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Composé entièrement avec un instrument qu’il a lui-même conçu, le nouvel album de Graham Hudson-Jameson (Dr. Jekyll Project) a conduit ce dernier à se lancer dans la tâche difficile de fusionner une approche totalement expérimentale avec le style traditionnel du lied. Et bien, il a réussi.
Cet album doit être écouté dans son intégralité, et j’ajouterais même plusieurs fois. Si la première écoute peut être une expérience bouleversante, mêlant admiration et curiosité, les deuxième et troisième écoutes révèlent les dimensions imbriquées qui englobent ce sentiment puissant.
Dans un style électroacoustique typique, chaque chanson parvient à orchestrer des textures et des voix variées qui apparaissent et disparaissent dans une approche artyhmique, se rejoignant naturellement aux points de rupture d’un scénario global.
Sur une poésie qui embrasse les désagréments du vieillissement, les confessions intimes de Gwyneth Hudson-Jameson sur ses peurs, ses aspirations et ses regrets sont amplifiées avec audace par les accents dramatiques que seule une chanteuse d’opéra aussi talentueuse qu’elle peut exécuter. D’une manière inattendue, son chant trouve toujours le ton juste pour accompagner ou contraster avec la musique. Tantôt larmoyante, tantôt fière et forte, elle vous emporte et vous fait vivre par procuration à travers sa voix.
Dans son ensemble, cet album regorge de sens. Graham et Gwyneth sont tous deux très expérimentés, et leur complicité en tant que frère et sœur crée une harmonie que l’on voit rarement chez les duos.
À l’approche du Festival Vibrations, j’ai discuté avec Graham, qui prépare son spectacle avec son instrument, le Lightbox, afin de mieux comprendre comment cette approche unique a vu le jour.
PAN M 360 : La métaphore centrale de l’album est la décoloration des couleurs pour décrire la transition de l’enfance à l’âge adulte. Pourriez-vous nous expliquer comment cette métaphore visuelle spécifique se traduit en son, tant dans votre composition vocale que dans les textures électroniques que vous créez ?
Graham Hudson-Jameson : J’ai été inspiré par la métaphore visuelle des couleurs qui s’estompent, car j’ai lu un jour qu’avec l’âge, le cristallin de l’œil jaunit, rendant les couleurs moins vives. Je n’ai pas vérifié cette information, mais l’idée m’est restée en tête. La décoloration des couleurs reflète la perte de l’innocence enfantine, laissant progressivement place à une vision monochrome et blasée de la vie. Sur le plan sonore, j’ai abordé cette métaphore de manière assez littérale. Dans la première partie, les sons sont clairs et nets, et les voix expriment la liberté tout en décrivant le monde vibrant qui les entoure. Dans la deuxième partie, les couleurs et la musique commencent à s’estomper, avec des tempos plus rapides et des rythmes plus chaotiques. Dans la troisième partie, le son est presque entièrement choral, la plupart des voix tenant des notes soutenues et monotones, reflétant le monde monochrome de la vieillesse. Il y a également une section qui renvoie à l’enfance, mais le souvenir est fragmenté et déformé avant de revenir au présent.
. PAN M 360 : Le titre Autoportrait contient de nombreux morceaux, suggérant plusieurs autoportraits. Ces chansons sont-elles différentes facettes d’un même moi à différents moments, ou sont-elles les portraits d’individus différents, peut-être archétypaux, traversant ce passage universel ?
Graham Hudson-Jameson : J’ai divisé l’autoportrait en trois parties distinctes afin de représenter les différentes étapes de la vie d’une personne. La première partie dépeint l’enfance, où tout va lentement et où le monde semble lumineux et fascinant. La deuxième partie représente l’âge adulte, où le temps passe à toute vitesse et où les beautés de la vie se confondent. La troisième partie dépeint la vieillesse, où tout est devenu monochrome et où la personne regarde en arrière avec nostalgie et un soupçon de regret de ne pas avoir profité pleinement de la vie. Ensemble, les trois parties racontent l’histoire d’un individu qui traverse ces étapes importantes.
PAN M 360 : Vous avez développé le concept de cet album dans le cadre du programme de licence Musiques Numériques. Pouvez-vous nous parler de la manière dont le mentorat vous a guidé tout au long de ce processus ?
Graham Hudson-Jameson : J’ai commencé à réfléchir à des idées pour ce projet pendant que je suivais le cours de projet avec Ana Dall’Ara-Majek. Elle m’a aidé à développer le Lightbox, un instrument qui utilise des capteurs de lumière pour contrôler les paramètres sonores dans Max/MSP. Je suivais également un cours d’écriture avec Philippe Gareau, qui m’a aidé à comprendre les structures harmoniques et les voix chorales. Enfin, dans un cours d’histoire de la musique romantique avec François de Médicis, j’ai appris les structures de divers Lieder, qui ont grandement influencé mes idées musicales et mon approche narrative.
PAN M 360 : Dans ce parcours d’apprentissage, y a-t-il quelque chose que vous auriez aimé comprendre plus tôt dans vos études ?
Graham Hudson-Jameson : Le plus difficile a été le codage dans Max/MSP. Je suivais le cours en même temps que j’écrivais l’album, et j’avais souvent des idées que je ne pouvais pas mettre en pratique immédiatement parce que je ne maîtrisais pas suffisamment le programme. Mais au fur et à mesure que le cours avançait, j’ai pu appliquer directement ce que j’apprenais à mon projet. Je regrette de ne pas avoir suivi ce cours plus tôt.
PAN M 360 : Qu’est-ce qui vous a le plus inspiré ces dernières années pour continuer à créer ?
Graham Hudson-Jameson : Je suis inspiré par les histoires et les structures narratives. J’adore écouter des histoires et les exprimer à travers ma musique. Je crois que raconter des histoires est une façon de créer des liens entre nous et de comprendre la condition humaine.
PAN M 360 : Bien que vous ayez étudié la musique électronique, vous êtes un compositeur brillant, et je pense que c’est ce qui ressort le plus de votre travail. Cela semble évident aujourd’hui, mais pourquoi avez-vous choisi de vous consacrer à la musique électronique ?
Graham Hudson-Jameson : J’ai suivi une formation classique au piano et étudié le jazz et la pop au cégep, mais j’ai toujours aimé expérimenter avec le timbre de mes instruments. Enfant, j’ouvrais le piano droit de ma famille, grattais les cordes et le remplissais de papier d’aluminium ou de chaussettes juste pour explorer de nouveaux sons. Au lycée, j’ai économisé pour acheter mon premier synthétiseur et je suis immédiatement tombé amoureux de la musique électronique. J’apprécie toujours autant la musique classique et chorale, mais j’ai aussi soif d’expérimentations timbrales. Pour ce projet, j’ai choisi de mélanger les deux univers afin de repousser les limites des genres musicaux.
PAN M 360 : Pour ce projet, vous avez choisi de travailler avec votre sœur Gwynneth, qui est une chanteuse d’opéra incroyable. Pouvez-vous nous raconter comment cela s’est passé ?
Graham Hudson-Jameson : J’ai grandi en apprenant la musique aux côtés de ma sœur, et nous sommes tous deux tombés amoureux de cet art. Elle s’est orientée vers la musique classique, tandis que j’ai exploré la musique expérimentale, et j’ai toujours pensé qu’il serait fascinant de combiner nos univers. Quand je lui ai proposé de se joindre à moi pour ce projet, elle a été enthousiasmée par l’idée, et c’est ainsi que nous avons commencé à collaborer !
PAN M 360 : La tradition du lied et la musique électronique live semblent être des pratiques complètement opposées, mais elles fonctionnent très bien ensemble. L’un de vous a-t-il dû adapter les techniques de sa pratique respective lors du processus de création de cette pièce ?
Graham Hudson-Jameson : Un Lied est un chant allemand, notamment de la période romantique, généralement pour voix solo accompagnée au piano. Un cycle de Lied est une série de chants qui, ensemble, présentent une progression narrative ou thématique. Cette tradition a été lancée par Franz Schubert au XIXe siècle, et depuis lors, les compositeurs ont écrit des cycles de chansons dans de nombreuses langues et avec divers accompagnements, parfois uniquement au piano, parfois avec des cordes ou d’autres instruments. Mon approche du cycle de chansons est similaire. J’ai créé trois chansons destinées à être interprétées à la suite comme une seule œuvre musicale, mais j’ai choisi de les accompagner avec ma Lightbox plutôt qu’avec un piano. La principale adaptation concernait l’exécution. La musique électronique repose souvent sur l’improvisation et le temps libre, ce qui n’est pas toujours intuitif pour les chanteurs classiques. Nous avons beaucoup répété, et maintenant Gwynneth est capable de suivre mes indications sans difficulté.
PAN M 360 : Après avoir mené à bien cette exploration intense d’une transition fragile, où ce projet vous mène-t-il en tant qu’artiste ? Quel territoire émotionnel ou créatif souhaitez-vous explorer ensuite ?
Graham Hudson-Jameson : Je suis très satisfait des résultats et fier du travail que j’ai accompli avec Gwynneth, mais ce projet n’aurait pas été possible sans le soutien de plusieurs autres personnes, notamment Ana Dall’Ara-Majek, Jules Argis, Dominic Thibault, Nicolas Bernier, Gaëtan Proulx, l’équipe Mosaïque et l’équipe LFO. Pour mon prochain projet, je prévois de me concentrer sur le développement d’un répertoire solo pour ma Lightbox. Bien que je ne sois pas encore certain des thèmes spécifiques, je souhaite explorer davantage la manipulation d’échantillons, la synthèse et la spatialisation à travers cet instrument.
