Agenda

classique / Création

Nouvel Ensemble Moderne (NEM) – Mémoire d’un ange à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Invité de prestige du NEM, le violoniste Benjamin Beilman, Premier prix du Concours musical international de Montréal (2010), interprétera le Concerto pour violon « à la mémoire d’un ange » d’Alban Berg (arr. François Vallières). Encensé par la critique internationale, Beilman s’impose comme l’un des solistes les plus recherchés de sa génération. Le programme inclut également deux créations mondiales de Bekah Simms et Linda Bouchard.

Distinguished Guest of the NEM, violinist Benjamin Beilman, First Prize winner of the Montreal International Musical Competition (2010), will perform Alban Berg’s Violin Concerto “To the Memory of an Angel” (arr. François Vallières). Hailed by international critics, Beilman has established himself as one of the most sought-after soloists of his generation. The program also features two world premieres by Bekah Simms and Linda Bouchard.

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Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360

classique / Création / post-romantique

Les Violons du Roy : Souvenir de Florence à la salle Raoul-Jobin

par Rédaction PAN M 360

L’une des pages les plus personnelles de Tchaïkovski donne son titre à ce concert qui promet un voyage dépaysant et sensible, aux trajectoires à la fois géographiques et à celles, plus intimes, de la mémoire et des impressions profondes. Le périple comprendra une escale proposée par la compositrice Barbara Assiginaak à l’intention de la flûtiste Ariane Brisson qui en assurera la création.

One of Tchaikovsky’s most personal works lends its name to this concert, promising a transporting and deeply felt journey that spans both geographical routes and more intimate paths of memory and profound impressions. Our voyage also includes a new piece by composer Barbara Assiginaak, written for flutist Ariane Brisson, who will be performing its premiere.

Programme

M. MOZETICH
Postcards from the Sky
B. ASSIGINAAK
Œuvre pour flûte et cordes (création)
G. FAURÉ
Fantaisie, op. 79 (arr. pour flûte et cordes Y. Talmi)
P.I. TCHAÏKOVSKI
Souvenir de Florence, op. 70 (version pour orch. à cordes)

Program

M. MOZETICH
Postcards from the Sky
B. ASSIGINAAK
Piece for flute and strings (premiere)
G. FAURÉ
Fantaisie, op. 79 (arr. for flute and strings Y. Talmi)
P.I. TCHAÏKOVSKI
Souvenir de Florence, op. 70 (version for string orchestra)

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classique / Piano / post-romantique

Victoire Bunel, mezzo-soprano & Gaspard Dehaene, piano – Schubert et la mélodie française à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Ce programme ancre Schubert sur la terre ferme tout en lui faisant miroiter les mers qu’il n’a pas connues, dépeintes par des mélodies françaises qu’il n’aura jamais entendues. Ces tourments du voyageur sont racontés dans ses lieder auxquels répond, telle une consolation, la danse des flots de Fauré, Chausson, Marguerite Canal et Lili Boulanger.

An image of the sea that Schubert never glimpsed, depicted in French mélodies that he never heard, entices him while he remains stuck on dry land. As a form of consolation, the suffering of the Schubertian traveller recounted in these lieder is answered by the play of the waves in songs by Fauré, Chausson, Marguerite Canal, and Lili Boulanger.

Programme

SCHUBERT
Geisternähe [Proximité des esprits], D. 100
Erinnerung [Souvenirs], D. 101
Seufzer [Soupirs], D. 198 
An die untergehende Sonne [Au soleil couchant], D. 457 
In der Mitternacht [À minuit], D. 464 
Lied des Orpheus, als er in die Hölle ging [Chant d’Orphée, comme il est allé aux enfers], D. 474
Abschied [Adieux], D. 475 
Rückweg [Le chemin de retour], D. 476 
Der Jüngling und der Tod [Le jeune homme et la mort], D. 545 
FAURÉ
Les berceaux, op. 23 n° 1
La chanson du pêcheur, op. 4 n° 1
Au bord de l’eau, op. 8 n° 1
Mirages, op. 113 (extraits)
L. BOULANGER Reflets
JAËLL La mer (extraits)
CHAUSSON
Sérénade italienne, op. 2 n° 5
La chanson bien douce, op. 34 n° 1
CANAL
Chanson à l’aube
Écoutez la chanson bien douce
Largue la voile
RAVEL Jeux d’eau
SCHUBERT / LISZT Aufenthalt

Program

SCHUBERT
Geisternähe [Near spirits], D. 100
Erinnerung [Remembrance], D. 101
Seufzer [Sigh], D. 198 
An die untergehende Sonne [To the setting sun], D. 457 
In der Mitternacht [At midnight], D. 464 
Lied des Orpheus, aber in die Hölle ging [Song of Orpheus when he went into Hell], D. 474 
Abschied [Farewell], D. 475 
Rückweg [The way back], D. 476 
Der Jüngling und der Tod [The youth and Death], D. 545 
FAURÉ
Les berceaux, Op. 23, No. 1
La chanson du pêcheur, Op. 4, No. 1
Mirages, Op. 113 (excerpts)
L. BOULANGER Reflets
JAËLL La mer (excerpts)
CHAUSSON
Sérénade italienne, Op. 2, No. 5
La chanson bien douce, Op. 34, No. 1
CANAL
Chanson à l’aube
RAVEL Jeux d’eau
SCHUBERT / LISZT Aufenthalt

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Création / électro-minimal / musique contemporaine

Festival des musiques de création : Ensemble Éclat – Broken Spaces au Studio Desjardins du CEM

par Rédaction PAN M 360

Broken Spaces est la nouvelle création de l’Ensemble Éclat, un collectif consacré aux œuvres de jeunes compositeurs et compositrices en musique mixte qui réunit certains des interprètes les plus prometteurs de la relève en musiques nouvelles à Montréal. Présenté dans un dispositif immersif à 12 haut-parleurs, le concert propose une rencontre saisissante entre instruments, électroniques et visuels numériques de l’artiste Myriam Bleau. Broken Spaces fait voyager le public à travers différentes atmosphères sonores dans un programme intense et habité, à l’image d’une génération d’artistes qui renouvelle la musique contemporaine avec audace et personnalité. Le projet a d’abord pris forme au CEM lors d’un laboratoire de création en 2025. Cette première étape les a ensuite menés jusqu’à une résidence à l’IRCAM à Paris — l’un des plus importants centres de recherche et de création musicale au monde fondée par Pierre Boulez — où Broken Spaces ouvrira la prochaine saison. Une reconnaissance remarquable pour un jeune ensemble canadien! Le projet Broken Spaces a reçu le soutien du Vivier dans le cadre du Pôle Relève, programme d’accompagnement aux artistes émergent·e·s en musiques nouvelles, de l’incubation de leurs projets à leur circulation à travers l’ensemble du Québec. Avec Antonin Cuerrier (clarinette), Paul Çalebi (piano), Jeanne-Sophie Baron (violon), David Montreuil (alto), Audréanne Filion (composition, violoncelle), Charles-Éric Fontaine (direction), Myriam Bleau (vidéo, lumière) et Quentin Lauvray (composition, électroniques).

Broken Spaces is the latest creation by the Ensemble Éclat, a collective dedicated to works by emerging composers in mixed music, bringing together some of the most promising performers from Montréal’s new music scene. Presented in an immersive 12-speaker setup, the concert offers a striking encounter between instruments, electronics, and digital visuals by artist Myriam Bleau. Broken Spaces takes the audience on a journey through a range of sonic atmospheres in an intense and deeply expressive program, reflecting a generation of artists reshaping contemporary music with boldness and individuality. The project first took shape at the CEM during a creation lab in 2025. This initial phase led to a residency at IRCAM in Paris — one of the world’s leading centers for music research and creation, founded by Pierre Boulez — where Broken Spaces will open the upcoming season, marking a remarkable achievement for a young Canadian ensemble. The project also received support from Le Vivier through its Pôle Relève program, which supports emerging artists in new music from project incubation to touring across Québec. Featuring Antonin Cuerrier (clarinet), Paul Çalebi (piano), Jeanne-Sophie Baron (violin), David Montreuil (viola), Audréanne Filion (composition, cello), Charles-Éric Fontaine (conductor), Myriam Bleau (video, lighting), and Quentin Lauvray (composition, electronics).

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art sonore / immersion

Festival des musiques de création : A Chorus of Footsteps – Aifoon à la bibliothèque Hélène-Pedneault

par Rédaction PAN M 360

Avec A Chorus of Footsteps, le collectif belge Aifoon propose une expérience d’art sonore participative qui transforme une simple marche en exploration auditive. Présentée dans le centre-ville de Jonquière, cette œuvre invite le public à prendre part à une déambulation où les participants transportent de petits haut-parleurs du système The Swarm, permettant aux sons de circuler librement à travers le groupe et l’environnement urbain. Plutôt qu’un concert traditionnel, l’expérience propose une immersion dans un univers de textures, de mouvements et de présences sonores inspirées des pas, des déplacements et des traces humaines. La ville devient elle-même un instrument, les lieux participent à la composition collective, au même titre que les marcheurs. À la frontière de la musique acousmatique, de la performance et de l’installation sonore, l’œuvre joue avec notre perception et notre façon d’habiter le son collectivement, transformant les rues familières en territoire d’écoute. Ludique, accessible et entièrement gratuite, cette activité familiale (10 ans et plus) offre une porte d’entrée conviviale vers l’art sonore contemporain. Curieux, marcheurs, familles et amateurs de découvertes sensorielles y trouveront une expérience aussi intrigante qu’accueillante. Deux marches sonores seront proposées pendant le festival, offrant deux occasions de vivre cette exploration collective où chaque participant contribue à faire évoluer l’œuvre dans l’espace. Une proposition FMC singulière qui invite à écouter autrement — simplement en marchant ensemble.

With A Chorus of Footsteps, the Belgian collective Aifoon presents a participatory sound art experience that transforms a simple walk into an auditory exploration. Presented in downtown Jonquière, this work invites the public to take part in a guided stroll where participants carry small speakers from The Swarm system, allowing sounds to move freely through the group and the urban environment. Rather than a traditional concert, the experience offers an immersion into a world of textures, movement, and sonic presence inspired by footsteps, motion, and human traces. The city itself becomes an instrument, with locations contributing to the collective composition just as much as the walkers do. At the intersection of acousmatic music, performance, and sound installation, the piece plays with our perception and our shared experience of sound, transforming familiar streets into a landscape for listening. Playful, accessible, and entirely free, this family-friendly activity (ages 10 and up) provides an inviting introduction to contemporary sound art. Curious minds, walkers, families, and sensory explorers alike will find an experience that is as intriguing as it is welcoming. Two sound walks will be offered during the festival, providing multiple opportunities to take part in this collective exploration, where each participant helps shape the work as it unfolds in space. A distinctive FMC offering that invites us to listen differently — simply by walking together.

CET ÉVÉNEMENT EST GRATUIT!

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drone / électronique / musique contemporaine

Festival des musiques de création : -os- + Tempête solaire au Studio Desjardins du CEM

par Rédaction PAN M 360

Tempête solaire

La musique libre peut-elle trouver sa place dans la musique électronique? Le drone-rock peut-il être transformé en musique de danse? Est-il possible de créer une musique de drone à combustion lente adaptée à une salle de concert de rock? À la croisée du free jazz, du drone, du post-rock et de la musique électronique, Tempête solaire crée une musique instrumentale saturée. La démarche du trio fait se rencontrer improvisation libre et textures électroniques. Eric Quach manie une basse à huit cordes à travers un arsenal électronique et des amplis grondants. Elyze Venne-Deshaies tisse des nappes au saxophone ténor transformé par l’électronique tandis que le batteur Eric Craven agit comme liant au cœur des dialogues élaborés par le groupe. Quach est un habitué du CEM, où il complétait une résidence de production en 2023. Ce passage a mené à Langue Hybride, un album live lancé au printemps 2025 sous son projet Thisquietarmy, témoignant de la puissance évocatrice de son univers sonore. Si Tempête solaire explore des territoires sonores aux frontières du rock expérimental, son objectif demeure clair : créer des liens avec son public par le biais d’accroches captivantes, de grooves irrésistibles et de mélodies mémorables.

Can free music find its place within electronic music? Can drone rock be transformed into dance music? Is it possible to create a slow-burning drone suited to a rock concert setting? At the crossroads of free jazz, drone, post-rock, and electronic music, Tempête solaire crafts a saturated instrumental sound. The trio’s approach brings together free improvisation and electronic textures in a dynamic interplay. Eric Quach handles an eight-string bass through an arsenal of electronics and rumbling amplifiers. Elyze Venne-Deshaies weaves layered textures on tenor saxophone, transformed through electronic processing, while drummer Eric Craven acts as the binding force at the heart of the group’s intricate musical dialogues. A regular at the CEM, Quach completed a production residency there in 2023. This experience led to Langue Hybride, a live album released in spring 2025 under his project Thisquietarmy, showcasing the evocative power of his sonic universe. While Tempête solaire explores sound territories at the edges of experimental rock, its goal remains clear: to connect with audiences through captivating hooks, irresistible grooves, and memorable melodies.

-os-

-os- est un spectacle transdisciplinaire qui fusionne théâtre expérimental, poésie performée, rap, chant, musique électroacoustique et projections vidéo interactives. -os- est construit autour d’un corpus de textes, de poèmes et de rap engagés de Sébastien B. Gagnon. Cette oralité radicale est portée par des projections et des manipulations d’images en direct qui ouvrent un univers visuel nourri par la musique improvisée. L’ensemble de la performance se fait en temps réel : voix, son, image, lumière et corps dialoguent sur scène. Cette oeuvre percutante agit comme une riposte sensible aux crises sociales, écologiques et humaines qui marquent notre époque. Dans cette « polycrise », le spectacle transforme le sentiment d’impuissance en une énergie collective, à travers une expérience immersive et viscérale. Une proposition intense, à la frontière du théâtre, de la performance et du concert, proche de l’expérience cathartique des musiques extrêmes. -os- réunit le nouveau directeur artistique de la Rubrique Jocelyn Pelletier (mise en scène et performance), David B Ricard (vidéoscénique), Sébastien B Gagnon (poésie performée), Joël Lavoie (musique) et Elena Stoodley (voix et musique). Ce spectacle est présenté en codiffusion avec le Théâtre La Rubrique.

-os- is a transdisciplinary performance that fuses experimental theatre, spoken poetry, rap, singing, electroacoustic music, and interactive video projections. Built around a body of politically engaged texts, poems, and rap by Sébastien B. Gagnon, the work channels a radical orality brought to life through live image manipulation and projections, creating a visual universe shaped by improvised music. The entire performance unfolds in real time: voice, sound, image, light, and body interact dynamically on stage. This striking piece acts as a sensitive response to the social, ecological, and human crises of our time. Within this “polycrisis,” the performance transforms feelings of powerlessness into collective energy through an immersive and visceral experience. An intense proposition at the crossroads of theatre, performance, and concert, -os- evokes the cathartic power of extreme music. It brings together La Rubrique’s new artistic director Jocelyn Pelletier (direction and performance), David B. Ricard (video design), Sébastien B. Gagnon (spoken poetry), Joël Lavoie (music), and Elena Stoodley (voice and music). The performance is presented in co-production with Théâtre La Rubrique.

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DJ set / dub-techno / électroacoustique

EAF x SAT — Andy Stott (live) • Corporation (live) + William Hayes-Dulude

par Rédaction PAN M 360

Le duo Corporation (Racine, Keru Not Ever) ouvrira les festivités en présentant une musique dance et électronique mêlant collages plunderphoniques et sampling étoffé. William Hayes-Dulude les accompagnera avec des visuels créés spécialement pour l’occasion. Le clou de la soirée, Andy Stott, vous fera planer sur ses instrumentations dub-techno vaporeuses, lentes et percutantes, où kicks puissants guident le public à travers brouillard et voix hypnotiques.
Attendez-vous à une nuit atmosphérique remplie de surprises.

Starting the ceremonies is the duo Corporation (Racine, Keru Not Ever), presenting electronic/dance music with plunderphonic collage, and deep sample research. To top it off, William Hayes-Dulude will accompany them on visuals with a bespoke piece. Crown jewel of the night – Andy Stott – will present his vaporous instrumentations, where steady kicks guide the audience through haze and hypnotic vocals, shaping them into his famous slow dub-techno bangers.
A night promising a deep hypnotic atmosphere and surprising twists.

Andy Stott

Andy Stott, né à Oldham et basé dans la région de Manchester, est un producteur britannique dont la carrière a évolué de manière constante depuis ses débuts au milieu des années 2000. Ancien élève de piano, il s’est tourné vers le sound design et a commencé à sortir de la musique sous le label Modern Love en 2005. Ses premières expérimentations en dub techno ont abouti à son premier album Merciless (2006), avant qu’il n’adopte des sonorités plus sombres et expérimentales sur Passed Me By et We Stay Together (2011). Ses œuvres ultérieures, dont Luxury Problems (2012) et Never the Right Time (2021), mettent en avant ses collaborations avec Skidmore et son style atmosphérique unique.

Andy Stott, born in Oldham and based around Manchester, is a British producer whose career has steadily evolved since his debut in the mid-2000s. A former piano student, he shifted to sound design and began releasing music with the Modern Love label in 2005. His early dub techno experiments culminated in his first album Merciless (2006), before he embraced darker, more experimental sounds on Passed Me By and We Stay Together (2011). Later works, including Luxury Problems (2012) and Never the Right Time (2021), showcase hiscollaborations with Skidmore and his uniquely atmospheric style.

Corporation

Le duo Corporation, formé par Racine (Julien Racine) et Keru Not Ever (Justin Leduc-Frenette), associe depuis plusieurs années la musique électronique contemporaine aux pratiques brutes de l’électroacoustique et de la musique plunderphonique. Ce processus – comme en témoignent leur premier album, Graffito (2019 [Genot Centre]) et leur deuxième, Tableaux du doute (tbr – 2025 [Danse Noire]) – résulte en une musique hallucinatoire fondée sur le collage, la superposition, la répétition, la synthèse et l’enregistrement sur le terrain, composée comme un théâtre acousmatique d’artefacts sonores sans acteurs.

The duo Corporation, formed by Racine (Julien Racine) and Keru Not Ever (Justin Leduc-Frenette), have been linking contemporary electronic music with the brute practices of electro-acoustic and plunderphonic music for several years. This – as patent in their debut album, Graffito (2019 [Genot Centre]) as in their sophomore, Tableaux du doute (tbr – 2025 [Danse Noire]) – results in hallucinatory music based on collage, superposition, repetition, synthesis and field-recording. It is composed as an acousmatic theater of sound artifacts without actors.

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Création / jazz / musique contemporaine

Festival des musiques de création : Ça me rappelle toi – Chanson réconfortante au Studio Desjardins du CEM

par Rédaction PAN M 360

En 2024, l’autrice-compositrice-interprète Jeanne Laforest (notamment collaboratrice d’Arianne Roy) créait au CEM Suite pour enfant intérieur, un cycle de chansons expérimentales inspiré par les grandes étapes du passage de l’enfance à l’âge adulte. Ça me rappelle toi est né de la rencontre entre cette œuvre et celle de la saxophoniste et compositrice Florence Garneau. Conçu comme une véritable co-création, le spectacle entrelace leurs univers musicaux dans une proposition commune qui traverse les âges de la vie. Entre souvenirs d’enfance, passage du temps et liens entre générations, leurs musiques font résonner des histoires personnelles inspirées notamment des conversations que Florence a enregistrées avec sa grand-mère. Présenté dans le cadre de la Fête des Mères, ce concert propose un moment de douceur et de proximité à partager en après-midi. Les chansons, délicates et feutrées, laissent entendre des échos de la chanson québécoise des années 1970, tout en intégrant les influences jazz et expérimentales des artistes. En plus de Jeanne Laforest (composition, voix, percussions) et Florence Garneau (composition, voix, saxophone), l’ensemble réunit les artistes de la région Samuel Gaudreault (guitares, arrangements), Sandrine Thibault (voix, percussions), et Émile Boucher Cloutier (voix, percussions).

In 2024, singer-songwriter Jeanne Laforest (known in part for her collaborations with Arianne Roy) created Suite pour enfant intérieur at the CEM, a cycle of experimental songs inspired by the major stages of the transition from childhood to adulthood. Ça me rappelle toi was born from the meeting of this work with that of saxophonist and composer Florence Garneau. Conceived as a true co-creation, the performance intertwines their musical worlds in a shared piece that moves across the different phases of life. Blending childhood memories, the passage of time, and intergenerational connections, their music resonates with personal stories inspired in part by conversations Florence recorded with her grandmother. Presented as part of Mother’s Day celebrations, this concert offers a gentle and intimate moment to share in the afternoon. The delicate, hushed songs echo Quebec chanson of the 1970s while incorporating the artists’ jazz and experimental influences. In addition to Jeanne Laforest (composition, vocals, percussion) and Florence Garneau (composition, vocals, saxophone), the ensemble brings together regional artists Samuel Gaudreault (guitars, arrangements), Sandrine Thibault (vocals, percussion), and Émile Boucher Cloutier (vocals, percussion).

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avant-garde / funk-rock / jazz contemporain

Festival des musiques de création : Amirtha Kidambi & the Elder Ones et Dave « Fuze » Fiuczynski’s KiF au Studio Desjardins du CEM

par Rédaction PAN M 360

Amirtha Kidambi & the Elder Ones

Chanteuse, compositrice et activiste, Amirtha Kidambi explore les zones de friction entre improvisation libre, jazz d’avant-garde et musique carnatique (sud de l’Inde). Figure majeure de la scène expérimentale new-yorkaise, elle collabore avec Darius Jones, Mary Halvorson et William Parker, et se produit autant dans les circuits underground que sur les scènes institutionnelles, dont le prestigieux Carnegie Hall. Son projet Elder Ones a été salué par Pitchfork, le New York Times, The Wire et DownBeat pour son audace et sa puissance. Le quintet navigue entre influences traditionnelles, envolées jazz et éclats noise pour faire émerger une musique à la fois incantatoire et contestataire. Chaque concert d’Elder Ones est une expérience unique, chargée d’émotion et de tension mystique — et cette soirée au Studio Desjardins ne fera pas exception! Elder Ones réunit Amirtha Kidambi (voix, synthétiseur, harmonium), Alfredo Colon (saxophone ténor), Matt Nelson (saxophone soprano, Moog), Jason Nazary (batterie, percussions électroniques) et Lester St-Louis (contrebasse, synthétiseur).

Singer, composer, and activist Amirtha Kidambi explores the friction points between free improvisation, avant-garde jazz, and Carnatic music from South India. A major figure on the New York experimental scene, she has collaborated with Darius Jones, Mary Halvorson, and William Parker, performing both in underground circuits and on institutional stages, including the prestigious Carnegie Hall. Her project Elder Ones has been praised by Pitchfork, The New York Times, The Wire, and DownBeat for its boldness and intensity. The quintet moves fluidly between traditional influences, jazz flights, and bursts of noise to create music that is both incantatory and confrontational. Each Elder Ones performance is a unique experience, charged with emotion and a sense of mystical tension — and this evening at Studio Desjardins will be no exception. Elder Ones features Amirtha Kidambi (voice, synthesizer, harmonium), Alfredo Colón (tenor saxophone), Matt Nelson (soprano saxophone, Moog), Jason Nazary (drums, electronic percussion), and Lester St-Louis (double bass, synthesizer).

Dave « Fuze » Fiuczynski’s KiF

KiF est le power-trio funk/jazz du guitariste Dave Fuze Fiuczynski. Le projet mélange grooves funky à des mélodies inspirées d’Afrique du Nord, du Moyen-Orient et d’Asie à travers des harmonies microtonales luxuriantes. KiF est né d’une rencontre entre Fuze et des musiciens marocains à Marrakech. Alors que ceux-ci évoquaient le passage au Maroc de Jimi Hendrix pour quelques jours de repos en 1969, une idée a germé: et si Hendrix avait marié ses grooves lourds avec ces mélodies moyen-orientales? S’il n’était pas disparu prématurément, peut-être nous jouerait-il ce jazz-funk électrisant que propose KiF! Le trio est complété par deux jeunes musiciens gradués du Berklee College of Music de Boston: le batteur Cristian Acevedo et le bassiste Anderson Mirafzali.

KiF is the funk/jazz power trio led by guitarist Dave “Fuze” Fiuczynski. The project blends deep funk grooves with melodies inspired by North Africa, the Middle East, and Asia, all brought together through rich microtonal harmonies. KiF was born out of an encounter between Fuze and Moroccan musicians in Marrakech. As they spoke about Jimi Hendrix’s brief stay in Morocco in 1969, an idea emerged: what if Hendrix had fused his heavy grooves with Middle Eastern melodies? Had he not passed away so early, perhaps he would be playing the kind of electrifying jazz-funk that KiF delivers today. The trio is completed by two young musicians who graduated from the Berklee College of Music in Boston: drummer Cristian Acevedo and bassist Anderson Mirafzali.

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Ce contenu provient du Centre d’expérimentation musicale (CEM) et est adapté par PAN M 360

classique

Orchestre Philharmonique et Chœur des Mélomanes : Puccini – Turandot en concert à la Maison symphonique

par Rédaction PAN M 360

Vivez une soirée inoubliable de drame, de passion et de musique saisissante avec une version concert de Turandot de Giacomo Puccini. 
Cet opéra emblématique, situé dans la Chine antique, raconte l’histoire palpitante de la princesse Turandot, dont le cœur glacé et le défi impitoyable envers ses prétendants créent une atmosphère de mystère et de suspense.
L’opéra regorge de certaines des musiques les plus puissantes et émotionnelles de Puccini, incluant l’air célèbre Nessun Dorma, qui est devenu un symbole de triomphe et d’espoir. Des moments intenses et dramatiques aux mélodies aériennes et luxuriantes, Turandot est un voyage émotionnel qui captive le public du début à la fin.
Interprété par l’Orchestre Philharmonique et Chœur des Mélomanes sous la direction de Francis Choinière, cette version concert donne vie à l’opéra avec toute la force d’un orchestre symphonique, accompagné de chanteurs de classe mondiale qui insuffleront une vie vibrante aux personnages inoubliables de cet opéra.

Enjoy an unforgettable evening of drama, passion, and stunning music with a concert version of Giacomo Puccini’s Turandot.
This iconic opera, set in ancient China, tells the thrilling story of Princess Turandot, whose cold heart and ruthless challenge to her suitors create an atmosphere of mystery and suspense.
The opera is filled with some of Puccini’s most powerful and emotional music, including the famous aria Nessun Dorma, which has become a symbol of triumph and hope. From the intense and dramatic moments to the soaring, lush melodies, Turandot is an emotional journey that captivates audiences from start to finish.
Performed by the Orchestre Philharmonique et Chœur des Mélomanes under the baton of Francis Choiniere, this concert version brings the opera to life with the full force of a symphonic orchestra, accompanied by world-class vocalists who will bring the unforgettable characters of the opera to vivid life.

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Ce contenu provient de Place des Arts et est adapté par PAN M 360

classique / post-romantique

OSM : Wagner et Debussy – De l’amour à la mer

par Rédaction PAN M 360

Dans ce programme, l’alto, avec ses sonorités profondes et émouvantes, exprime la douleur de la séparation qui résonne dans l’œuvre de Wagner et dans le Concerto de la compositrice canadienne Cassandra Miller, créé en 2023 par Lawrence Power. Quant à Debussy, il dépeint la mer à travers des touches impressionnistes, mêlant nostalgie et rêve, pour un voyage sonore fait de subtiles sensations. Une expérience musicale à la fois intense et poétique, à découvrir absolument!

This program highlights the viola’s deep, expressive voice in Canadian composer Cassandra Miller’s Concerto, a poignant reflection on separation premiered in 2023 by Lawrence Power, and an excerpt from Wagner’s Tristan and Isolde, both poignant reflections on separation. Meanwhile, Debussy paints a vivid portrait of the sea with impressionistic colours, immersing listeners in a nostalgic and dreamlike soundscape. Enjoy a musical journey that is both powerful and poetic.

Programme

Hector Berlioz, Le Corsaire, Ouverture, op. 21, H 101 (8 min)
Cassandra Miller, I cannot love without trembling, concerto pour alto (25 min)
Richard Wagner, Tristan und Isolde, WWV90 : Prélude et mort d’Isolde (17 min)
Claude Debussy, La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre, L. 109, CD 111 (23 min)

Program

Hector Berlioz, Le Corsaire, Overture, Op. 21, H 101 (8 min)
Cassandra Miller, I cannot love without trembling, Concerto for Viola (25 min)
Richard Wagner,  Tristan und Isolde, WWV90: Prelude and death of Isolde (17 min)
Claude Debussy, La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre, L. 109, CD 111 (23 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

Création / jazz contemporain

Festival des musiques de création : GEORGE + Seulement au au Studio Desjardins du CEM

par Rédaction PAN M 360

GEORGE

GEORGE est le projet du batteur et compositeur américain John Hollenbeck, figure majeure du jazz contemporain (notamment collaborateur de Meredith Monk). Nommé à de multiples reprises aux Grammy Awards pour son travail de compositeur et d’arrangeur, il est reconnu pour l’originalité de son écriture et sa virtuosité. Il a également participé à de nombreux enregistrements marquants, notamment pour la prestigieuse étiquette ECM. Ensemble inclassable, GEORGE puise autant dans le jazz d’avant-garde que dans la musique électronique et la pop expérimentale. Grâce à la grande agilité de ses interprètes, la formation fait dialoguer avec naturel les traditions du jazz, des musiques nouvelles et de la musique de chambre dans un langage éclectique et ludique. Le quatuor est complété par trois musiciennes aux parcours singuliers : la montréalaise Sarah Rossy (voix, claviers), la Colombienne Chiquita Magic (synthétiseurs, voix) ainsi que la compositrice et improvisatrice canadienne Anna Webber (saxophone, flûte). Une musique raffinée, inventive et profondément habitée, où l’exigence artistique se conjugue à un véritable plaisir d’écoute, dans une proposition aussi accessible que stimulante.

GEORGE is the project of American drummer and composer John Hollenbeck, a major figure in contemporary jazz, known in part for his collaborations with Meredith Monk. Nominated multiple times for Grammy Awards for his work as a composer and arranger, he is widely recognized for the originality of his writing and his virtuosity. He has also contributed to numerous landmark recordings, notably for the prestigious ECM label. An unclassifiable ensemble, GEORGE draws equally from avant-garde jazz, electronic music, and experimental pop. Thanks to the remarkable versatility of its performers, the group seamlessly weaves together the traditions of jazz, new music, and chamber music into an eclectic and playful musical language. The quartet is completed by three musicians with distinctive artistic paths: Montreal-based Sarah Rossy (voice, keyboards), Colombian artist Chiquita Magic (synthesizers, voice), and Canadian composer and improviser Anna Webber (saxophone, flute). Refined, inventive, and deeply expressive, GEORGE’s music balances artistic rigor with genuine listening pleasure, resulting in a performance that is both accessible and stimulating.

Seulement

Seulement est le projet solo du musicien et artiste audiovisuel montréalais Mathieu Arsenault (Technical Kidman). Son approche, presque sculpturale, allie musique électronique et animation image par image dans un travail minutieux sur les formes et les textures. Le spectacle interroge la place du corps et de ses imperfections dans un monde de perfection technologique en mettant en scène des abstractions géométriques minimales rappelant les images générées par ordinateur, mais entièrement réalisées à la main à partir de découpes de carton sur une tablette lumineuse. Un assemblage singulier de voix mélodiques et de sons électroniques qui façonne une musique sensorielle aux textures contrastées. Pour ce concert en solo au FMC, Seulement offrira une performance visuelle et sonore que vous ne serez pas près d’oublier! Avertissement : ce spectacle contient des effets stroboscopiques pouvant affecter les personnes sensibles à la lumière.

Seulement is the solo project of Montreal-based musician and audiovisual artist Mathieu Arsenault (Technical Kidman). His approach, almost sculptural in nature, combines electronic music with stop-motion animation through meticulous work on form and texture. The performance explores the place of the body and its imperfections in a world of technological perfection, staging minimal geometric abstractions reminiscent of computer-generated imagery—yet entirely handcrafted from cardboard cutouts on a light table. A distinctive blend of melodic vocals and electronic sounds shapes a sensory musical experience rich in contrasting textures. For this solo performance at FMC, Seulement will deliver a visual and sonic experience you won’t soon forget. Warning: this performance contains strobe effects that may affect individuals sensitive to light.

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Ce contenu provient du Centre d’expérimentation musicale (CEM) et est adapté par PAN M 360

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