Syli d’Or : Dos Guitarras & Zalam Kao au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Dos Guitarras est un jeune duo formé en 2023 par Osvaldo Rabunal et Nicolas Martin, deux guitaristes unis par une passion commune pour les musiques d’Amérique latine. Leur répertoire, à la fois riche et vibrant, allie créativité contemporaine et inspirations des rythmes traditionnels du Sud du continent – candombe, tango, chacarera – principalement issus de l’Argentine, mais aussi du Brésil, du Venezuela et de l’Uruguay. Depuis leur formation, Dos Guitarras a conquis le public québécois avec plusieurs prestations remarquées à Bedford, Frelighsburg et Saint-Armand, ainsi qu’à Montréal, notamment à La Petite Marche, à l’Espace Amalgame, à l’école Vincent-d’Indy et à la Mairie de Montréal. À chacune de leurs apparitions, le duo séduit par sa sensibilité, sa virtuosité et la profondeur de son dialogue musical.
Né à Montréal en 2024, Zalam Kao est le fruit de la rencontre de cinq artistes aux influences aussi vastes qu’éclectiques. Reflet de la diversité culturelle de la ville, le groupe incarne une vision vivante et contemporaine des musiques du monde. Avant tout unis par l’amitié, Zalam Kao cultive l’art de la création collective. Le quintet réunit : Clovis Lamarre (Tchobis), producteur, mixeur et guitariste ; Antonio Dorsaint Manigat (Ogou Rayfé), chanteur et rappeur ; MoMo, multi-instrumentiste et chanteur issu du jazz ; Lucas Melo, guitariste, contrebassiste et parolier ; Edaï Larobina, auteur-compositeur-interprète et instrumentiste. Leur premier single, « Tout pour toi » (2024), s’impose comme un hymne lumineux et fédérateur. En octobre 2025, Zalam Kao dévoile son premier album, « Tou Lumin », une œuvre solaire où s’entrelacent jazz, funk, soul et world beat, affirmant la signature musicale audacieuse du groupe.

Dos Guitarras is a young duo formed in 2023 by Osvaldo Rabunal and Nicolas Martin, two guitarists united by a shared passion for Latin American music. Their repertoire, both rich and vibrant, blends contemporary creativity with inspirations drawn from the traditional rhythms of South America—candombe, tango, and chacarera—mainly from Argentina, as well as sounds from Brazil, Venezuela, and Uruguay. Since their formation, Dos Guitarras has captivated audiences across Quebec with standout performances in Bedford, Frelighsburg, and Saint-Armand, as well as in Montreal, notably at La Petite Marche, Espace Amalgame, École Vincent-d’Indy, and Montreal City Hall. At each of their appearances, the duo enchants listeners with their sensitivity, virtuosity, and the depth of their musical dialogue.
Born in Montreal in 2024, Zalam Kao is the result of the meeting of five artists with wide-ranging and eclectic influences. Reflecting the city’s cultural diversity, the group embodies a vibrant and contemporary vision of world music. United first and foremost by friendship, Zalam Kao embraces the art of collective creation. The quintet brings together Clovis Lamarre (Tchobis), producer, mixer and guitarist; Antonio Dorsaint Manigat (Ogou Rayfé), singer and rapper; MoMo, multi-instrumentalist and jazz-trained vocalist; Lucas Melo, guitarist, double bassist and lyricist; and Edaï Larobina, singer-songwriter and instrumentalist. Their first single, “Tout pour toi” (2024), stands out as a bright, unifying anthem. In October 2025, Zalam Kao released their debut album, “Tou Lumin” — a radiant collection blending jazz, funk, soul and world beat, showcasing the group’s bold and distinctive musical identity.

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classique / opéra

OSM : Les noces de Figaro

par Rédaction PAN M 360

L’OSM vous invite aux noces ! Assistez à un événement musical unique, Les noces de Figaro de Mozart, dans une mise en espace originale. Laissez-vous envoûter par des voix extraordinaires, qui s’épanouissent dans une acoustique exceptionnelle, et par des mélodies à la fois joyeuses et émouvantes. Cet opéra de Mozart a été créé en 1786 sur un livret de Lorenzo Da Ponte, inspiré de la pièce de Beaumarchais. L’intrigue, à la fois comique et satirique, suit les aventures de Figaro et Suzanne, deux domestiques cherchant à déjouer les avances de leur maître volage, le comte Almaviva. L’opéra critique avec finesse les privilèges de l’aristocratie tout en célébrant l’intelligence et la ruse des classes populaires. L’opéra, dans cette version avec narration, nous offre une expérience vibrante et inoubliable pour vivre le concert autrement.

The OSM invites you to a very special wedding! Experience a one-of-a-kind musical event with an innovative staging of Mozart’s Marriage of Figaro. Enjoy stunning voices in an exceptional acoustic setting, singing melodies that are both joyful and moving. Premiering in 1786, the opera blends comedy and satire, with a libretto by Lorenzo Da Ponte inspired by Beaumarchais’ play. It follows the adventures of Figaro and Suzanne, two servants trying to thwart the advances of their flirtatious master, Count Almaviva. Through its sharp wit, the opera critiques aristocratic privilege while celebrating the resourcefulness of the working class. This specially narrated version promises an exciting and memorable experience, offering a fresh perspective on a timeless masterpiece.

Programme

Wolfgang Amadeus Mozart, Les noces de Figaro, K. 492 (160 min)
Version avec narration

Program

Wolfgang Amadeus Mozart, The Marriage of Figaro, K. 492 (160 min)
Condensed version with narration

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Brésil / R&B / samba

Syli d’Or : MARISOL & Tamboréal Samba Bloco au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Immigrant du Pérou en tant que réfugié et ayant grandi dans la scène hip-hop et dansante de Montréal, MARISOL a pris le temps d’étudier ses idoles locaux et internationaux avant de s’emparer d’un clavier MIDI pour la première fois en 2017. Autodidacte, il a appris à produire et écrire ses propres chansons, développant une voix artistique unique. Sa musique est une fusion vibrante de percussions latines, d’échantillons de jazz des années 70, de sonorités hip-hop et de mélodies chantées en plusieurs langues. Cette richesse culturelle s’exprime à travers des grooves dansants et des atmosphères chaleureuses qui transcendent les genres. Il fait ses premiers pas sur la scène musicale sous le pseudonyme Guapo, avec le groupe de rap CLOUD N9NE. Depuis leur pause à la mi-2022, MARISOL a embrassé pleinement sa démarche solo, explorant les styles musicaux qui l’ont façonné, du R&B au reggaeton, en passant par l’afrobeats et la musique électronique. Artiste multidisciplinaire, il développe aujourd’hui un univers personnel à la fois intime, éclectique et profondément enraciné dans ses origines.
Né à Montréal, le Tamboréal Samba Bloco est un collectif de percussions qui célèbre les rythmes afro-brésiliens et la diversité culturelle de la ville. Formé de musiciens d’origines variées, le groupe transforme le son en un espace de rencontre et de célébration, alliant tradition, création et énergie contagieuse. Inspiré par les battements du samba, maracatu, ijexá et d’autres rythmes afro-brésiliens, Tamboréal crée une signature sonore unique, une fusion entre la chaleur du Brésil et le pouls urbain du Québec. Le projet va au-delà de la musique : c’est une affirmation de communauté, d’appartenance et de joie collective. Le groupe s’est produit sur plusieurs grandes scènes et événements culturels de Montréal et du Québec, notamment au Festival Nuits d’Afrique devant plus de 5 000 personnes, au Festival Islande Fête, ainsi qu’au Festival de la Bière de Montréal. En 2025, Tamboréal a également été demi-finaliste du concours Sily d’Or, soulignant son originalité et sa présence marquante sur la scène musicale montréalaise. Plus qu’un groupe musical, le Tamboréal Samba Bloco est un mouvement culturel qui fait du rythme un geste d’union entre le Nord et le Sud, entre le passé et le présent, entre toutes les personnes qui trouvent dans la percussion un même cœur qui bat.

A Peruvian immigrant who arrived in Canada as a refugee and grew up within Montreal’s hip-hop and dance scenes, MARISOL took the time to study his local and international idols before touching a MIDI keyboard for the first time in 2017. Self-taught, he learned to produce and write his own songs, developing a distinctive artistic voice. His music is a vibrant fusion of Latin percussion, 1970s jazz samples, hip-hop textures, and melodies sung in multiple languages. This cultural richness shines through in his danceable grooves and warm atmospheres that transcend genres. He first made his mark on the local scene under the stage name Guapo, as part of the rap group CLOUD N9NE. Since the group’s hiatus in mid-2022, MARISOL has fully embraced his solo path, exploring the musical styles that shaped him — from R&B and reggaeton to afrobeats and electronic music. A multidisciplinary artist, he is now crafting a deeply personal universe that is at once intimate, eclectic, and firmly rooted in his origins.
Born in Montreal, Tamboréal Samba Bloco is a percussion collective that celebrates Afro-Brazilian rhythms and the city’s cultural diversity. Composed of musicians from diverse backgrounds, the group transforms sound into a space for connection and celebration, blending tradition, creativity, and contagious energy. Inspired by the beats of samba, maracatu, ijexá, and other Afro-Brazilian rhythms, Tamboréal has forged a unique sonic identity — a fusion of Brazilian warmth and Quebec’s urban pulse. But the project extends beyond music: it is an affirmation of community, belonging, and collective joy. The group has performed on major stages and at cultural events across Montreal and Quebec, including the Festival Nuits d’Afrique (before an audience of over 5,000), the Islande Fête Festival, and the Montreal Beer Festival. In 2025, Tamboréal was also a semi-finalist in the Syli d’Or competition, highlighting its originality and strong presence on Montreal’s music scene. More than a musical group, Tamboréal Samba Bloco is a cultural movement that turns rhythm into a gesture of unity — between North and South, past and present, and all those whose hearts beat together through percussion.

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comédie musicale

& Juliet à la salle Wilfrid-Pelletier

par Rédaction PAN M 360

Créée par le scénariste de Schitt’s Creek primé aux Emmy Awards, David West Read, cette nouvelle comédie musicale hilarante renverse complètement le scénario de la plus grande histoire d’amour jamais racontée. & Juliet pose la question : que se passerait-il si Juliette ne mettait pas fin à ses jours à cause de Roméo? Laissez-vous emporter dans un voyage fabuleux alors qu’elle abandonne sa fin tragique pour un nouveau départ, une seconde chance de vivre et d’aimer… à sa façon. La nouvelle histoire de Juliette prend vie sur une bande-son de succès pop aussi emblématiques que son nom, dont Since U Been Gone, Roar, Baby One More Time, Larger Than Life, That’s The Way It Is et Can’t Stop the Feeling! — tous signés par l’auteur-compositeur et producteur de génie derrière le plus grand nombre de hits numéro 1 de ce siècle. Oubliez la scène du balcon et plongez dans cette comédie romantique qui prouve qu’il y a une vie après Roméo. La seule tragédie serait de la manquer.

Created by the Emmy®-winning writer from “Schitt’s Creek,” David West Read, this hilarious new musical flips the script on the greatest love story ever told. & Juliet asks: what would happen next if Juliet didn’t end it all over Romeo? Get whisked away on a fabulous journey as she ditches her famous ending for a fresh beginning and a second chance at life and love—her way. Juliet’s new story bursts to life through a playlist of pop anthems as iconic as her name, including Since U Been Gone‚ Roar, Baby One More Time, Larger Than Life‚ That’s The Way It Is, and Can’t Stop the Feeling!—all from the genius songwriter/producer behind more #1 hits than any other artist this century. Break free of the balcony scene and get into this romantic comedy that proves there’s life after Romeo. The only thing tragic would be missing it.

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acid-techno / DJ set / Électro

Dômesicle x CYBERCUNT — SALOME • Pyromane b2b Cori à la SAT

par Rédaction PAN M 360

On finit cette série Dômesicle en puissance avec le collectif Cybercunt. Une soirée de techno énergétique au féminin et queer avec l’iconique SALOME et les DJs montréalaises Pyromane et Cori en b2b explosif. Depuis Berlin, la DJ et productrice de haut calibre SALOME atterrit à la SAT pour nous offrir son électro, techno et acid qui a enflammé les clubs et festivals du monde entier. En b2b, nos local gems Pyromane (du collectif Cybercunt) et Cori (du collectif T.I.T.S.) serviront un set éclectique et maximaliste au tempo rapide, aux kicks puissants et aux structures percussives complexes. Aucune règle ici. Juste la nuit, le dancefloor et le son qui rentre au poste.

We’re closing this Dômesicle series with a bang with the Cybercunt collective. A night of energetic, queer, and female-driven techno featuring the iconic SALOME and Montreal DJs Pyromane and Cori in an explosive b2b. Flying in from Berlin, high-caliber DJ and producer SALOME lands at the SAT to deliver her electrifying electro, techno, and acid sound that has set clubs and festivals ablaze worldwide. Our local gems Pyromane (from the Cybercunt collective) and Cori (from the T.I.T.S. collective) will serve up an eclectic, maximalist b2b set with fast tempo, powerful kicks, and complex percussive structures. No rules here. Just the night, the dancefloor and sound that hits straight to the core.

SALOME

DJ SALOME, née à Tbilissi, en Géorgie, s’est imposée comme une figure incontournable de la scène musicale électronique après s’être installée à Berlin. DJ, productrice et résidente de la célèbre soirée queer Herrensauna, sa musique est un mélange d’électro, de techno et d’acid (parmi de nombreux autres genres). Elle s’est produite dans des festivals et des clubs parmi les plus réputés au monde, notamment Primavera Sound, Tomorrowland, Dour Festival, Sonar, Dekmantel, Monegros, Draaimolen, Body Movements, WIRE, Fold, Basement et NITSA, pour en nommer quelques-uns. Elle a également partagé la scène avec des artistes tels que SPFDJ, Anetha, Boys Noize, VTSS, LSDXOXO, MCR-T et Brutalismus 3000.

DJ SALOME, born in Tbilisi, Georgia, has emerged as a prominent figure in the electronic music scene after her move to Berlin. As a DJ, producer, and resident of the infamous queer party Herrensauna, her music is a rousing blend of electro, techno and acid (amongst numerous other genres). She has played for some of the most notorious festivals and clubs worldwide, including Primavera Sound, Tomorrowland, Dour Festival, Sonar, Dekmantel, Monegros, Draaimolen, Body Movements, WIRE, and Fold, Basement, and NITSA to name a few. She has also shared the booth with artists like SPFDJ, Anetha, Boys Noize, VTSS, LSDXOXO, MCR-T and Brutalismus 3000.

Pyromane

PYROMANE est une DJ self-made de Tiohtià:ke/Montréal. Entourée de musique tout au long de sa vie, d’abord en jouant de la musique classique à la flûte traversière, elle a toujours voulu devenir DJ et faire danser les gens, surtout leur donner un sentiment de liberté. Tatoueuse, artiste visuelle et cofondatrice de @cybercunt, la musique demeure pour elle une source majeure d’inspiration. Faisant partie de la communauté queer et artistique, ses mix représentent bien ces scènes tout en y ajoutant une touche personnelle éclectique et maximaliste. Elle aime les tempos rapides et bouncy et s’inspire de la musique du monde entier pour donner une expérience réellement hors du commun.

PYROMANE is a self-made dj from Tiohtià:ke/Montreal. Surrounded by music all her life starting with playing classical music on the flute, she always wanted to be a DJ and make people dance, especially to make them feel free. Tattoo artist, visual artist and one of the founders of @cybercunt, music has always been an important source of inspiration for her. Being part of the queer and artistic community, her mixes represent these scenes well, but she also adds her personal eclectic and maximalist touch. She likes fast tempos and bouncy music and draws inspiration from music around the world to give an experience out of the ordinary.

Cori

Cori, anciennement connue sous le nom de Corinita, est l’une des têtes derrière T.I.T.S., un collectif créé par et pour les femmes, centré sur l’idée d’élever son entourage à travers la passion du dancefloor. Que ce soit par son rôle de programmatrice d’événements au sein de la plateforme T.I.T.S. ou derrière les platines, Cori met de l’avant les communautés marginalisées à travers ses sélections de morceaux, ses choix d’artistes et ses événements. Son univers sonore se caractérise par des kicks puissants, des grooves intenses et des ambiances atmosphériques, avec une attention particulière aux structures percussives complexes. Malgré tout, Cori aborde le DJing comme quelque chose qui doit être amusant pour être bon. Aucun genre n’est exclu. Aucune règle n’est applicable.

Cori, formerly known as Corinita, is one of the brains behind T.I.T.S., a for women, by- women collective centered around the notion of uplifting your surroundings through a passion for the dancefloor. Whether it is through her event curator role with the T.I.T.S platform or when she DJs, Cori puts marginalized communities forward with her track selections, bookings and event concepts. Cori’s sound is focused on hard kicks, heavy grooves and ambient sounds atmosphere with an accent on more complex percussive structures. Nonetheless, she approaches DJing as something that needs to be fun to be good. No genre is off limits. No rules are applicable.

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électro-pop / musique de film / pop symphonique

Hommage symphonique à Daft Punk : plutôt réussi, mais…

par Frédéric Cardin

Au royaume de l’électro symphonique, il était écrit que Daft Punk aurait une place de choix tôt ou tard. Depuis la remarquable musique que le duo français a écrite pour le film Tron Legacy, devenu culte depuis, on savait que ses textures glitch pop inventives se retrouveraient un jour associées à un orchestre symphonique.

C’est l’idée du concert One More Time, hommage électro-symphonique à Daft Punk présenté à la salle Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts à Montréal, hier soir et ce soir encore. Sur scène : l’Orchestre FILMharmonique dirigé par Francis Choinière, le chanteur Devan, un guitariste, un bassiste, un batteur et un claviériste/vocaliste.

Première partie réussie

Le programme d’arrangements de tounes archi célèbres est divisé en une intro et cinq parties faites de mix de tounes du duo. L’Intro qui marie The Prime Time of Your Life, Aerodynamic et un peu de Tron Legacy donne l’impression de prendre son temps. L’énergie se gonfle graduellement, mais on a l’impression que ça manque encore de oumpf.

Ça se corrige avec le deuxième ‘’mouvement’’. La nature du symphonisme révèle avec plus de conviction son apport aux élans répétitifs et mécaniques de la musique daftienne en offfrant quelques beaux moments de profondeur harmonique des cordes et de contrechamps qui bonifient la structure des pièces (particulièrement Da Funk et Around the World).

Les deuxième et troisième parties poursuivent sur la lancée avec des perfos parfois emballantes de monuments populaires tels Human After All, Lose Yourself to Dance et Get Lucky. Bien que la présence de la guitare et de la basse soit un ajout qui ‘’rockifie’’ un tantinet les airs que tout le monde pouvait siffler, leur utilisation n’est pas exagérée au point de trop dénaturer ces petits bijoux accrocheurs.

Tron Legacy, moins convaincant

L’erreur du programme est l’arrivée, après l’entracte, de la suite d’une trentaine de minutes sortie de Tron Legacy. Et pourtant, ça me peine de le dire. Je suis un fan fini de cette musique exceptionnelle, l’une des meilleures du cinéma des 25 dernières années, et l’un des albums les plus aboutis de tout le catalogue Daft Punk. Tron Legacy fusionnait déjà le symphonique et l’électronique. Il n’y aurait pas dû y avoir de problème. Mais j’aurais dû y penser : il ne s’agissait pas d’un ciné-concert, ou l’exigence d’exactitude de la musique par rapport à ses sonorités dans le film est immense et implacable. Il s’agissait ici d’un hommage, et d’arrangements.

Et c’est là que ça a relativement foiré, à mon avis. Les admirables textures, ultra riches et complexes, inventées par les Daft n’étaient absolument pas reproduites. Simplifiées, voire édulcorées, le plaisir s’en trouvait évacué. Certains thèmes étaient confiés à un saxophone, d’autres à la guitare. Rien à voir avec la musique d’origine, et des effets peu convaincants. Dans quelques pièces, le tempo était trop retenu, gâchant la création d’une énergie emballante, comme dans le film. Qui plus est, un ostentatoire débalancement rythmique a failli tout foutre en l’air vers les deux tiers. Gênant. Résultat : le build up de l’avant entracte était perdu et la musique de Tron Legacy donnait l’impression d’être ennuyeuse. Il y a quand même eu des moments réussis, comme l’Adagio for Tron, par exemple. Mais, dans la totalité, c’était trop peu.

Sentir la vibe

Je me suis quand même posé la question : suis-je tout simplement un vieux puriste qui aime tellement son truc qu’il ne peut l’imaginer différemment? J’ai pris la peine de regarder autour de moi, dans le public, pour vérifier si j’étais le seul à trouver ça long. Malheureusement, j’ai bien senti le même relatif ennui des autres personnes présentes, sauf à quelques occasions.

C’est tellement dommage, car beaucoup seront peut-être sortis de ce concert avec une opinion négative de cette trame sonore palpitante dans sa vraie de vraie version. Bref, raison de plus pour organiser un véritable ciné-concert Tron Legacy un jour, avec tous les multiples et foisonnants détails qui rendent cette composition mémorable. Tiens, avec les vrais Daft Punk en plus?

Bon rattrapage

Cela dit, et heureusement, la soirée a été rattrapée par le dernier grand mix du programme et le retour des qualités qui avaient fait de la première partie une réussite. Aerodynamic, Harder, Better, Faster, Stronger, Face to Face, One More Time et, en rappel, Instant Crush ont permis au public de se lever et danser.

Le chanteur Bevan s’est bien acquitté de ses quelques apparitions et interprétations, bien que omettant (évidemment) le caractéristique accent Frenchie-anglo des Dafters.

Si des calibrages sont de mise, surtout dans la suite de Tron Legacy, on peut se réjouir d’une proposition efficace et excitante, la plupart du temps.

Une autre représentation a lieu ce soir.

DÉTAILS ET BILLETS

baroque / chant lyrique / classique occidental

Arion Orchestre Baroque : Il pianto di Maria : des larmes de bonheur

par Alexandre Villemaire

Pour l’avant-dernier concert de sa saison, Arion Orchestre Baroque invitait le public mélomane montréalais à une plongée dans l’Italie baroque. L’Italie dans tout ce qu’elle a de « caricatural », pour reprendre les mots que le directeur artistique a adressés au public, où les émotions sont exprimées à l’état brut.

Car c’est bien les émotions : la peine et la douleur certainement, mais aussi l’amour, l’amitié, la joie et l’allégresse qui traversent ce programme concocté par la claveciniste et cheffe invitée Marie van Rhijn. Un programme qui, aussi, mettait à l’honneur les compositrices en cette fin de semaine de la Journée internationale des droits des femmes.

Pour traduire et communiquer les différents affects de ces œuvres, c’est la voix qui était mise à l’honneur avec la contralto française Anthea Pichanik. Dans la première partie qui s’ouvrait avec la cantate Cessate, omai cessate d’Antonio Vivaldi, la puissance de son instrument nous a saisis, de même que son interprétation incarnée de ce personnage d’amoureux rejeté qui se lamente d’avoir été rejeté par sa Dorilla. Pichanik possède un timbre riche et cuivré dans son médium, des aigus et des graves charnus, que l’on perdait cependant parfois dans la masse orchestrale et dans certaines fins de phrases, mais qui était d’une stature et d’une incarnation sur scène ancrée et engagée. Dans l’extrait de la cantate Pallade et Marte de Maria Margherita Grimani, l’air du dieu Mars, une marche triomphante au style assez guerrier, mais qui conserve une parure très légère, a été rendu avec preste. C’est surtout le dialogue entre le violoncelle et le basson qui retient l’attention dans cette œuvre. Composée originalement pour violoncelle et théorbe obligé, Marie van Rhijn a adapté ce en remplaçant le théorbe par le basson en lui écrivant une ligne spécifique, au grand plaisir de Mathieu Lussier. Le dialogue entre les deux instruments illustrait bien la relation des deux protagonistes, soit Athéna et Mars, avec un échange quasi humoristique qu’on n’imaginait pas possible de cette manière dans le répertoire du XVIIIᵉ siècle. Un court concerto pour clavecin, sous-titré « Madrigalesco » de Vivaldi, servait de liant entre ces deux pièces de la première partie pour témoigner de la richesse harmonique du langage du compositeur.

La deuxième partie était entièrement dédiée à la voix avec des extraits de la Serenata Ulisse in Compania de Maria Teresa Agnesi et de la cantate Il pianto di Maria de Giovanni Battista Ferrandini, dont le nom a inspiré le titre de ce concert. Cette cantate de Ferrandini, à l’image d’un Stabat Mater, relate les souffrances de la mère du Christ à la vue de son fils sur la croix. Originellement composée pour soprano, la version de ce concert a été transposée une tierce plus bas. Trop haute pour un contralto dans la tonalité originale et même trop grave pour une soprano, cette version adaptée pour l’occasion pour la voix qui était sur scène conférait à l’œuvre une sonorité très maternelle. Dans la cavatine « Se d’un Dio fui fatta Madre » – la Vierge exprime sa douleur et même son indignation de voir mourir son fils. La ligne musicale et harmonique est simple, mais d’une grande richesse, portée avec chaleur par la voix de Pichanik et soutenue par l’orchestre et Marie van Rhijn dans un phrasé et une direction d’une intensité frissonnante et touchante.

Avec une programmation qui allie cette année un savant mélange de compositeurs connus et de découvertes, avec notamment le tiers de sa programmation 25-26 consacré aux compositrices, Arion continue d’apporter un vent de fraîcheur et une variété bienvenue dans le répertoire de la musique des XVIIᵉ et XVIIIᵉ siècles sur la scène montréalaise.

crédit photo: Elliana Zimmerman

classique / post-romantique / violon

Mayumi Seiler & Kyoko Hashimoto à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Ce concert se veut à l’image de ses interprètes, en faisant écho à leurs racines japonaises et européennes. De beaux liens qui se retrouvent aussi dans l’œuvre de l’éminent compositeur japonais Tōru Takemitsu qui fut lui-même inspiré de Debussy. Les sonates de Mozart et de Brahms, pleines de vitalité et de lyrisme, viennent compléter parfaitement ce programme.

This concert echoes the performers’ Japanese and European roots—a blend of influences also found in the music of Tōru Takemitsu, an illustrious Japanese composer who was profoundly influenced by Debussy. Spirited and lyrical sonatas by Mozart and Brahms perfectly round out this programme.

Programme

MOZART Sonate pour violon et piano n^o 35 en la majeur, K. 526
DEBUSSY Sonate pour violon et piano en sol mineur, L. 140
TAKEMITSU Hika [Élégie], pour violon et piano
BRAHMS Sonate pour violon et piano n^o 1 en sol majeur, op. 78

Program

MOZART Violin Sonata No. 35 in A major, K. 526
DEBUSSY Violin Sonata in G minor, L. 140
TAKEMITSU Hika [Elegy], for violin and piano
BRAHMS Violin Sonata No. 1 in G major, Op. 78

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avant-garde / musique contemporaine / saxophone

Le Vivier / Semaine du Neuf | Quatuor Quasar : Montréal-Monterrey, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

Après le succès du projet Montréal-Mexico en 2023, Quasar – quatuor de saxophones est fier d’annoncer le renouvellement de sa collaboration avec la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey (ESMDM).

Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf, nous fait ici l’introduction:

« Ce projet a été en incubation à Monterrey, ce projet inclut des commandes de compositeurs-compositrices mexicains et canadiens, impliquant aussi des chorégraphes mexicains et canadiens. L’entièreté du programme, en fait, sera constitué des créations et des partenariats et des collaborations entre artistes canadiens et mexicains. Ce projet a été mené de concert avec l’École supérieure de musique et de danse à Monterrey. C’est vraiment un bel échange. De toute façon, il y a de plus en plus de trucs au Mexique et en Colombie. Il y a beaucoup d’affaires en musique contemporaine aussi, en musique de création. Quasar cultive cette relation depuis un bon moment, c’est leur deuxième grande collaboration mexicaine. Je dirais que c’est dans la poursuite de leur démarche amorcée précédemment ».

Cette nouvelle initiative transculturelle fera dialoguer les univers de la musique et de la danse contemporaine du Québec et du Mexique à travers une production ambitieuse. Le projet réunira cinq compositeurs.trice.s et chorégraphes issus des deux communautés, qui créeront en tandem cinq œuvres originales interprétées par dix danseurs et danseuses de l’ESMDM et par les musiciens de Quasar. En conjuguant recherche chorégraphique et composition musicale contemporaine, cette collaboration explore de nouvelles formes de dialogue entre les corps et les sons, tout en favorisant un échange artistique et culturel profond.

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After the success of the Montréal-Mexico project in 2023, Quasar – saxophone quartet is proud to announce the renewal of its collaboration with the Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey (ESMDM).

Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, introduces the project:

« This project was incubated in Monterrey and includes commissions from Mexican and Canadian composers, as well as Mexican and Canadian choreographers. The entire program will consist of creations, partnerships, and collaborations between Canadian and Mexican artists. This project was carried out in collaboration with the Escuela Superior de Música y Danza in Monterrey. It’s a really wonderful exchange. In any case, there are more and more things happening in Mexico and Colombia. There’s a lot going on in contemporary music too, in creative music. Quasar has been cultivating this relationship for quite some time; this is their second major Mexican collaboration. I would say that it’s a continuation of the process they started previously.

This new transcultural initiative will bring together the worlds of contemporary music and dance from Quebec and Mexico through an ambitious production. The project will unite five composers and choreographers from both communities, who will work in tandem to create five original works performed by ten dancers from ESMDM and the musicians of Quasar. By combining choreographic research with contemporary musical composition, this collaboration explores new forms of dialogue between bodies and sounds while fostering a deep artistic and cultural exchange.

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classique rock / metal symphonique

The Rock Orchestra à la salle Wilfrid-Pelletier

par Rédaction PAN M 360

Après une tournée mondiale à guichets fermés, l’Orchestre de rock aux chandelles revient avec un tout nouveau concert épique, mêlant l’intensité du rock et du métal légendaires à une énergie sombre et envoûtante.
Dans un décor féérique illuminé par des centaines de bougies, 14 musiciens classiques livrent des mélodies enivrantes qui se fondent dans de puissants murs de distorsion. Vivez la rencontre inattendue entre la musique classique et du métal.
Au programme : Metallica, AC/DC, The Rolling Stones, Rage Against The Machine, My Chemical Romance, Linkin Park, System Of A Down, Guns N’ Roses, Evanescence, Papa Roach, The Cranberries… et bien plus encore!
Le Rock Orchestra est un collectif tournant de musiciens classiques, composé de certains des plus grands instrumentistes et chanteurs au monde.

After entertaining 700,000 guests across the UK, USA and Europe, The Rock Orchestra by Candlelight is kicking off the first expansive tour of Canada.
Prepare for a spellbinding spectacle that infuses iconic Rock & Metal anthems with a hauntingly beautiful energy.
In ethereal candlelit settings, this band of 14 classical musicians unleash effortlessly enchanting melodies alongside powerful walls of distortion. Witness the unexpected union of Classical music and Metal.
Performing the music of iconic bands including: Metallica, AC/DC, Rolling Stones, Rage Against The Machine, My Chemical Romance, Linkin’ Park, System Of A Down, Guns N Roses, Evanescence, Papa Roach, The Cranberries & MORE!
The Rock Orchestra is a rotating collective of classical musicians, featuring some of the world’s greatest instrumentalists and vocalists.

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Afrique / classique / kora

Zal Sissokho & Laurent Perrault-Jolicoeur – Racines à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Racines, c’est le dialogue entre le jazz et la musique mandingue; la rencontre entre les quatre cordes de la contrebasse occidentale et les vingt-et-une que possède la kora africaine. Laurent Perrault-Jolicoeur et Zal Sissokho cherchent à retisser les liens entre ces deux traditions musicales grâce à leurs compositions qui mêlent rythme, harmonie et improvisation.

Roots is the dialogue between jazz and Mandinka music—the place where the Western double bass with its four strings meets the African kora with its twenty-one. Laurent Perrault-Jolicoeur and Zal Sissokho work to forge new ties between their musical traditions, using captivating rhythms, harmonies, and improvisation in each of their compositions.

Programme/program

Laurent PERRAULT-JOLICOEUR
Farka
À petit feu
Racines
Après la fin
Zal SISSOKHO
Miniamba
Sila
Nadiara
Traditional Mandinka
Bara
Kéléfa
Traditional
Jarabi

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Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360

expérimental / contemporain / improvisation libre

Le Vivier / Semaine du Neuf | Du Vivant + Frying Pan & Nous perçons les oreilles, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

On présente ce concert comme un double plateau de musique improvisée des deux bords du fleuve.

Directeur artistique de la Semaine du Neuf, Jeffrey Stonehouse introduit le concept:

« Alors nous nous retrouvons avec Joane Hétu et son concept Nous perçons les oreilles qui existe depuis très longtemps, mais qui revient sporadiquement. Cette fois, ii s’agit d’une soirée dédiée aux improvisateurs. trices. Le groupe se fonde sur Jean-François Laporte et ses instruments inventés, Éric Normand, Philippe Lauzier, Annie Saint-Jean. Il y aura une trame évoquant un territoire mi-fantastique, mi-glauque, cette performance propose une lecture poétique du tout. Donc avec Jean-François Laporte, bien sûr, on a la présence des instruments de Jean-François, donc de lutherie sauvage. La direction sera tantôt assumée par Joane Hétu, tantôt par Jean Derome. Ce sera aussi une rencontre entre SuperMusique , la communauté Tour de bras et Éric Normand (Rimousk) et Totem contemporain de Jean-François Laporte. »

Plus précisément:

Du vivant – Tour de Bras & Totem Contemporain
Avec sa lutherie sauvage, son aspect méditatif et son intensité sonore, Du vivant est une performance cinétique et instrumentale qui recrée l’univers sombre du film créé par les artistes en 2020 sur un immense rouleau de papier géant tel un ruban de photo. Si le film évoquait un territoire mi-fantastique mi-glauque, la performance propose une autre lecture: une performance poétique, musicale, et cinétique (sans écran) qui balance entre photographie, film, performance, sténopé et musique improvisée.
Au confluent des âmes – Nous perçons les oreilles & Frying Pan
Ce concert réunit quatre artistes visionnaires qui partagent une même compréhension du geste, qu’il soit musical ou physique. Le duo Frying Pan, constitué des deux grandes danseuses Sarah Bild et Susanna Hood, se joint au duo Nous perçons les oreilles, formé des ébouriffants Jean Derome et Joane Hétu, connu pour sa musique improvisée et expérimentale.

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This concert is presented as a double bill of improvised music from both sides of the St.Lawrence river.

Artistic director of Semaine du Neuf, Jeffrey Stonehouse introduces the concept:

« So here we are with Joane Hétu and her concept Nous perçons les oreilles (We pierce ears), which has been around for a long time but comes back sporadically. This time, it’s an evening dedicated to improvisers. The group is based on Jean-François Laporte and his invented instruments, Éric Normand, Philippe Lauzier, and Annie Saint-Jean. There will be a storyline evoking a territory that is half-fantastic, half-gloomy, and this performance offers a poetic interpretation of the whole. So with Jean-François Laporte, of course, we have the presence of Jean-François’ instruments, and therefore wild lutherie. The direction will be taken on by Joane Hétu at times and Jean Derome at others. It will also be a meeting between SuperMusique, the Tour de bras community and Éric Normand (Rimousk), and Jean-François Laporte’s Totem contemporain. »

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

A double bill of improvised music from both sides of the river

Du vivant – Tour de Bras & Totem Contemporain
With its wild instrumentarium, meditative aspect, and sonic intensity, Du vivant is a kinetic and instrumental performance that recreates the dark universe of the film created by the artists in 2020 on an immense giant roll of paper like a photo ribbon. While the film evoked a half-fantastical, half-murky territory, the performance offers another reading: a poetic, musical, and kinetic performance (without a screen) that oscillates between photography, film, performance, pinhole camera, and improvised music.
Au confluent des âmes – Nous perçons les oreilles & Frying Pan
This concert brings together four visionary artists who share the same understanding of gesture, whether musical or physical. The duo Frying Pan, consisting of two great dancers Sarah Bild and Susanna Hood, joins the duo Nous perçons les oreilles, formed by the electrifying Jean Derome and Joane Hétu, known for their improvised and experimental music.