Montréal

expérimental / improvisation libre / jazz

Le Vivier : Quasar – Ondes Passerelles à l’Espace orange de l’Édifice Wilder

par Rédaction PAN M 360

Le quatuor de saxophone Quasar présente Ondes Passerelles, un programme de dialogues interculturels mettant en relation la tradition musicale occidentale contemporaine et diverses pratiques musicales issues de cultures du monde. Cette rencontre artistique favorise la collaboration entre compositeur·trice·s et interprètes provenant de ces différents horizons, dans un esprit d’échange et de création partagée. Une nouvelle œuvre de Jesse Plessis, compositeur d’héritage métis, pour quatuor de saxophones, voix et piano, sera créée lors de ce concert. Le texte chanté est tiré de l’ouvrage Au vent de la piroguière – Tifaifai de Flora Aurima Devantine, dans lequel « le voyage de la vie se confond avec celui du langage, oscillant entre oralité et écriture ». Le programme comprendra également une œuvre pour quatuor et santour du compositeur Jimmie Le Blanc. Les artistes invité·e·s pour cette présentation seront la soprano Brittany Rae (soprano), le musicien Amir Amiri (santour) ainsi que Jesse Plessis au piano.

Ondes Passerelles offers a program of intercultural dialogues that brings contemporary Western musical traditions into conversation with diverse musical practices from around the world. This artistic encounter fosters collaboration between composers and performers from these different backgrounds, in a spirit of exchange and shared creation. A new work by Métis composer Jesse Plessis, for saxophone quartet, voice, and piano, will receive its world premiere as part of the concert. The sung text is drawn from Au vent de la piroguière – Tifaifai by Flora Aurima Devantine, in which “the journey of life merges with that of language, oscillating between orality and writing.” The program will also include a work for quartet and santour by composer Jimmie Le Blanc. Guest artists for this presentation will include soprano Brittany Rae, musician Amir Amiri on santour, and Jesse Plessis on piano.

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avant-garde / jazz / musique contemporaine

Festival Flux : Caroline Davis + Helen Gillet à La Zone

par Rédaction PAN M 360

Caroline Davis

Caroline Davis est une saxophoniste, compositrice et activiste, basé à Brooklyn, dont la pratique est entrainé par un désir de connection, et une croyance dans la capacité de la musique à développer les oreilles, esprits et coeurs de ses auditeurs. Une étudiante en composition à Guggenheim en 2025, elle a aussi reçu le prix ‘Alto Saxophone Rising Star’ du sondage Downbeat Critics Poll, et est également boursière de NYFA, Jerome Foundation, Chamber Music America, et Foundation for Contemporary Arts. Elle a participée à des résidences artistiques telles que MacDowell, The Jazz Gallery, Civitella, et The Rockefeller Estate, et a servi de mentor pour le programme New Music USA’s Next Jazz Legacy. Son oeuvre s’étend sur une large gamme de différents contextes de création, enraciné dans l’improvisation et la réflection sociale. Elle a sorti huit albums en tant qu’artiste solo, et a aussi collaboré avec des artistes tel que Allison Miller, Lee Konitz, John Zorn, Angelica Sanchez, The Femme Jam, Miles Okazaki, Nicole Mitchell, Rajna Swaminathan, and Matt Mitchell. Sa parution la plus récente, Portals, explore les thêmes du deuil et de la mémoire, et elle a aussi contribué à ‘New Standards’ de Terri Lyne Carrington, une collection essentielle d’oeuvres Jazz par des compositrices variées.

Caroline Davis is a Brooklyn-based saxophonist, composer, and activist, whose work is driven by a desire for connection and a belief in music’s capacity to expand listeners’ ears, minds, and hearts. A 2025 Guggenheim Fellow in Composition, she is the recipient of the DownBeat Critics Poll Alto Saxophone Rising Star Award, as well as fellowships from NYFA, the Jerome Foundation, Chamber Music America, and the Foundation for Contemporary Arts. Her residencies include MacDowell, The Jazz Gallery, Civitella, and the Rockefeller Estate, and she has served as a mentor for New Music USA’s Next Jazz Legacy program. Davis’s work spans a wide range of creative contexts, rooted in improvisation and social inquiry. She has released eight albums as a leader and collaborated with artists such as Allison Miller, Lee Konitz, John Zorn, Angelica Sanchez, The Femme Jam, Miles Okazaki, Nicole Mitchell, Rajna Swaminathan, and Matt Mitchell. Her most recent release, Portals, explores themes of grief and memory, and she is also a contributor to Terri Lyne Carrington’s New Standards, a landmark collection of jazz compositions by female-identifying composers.

Helen Gillet

Helen Gillet est une compositrice-interprète, chanteuse et archéologue surréaliste qui explore les sonorités synthétiques, textures et rhytmes du violoncelle. Gillet a nottament reçu le prix Doris Duke Performance, New Orleans Best Contemporary Jazz et ‘Best Female Performer’ pour Gambit Best of The Beat et Offbeat Magazine’s Best « Other Instrumentalist » & « Mixed Bag », ainsi que deux fois pour Rising Star du Downbeat Magazine’s Critic Poll. Gillet est née en Belgique et a grandi à Singapour pendant 9 ans. Résidant en Nouvelle-Orléans depuis 24 ans, elle a performé avec des musiciens de tout genres, allant de Jazz avant-gardiste, au classique, pop, folk et funk – Gillet a developpé un style polyglotte et unique. Au coeur de sa pratique artistique est la performance live untilisant l’improvisation et la répitition / ‘looping’, qui combine son violoncelle et son chant. Des rhythmes émergent, des ostinatos joués à l’archet ou pizzicato, de la percussion joués avec des frottements et de claquements sur le corps même du violoncelle; le tout complimenté avec des mélodies jouées en voix lyrique du violoncelle ou chantées avec sa voix alto envoûtant. Elle a performé pour nombreux festivals à travers l’Europe, l’Australie et les États-Unis, en tant qu’artiste solo, collaboratrice et éducatrice d’improvisation, expression et bouclage fluide, humaine et sans raccord. Gillet a produit pour d’innombrables musiciens tout au long de sa carrière et a sorti 14 albums de sa propre musique, et genres variés allant de jazz, progressif, électronique, folk, rock, punk, avec des groupes ou en format solo. Sa parution la plus récente, « ReBelle », est un hommage au musicien et poet Belge, Julos Beaucarne; enregistré en collaboration avec une quintette de musiciens de la Nouvelle-Orléans.

Helen Gillet is a singer-songwriter and surrealist-archeologist exploring synthesized sounds, texture, and rhythm using an acoustic cello. Gillet is the recipient of the Doris Duke Performance Award, New Orleans Best Contemporary Jazz and best Female Performer from Gambit Best of The Beat awards and Offbeat Magazine’s Best “Other Instrumentalist” and “Mixed Bag” music and twice for Rising Star in Downbeat Magazine’s Critic Poll. Gillet was born in Belgium, raised in Singapore for 9 years as a child. Over the past 23 years, living in New Orleans she has played with musicians of all stripes, from avant-garde jazz and classical to pop and funk — Gillet has developed a singular polyglot style. The core of her work is solo performance with live looping, layering cello parts and vocal lines. Rhythmic figures emerge with bowed or plucked ostinatos or a variety of rubbing and slapping on the body of the cello, then enhanced with melodies played or sung in her haunting alto. Gillet’s solo performance with “My Pal Foot Foot” is known for its enigmatic quality as she fabricates each song with innovative use of the cello and true mastery of live looping technology. She has performing in festivals across Europe, Australia, and The United States as a solo musician, collaborator and educator. Gillet has recorded for countless musicians throughout her career and has self published 14 albums of her own original music ranging from progressive jazz, electro folk rock and punk bands and solo singer-songwriting albums. Her latest album is called “ReBelle” a Tribute to Belgian folk singer Julos Beaucarne and features a quintet of New Orleans musicians.

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art-punk / post-punk / shoegaze

POP Montréal 2026 : La Sécurité (lancement d’album : Bingo!) et Shunk au Théâtre Fairmount

par Rédaction PAN M 360

La Sécurité

La Sécurité (Montréal / Tiohtià:ke) est un collectif d’art punk alliant à parts égales: rythmes sautillants, spectre harmonique accidenté et phrasés mélodiques minimalistes; le tout passé dans un filtre insomniaque, le résultat d’une surexposition aux néons de la métropole québécoise. Sa musique, parfaitement à son aise lorsque dynamitée sur une piste de danse, prêche vivre dangereusement. Les paroles, elles, font écho au mouvement Riot Grrrl, et célèbrent entre autres l’autonomisation de femmes, les ami.e.s (gentil.le.s comme méchant.e.s) et la bienveillance. Depuis ses débuts au printemps 2022, le quintette hétéroclite a reçu des invitations de SXSW, End of the Road, The Great Escape, Reeperbahn, puis du FIJMl, ajoutant des tournées aux côtés de The Go! Team (2024) et The Rapture (2025). Après la sortie du premier album Stay Safe! (16 juin 2023), nommé sur la Longue Liste pour le Prix de musique Polaris 2024, ainsi que son joyeux rejeton Stay Safe! REMIXED (8 mars 2024), tous deux chez Mothland, le quintette a dévoilé les titres “Detour” (22 octobre 2024) et “Ketchup” (28 janvier 2025), préparant le terrain pour un nouvel afflux de joyaux sonores D.I.Y., cette fois-ci collaborant également avec l’étiquette britannique emblématique de Simon Raymonde: Bella Union. La bande se pose à nouveau sur les franges du punk, de la new wave et du krautrock, bafouant sournoisement les formules stylistiques à chaque occasion avec la parution de son deuxième disque Bingo!, prévu le 12 juin 2026 via Bella Union (Monde) et Mothland (Canada/États-Unis).

La Sécurité (Montréal/Tiohtià:ke) is a collective whose art punk is equal parts: jumpy beats, off-kilter arrangements and minimalistic melodic hooks; run through an insomniac filter, the result of excessive exposure to the city’s neon lights. The music is all about living dangerously, perfectly agreeable to being blasted onto dancefloors; while the lyrics share the ethos of the Riot Grrrl movement, and celebrate the autonomization of women, friends (mean and nice) as well as benevolence. Since coming together in the Spring of 2022, they have been invited to perform noteworthy events such as SXSW, End of the Road, The Great Escape, and Reeperbahn, also touring alongside The Go! Team (2024) and The Rapture (2025). Following the release of Polaris Music Prize 2024 long-listed debut Stay Safe!—as well as its joyous offspring Stay Safe! REMIXED—with Mothland, the five-piece offered singles “Detour” and “Ketchup”, setting the stage for a new influx of D.I.Y. sonic gems, this time also teaming up with Simon Raymonde’s seminal British imprint: Bella Union. Hence, the motley bunch continues to meander the fringes of punk, new wave and krautrock, mischievously flouting stylistic form every chance they get by way of sophomore long-player Bingo!, scheduled for release on June 12th, 2026 via Bella Union (World) and Mothland (Canada/United States).

Shunk

Le groupe montréalais Shunk fusionne avec brio une myriade d’influences musicales (post-punk, dreampop, shoegaze, indie pop, opéra) pour créer sa propre palette sonore. Leurs performances live excentriques et électrisantes reflètent la scène musicale montréalaise en constante évolution et audacieuse. La chanteuse Gabrielle incarne avec une grande capacité de nuances, tant physiquement que vocalement, passant de l’opéra aux cris quasi-hardcore en un instant. Le tout est soutenu par une section rythmique impeccable composée d’Adrian et Julia, et par les parties de guitare scintillantes et synthétiques de Peter.

Montreal’s Shunk seamlessly blend a myriad of musical influences (Post-Punk, Dreampop, Shoegaze, lndie Pop, Opera) to form their own specific sonic palette. Their eccentric and electrifying live performances reflect their city’s ever-evolving, boundary-pushing music scene. Vocalist Gabrielle is able to embody multiple personas physically and vocally, singing opera one minute and yelling in borderline hardcore moments the next. This is all grounded by a honed rhythm section consisting of Adrian and Julia, and shimmering, synth inspired guitar parts from Peter.

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R&B / radio

POP Montréal 2026 : CBC Afterdark – Enregistrement en direct au P’tit Ours

par Rédaction PAN M 360

Odario Williams met le feu à la nuit avec l’émission « Afterdark » de CBC Music. Du lundi au vendredi soir, Odario vous propose une exploration de morceaux et de rythmes envoûtants pour apaiser l’âme et accompagner toutes vos émotions nocturnes. Diffusée aux quatre coins du pays, « Afterdark » favorise les liens et apporte un remède aux âmes solitaires. Le 25 septembre, Odario présentera son mélange musical éclectique à POP Montréal lors d’une édition spéciale en direct de l’émission. Venez vivre cette expérience en direct et vous imprégner de l’ambiance.

Odario Williams sets the night on fire with CBC Music’s Afterdark. From Monday to Friday evenings, Odario brings you an exploration of moody tunes and grooves to soothe the soul and soundtrack all your nighttime feels. Broadcasting to every corner of the country, Afterdark fuels connection and provides a cure for the lonely soul. On September 25th, Odario will bring his eclectic music mix to POP Montreal for a special live edition of the show. Drop in to connect to the live experience and feel the vibes.

CET ÉVÉNEMENT EST GRATUIT!

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chant choral / musique de chambre

Le Vivier : André Pappathomas – Areuh! à l’Espace orange de l’Édifice Wilder

par Rédaction PAN M 360

Ce projet est une étude sur la musicalité des langues et mettra en scène et en musique, six langues choisies pour leur musicalité distinctives : le japonais, l’arabe, le portugais, le wolof, l’arménien et le malgache. Un.e ou deux représentant.e.s de chacune de ces communautés formeront un ensemble vocal dont les solos et les chants d’ensemble s’articuleront autour de textes traduits dans chacune des langues en présences… À partir de cette configuration « chorale » et musicale, se mettra en place toute une suite de pièces vocales et musicales soutenus par un choix d’instruments liés à ces différentes cultures. Le shamisen, le oud, la kora, le valiha et une panoplie d’instruments de percussions. Des musiciens (violoncelle, hautbois, violon et percussions) ainsi qu’un quatuor de solistes issu de la musique actuelle et contemporaine insufflera à l’ensemble, par l’utilisation de phonèmes, des consonnances langagières dégagées de toutes références géographiques, historiques ou religieuses.

This project is a study on the musicality of languages, staging and setting to music six languages chosen for their distinctive musicality: Chinese, Arabic, Italian, Haitian Creole, Hebrew and Swahili. One or two representatives from each of these communities form a small vocal ensemble whose songs are built around a shared text translated into each of the languages present… From this choral and musical configuration unfolds a whole series of vocal and musical pieces, supported by a selection of instruments tied to these various cultures: the guzheng, the oud, the kora, the zumari and an array of wind and percussion instruments. A quartet of soloists from the worlds of musique actuelle and contemporary music infuses the ensemble, through the use of phonemes, with consonances freed from geographic or religious references.

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baroque

Un Vivaldi bien vivant avec l’Orchestre classique de Montréal et les Petits chanteurs du Mont-Royal

par Frédéric Cardin

Le concert Viva Vivaldi de samedi dernier, 30 mai, soulignait non seulement la clôture de saison de l’Orchestre classique de Montréal (OCM) sous la direction d’Andrei Feher, mais surtout le 70e anniversaire des Petits chanteurs du Mont-Royal. Pour l’occasion, deux grands classiques signés Vivaldi, un compositeur dont la popularité ne se dément pas : les Quatre saisons, pour bien mettre en évidence les qualités de l’orchestre et surtout de son premier violon, Mark Djokic. Puis le Gloria, dans une version toute chorale, menée plutôt rondement par les quelque 150 choristes présents.

En intro de concert, l’Orchestre a joué une composition de Tom Lachance, dans le cadre, nous dit-on, d’un partenariat avec l’École Schulich de l’Université McGill. L’œuvre d’environ dix minutes, nommé Concerto pour deux violons en sol majeur, est un calque de l’architecture d’un concerto baroque du type de ceux écrits par Vivaldi. Trois mouvements marqués vif-lent-vif, un discours échangiste entre les solistes (Mark Djokic et Marianne di Tomaso ) et l’ensemble et des effets de contrastes marqués. Ici, les jeux se font entre les harmonies tonales et des dissonances modernistes, dans un va et vient qui n’a rien de surprenant, étant donné qu’on a déjà entendu ce genre de procédés plusieurs fois ailleurs. Cela dit, Tom Lachance a su exploiter le principe assez habilement, malgré sa prévisibilité, pour conserver l’intérêt.

Les Quatre saisons ont suivi, avec un Mark Djokic, première chaise de l’OCM, en très bonne forme. Celui qui s’était blessé à une jambe la veille, se déplaçait difficilement jusqu’à son poste, mais une fois installé, il a délivré une lecture vive et articulée des nombreuses lignes virtuoses de la partition. Sans être dénuée de quelques accrocs, la technique de M. Djokic est solide et confiante. On soulignera la belle tenue de l’OCM sous la baguette d’Andrei Feher, convaincant d’intensité. Celui-ci a mené son ensemble dans des attaques incisives et des tenues de notes finales assez courtes, informées par l’esthétique de performance historique, tout en permettant aux instruments modernes de l’Orchestre de pleinement résonner. Une rondeur sonore, donc, qui s’est bellement mariée à la pratique chirurgicale des rythmes. L’OCM a offert une fusion de la pratique authenticiste et d’une certaine opulence moderne qui m’a semblé très bien fonctionner. Au demeurant, Mark Djokic a lui aussi joué ce jeu en pratiquant le style urgent du baroque historique dans les mouvements rapides, mais en y allant parfois d’un lyrisme plus récent dans certaines lignes chantantes des mouvements lents. Un bel équilibre qui a satisfait le plaisir musicophile de votre dévoué chroniqueur.

Concert Viva Vivaldi – 30 mai 2026 – Orchestre classique de Montréal – Mark Djokic, violon solo Andrei Feher, dir. – Photo : Tam Photography

La deuxième partie accueillait en grande pompe les quelque 150 jeunes choristes des Petits chanteurs. La Maison symphonique était remplie d’une majorité de parents et amis des garçons, et cela s’entendait. Peut-être un peu trop, surtout à cause des applaudissements entre chaque mouvement du début du Gloria! Un peu pénible, même si à un moment donné, le chef Andrew Gray (directeur des Petits chanteurs), et non Andrei Feher, qui lui avait laissé sa baguette pour l’occasion, a radicalement accéléré les transitions entre les mouvements, ne laissant pas le temps aux sprinters de l’applaus de s’exécuter.

Rappelons d’abord que le Gloria RV 589 est parcouru de quelques solos pour sopranos qui ont dû ici être remplacés par la section des jeunes garçons du chœur. Pour ce qui est des tutti choraux, vous aurez vite compris qu’à 150, la clarté et la netteté des lignes polyphoniques et surtout des contrepoints virtuose de plusieurs mouvements n’était pas chose aisée à bien mener. En tout et partout, finalement, Andrew Gray a su réaliser quelques moments qui ont laissé forte impression. À part quelques passages un peu bouetteux (le Gratias agimus tibi, 4e mouvement entre autres), difficilement dessinés dans une telle masse, les différentes voix étaient bien perceptibles, et l’agilité requise assez satisfaisante. Levons donc notre chapeau aux jeunes chanteurs et surtout à leur chef.

Je souhaite aussi souligner très fort l’excellence des solos offerts par les premières chaises de l’OCM. Le fameux solo de trompette dans le mouvement introductif était rien de moins que exquis. Aussi, de superbes lignes sonores ont été offertes par le hautbois et le violoncelle lors du parcours à travers l’œuvre.

En rappel, Andrei Feher s’est fait plaisir en reprenant la baguette et en dirigeant la masse de musiciens dans le Laudate Dominum RV 606 de Vivaldi.

Une soirée réussie pour l’OCM qui, on lui souhaite, remplira son carnet d’abonnements, ainsi que pour la pérennité des Petits chanteurs du Mont-Royal.

ambient / électronique / techno expérimentale

FUTURS ANTÉRIEURS – Kaitlyn Aurelia Smith, Johnny Jewel, Misstress Barbara, Jacques Greene b2b Martyn Bootyspoon et + à la SAT

par Rédaction PAN M 360

Pour ses 30 ans, la SAT voit grand avec Futurs Antérieurs : un takeover complet de ses trois étages par plus de 30 artistes, pendant deux nuits entières. Une célébration d’envergure où passé, présent et futur se superposent et se réécrivent en continu. L’avenir est déjà ici. Des figures internationales à la scène émergente, de la techno aux explorations ambient et expérimentales, et des visuels immersifs aux performances live A/V, Futurs Antérieurs déploie une programmation de haut calibre et résolument tournée vers demain. Le 5 juin, Johnny Jewel (live A/V), Ambassade (live A/V), Misstress Barbara (qui souligne également 30 ans de carrière), KYRUH et Evita investissent le rez-de-chaussée. Matias Aguayo, PAURRO et Fabrizio Di Salvo prennent possession du dôme, et l’espace lounge s’active pour l’occasion avec zi! et Eccina (live) au deuxième étage. Le 6 juin, la fête se poursuit avec Kaitlyn Aurelia Smith (live), Flore b2b Nahash, Hyd (live), Honeydrip et t-nex dans l’Espace SAT. La Satosphère accueille Jacques Greene b2b Martyn Bootyspoon, Mozhgan et France Jobin & Markus Heckmann (live A/V), tandis qu’Alan Harman, copcarbonfire et Richard b2b M Salaciak se partagent le deuxième étage. De jour, une masterclass avec Flore (13h-15h) vient compléter cette édition anniversaire.
•Installations lumineuses : Aube et Skeletron.tv (5 et 6 juin) 
•Visuels immersifs 360° : BunBun et Alex Vlair (5 juin) / SULFATION et al11z (6 juin)
Tous les espaces et formats se déploient pour célébrer 30 ans de programmation visionnaire et avant-gardiste, et imaginer ensemble les performances de demain.

For its 30th anniversary, the SAT is thinking big with Futurs Antérieurs: a complete takeover of its three floors by over 30 artists, over two entire nights. A major celebration where past, present, and future overlap and are continuously rewritten. The future is already here. From international figures to the emerging scene, from techno to ambient and experimental explorations, and from immersive visuals to live A/V performances, Futurs Antérieurs presents a high-caliber program resolutely focused on tomorrow. On June 5, Johnny Jewel (live A/V), Ambassade (live A/V), Misstress Barbara (also marking 30 years of career), KYRUH, and Evita take over the ground floor. Matias Aguayo, PAURRO, and Fabrizio Di Salvo take possession of the dome, and the lounge space comes alive for the occasion with zi! and Eccina (live) on the second floor. On June 6, the party continues with Kaitlyn Aurelia Smith (live), Flore b2b Nahash, Hyd (live), Honeydrip, and t-nex in the Espace SAT. The Satosphere hosts Jacques Greene b2b Martyn Bootyspoon, Mozhgan, and France Jobin & Markus Heckmann (live A/V), while Alan Harman, copcarbonfire and Richard b2b M Salaciak share the second floor. During the day, a masterclass with Flore (1-3 PM) completes this anniversary edition.
•Light installations: Aube and Skeletron.tv (June 5 and 6)
•Immersive 360° visuals: BunBun and Alex Vlair (June 5) / SULFATION and al11z (June 6)
All spaces and formats are deployed to celebrate 30 years of visionary and avant-garde programming, and to collectively imagine the performances of tomorrow.

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classique / post-romantique

Intégrale des sonates pour piano de Prokofiev – Concert 3 : Le siège de Leningrad à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

L’un des 15 meilleurs pianistes canadiens de tous les temps selon la CBC, David Jalbert nous mène sur le chemin passionnant des sonates pour piano de Prokofiev ! Dans une intégrale en trois concerts-événements, ce projet s’inscrit dans la foulée de ses enregistrements chez ATMA Classique. Entre introspection et virtuosité, romantisme et modernité, ces œuvres reflètent le parcours et la vie de ce compositeur visionnaire.

David Jalbert—one of the 15 greatest Canadian pianists of all time, according to the CBC—takes his audience on a journey through Prokofiev’s complete piano sonatas! This three-part concert series was inspired by Jalbert’s Prokofiev recordings for ATMA Classique. With works both introspective and virtuosic, both Romantic and modern, this programme offers a glimpse into the life and works of the visionary composer.

Programme

PROKOFIEV
Sonate n° 9 en do majeur, op. 103
Sonate n° 10 en mi mineur, op. 137 (inachevée)
Six pièces d’après Cendrillon, op. 102 : I. « Valse : Cendrillon et le Prince » 
Sonate n° 3 en la mineur, op. 28
Dix pièces d’après Roméo et Juliette, op. 75 (extraits)
Sonate n° 7 en si bémol majeur, op. 83

Program

PROKOFIEV
Sonata No. 9 in C major, Op. 103
Sonata No. 10 in E minor, Op. 137 (unfinished)
Six Pieces from Cinderella, Op. 102: I. Waltz: Cinderella and the Prince
Sonata No. 3 in A minor, Op. 28
Ten Pieces from Romeo and Juliet, Op. 75 (excerpts)
Sonata No. 7 in B-flat major, Op. 83

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baroque / classique / post-romantique

Maxim Shatalkin & Olga Kudriakova, pianos – Matinée à 2 pianos à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Ce brillant duo de pianistes, récemment installé à Montréal, a remporté maints concours internationaux. Il propose un récital haut en couleur dans lequel les chorals de Bach côtoient les compositeurs russes et polonais des 20e et 21e siècles, ou encore le tango argentin de Piazzolla, qui fait un clin d’œil aux célèbres Quatre saisons baroques.

This brilliant piano duo, winner of several international competitions, has chosen Montréal as its new home. In this colourful recital, the pianists combine Bach chorales with Russian and Polish works from the 20th and 21st centuries, not to mention an Argentine tango piece by Piazzolla that gives a subtle nod to Vivaldi’s Four Seasons.

Programme

J. S. BACH
Prélude de choral Ich ruf zu dir Herr Jesu Christ, BWV 639, pour piano solo (arr. BUSONI)
Aria « Schafe können sicher weiden », de la cantate Was mir behagt, ist nur die muntre Jagd, BWV 208  (arr. PETRI)
CHOSTAKOVITCH Concertino pour deux pianos en la mineur, op. 94
PIAZZOLLA Las cuatro estaciones porteñas [Les quatre saisons de Buenos Aires] (arr. pour deux
pianos de ZIEGLER)
KAPOUSTINE Variations pour piano solo, op. 41
LUTOSŁAWSKI Variations sur un thème de Paganini

Program

J. S. BACH
Chorale prelude choral Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639, for solo piano (arr. BUSONI)
Aria « Schafe können sicher weiden » from the cantata Was mir behagt, ist nur die muntre Jagd, BWV 208 (arr. PETRI)
SHOSTAKOVICH Concertino for Two Pianos in A minor, Op. 94
PIAZZOLLA Las cuatro estaciones porteñas [The Four Seasons of Buenos Aires] (arr. ZIEGLER for two pianos)
KAPUSTIN Variations for Solo Piano, Op. 41
LUTOSŁAWSKI Variations on a Theme by Paganini

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