorge Luis Borgès et Silvina Ocampo. Dans Astérion, je n’ai su trouver ni labyrinthe ni Minotaure. Toutefois, j’y ai entendu une musique totalement engageante. Dans les deux pièces, les articulations étaient telles que l’attention était retenue du début à la fin. Les grincements, cliquetis et effets de crécelles abondaient et chaque seconde était d’une grande densité d’information sonore. La saturation de sons sur-stimulait l’ouïe, provoquant à la fois plaisir et chatouillement à l’oreille. Un travail monumental de micromontage a été réalisé pour pouvoir composer ces œuvres constamment en mouvement. L’esthétique était cohérente d’une pièce à l’autre et la précision technique de celles-ci était remarquable. Ces diffusions par Valiño auront été des moments marquants de l’événement.

Sarah Belle Reid

Avec Sarah Belle Reid, la trompette était mise dans tous ses états. La compositrice canadienne était la seule à présenter une œuvre mixte, Manifold pour trompette et électronique. Cette prestation de 25 minutes mettait en scène la compositrice elle-même, qui jouait de son instrument d’une manière bien peu orthodoxe. Pour l’essentiel de la composition, la trompette était utilisée comme amplificateur du souffle de Reid, lequel était ensuite capté par un micro qui interagissait avec le dispositif informatique en place. Ainsi, avec divers effets de respiration et bruits de bouche, la compositrice utilisait son instrument à la fois comme une source sonore et comme un contrôleur. Elle manipulait également certains paramètres numériques via des potentiomètres, laissant même sa trompette de côté pour se consacrer à ses machines pendant un bref instant. Vers la fin de l’œuvre, on a pu entendre quelques notes cuivrées, intervenant un peu comme une délivrance résolvant un long moment de tension. Mais pour le reste, on avait droit à une musique effrénée, dont le débit des interventions à la trompette relevait d’un chaos total, mais contrôlé. Le jeu entre l’humaine et la machine était spectaculaire, et cette œuvre aura su terminer la soirée en force.

Dans la foulée de son nouvel album , Our Roots Run Deep, Dominique Fils-Aimé s’est présentée le 17 octobre au Théâtre du Nouveau Monde, devant une salle comble, gagnée d’avance si on en juge par le tsunami d’applaudissements avant que la première note ne soit émise.

Comment rendre sur scène, cet album , magnifique au demeurant, basé principalement sur la multiplication des voix de la chanteuse par des effets de studio? C’était un pari risqué, qui a été gagné!

Une mouture plus électrique, rythmique, qui nous a tous envoûtés. 

Dominique Fils-Aimé ne fait rien comme les autres.  Elle fait des trilogies d’albums, à contrario des tendances actuelles à l’instantanéité.  Pour son spectacle, elle a débuté en suggérant candidement qu’elle ne voulait pas d’applaudissements et qu’elle était follement nerveuse. Après une déclaration d’amour au public, elle a annoncé que son concert allait être en continu, sans véritable pause.

Et nous l’avons suivie dans son voyage intérieur. 

Ça a donné près de quatre-vingt-dix minutes d’introspection dans lequel on a mélangé savamment des chansons des trois premiers albums aux nouvelles créations. Le tout lié par de jolis textes introspectifs en français sur les milles vies de Dominique Fils-Aimé et son droit à faire la liste, à pleurer et à demander « pourquoi? ». L’écrivaine et actrice Queen Ka, Elakahna Talbi de son vrai nom, aurait contribué à la confection des textes. 

Alors que sur Our Roots Run Deep, l’instrumentation est largement acoustique (contrebasse, percussions , trompette), la version scénique laisse beaucoup plus de place aux claviers (David Osei Afrita), à la guitare électrique (Étienne Miousse) et à la basse électrique(Danny Trudeau) et à la batterie(Salin Cheewapansri). Hichem Kalfa à la trompette et Elli Miller -Maboungou aux percussions complètent le groupe.

Cela donne une facture plus tonique et festive à la musique. Par contre, on perd la complexité des arrangements vocaux de l’album. 

Mais cela permet aussi à Dominique Fils-Aimé de livrer ses chansons d’une façon différente en mettant en évidence la force de sa voix unique. 

Le concert se termine sur Our Roots Run Deep, la première chanson du nouveau disque. Terminer par le début. Je vous l’ai dit: elle ne fait rien comme les autres. 

De toute évidence, la salle a plané. Et moi aussi. 

La tournée se poursuit au Québec et en Ontario 

• La photo est tirée de la page Facebook de Dominique Fils-Aimé