Ouverture des portes: 22h00
Spectacle: 23h00
Clodelle (23h)
Doors: 10 pm
Show: 11 pm
Clodelle (11pm)
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Chanson francophone / pop
Montréal
DJ set
M pour Montréal : Queen and Queer
Ouverture des portes: 22h00
Spectacle: 22h
DJ Sam (22h, minuit et 2h00)
DJ Maya (23h et 1h00)
Doors: 10 pm
Show: 10pm
DJ Sam (10pm, midnight and 2am)
DJ Maya (11pm and 1am)
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alt-folk / Alternative / latino
M pour Montréal : Dromedarios Magicos + Marta Knight
Ouverture des portes: 22h00
Spectacle: 23h00
Marta Knight (23h)
Dromedarios Magicos (00h00)
Doors: 10 pm
Show: 11 pm
Marta Knight (23h)
Dromedarios Magicos (00h00)
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Ce contenu provient de M pour Montréal et est adapté par PAN M 360
Sous l’éclat de poèmes “classiques-rebelles” et de chants qui aspirent à la liberté des peuples, Haissam Attieh, acteur de la scène musicale engagée, vous convie à une soirée où la poésie s’incarne avec passion et conviction.
La magie de cette soirée sera portée par des mélodies envoûtantes, de Cheikh Imam à Sayyed Darwish, en passant par Marcel Khalifé et les frères Rahbani. Avec sa voix poignante, il chante des poèmes du grand Mahmoud Darwich, transformant chaque vers en un cri de vérité, vibrant d’émotion et de puissance. Entre poésie et musique, le chant d’Attieh et les mots immortels de Darwich se mêlent pour créer un hymne à la dignité humaine. Une expérience où la musique devient l’écho des cœurs meurtris, la voix des inaudibles.
Haissam Attieh will perform poems of resistance and songs of liberation in a rousing show where poetry fuels the flame of protest. Attieh’s vocals will merge with Mahmoud Darwish’s timeless words to deliver a poignant plea for freedom and dignity, where music gives voice to the suffering and the silenced.
Ce contenu provient du Festival du monde arabe de Montréal et est adapté par PAN M 360
Surgies comme d’un rêve ancien dont on a pincé le secret, les sonorités claires et mélodieuses du qanoun ne cessent d’envoûter ses auditeurs depuis plus d’un millénaire. C’est à ce songe harmonieux que le musicien de talent Nizar Tabcharani convie amateurs, curieux et érudits. Il dévoile avec générosité les secrets de cet instrument de musique aux 78 cordes, joué à deux mains, à l’aide de plectres mais aussi avec les ongles.
En partageant ses connaissances mais également des improvisations de haute volée, il donne un aperçu émouvant de la vaste et profonde étendue musicale du qanoun. L’occasion pour le public de (re)découvrir à quel point chaque mélodie agencée peut exprimer toute la palette des sentiments humains.
À la fois instrument complexe et objet d’art visuellement fascinant, l’apparition du quanoun remonte au Xè siècle, à Bagdad, en plein âge d’or de l’ère abbasside. De là, il se répand rapidement en Arménie, en Turquie, en Grèce, au Turkestan, et, bien sûr, dans le monde arabe. Instrument de référence dans les orchestres moyen-orientaux, il règne en maître dans les répertoires classiques, les salons orientaux, les festivals méditerranéens et fait des apparitions toujours remarquées dans les fusions modernes.
Nizar Tabcharani reveals the astounding musical range of the qanun! This iconic Middle Eastern instrument came to prominence more than a thousand years ago at the Court of Baghdad, eventually reaching Armenia, Turkey, Greece, Turkestan, and the broader Arab world. Its seductive sound—like a secret plucked from an ancient dream—has captivated listeners ever since.
Ce contenu provient du Festival du monde arabe de Montréal et est adapté par PAN M 360
En tout intimité au Verre Bouteille, celui qui se passe de présentation nous offre le privilège de découvrir Chansons nouvelles et autres confidences, son tout nouveau spectacle prêt à prendra la route. Naviguant entre le chant et la parole, le spectacle retrace les trajectoires de l’intime. Avec la participation de François Richard aux claviers, l’artiste offrira de nouvelles compositions, quelques classiques et plusieurs histoires à raconter comme il le fait si bien.
In an intimate setting at Le Verre Bouteille, the man who needs no introduction offers us the privilege of discovering Chansons nouvelles et autres confidences, his brand new show, ready to hit the road. Navigating between song and spoken word, the show traces the trajectories of intimacy. With François Richard on keyboards, the artist will offer new compositions, a few classics and many stories to tell, as he does so well.
LES BILLETS POUR CE CONCERT SONT ÉPUISÉS!
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folk / folk-pop / indie rock / pop
POP Montréal | Basia Bułat, lumineux crépuscule
Jeudi soir, la compositrice et multi-instrumentiste Basia Bulat a enflammé le ciel montréalais de ses airs folks dynamiques et entraînants. Une excellente participation au festival POP Montréal de la part de celle qui a suspendu pour un soir sa tournée de l’album The Garden pour offrir ainsi à son public une succulente brochette de ses meilleurs morceaux.
« I feel like we’re the Beatles! » s’est exclamée Basia Bulat en début de spectacle. Il est vrai qu’en termes d’emplacement, on peut difficilement faire mieux que le toit du Rialto, surtout lorsque le concert se déroule au coucher du soleil. Au son des premiers accords de Heart of My Own, le ciel a viré au rose et l’atmosphère dorée et vibrante du crépuscule a enrobé chacun des morceaux de ce concert court, certes, mais très réussi.
Soulignons au passage le talent incontestable de l’équipe de son qui a su trouver l’équilibre parfait entre autoharpe, guitares, basse, claviers et batterie, le tout dans un espace à la fois extérieur et restreint. Il s’agit d’un authentique tour de force, surtout lorsqu’il s’agit de musique folk : malgré les défis propres à l’environnement, le public a été en mesure d’apprécier les œuvres dans toutes leurs dimensions, de l’énergie des percussions à la douceur de la voix en passant par l’ardeur plus délicate des instruments à cordes.
Les fans de Basia Bulat étaient au rendez-vous, le spectacle ayant rapidement fait salle comble. La Montréalaise d’adoption a même pris le temps de saluer certains visages connus. Au final, on avait l’impression que ces artistes jouaient pour leurs amis – les anciens comme les nouveaux – sachant insuffler à l’événement une ambiance décontractée et chaleureuse qui ne négligeait en aucun cas la qualité de l’exécution. La chanteuse a d’ailleurs été d’une grande générosité avec son public, allant même jusqu’à interpréter trois chansons inédites, My Angel, Disco Polo et Baby. Le thème de la famille se trouvait au cœur de ces trois chansons et Basia Bualt a candidement avoué que son prochain album s’inspirera grandement de son expérience en tant que nouvelle maman.
crédit photo: L.Longpré
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Joignez-vous à nous pour un concert présenté par Arts in the Margins avec le soutien de Small Scale Music, Academics for Palestine à l’Université Concordia, le Centre de justice sociale de l’Université Concordia, CJLO et CKUT.
Ce concert sera le lancement d’une compilation au profit du projet de radio palestinien Radio alHara basé en Palestine occupée à Bethléem. Christelle et Stefan apparaissent tou.te.s deux sur la compilation qui sera publiée en collaboration avec Small Scale Music. Il y aura également une vente d’art imprimé lors de cet événement qui permettra de récolter des fonds supplémentaires pour la station de radio palestinienne.
Ce concert est coprésenté et soutenu par Academics for Palestine à l’Université Concordia.
Ce concert sera également le lancement à Montréal de l’album de duos 2024 A Radical Horizon, avec Lori Goldston au violoncelle et Stefan Christoff au piano, sorti chez Beacon Sound à Portland.
La soirée comprendra une performance solo de Lori Goldston, une performance solo de Christelle Saint-Julien, une lecture de la poétesse Elissa Kayal et un duo de Lori Goldston et Stefan Christoff.
Join us for a concert presented by Arts in the Margins with support from Small Scale Music, Academics for Palestine at Concordia University, the Social Justice Centre at Concordia University, CJLO and CKUT.
This concert will mark the launch of a benefit compilation in support of the Palestinian radio project Radio alHara based in occupied Palestine in Bethlehem. Both Christelle and Stefan appear on the compilation that will be released in collaboration with Small Scale Music. Art prints will be available for purchase to raise additional funds for the Palestinian radio station.
This concert is co-presented and supported by Academics for Palestine at Concordia University.
This concert will also be the Montréal launch for the 2024 duet album A Radical Horizon, with Lori Goldston on cello and Stefan Christoff on piano, released by Beacon Sound in Portland.
The evening will feature a solo performance by Lori Goldston, a solo performance by Christelle Saint-Julien, a reading by poet Elissa Kayal and a duet by Lori Goldston and Stefan Christoff.
Lori Goldston
Formée à la méthode classique et ayant déconstruit cet héritage avec rigueur, dotée d’un esprit curieux et partiellement sauvage, Lori Goldston est une violoncelliste, compositrice, improvisatrice, productrice, écrivaine et enseignante originaire de Seattle. La voix de son violoncelle, qu’elle soit amplifiée ou acoustique, est pleine, texturée, engagée et originale. Chercheuse infatigable, son travail franchit librement les frontières qui séparent les genres, les disciplines, le temps et la géographie. Parmi ses collaborateur.rice.s et/ou patronn.e.s actuel.le.s et ancien.ne.s, on compte Earth, Nirvana, Mirah, Jessika Kenney, Ilan Volkov, Eyvind Kang, Stuart Dempster, David Byrne, Terry Riley, Jherek Bischoff, Malcolm Goldstein, Steve Von Till, Lonnie Holley, Cat Power, Ellen Fullman, Maya Dunietz, Mik Quantius, Embryo, O Paon, Tara Jane O’Neil, Natacha Atlas, Broken Water, Ed Pias, Christian Rizzo et Sophie Laly, Threnody Ensemble, Cynthia Hopkins, 33 Fainting Spells, Vanessa Renwick, Mark Mitchell, Lynn Shelton, et bien d’autres encore.
Classically trained and rigorously de-trained, possessor of a restless, semi-feral spirit, Lori Goldston is a cellist, composer, improvisor, producer, writer and teacher from Seattle. Her voice as a cellist, amplified or acoustic, is full, textured, committed and original. A relentless inquirer, her work drifts freely across borders that separate genre, discipline, time and geography. Current and former collaborators and/or bosses include Earth, Nirvana, Mirah, Jessika Kenney, Ilan Volkov, Eyvind Kang, Stuart Dempster, David Byrne, Terry Riley, Jherek Bischoff, Malcom Goldstein, Steve Von Till, Lonnie Holley, Cat Power, Ellen Fullman, Maya Dunietz, Mik Quantius, Embryo, O Paon, Tara Jane O’Neil, Natacha Atlas, Broken Water, Ed Pias, Christian Rizzo and Sophie Laly, Threnody Ensemble, Cynthia Hopkins, 33 Fainting Spells, Vanessa Renwick, Mark Mitchell, Lynn Shelton, and many more.
Stefan Christoff
Stefan Spirodon Christoff est un créateur de médias, un activiste communautaire et un artiste vivant à Montréal. Stefan anime l’émission Free City Radio, diffusée chaque semaine sur sept stations de radio communautaires au Canada et partagée mondialement en podcast (Spotify + Apple Podcasts). Stefan réalise de la musique avec de nombreuses personnes à travers le monde, notamment Rêves sonores, Sam Shalabi, Lori Goldston, Adriana Camancho et Anarchist Mountains. Stefan est membre du conseil d’administration du Centre des travailleurs immigrants de Côte-Des-Neiges et organise des événements avec le réseau Cinema Politica. Stefan travaille avec le Centre de justice sociale et est également étudiant à la maîtrise en histoire à l’Université Concordia.
Stefan Spirodon Christoff is a media maker, community activist and artist living in Montréal. Stefan hosts the program Free City Radio, broadcasting weekly on seven community radio stations in Canada and shared globally as a podcast (Spotify + Apple Podcasts). Stefan makes music with many people globally, including Rêves sonores, Sam Shalabi, Lori Goldston, Adriana Camancho and Anarchist Mountains. Stefan is on the board of the Immigrant Workers Centre in Côte-Des-Neiges and organises with Cinema Politica Network. Stefan works with the Social Justice Centre and is also a graduate student in history at Concordia University.
Christelle Saint-Julien
Christelle Saint-Julien est une journaliste, écrivaine, traductrice et musicienne basée à Montréal. Elle travaille dans les domaines des médias, des communications, des arts et de la culture, et s’intéresse aux gens et à leurs histoires, à la fois intangibles et perceptibles.
Christelle Saint-Julien is a journalist, writer, translator, and musician based in Montreal. She works in media, communications, arts and culture, and is interested in people and their stories, both intangible and perceptible.
Elissa Kayal
Elissa Kayal est une poète et critique littéraire, d’origine libano-palestinienne. Ses textes de poésie et de prose sont publiés dans plusieurs revues dont Mœbius, Estuaire, Zinc et Lieu commun.
Elissa Kayal is a Lebanese-Palestinian poet and literary critic. Her poetry and prose have appeared in several magazines, including Mœbius, Estuaire, Zinc and Lieu commun.
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Alternative / électro-pop
POP Montréal : Sheenah Ko
Sheenah Ko présente en première son nouvel album et concert au Festival La Noce. La claviériste de Besnard Lakes, Blaze Velluto Collection, Antoine Corriveau, dévoile son troisième album auto-produit, “Transformation”, qui sortira en vinyle en septembre 2024. Cette fois, elle s’associe à Félix Petit, producteur d’Hubert Lenoir et Les Louanges, pour apporter la touche finale aux enregistrements. L’album est une prouesse d’écriture entièrement bilingue (français/anglais), explorant la musique pop électronique entre trance et extase, avec des influences des années 90 britanniques, ainsi que de Björk, PJ Harvey et Radiohead.
Les spectacles live de Ko et son groupe offrent une expérience lumineuse de pop psychédélique et vaporeuse, naviguant parfois vers la danse extatique, imprégnée d’un esprit jazz propice à l’improvisation. Ces virtuoses transportent le public et les artistes dans une symbiose envoûtante, partageant un moment festif incandescent, où sourires, applaudissements et danse se fondent dans un univers unique et renversant. Un rendez-vous pour les amoureux de la musique dansante et inspirante.
Sheenah Ko is premiering her brand new album at POP Montreal. As the keyboardist for The Besnard Lakes and Blaze Velluto Collection, she unveils her third self-produced album, “Transformation,” set to release on vinyl in September 2024. This time, she has joined forces with Félix Petit, known for his work with Hubert Lenoir and Les Louanges, to add the final touches to the recordings. The album is completely bilingual (French/English) and delves deep into the realms of electronic pop music, oscillating between trance and ecstasy, with hints of Ko’s influences, including the British electronic scene of the 90s, Björk, PJ Harvey, and Radiohead.
Ko’s live show offers a luminous experience of psychedelic and ethereal pop, at times venturing into ecstatic dance, infused with a jazz spirit that encourages improvisation. These virtuosos transport both the audience and themselves into a captivating symbiosis, sharing an incandescent festive moment, where smiles, applause, and dancing seamlessly merge into a unique and energetic universe.
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Orchestre Métropolitain, concert d’ouverture: Figures légendaires
Bruckner l’architecte construit ici une véritable cathédrale, un monument grandiose, ciselé à la perfection, bouleversant de dévotion. N’ayant pas pu achever sa neuvième et dernière symphonie, il a lui-même suggéré que son célèbre Te Deum soit joué en guise d’ultime mouvement de cette œuvre. Le résultat, aujourd’hui interprété par quatre solistes de calibre international et le Chœur Métropolitain, est tout simplement monumental. L’OM et Yannick Nézet-Séguin, tandem brucknérien par excellence, reconnu depuis son enregistrement de l’intégrale des symphonies du compositeur, lui rendent avec ce programme un vibrant hommage soulignant son 200e anniversaire de naissance. Comme le veut la tradition à l’OM, les premières notes de la saison seront celles d’un compositeur autochtone. Andrew Balfour, chef d’orchestre d’origine crie, a écrit de nombreuses œuvres chorales et a été en nomination aux prix Juno pour le meilleur album classique en 2023.
Durée approximative du concert : 1 h 33. Veuillez noter que ce concert est présenté sans entracte.
électronique / expérimental
Festival Akousma : Soirée 1 – Bloc_1
Mikael Meunier-Bisson (ca)
Mikael Meunier-Bisson est un compositeur de musique expérimentale et électroacoustique montréalais. Ce n’est qu’aux alentours de 2020 que son attention se pose sur la composition de musique ambiante et de texture. Cette pratique autodidacte s’est rapidement complexifiée grâce aux dernières années de flirt avec les techniques acousmatiques. Son travail récent cherche à se sortir de la “localité” de l’ambient en travaillant le “global”, à explorer la tonicité sur un mode abstrait, pour ultimement rejoindre les affects, le ressenti, par des combinaisons de méthodes qui nous sont encore peut-être inconnues. Il poursuit depuis 2023 des études au baccalauréat en Musiques Numériques à l’Université de Montréal. Sa pièce “musicfriend” fut composée sous la direction de Martin Bédard à l’hiver 2024.
Mikael Meunier-Bisson is a Montréal-based experimental and electroacoustic music composer. Around 2020, his compositional focus shifted to explore the realms of ambient and textural music. This self-taught practice quickly became more intricate in recent years as he flirted with acousmatic techniques. His current work aims to transcend the “locality” of ambient music by engaging with the “global,” to explore tonality in an abstract way, and ultimately reach emotional resonance through combinations of methods that may still be unfamiliar to us. Since 2023, he is pursuing a bachelor’s degree in Musiques Numériques at Université de Montréal. His work ‘musicfriend’ was composed under the teaching of Martin Bédard in the winter of 2024.
Programme
musicfriend (2024) 8’00”
Faisant l’objet de rencontres franches entre plusieurs tableaux, musicfriend est l’aboutissement de multiples réorganisations. Teintée d’une matériologie suggestive, à fort accent, la rhétorique de ce projet est parsemée de doutes, d’essais, d’erreurs, dans un va et vient continu entre le référentiel, l’onirique et le ludique.
Program
musicfriend (2024) 8’00”
Arising as the outcome of frank encounters between several frames, musicfriend is the culmination of many reorganizations. Infused with a suggestive and strongly accentuated materiality, the rhetoric of this project is strewn with doubts, trials and errors, in a continual vacillation between the referential, the dreamlike and the playful.
Vivian Li (cn/ca)
Vivian Li est une artiste interdisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Animée par une fascination pour les propriétés thérapeutiques et temporelles du son, sa musique combine des mélodies hypnotiques, des ambiances synthétiques apaisantes, des enregistrements de terrain autobiographiques et des textures bruiteuses pour explorer des moments d’introspection et d’intimité.
Elle a joué et présenté son travail dans des lieux et festivals nationaux et internationaux, tels que MUTEK (Montréal), Pique (Ottawa), Sound Art Lab (Struer), Inkonst (Malmö), Eastern Bloc (Montréal), perte de signal (Montréal), Kwia (Berlin), Fondation Phi x Nuit Blanche (Montréal), Hectolitre (Bruxelles) et Karachi Biennale.
Depuis 2021, Vivian anime une émission de radio mensuelle – Lo Signal – sur la station de radio communautaire de Montréal CKUT 90.3fm. Ce créneau de deux heures sert de terrain de jeu sonore où elle partage ses fragments ambiants, enregistrements de terrain, drones, montages expérimentaux et journal audio.
Vivian Li is a Tiohtià:ke /Montreal based interdisciplinary artist working primarily in sound and music. Driven by a fascination with the therapeutic and time binding properties of sound, her music combines hypnotic melodies, soothing synth ambiences, autobiographical field-recordings and soft noises to explore moments of introspection and intimacy.
She has performed and presented work at venues and festivals nationally and internationally, such as MUTEK (Montreal), Pique (Ottawa), Sound Art Lab (Struer), Inkonst (Malmö), Eastern Bloc (Montreal), perte de signal (Montreal), Kwia (Berlin), Fondation Phi x Nuit Blanche (Montreal), Hectolitre (Brussels) and Karachi Biennale .
Since 2021, Vivian hosts a monthly radio show – Lo Signal – on Montreal’s community radio station CKUT 90.3fm. This two-hour slot serves as a sonic playground where she shares her ambient scraps, field recordings, drones, experimental edits, and audio diary.
Programme
Memory Playback (2024) 7’00”
Cette pièce explore le potentiel du son à préserver et ressusciter les souvenirs. Profondément autobiographiques, la plupart des enregistrements proviennent du parcours personnel de la compositrice. Dans ce paysage auditif, des fragments d’intimité et de souvenirs refont surface, de manière distordue, presque distante, oscillant à la limite de la désintégration totale. Alors que ces bribes du passé se superposent, elles créent de nouvelles images et sensations, transcendant en « hyper souvenirs » (Maria Chávez, 2020).
Program
Memory Playback (2024) 7’00”
This piece explores the potential of sound to preserve and resurrect memories. Profoundly autobiographical, most recordings originate from the composer’s personal journey. Within this auditory landscape, fragments of intimacy and souvenirs resurface, in a distorted, almost distant manner, teetering on the brink of utter disintegration. As these bits and pieces of the past overlap on each other, they create new imageries and feelings, transcending to “hyper memories” (Maria Chávez, 2020).
Byron Westbrook (us)
Byron Westbrook, arrivé sur la scène musicale expérimentale new-yorkaise au cours de la dernière décennie et désormais basé à Los Angeles, tisse des tapisseries sonores complexes qui relient les mondes de l’art sonore, de l’installation, de la musique électronique d’avant-garde et de la synthèse.
Westbrook crée des compositions sculpturales et immersives. Ses albums, très acclamés, ont été publiés sur des labels comme Root Strata, Hands In The Dark, Umor Rex et Ash International, et il a présenté son travail au Walker Art Center, à l’ICA de Londres, au MOCA de Los Angeles, au MoMA PS1, au MaerzMusik et aux festivals Rewire, entre autres. Son dernier album, Translucents, a été publié par Shelter Press en 2024.
First emerging from within New York’s experimental music scene over the last decade and a half and now based in Los Angeles, Byron Westbrook has woven intricate tapestries of sonority that bridge the worlds of sound art, installation, avant-garde electronic music and synthesis. Westbrook creates sculptural and immersive compositions, with highly acclaimed full-lengths on imprints like Root Strata, Hands In The Dark, Umor Rex, and Ash International, and presentations at the Walker Art Center, ICA London, MOCA Los Angeles, MoMA PS1, MaerzMusik and Rewire Festivals among others. His newest release Translucents was published by Shelter Press in 2024.
Programme
Translucents (Remix) (2024) 20’00’’
Inspirée des panneaux de couleurs du peintre abstrait Blinky Palermo, Translucents explore le concept de «l’image sonore rémanente». L’œuvre présente une série de scènes sonores, avec l’intention de s’imprimer dans l’esprit de l’auditeur afin d’influencer la façon dont chaque scène consécutive apparaît. Elle expérimente une dynamique entre la perception de la présence dans l’espace où l’on écoute et la perception d’un espace ou d’un lieu extérieur. Il s’agit d’un jeu avec la mémoire, avec la présence et avec le temps. Translucents est présentée ici sous une forme « Remix » différente de sa version publiée, en exclusivité pour Akousma.
Program
Translucents (Remix) (2024) 20’00’’
Inspired by the color panels of abstract painter Blinky Palermo, Translucents explores the concept of « audio after-image ». The work presents a series of audio scenes, with the intention of imprinting on the listener’s mind in order to influence the way each consecutive scene appears. It is a play with memory, with presence, and with time. It experiments with a dynamic between perceiving presence in the space where one is listening vs the perception of an external space or place. Translucents is presented here in a « Remix » form that differs from its published release, exclusively for Akousma.
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avant-garde / électronique / jazz / Piano
Festival FLUX : Wadada Leo Smith, Sylvie Courvoisier et Rehab Hazgui
Wadada Leo Smith
Wadada Leo Smith est un trompettiste et compositeur américain. Il est devenu membre de l’Association for the Advancement of Creative Music, basée à Chicago, en 1967, et a enregistré et joué de nombreuses œuvres depuis lors. Leo Smith sera accompagné de la pianiste Sylvie Courvoisier pour interpréter Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens.
Smith a été finaliste du prix Pulitzer de musique 2013 pour Ten Freedom Summers, (Defining Moments in the History of the United States of America), une collection de compositions inspirées par le mouvement des droits civiques et publiée sous la forme d’un coffret de 4 CD.
Smith a été nommé compositeur de l’année par le magazine DownBeat en 2013.
En 2016, Smith a reçu un Doris Duke Artist Award et un doctorat honorifique de CalArts, où il a également été célébré en tant que professeur émérite. En outre, le musée Hammer lui a décerné en 2016 le prix Mohn pour l’ensemble de sa carrière, qui rend hommage à sa brillance et à sa résilience. En 2018, il a reçu le prix Religion et Arts de l’Académie américaine de religion. En 2019, il a reçu la médaille UCLA, la plus haute distinction décernée par l’université de Californie à Los Angeles. United States Artists a nommé Smith 2021 USA Fellow, et il a été sélectionné comme 2022 Mellon Arts & Practitioner Fellow au Yale Center for the Study of Race, Indigeneity and Transnational Migration (RITM).
Il a joué et/ou enregistré avec Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Lester Bowie, Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve McCall, Anthony Davis, Carla Bley, Don Cherry, Jeanne Lee, Tadao Sawai, Muhal Richard Abrams, Ed Blackwell, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Marion Brown, Charlie Haden, Malachi Favors Magoustous, Jack DeJohnette, Vijay Iyer, Ikue Mori, Min Xiao Fen, Bill Laswell, John Zorn, Ronald Shannon Jackson, Frank Lowe, parmi beaucoup d’autres.
Wadada Leo Smith is an American trumpeter and composer. He became a member of the Chicago based Association for the Advancement of Creative Music in 1967 and has recorded and performed extensively since this time. Smith will be joined by pianist Sylvie Courvoisier to perform Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens.
Smith was a finalist for the 2013 Pulitzer Prize in Music for Ten Freedom Summers, (Defining Moments in the History of the United States of America), a collection of compositions inspired by the civil rights movement and released as a 4-CD boxed set. Smith was named DownBeat Magazine’s Composer of the Year in 2013.
In 2016 Smith received a Doris Duke Artist Award and earned an honorary doctorate from CalArts, where he was also celebrated as Faculty Emeritus. In addition, he received the Hammer Museum’s 2016 Mohn Award for Career Achievement “honoring brilliance and resilience.” In 2018 he received the Religion and The Arts Award from the American Academy of Religion. In 2019 he received the UCLA Medal, the highest honor bestowed by the University of California, Los Angeles. United States Artists named Smith a 2021 USA Fellow, and he has been selected as a 2022 Mellon Arts & Practitioner Fellow at the Yale Center for the Study of Race, Indigeneity and Transnational Migration (RITM).
Smith has performed and/or recorded with Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Lester Bowie, Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve McCall, Anthony Davis, Carla Bley, Don Cherry, Jeanne Lee, Tadao Sawai, Muhal Richard Abrams, Ed Blackwell, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Marion Brown, Charlie Haden, Malachi Favors Magoustous, Jack DeJohnette, Vijay Iyer, Ikue Mori, Min Xiao Fen, Bill Laswell, John Zorn, Ronald Shannon Jackson, Frank Lowe, among many others.
Sylvie Courvoisier
La pianiste-compositrice Sylvie Courvoisier, originaire de Suisse et installée à Brooklyn, lauréate du prix international de piano jazz en Allemagne en 2022, est réputée pour son équilibre entre deux mondes distincts : la musique de chambre profondes et riches de subtilités liées à ses racines européennes et les sons groovy et syncopés de la scène avant-jazz de New York, où elle vit depuis plus de vingt ans.
Peu d’artistes se sentent vraiment à l’aise à la fois dans les salles de concert et dans les clubs de jazz, qu’ils jouent de la musique improvisée ou composée. Mais Mme Courvoisier – « une pianiste à la fois audacieuse et pleine d’assurance », selon le New York Times – est aussi convaincante lorsqu’elle interprète l’épique Sacre du printemps de Stravinsky, avec le pianiste de musique nouvelle Cory Smythe, que lorsqu’elle improvise avec son propre trio de jazz adulé par la critique et composé du contrebassiste Drew Gress et du batteur Kenny Wollesen.
Ses collaborations avec des sommité.e.s telles que John Zorn, Wadada Leo Smith, Evan Parker, Ikue Mori, Ned Rothenberg, Fred Frith, Andrew Cyrille, Mark Feldman, Christian Fennesz, Nate Wooley et Mary Halvorson ont largement contribué à ouvrir toujours davantage ses oreilles.
Pianist-composer Sylvie Courvoisier, a Brooklyn-based native of Switzerland and winner of Germany’s International Jazz Piano Prize in 2022, has earned renown for balancing two distinct worlds: the deep, richly detailed chamber music of her European roots and the grooving, hook-laden sounds of the avant-jazz scene in New York City, her home for more than two decades.
Few artists feel truly at ease in both concert halls and jazz clubs, playing improvised or composed music. But Courvoisier — “a pianist of equal parts audacity and poise,” according to The New York Times — is as compelling when performing Stravinsky’s epochal Rite of Spring in league with new-music pianist Cory Smythe as she is when improvising with her own acclaimed jazz trio, featuring bassist Drew Gress and drummer Kenny Wollesen.
Then there are her ear-opening collaborations with such luminaries as John Zorn, Wadada Leo Smith, Evan Parker, Ikue Mori, Ned Rothenberg, Fred Frith, Andrew Cyrille, Mark Feldman, Christian Fennesz, Nate Wooley and Mary Halvorson.
Rehab Hazgui
Rehab Hazgui est compositrice et écologiste sonore. Ses œuvres d’art explorent les moyens d’apprendre de nouvelles formes de langages par l’écoute consciente et la relation que les êtres entretiennent avec leur culture, leur patrimoine, leur société et leur paysage en tant que participants impliqués et vivants. Ses recherches portent sur la manière dont le son émerge à travers des paysages dynamiques, y compris ceux qui sont biologiques, géophysiques et issus des conséquences humaines. Rehab Hazgui s’intéresse principalement à l’acte d’écoute lui-même, dans la mesure où il est lié à notre perception de l’espace, à notre relation avec lui et au niveau profond d’engagement avec le monde que nos oreilles nous procurent. Dans sa musique, elle explore constamment le mouvement sans fin du son, la répétition et l’utilisation du silence comme une troisième dimension permettant de naviguer entre différentes formes d’écoute.
Au cœur de sa recherche sonore se trouve le concept d’interaction cognitive synergique, qui intègre une collaboration transparente entre les humains et les machines afin de créer une performance musicale liminale. Sa musique est une expérience unique et innovante qui transcende les notions traditionnelles de musique et de technologie, offrant à l’auditeur.rice. un voyage sonore sans précédent. Ses créations sonores défient la perception du temps et de l’espace de l’auditeur.rice., mettant en valeur son approche distincte de l’expérimentation et de l’exploration sonores. Le travail de Rehab Hazgui a été présenté dans de nombreux festivals et lieux : The Art Week (Singapour), Phonetics (Alger), CTM (Berlin), Kikk (Namur, Belgique), Savvy Contemporary (Berlin), Phonetics (Saint Denis, Paris), Perte de Signal (Montréal), Sight & Sound (Montréal), The Mannheimer Sommer Festival (Mannheim, Allemagne) ; ainsi que d’innombrables ateliers à travers l’Europe consacrer à la construction de synthétiseurs et d’appareils audio DIY.
Rehab Hazgui is a composer and sound ecologist. Her artworks explore ways to learn new forms of languages through conscious listening and the relationship that beings have with their culture, heritage, society and landscape as involved and living participants. Her research examines the ways in which sound emerges through dynamic landscapes, including those that are biological, geophysical, and human consequences. Rehab Hazgui’s primary focus is on the act of listening to itself, as it relates to our perception of space, our relationship to it, and the profound level of engagement that our ears provide with the world. In her music she is constantly exploring the endless movement of sound, repetition, and the use of silence as a third space to navigate between different forms of listening.
At the heart of her sonic research is the concept of achieving a synergetic cognitive interaction, which involves the seamless collaboration between human and machine to create an integrated and boundary-pushing musical performance. Her music is a unique and innovative experience that transcends traditional notions of music and technology, offering an unparalleled sonic journey for the listener. Her sonic creations challenge the listener’s perception of time and space, showcasing her distinct approach to sonic experimentation and exploration. Rehab Hazgui’s work has been presented in many festivals and venues: The Art Week (Singapore), Phonetics (Algiers), CTM (Berlin), Kikk (Namur, Belgium), Savvy Contemporary (Berlin), Phonetics (Saint Denis, Paris), Perte de Signal (Montreal), Sight & Sound (Montreal), The Mannheimer Sommer Festival (Mannheim, Germany); as well as countless workshops across Europe on building DIY synthesizer and audio devices.
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