Agenda
CET ÉVÉNEMENT EST GRATUIT!
Ce contenu provient du Piknic Électronik et est adapté par PAN M 360
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient du Piknic Électronik et est adapté par PAN M 360
Éthéré, intime et profondément émouvant : l’univers dream-pop de Ghostly Kisses prend une tout autre ampleur avec l’Orchestre FILMharmonique, sous la direction de Francis Choinière. Issu d’un univers délicat où la sensibilité règne, Ghostly Kisses – projet musical de la chanteuse et violoniste québécoise Margaux Sauvé et du compositeur et réalisateur québécois Louis-Étienne Santais – s’est d’abord fait remarquer avec des EPs empreints d’onirisme, dont The City Holds My Heart et Alone Together. Avec leur premier album Heaven, Wait paru en 2022, puis Darkroom en 2024, le duo a su toucher un public international grâce à une écriture introspective et à une esthétique à la fois électro-pop et profondément organique. Un pont entre l’intime et l’immense, vous découvrirez la musique de Ghostly Kisses comme vous ne l’avez jamais entendue : immersive, lumineuse et inoubliable.
Ethereal, intimate, and deeply moving: the dream-pop universe of Ghostly Kisses takes on a whole new dimension with the Orchestre FILMharmonique under the direction of Francis Choinière. Born from a delicate world where sensitivity reigns, Ghostly Kisses, the musical project of Québécois singer and violinist Margaux Sauvé and composer and producer Louis-Étienne Santais, first gained attention with dreamy EPs such as The City Holds My Heart and Alone Together. With their first album Heaven, Wait released in 2022, followed by Darkroom in 2024, the duo has reached an international audience through introspective songwriting and an aesthetic that is both electro-pop and deeply organic. A bridge between the intimate and the immense, this performance invites you to discover the music of Ghostly Kisses as you have never heard it before: immersive, luminous, and unforgettable.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient du Grand Théâtre de Québec et est adapté par PAN M 360
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient du Piknic Électronik et est adapté par PAN M 360
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient du Piknic Électronik et est adapté par PAN M 360
Artiste et producteur à la signature sonore unique, Apashe s’est imposé comme une figure majeure mêlant électronique, hip-hop et influences orchestrales. Son univers puissant et cinématographique lui a valu une place singulière sur la scène internationale. Montréalais d’adoption, ce Belge au parcours fulgurant s’est produit sur de nombreuses scènes prestigieuses. Il franchit aujourd’hui une étape importante en présentant pour la première fois une version symphonique de son répertoire avec l’Orchestre symphonique de Montréal, offrant une expérience immersive d’une rare intensité.
Apashe, an artist and producer with a truly distinctive sound, has carved out a unique place in the music world by blending electronic beats, hip-hop rhythms, and orchestral grandeur. His bold, cinematic style has earned him international acclaim. Originally from Belgium and now proudly calling Montreal home, Apashe has lit up some of the world’s most prestigious stages. Today, he reaches a new milestone: unveiling, for the very first time, a symphonic interpretation of his repertoire with the Orchestre symphonique de Montréal—an immersive experience of extraordinary intensity.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360
3Phaz
3Phaz est un producteur de musique électronique établi au Caire, principalement reconnu pour son premier album, Three Phase. Paru en 2020 sur l’étiquette égyptienne 100Copies, l’album propose une relecture puissante et novatrice des sonorités égyptiennes du mahraganat et du shaabi. Grâce à plusieurs simples et remix publiés notamment par Rinse, Boomkat, Polaar, Nashazphone et Irsh, 3Phaz s’est rapidement taillé une place sur la scène internationale des musiques de club, se produisant un peu partout en Europe. Son deuxième album, Ends Meet, est paru en février 2023 chez Souk, sous-étiquette de Discrepant. Il a été suivi en mai 2023 par le minialbum DramTraTrax, publié par Tratratrax. Ces deux parutions ont figuré dans plusieurs palmarès de fin d’année, notamment ceux de= Pitchfork, The Quietus et Bandcamp.
3Phaz is a Cairo based electronic producer mostly known for his debut album ‘Three Phase’, an album that presented a powerful and fresh new take on Egyptian mahraganat/shaabi sound; the record was released on Egyptian label 100Copies in 2020. With further singles and remixes released on the likes of Rinse, Boomkat, Polaar, Nashazphone, and Irsh, 3Phaz quickly carved his way into the international club music scene allowing him to perform all around Europe. 3Phaz’s sophomore album ‘Ends Meet’ was released in Feb 2023 on Discrepant sub-label Souk followed by his EP ‘DramTraTrax’ released on Tratratrax in May 2023, both of which were featured in multiple end of year lists including Pitchfork, The Quietus, and Bandcamp to name a few.
Liliane Chlela
Productrice de musique électronique, DJ et interprète, Liliane Chlela est reconnue pour sa manière de faire éclater les frontières des paysages sonores. Née et élevée à Beyrouth, aujourd’hui établie à Montréal, elle s’est d’abord imposée comme une figure incontournable des foisonnantes scènes expérimentale et électronique libanaises, avant d’acquérir une renommée internationale grâce à ses explorations sonores singulières. Son travail solo conjugue avec maîtrise enregistrements de terrain, rythmes électroniques déconstruits et dialogue intérieur sans fard, dans un langage sonore audacieux, novateur et affranchi des genres. Sa musique naît d’un processus spontané et improvisé : guidée par un instinct aiguisé et une profonde conscience de soi, elle pousse ses expérimentations toujours plus loin avant de donner aux enregistrements leur forme définitive. Farouchement indépendante, Chlela façonne une identité sonore qui n’appartient qu’à elle, tant dans son travail de compositaire et de productrice que dans l’énergie saisissante de ses prestations comme DJ.
As an electronic producer, DJ, and performer, Liliane Chlela is revered for the way she shatters the boundaries of auditory landscapes. Born and raised in Beirut and currently based in Montréal, she came up as a key member of Lebanon’s thriving experimental and electronic scenes and has since gained international acclaim for her distinctive sonic explorations. Her solo work masterfully combines field recordings, deconstructed electronic beats, and a transparent inner dialogue with bold, cutting-edge sounds and a genre-defying approach. Her music is born out of a spontaneous, improvisational process, and she relies on sharp instincts and a deep sense of self-awareness to push her experiments to the next level and shape recordings into their final form. Fiercely independent, she aims to forge an unparalleled sonic persona, whether through her role as a composer and producer or in her dynamic prowess as a DJ.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient d’Arts in the Margins et est adapté par PAN M 360
FROTAE
FROTAE est un ensemble composé de cinq saxophonistes-improvisateurs dont le travail allie composition microtonale, pratiques d’écoute collective, son spatialisé et improvisation. Fondé et dirigé par la compositrice montréalaise Liberté Anne, les membres de FROTAE forment un noyau dur depuis 2023, année où ils ont commencé à développer un langage musical profondément collaboratif, ancré dans une expérimentation à long terme et l’écoute collective. L’ensemble crée des environnements d’écoute immersifs dans lesquels les propriétés tactiles et psychoacoustiques du saxophone deviennent physiquement perceptibles pour le public, tandis que les performances oscillent entre l’ambiance d’un terrain de jeu et celle d’une cérémonie sacrée.
FROTAE is an ensemble of five saxophonist-improvisers whose work combines microtonal composition, collective listening practices, spatialized sound, and improvisation. Founded and led by Montreal-based composer Liberté Anne, the members of FROTAE have been working as a core unit since 2023, when they began to develop a deeply collaborative musical language rooted in long-term experimentation and collective listening. The ensemble creates immersive listening environments in which the tactile and psychoacoustic properties of the saxophone become physically perceptible to audiences as performances move between the feeling of playground and sacred ceremony.
Mubone Collective
Le Mubone Collective est un groupe de performance transdisciplinaire actif entre Montréal et Copenhague, dont la pratique se situe au croisement du son, du mouvement, de la technologie et de l’architecture. Le collectif réunit le tromboniste-compositeur Kalun Leung, le luthier numérique Travis West, la chorégraphe-interprète Bettina Szabó, la chanteuse et productrice artistique Kirsten Voss et la percussionniste-compositrice Sara Nigard Rosendal. Au cœur de leur pratique se trouve le mubone, un système de capteurs portables développé par Leung et West qui transforme le geste physique en son spatialisé. À travers des performances adaptées aux lieux, combinant composition, improvisation, chorégraphie et électronique performative, le collectif envisage les corps et les espaces architecturaux comme des participants actifs à la création musicale. Leur travail explore la migration, l’appartenance et l’identité culturelle, ainsi que les langages par lesquels s’expriment le soin et la connexion.
The Mubone Collective is a transdisciplinary performance group working between Montreal and Copenhagen at the intersections of sound, movement, technology and architecture. The collective brings together trombonist-composer Kalun Leung, digital luthier Travis West, choreographer-performer Bettina Szabó, vocalist and creative producer Kirsten Voss, and percussionist-composer Sara Nigard Rosendal. At the centre of their practice is the mubone, a wearable sensor system developed by Leung and West that transforms physical gesture into spatialized sound. Through site-responsive performances combining composition, improvisation, choreography and performative electronics, the collective treats bodies and architectural spaces as active participants in the creation of music. Their work explores migration, belonging and cultural identity, as well as the languages through which care and connection are expressed.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient d’Arts in the Margins et est adapté par PAN M 360
Avec Dankoroba, Djely Tapa poursuit sa vision artistique à la croisée des cultures malienne et occidentale, passées, présentes et futures. Originaire de la région de Kayes, dans l’Ouest du Mali, Djely Tapa partage le verbe empreint de sagesse et l’art vocal des griots, figures emblématiques de la société malienne ancienne et contemporaine, dont les origines remontent à l’Empire Mandingue du 13e siècle. Son répertoire mêle traditions mandingues, blues du désert et sonorités électroniques. Elle a fait ses débuts en solo en 2019 avec son album Barokan (prix JUNO 2020 – Album musiques du monde de l’année), et son album Dankoroba a reçu le prix JUNO Album musique globale en 2025.
With Dankoroba, Djely Tapa continues to pursue his artistic vision at the crossroads of Malian and Western cultures—past, present, and future. A native of the Kayes region in western Mali, Djely Tapa embodies the wisdom-filled words and vocal artistry of the griots—iconic figures of both ancient and contemporary Malian society, whose origins date back to the 13th-century Mandinka Empire. Her repertoire blends Mandinka traditions, desert blues, and electronic sounds. She made her solo debut in 2019 with her album Barokan (2020 JUNO Award for World Music Album of the Year), and her album Dankoroba received the 2025 JUNO Award for Global Music Album.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient de MUZ – Le Rendez-vous des musiques métissées et est adapté par PAN M 360
Deo Munyakazi
Deo Munyakazi est un artiste rwandais dont la musique transforme l’inanga, le plus ancien instrument à cordes du Rwanda, en un pont vivant entre héritage ancestral et création contemporaine. Formé auprès du maître Mushabizi Jean-Marie Vianney à Gakenke, il s’impose dès 2015 comme l’une des voix les plus singulières de sa génération. Son parcours international l’a mené sur des scènes en Afrique, en Europe et en Amérique du Nord,Ses collaborations témoignent d’une capacité rare à traverser les genres. Basé à Montréal, Deo fait aussi partie du collectif Constellation de cordes, porté par le Centre des musiciens du monde, avec lequel il tourne à travers le Canada. Il se présente en formule trio, offrant une expérience scénique où l’inanga dialogue avec des textures contemporaines et des arrangements modernes, créant un son à la fois intime, riche et résolument actuel.
Deo Munyakazi is a Rwandan artist whose music transforms the inanga—Rwanda’s oldest stringed instrument—into a living bridge between ancestral heritage and contemporary creation. Trained by the master Mushabizi Jean-Marie Vianney in Gakenke, he has established himself since 2015 as one of the most distinctive voices of his generation. His international career has taken him to stages across Africa, Europe, and North America; his collaborations demonstrate a rare ability to transcend genres. Based in Montreal, Deo is also a member of the Constellation de cordes collective, supported by the Centre des musiciens du monde, with which he tours across Canada. He performs as part of a trio, offering a live experience where the inanga interacts with contemporary textures and modern arrangements, creating a sound that is at once intimate, rich, and decidedly contemporary.
Lydol
Première slameuse finaliste au Prix Découvertes RFI, Lydol, a su imposer son nom et sa discipline, le slam, sur la scène contemporaine. Originaire du Cameroun, elle marie avec une grâce maîtrisée la musique et la poésie créant un pont sensible entre émotions et rythmes. Sur scène, Lydol lie la puissance des mots à une musicalité subtile. Révélée par la compétition « L’Afrique a un Incroyable Talent » elle est reconnue en 2024 par le département d’État des USA comme Jeune Leader Africain dans le cadre du Mandela Washington Fellowship. Artiste plurielle, elle utilise le slam comme un outil de célébration, de résistance, de transmission, et d’éveil. Elle incarne ses textes de manière théâtrale et musicale en mêlant d’autres disciplines à ses spectacles, une manière de populariser le slam auprès d’autres publics et de sortir des cadres intimistes. Sa démarche artistique se double d’une ambition éducative. Ses ateliers d’écriture, d’éloquence et de prise de parole l’amènent à coacher de nouvelles plumes. Elle fonde en 2022 l’Association SHEroes qui aide et accompagne les femmes et jeunes filles victimes de violences. Son spectacle Elixir est une expérience scénique envoûtante ponctuée de textes poétiques et chansons où les mots s’infusent aux sonorités de l’Afro fusion, du Modern Jazz et de l’Afro soul.
As the first female slam poet to reach the finals of the RFI Découvertes Award, Lydol has made a name for herself and established slam poetry as a prominent art form on the contemporary scene. Originally from Cameroon, she blends music and poetry with masterful grace, creating a delicate bridge between emotions and rhythms. On stage, Lydol combines the power of words with subtle musicality. Discovered through the competition “Africa’s Got Talent,” she was recognized in 2024 by the U.S. Department of State as a Young African Leader as part of the Mandela Washington Fellowship. A multifaceted artist, she uses slam poetry as a tool for celebration, resistance, transmission, and awakening. She brings her texts to life through theatrical and musical performances, blending other disciplines into her shows—a way to make slam poetry accessible to a wider audience and move beyond intimate settings. Her artistic approach is complemented by an educational mission. Through her workshops on writing, public speaking, and eloquence, she mentors emerging writers. In 2022, she founded the SHEroes Association, which helps and supports women and girls who are victims of violence. Her show Elixir is a spellbinding stage experience punctuated by poetic texts and songs where the words blend with the sounds of Afro-fusion, modern jazz, and Afro-soul.
Noé Lira
Noé Lira est une autrice-compositrice-interprète, comédienne et productrice québéco-mexicaine qui transforme le concert en expérience totale, habitée et rassembleuse. Formée en théâtre et en danse, elle développe une signature scénique explosive, sensible et profondément incarnée, où musique, mouvement et narration se rencontrent dans une approche rituelle singulière. Révélée Radio-Canada 2022-2023 et nommée aux prix ADISQ, GAMIQ et Latin Awards Canada, elle a présenté plus de 100 concerts au Canada, notamment au Festival International de Jazz de Montréal, au Festival en chanson de Petite-Vallée et aux Nuits d’Afrique. Avec son nouveau projet, OCEANICA (2026), réalisé par Jean Massicotte, elle affirme une pop cinématographique bilingue (FR/ES), organique et contemporaine, à la croisée de la pop alternative, des musiques globales et des arts vivants. En spectacle, OCEANICA est un concert-performance immersif, à la croisée de la chanson, des musiques du monde et des arts vivants. Le projet se distingue par une écriture scénique intégrée où voix, mouvement et lumière composent une expérience sensorielle accessible et singulière.
Noé Lira is a Quebec-Mexican singer-songwriter, actress, and producer who transforms her concerts into immersive, soulful, and unifying experiences. Trained in theater and dance, she has developed an explosive, sensitive, and deeply embodied stage presence, where music, movement, and storytelling converge in a unique, ritualistic approach. A Radio-Canada “Révélée” for 2022–2023 and a nominee for the ADISQ, GAMIQ, and Latin Awards Canada, she has performed over 100 concerts in Canada, notably at the Montreal International Jazz Festival, the Festival en chanson de Petite-Vallée, and Nuits d’Afrique. With her new project, OCEANICA (2026), directed by Jean Massicotte, she showcases a bilingual (FR/ES), organic, and contemporary cinematic pop style at the intersection of alternative pop, world music, and the performing arts. On stage, OCEANICA is an immersive concert-performance that blends song, world music, and the performing arts. The project stands out for its integrated stage design, where voice, movement, and light come together to create an accessible and unique sensory experience.
Rémi Cormier
Trompettiste jazz canadien, nommé Révélation Jazz Radio-Canada en 2023, son premier album Glimpse mêle jazz européen, moderne et influences nord- africaines, tout en abordant l’impact des réseaux sociaux. Son dernier album, Rich State of Mind sorti en janvier 2026, s’inspire du hip-hop et met en vedette Braxton Cook et David Binney. Rémi s’intéresse aux formes de richesse non matérielles à travers une musique à la croisée des genres. Il a joué avec de nombreux grands noms du jazz tels qu’Alain Caron, Oliver Jones, Vox Sambou, ainsi que Dave Holland, Randy Brecker et Chris Potter. Fusionnant le jazz avec l’énergie du hip-hop, des textures électroniques et une créativité sans limites, ce projet propose un son audacieux et résolument moderne. Ses compositions mêlent séquences rythmiques, improvisation jazz et couches électroniques pour créer un univers sonore électrisant.
A Canadian jazz trumpeter named Radio-Canada’s Jazz Revelation in 2023, his debut album, Glimpse, blends European and modern jazz with North African influences, while exploring the impact of social media. His latest album, Rich State of Mind, released in January 2026, draws inspiration from hip-hop and features Braxton Cook and David Binney. Rémi explores non-material forms of wealth through music that bridges genres. He has performed with many jazz greats, including Alain Caron, Oliver Jones, Vox Sambou, as well as Dave Holland, Randy Brecker, and Chris Potter. Blending jazz with the energy of hip-hop, electronic textures, and boundless creativity, this project offers a bold and resolutely modern sound. His compositions blend rhythmic sequences, jazz improvisation, and electronic layers to create an electrifying soundscape.
Zalam Kao
Zalam Kao, groupe montréalais formé en 2024 de la fusion de cinq artistes aux influences éclectiques, incarne l’essence de la musique du monde en faisant rayonner la diversité culturelle de la ville. Avant tout un groupe d’amis, Zalam Kao pratique l’art de la création collective. Le quintet réunit Clovis Lamarre (Tchobis), producteur, mixeur et guitariste ; Antonio Dorsaint Manigat (Ogou Rayfé), chanteur et rappeur ; MoMo, multi-instrumentiste et chanteur formé en jazz ; Lucas Melo, contrebassiste, guitariste et parolier ; et Edaï Larobina, auteur-compositeur-interprète et instrumentiste. En 2024, Zalam Kao sort un premier single Tout pour toi, un hit solaire rassembleur. En octobre 2025, leur premier album Tou Lumin mélange jazz, funk, soul et world beat.
Zalam Kao, a Montreal-based group formed in 2024 through the coming together of five artists with eclectic influences, embodies the essence of world music by showcasing the city’s cultural diversity. First and foremost a group of friends, Zalam Kao practices the art of collective creation. The quintet brings together Clovis Lamarre (Tchobis), producer, mixer, and guitarist; Antonio Dorsaint Manigat (Ogou Rayfé), singer and rapper; MoMo, a multi-instrumentalist and singer trained in jazz; Lucas Melo, double bassist, guitarist, and lyricist; and Edaï Larobina, singer-songwriter and instrumentalist. In 2024, Zalam Kao released their debut single, “Tout pour toi,” a sunny, unifying hit. In October 2025, their first album, Tou Lumin, blended jazz, funk, soul, and world beat.
Chacón
Javier Chacón, ou simplement CHACÓN, combine la pop latine et le reggaeton avec le R&B, le gospel, le flamenco et une impressionnante diversité d’univers musicaux. Auteur-compositeur-interprète et producteur musical originaire de Cienfuegos, à Cuba, et désormais basé à Montréal, CHACÓN s’est produit au Festival International de Jazz de Montréal, au Toronto Caribbean Carnival et dans une multitude d’événements musicaux au Canada et à travers le monde. Le spectacle Te necesito est la somme des rencontres et des histoires qui ont façonné CHACÓN depuis son arrivée à Montréal il y a 10 ans déjà. Fort de sa double culture cubaine et canadienne, l’artiste redessine les sonorités latines en leur insufflant une énergie nouvelle et contemporaine.
Javier Chacón, or simply CHACÓN, blends Latin pop and reggaeton with R&B, gospel, flamenco, and an impressive array of musical styles. A singer-songwriter and music producer originally from Cienfuegos, Cuba, and now based in Montreal, CHACÓN has performed at the Montreal International Jazz Festival, the Toronto Caribbean Carnival, and a multitude of musical events in Canada and around the world. The show Te necesito is the culmination of the encounters and stories that have shaped CHACÓN since his arrival in Montreal 10 years ago. Drawing on his dual Cuban and Canadian heritage, the artist reimagines Latin sounds by infusing them with a fresh, contemporary energy.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient de MUZ – Le Rendez-vous des musiques métissées et est adapté par PAN M 360
Alhambra Band
Alhambra Band est un quatuor aux multiples origines et influences créé à Montréal en 2019. La rumba en est le rythme central qui permet la rencontre et la cohésion entre le flamenco d’Espagne, les sonorités et rythmes d’Afrique du nord et du Moyen Orient ainsi que l’improvisation jazz d’Amérique. Une prestation musicale où alternent des interprétations chantées (en français, arabe et espagnol) ou instrumentales autant classique, moderne ou populaire du Maghreb, du Moyen-Orient et d’Espagne. Le groupe parvient même à faire une place à travers des compositions originales, à des sections d’improvisations dynamiques avec des solos de oud, de guitare, de basse et de percussions !
Alhambra Band is a quartet with diverse origins and influences, formed in Montreal in 2019. Rumba serves as the central rhythm that brings together and unites Spanish flamenco, the sounds and rhythms of North Africa and the Middle East, and American jazz improvisation. Their musical performance alternates between vocal pieces (in French, Arabic, and Spanish) and instrumental pieces—ranging from classical to modern to popular—from the Maghreb, the Middle East, and Spain. The group even manages to incorporate original compositions and dynamic improvisational sections featuring solos on the oud, guitar, bass, and percussion!
Fairouz Oudjida
La soprano Fairouz Oudjida a grandi dans le désert d’Algérie. Passionnée par le chant dès son plus jeune âge, elle a été formée en chant classique à Alger et à Milan. Reconnue pour son timbre exceptionnel et sa maîtrise de plusieurs répertoires, elle met sa voix lyrique au service des chants traditionnels maghrébins, orientaux et modernes. Sa musique est une fusion de toute beauté entre les musiques traditionnelles et classiques. Fairouz a été la première Algérienne à représenter son pays en Russie et en Italie dans le domaine du chant classique, et la première femme à interpréter l’hymne national algérien à l’occasion du Sommet africain de 2016. Son spectacle reflète la richesse du métissage artistique et humain, à l’image de la scène québécoise. Il célèbre la tolérance, l’amour et l’inclusivité, dans un voyage musical lyrique, sincère et émouvant.
Soprano Fairouz Oudjida grew up in the Algerian desert. Passionate about singing from a very young age, she trained in classical singing in Algiers and Milan. Renowned for her exceptional tone and her mastery of various repertoires, she uses her lyrical voice to perform traditional Maghreb, Middle Eastern, and modern songs. Her music is a beautiful fusion of traditional and classical styles. Fairouz was the first Algerian woman to represent her country in Russia and Italy in the field of classical singing, and the first woman to perform the Algerian national anthem at the 2016 African Summit. Her show reflects the richness of artistic and human diversity, much like the Quebec music scene itself. It celebrates tolerance, love, and inclusivity through a lyrical, sincere, and moving musical journey.
Frank O’Sullivan
Frank O’Sullivan est un guitariste et compositeur professionnel basé à Montréal. Originaire d’Ottawa, il s’est installé à Montréal après avoir obtenu son diplôme du Berklee College of Music en 2012. À son arrivée, Frank est rapidement devenu un musicien très sollicité sur les scènes R&B, jazz et hip-hop de la ville, notamment grâce à sa participation au Kalmunity Vibe Collective, le plus grand et le plus ancien collectif musical afro-centrique au Canada. Entretenant une carrière prolifique et diversifiée en tant qu’instrumentiste, il s’est produit et a enregistré avec des artistes tels que Malika Tirolien, Dominique Fils-Aimé et Busty & The Bass, entre autres, ce qui l’a mené à des tournées internationales (Amérique du Nord, Amérique du Sud, Europe, Afrique, Asie) dans des festivals et des salles de renom. Depuis 2020, Frank a publié quatre albums de compositions originales et, en juin 2024, il a eu l’honneur d’assurer la première partie d’Al Di Meola au Festival international de jazz de Montréal, au Théâtre Maisonneuve. Peu après, il s’est produit au Festival de jazz international de Rimouski, où il a remporté le Grand Prix de la Relève. Cette distinction lui a permis d’entreprendre une tournée à travers le Québec à l’été 2025, comprenant un concert tête d’affiche dans le cadre du Festival international de jazz de Montréal.
Frank O’Sullivan is a professional guitarist and composer based in Montreal. Originally from Ottawa, he moved to Montreal after graduating from Berklee College of Music in 2012. Upon his arrival, Frank quickly became a highly sought-after musician on the city’s R&B, jazz, and hip-hop scenes, thanks in part to his involvement with the Kalmunity Vibe Collective, Canada’s largest and oldest Afro-centric music collective. Maintaining a prolific and diverse career as an instrumentalist, he has performed and recorded with artists such as Malika Tirolien, Dominique Fils-Aimé, and Busty & The Bass, among others, which has led him to tour internationally (North America, South America, Europe, Africa, Asia) at renowned festivals and venues. Since 2020, Frank has released four albums of original compositions, and in June 2024, he had the honor of opening for Al Di Meola at the Montreal International Jazz Festival at Théâtre Maisonneuve. Shortly thereafter, he performed at the Rimouski International Jazz Festival, where he won the Grand Prix de la Relève. This award enabled him to embark on a tour across Quebec in the summer of 2025, including a headlining concert as part of the Montreal International Jazz Festival.
Mobio & Amizikal
Claviériste et producteur reconnu par ses pairs depuis plus de 25 ans, MOBIO est le fruit d’un riche métissage de langues, de cultures et de continents. Il s’est initié à la musique comme percussionniste dans une chorale de son pays natal, la Côte d’Ivoire, avant de découvrir sa passion pour le piano. Depuis, il cultive ce talent et sa carrière de claviériste évolue sans cesse. MOBIO s’est rapidement illustré dès son arrivée au Québec. En 2002, il est devenu le claviériste attitré de Jean Leloup, participant à ses tournées canadiennes et à ses enregistrements d’albums. Toutefois, ses collaborations ne s’arrêtent pas là. Il a tourné avec des artistes renommés de différents horizons, tant en Afrique et en Europe qu’en Amérique du Nord et du Sud, tels que Tiken Jah Fakoly, Chris Combette, Zal Sissokho et Wesli, entre autres. Ces synergies artistiques lui ont permis de peaufiner son art, mais aussi d’explorer et d’alimenter son identité artistique en musique et rythmes du monde. Fort de ces fructueuses expériences, il est maintenant prêt à canaliser cette richesse dans son projet solo d’auteur-compositeur-interprète. Le résultat est une création musicale dynamique et colorée, imprégnée des rythmes du monde qui ont jalonné son parcours. Passeport, son premier EP sorti en 2024, représente un vrai tournant dans sa carrière, lui permettant enfin d’explorer et de partager sa propre vision musicale. Le spectacle de lancement de la carrière solo de MOBIO, présenté en mars 2025 a marqué le début d’une nouvelle étape dans sa carrière.
A keyboardist and producer recognized by his peers for over 25 years, MOBIO is the product of a rich blend of languages, cultures, and continents. He began his musical journey as a percussionist in a choir in his native country, Ivory Coast, before discovering his passion for the piano. Since then, he has continued to hone his talent, and his career as a keyboardist has been constantly evolving. MOBIO quickly made a name for himself upon his arrival in Quebec. In 2002, he became Jean Leloup’s regular keyboardist, participating in his Canadian tours and album recordings. However, his collaborations did not stop there. He has toured with renowned artists from diverse backgrounds—in Africa, Europe, North America, and South America—including Tiken Jah Fakoly, Chris Combette, Zal Sissokho, and Wesli, among others. These artistic collaborations have allowed him to refine his craft, as well as to explore and nurture his artistic identity through world music and rhythms. Building on these fruitful experiences, he is now ready to channel this richness into his solo project as a singer-songwriter. The result is a dynamic and colorful musical creation, steeped in the world rhythms that have shaped his journey. Passeport, his first EP released in 2024, marks a true turning point in his career, finally allowing him to explore and share his own musical vision. MOBIO’s solo debut concert, held in March 2025, marked the beginning of a new chapter in his career.
Stick&Bow
Une rencontre à Montréal entre la Canadienne Krystina Marcoux et l’Argentin Juan Sebastian Delgado a mené à une découverte inattendue : le violoncelle et le marimba, duo improbable, dialoguent avec une étonnante fluidité. Ce qui avait commencé comme une exploration guidée par la simple curiosité est devenu une véritable mission de vie ; Stick&Bow révèle aujourd’hui le dialogue infini entre ces deux instruments. Cet ensemble unique séduit le public par sa présence scénique captivante, sa complicité sincère, sa scénographie soignée et une programmation audacieuse, métissée et éclectique. Nommés Artistes de l’année et récipiendaires du prix Rayonnement international aux Prix Opus 2024, ils ont donné plus de 450 concerts dans une douzaine de pays sur trois continents. Murmures Intemporels, un concert où les musiques folkloriques du monde entier entrent en résonance avec la musique classique, et où, en retour, la musique classique se redécouvre à travers leurs racines vivantes. À travers le prisme singulier du violoncelle et du marimba, se dessinent les fils invisibles qui relient ces univers : un même élan de nostalgie, de joie, de résistance et d’identité.
A chance encounter in Montreal between Canadian Krystina Marcoux and Argentine Juan Sebastian Delgado led to an unexpected discovery: the cello and the marimba—an unlikely duo—engage in a dialogue with astonishing fluidity. What began as an exploration driven by simple curiosity has become a true life’s mission; today, Stick&Bow reveals the infinite dialogue between these two instruments. This unique ensemble captivates audiences with its compelling stage presence, sincere chemistry, meticulous stage design, and a bold, diverse, and eclectic repertoire. Named Artists of the Year and recipients of the International Influence Award at the 2024 Opus Awards, they have performed more than 450 concerts in a dozen countries across three continents. Murmures Intemporels is a concert where folk music from around the world resonates with classical music, and where, in turn, classical music is rediscovered through its living roots. Through the unique prism of the cello and the marimba, the invisible threads connecting these worlds come into focus: a shared sense of nostalgia, joy, resilience, and identity.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient de MUZ – Le Rendez-vous des musiques métissées et est adapté par PAN M 360
