FMA 2026 | Baaziz fait chanter, rire et pleurer Montréal
par Sandra Gasana
La communauté algérienne de Montréal est sortie en grand nombre pour aller apprécier le grand chanteur et guitariste Baaziz, qui a ouvert la 27ème édition du Festival du monde arabe. Vêtu d’une marinière sous un veston et d’un foulard noué autour du cou, il annonce d’emblée ses couleurs : Algérien mais basé en France depuis plusieurs années. Et ce n’est pas que dans l’accoutrement que l’on retrouve cette influence française mais également dans sa musique qui mélange parfois les codes de la variété française à la Brassens tout en y incorporant des sonorités maghrébines. D’ailleurs, nous avons eu droit à une interprétation de Brassens à la sauce châabi.
Toutes les générations étaient représentées au Théâtre Beanfield. Dès son entrée sur scène, il lance des blagues à tout bout de chant, raconte des histoires avant chaque chanson, toutes aussi drôles les unes que les autres, on avait l’impression d’assister à un show d’humour avec de la musique. La satire, les vérités sans filtre, l’autodérision, bref, nous avions toutes les facette de Baaziz, qui était accompagné pour l’occasion par deux guitaristes, un contrebassiste et un percussionniste pour son tout premier show dans la ville.
Il insère du français dans ses chansons en arabe, ainsi que lorsqu’il s’adresse à la foule. D’ailleurs, ces bribes de français m’aidaient à comprendre les quelques mots d’arabe que je saisissais, résultat : je comprenais à 90% de quoi il parlait.
Il a fait chanter la salle dès le premier morceau, mais l’a ensuite fait pleurer lors du deuxième. En effet, c’était l’un des moments forts du concert puisqu’il rendait hommage à son père et a partagé une histoire à son sujet juste avant. La salle, y compris moi, étions en larmes à la fin du morceau.
« Bon, j’ai bien plombé l’atmosphère », remarque-t-il avant d’enchainer avec une série de blagues qui nous ont fait oublier ce petit moment de tristesse. Il nous a également partagé des histoires sur sa femme pour qui il a beaucoup d’affection, ainsi que sa mère qui était très fière de lui. Une chanson est même née de cette admiration maternelle intitulée « The best », teintée d’humour et qui a mis de la joie dans la salle. L’audience applaudissait régulièrement durant ses chansons, comme pour rajouter une autre touche percussive.
Par moments, il prenait la guitare de l’un des musiciens pour gratter dessus sur un morceau, pendant que ce musicien jouait le banjo. Il mêlait des chansons de ses albums à des classiques algériens que toute la salle connaissait par cœur.
C’est peut-être son premier concert à Montréal mais je suis certaine que ce ne sera pas son dernier. Et vu qu’il n’est plus trop jeune, il faut le faire revenir le plus souvent possible parce qu’en plus d’être un chanteur talentueux, il est également un excellent conteur, un humoriste hors pair et on a vraiment l’impression qu’il s’amuse sur scène. Et ça, ça fait du bien par les temps qui courent.
Le réputé Concerto Italiano est de passage à la Salle Bourgie avec un programme consacré à de passionnantes transcriptions d’œuvres pour clavier de J. S. Bach.
The celebrated Concerto Italiano visits Bourgie Hall with a captivating program dedicated to transcriptions of J. S. Bach’s keyboard pieces.
Programme
BACH Suite pour orchestre no 3 en ré majeur, BWV 1068 : Ouverture Passacaille et fugue en ré mineur (transcr. R. Alessandrini d’après la Passacaille et fugue en do mineur, BWV 582) Concerto en sol majeur (transcr. R. Alessandrini d’après la Toccata pour clavecin, BWV 916) Ouverture française, BWV 831 (transcr. R. Alessandrini d’après l’original pour clavecin)
Program
BACH Overture, from the Orchestral Suite No. 3 in D major, BWV 1068 Passacaglia and Fugue in D minor (transcr. R. Alessandrini after the Passacaglia and Fugue in C minor, BWV 582) Concerto in G major (transcr. R. Alessandrini after the Toccata for Harpsichord, BWV 916) Overture in the French Style, BWV 831 (transcr. R. Alessandrini after the original for harpsichord)
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!
Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360
Trio Fibonacci – Voyage en Europe de l’Est à la salle Bourgie
par Rédaction PAN M 360
Entre terre et ciel, tradition et contemplation, traversez les paysages sonores de l’Est européen! Au programme : le romantisme russe et les accents populaires de Borodin côtoient l’héritage slave teinté de modernité parisienne de Martinů. Tandis que le langage de silences et de lumière intérieure de Pärt résonne avec celui fragile et incandescent de Vasks dans une même dimension spirituelle. Du souffle romantique à la contemplation mystique, ce voyage révèle une Europe de l’Est plurielle, contrastée et profondément inspirée.
Between earth and sky, tradition and contemplation, travel through the soundscapes of Eastern Europe. On the program: the Russian Romanticism and folk-inflected accents of Borodin alongside Martinů’s Slavic heritage tinged with Parisian modernity. The language of silence and inner light in Pärt resonates with the fragile, incandescent voice of Vasks in a shared spiritual dimension. From Romantic sweep to mystical contemplation, this journey reveals a multifaceted, contrasting, and profoundly inspired Eastern Europe.
Programme
Alexander BORODIN Trio pour piano n°2 en ré majeur (1880–1881) Bohuslav MARTINU Trio pour piano n°1, H. 229 (1927) Arvo PÄRT Mozart-Adagio (1992) Pēteris VASKS Lonely Angel (2020)
Program
Alexander BORODIN Piano Trio No. 2 in D major (1880–1881) Bohuslav MARTINU Piano Trio No. 1, H. 229 (1927) Arvo PÄRT Mozart-Adagio (1992) Pēteris VASKS Lonely Angel (2020)
Klangkarussell reprend les commandes. Plus jeunes, les deux Autrichiens ont composé Sonnentanz – Sun Don’t Shine, un morceau devenu un succès mondial, atteignant les sommets des palmarès. Cette réussite a naturellement entraîné les deux amis d’école originaires de Salzbourg dans une certaine direction, qu’ils ont accueillie avec enthousiasme à l’époque. Mais leur parcours était alors davantage dicté par les décisions des autres que par leur propre vision musicale. Aujourd’hui, ils font les choses à leur manière, notamment grâce à leur propre label, Bias Beach Records. Depuis septembre 2019, celui-ci a accueilli douze singles de Klangkarussell : Comoros, Ghostkeeper feat. GIVVEN, Shipwreck, My World, Follow feat. GIVVEN, Plastic, Air, Home, This Love feat. Poppy Baskcomb, Calling Out Your Name feat. Mando Diao, I Feel Fine et, plus récemment, Sight Of You feat. LissA. Ensemble, ces sorties ont cumulé le nombre impressionnant de 200 millions d’écoutes en continu. Bien qu’ils créent de la musique ensemble depuis une décennie, les deux artistes abordent désormais leur carrière avec une motivation, une énergie et une inspiration renouvelées. Tout au long de leur parcours, le duo s’est distingué par sa maîtrise des émotions. Portées par une grande diversité de rythmes, leurs compositions conservent toujours une structure solide, sublimée par les synthétiseurs caractéristiques de Klangkarussell. Leurs DJ sets demeurent très prisés au fil des années, témoignant de leur capacité à faire vibrer les foules, aussi bien dans des clubs londoniens comme Phonox et XOYO que sur les scènes européennes, américaines et colombiennes.
Klangkarussell are back in control. As younger men, this Austrian duo wrote Sonnentanz – Sun Don’t Shine, a track that went on to be a global, chart topping hit. That naturally took the old Salzburg school friends in a certain direction – which, in the excitement of the moment, they were happy to embrace – but it was always at the whim of others, rather than in pursuit of their own musical vision. Now they’re doing things on their own terms, and on their own label – Bias Beach Records – an imprint that has so far seen the release of twelve Klangkarussell singles since September 2019 (Comoros, Ghostkeeper feat. GIVVEN, Shipwreck, My World, Follow feat. GIVVEN, Plastic, Air, Home, This Love feat. Poppy Baskcomb, Calling Out Your Name feat. Mando Diao, I Feel Fine and latest track, Sight Of You feat. LissA). Together, this run of releases has so far accrued an astonishing 200 million streams. Despite the fact that they have been making music together for a decade, they now have a renewed sense of purpose, energy and inspiration. Throughout their careers, the pair have always been masters of emotion. That emotion has been underpinned by a wide variety of rhythms, but always offered proper structure, and is amplified by Klangkarussell’s trademark synth work. Their DJ sets have remained in demand over the years, which is a testament to the effect they have on crowds everywhere from Phonox and XOYO in London to clubs across the rest of Europe and as far afield as US and Colombia.
Depuis son Prix de musique Polaris en 2022, Pierre Kwenders a parcouru le monde avec ses spectacles en tête d’affiche. De retour au Canada au printemps 2027, il présente de nouvelles chansons, une nouvelle formation musicale et une toute nouvelle scénographie, marquant le début d’un nouveau chapitre sur scène. Né à Kinshasa et établi à Montréal, Pierre Kwenders est un auteur-compositeur-interprète dont l’univers navigue entre rumba congolaise, pop et musiques électroniques. Cofondateur du collectif multidisciplinaire Moonshine, il fait du dancefloor un espace de rencontre, de création et de dialogue entre les cultures. Ses albums Le Dernier Empereur Bantou (2014) et MAKANDA at The End of Space, the Beginning of Time (2017) ont été nommés au Prix de musique Polaris, tandis que José Louis and the Paradox of Love (2022) a remporté le prestigieux prix. Avec TRIANGLE D’OR: Shadows into Gold, il poursuit une œuvre portée par le mouvement, l’intime et le récit.
Since winning the Polaris Music Prize in 2022, Pierre Kwenders has toured the world with his headline shows. Returning to Canada in spring 2027, he presents new songs, a new live band, and an entirely new stage production, marking the beginning of a new chapter on stage. Born in Kinshasa and based in Montreal, Pierre Kwenders is a singer-songwriter whose music moves between Congolese rumba, pop, and electronic sounds. A co-founder of the multidisciplinary collective Moonshine, he sees the dancefloor as a space for connection, creation, and cultural exchange. His albums Le Dernier Empereur Bantou (2014) and MAKANDA at The End of Space, the Beginning of Time (2017) were both shortlisted for the Polaris Music Prize, while José Louis and the Paradox of Love (2022) won the prestigious award. With TRIANGLE D’OR: Shadows into Gold, he continues to explore movement, intimacy, and storytelling.
Guillaume Côté ensorcelle les Grands Ballets et le public
par Frédéric Cardin
Il y avait de l’enthousiasme lors du dévoilement de la saison 26-27 des Grands Ballets Canadiens. On nous présentait avec une certaine fébrilité la collaboration à venir avec Guillaume Côté, ex-danseur étoile du National Ballet de Toronto, chorégraphe et créateur du Petit Prince, bellement accueilli lors de sa création, à Toronto également. Surtout, cette première commande faite au Québécois portait sur une relecture du Songe d’une nuit d’été de Shakespeare, une histoire pleine de magie, idéale pour un ballet.
J’annonce tout de suite mes couleurs : j’ai adoré le résultat. Côté a ensorcelé la troupe montréalaise, et du coup, le public qui a rempli la salle Wilfrid-Pelletier.
Dans les Songes d’une nuit d’été (pluriel – pour plus de compréhension, voir l’entrevue que j’ai réalisée avec lui ICI), Côté construit une chorégraphie polyphonique, remplie d’ensembles papillonnants et virevoltants, sans arrêt ou presque (il y a quelques duos, dont un assez vaste entre Titania et Oberon).
Il y a aussi beaucoup d’humour, que l’histoire shakespearienne permet amplement il faut dire. Mais Côté manipule la dérision et certaines truculences avec justesse. Le spectacle se divise clairement en deux parties bien découpées en termes de tempérament. La première baigne dans la joie et l’amour butinant. Une légèreté bon enfant, juvénile vraiment, est exprimée sous forme de tournoiements et de voltiges aérées, ou aucun personnage ne sait rester en place. Parfaite incarnation de l’univers féérique et insouciant imaginé par Shakespeare. La deuxième partie est plus dramatique, plus sombre, mais sans perdre de sa séduction, ni de son caractère attrayant. Je dirais même plus, si la première moitié est excitante (chorégraphie vivifiante, énergie vitale de la mise en scène, etc.), la deuxième est puissante, émotionnellement, surtout dans sa symbiose avec la musique (j’y reviendrai).
Mais avant de poursuivre, résumons : le mariage de Hermia et Démétrius rassemble toute la communauté du monde magique de Titania et Oberon, parents de Hermia. Mais les amours des uns et des unes autour du couple sont assez libres (et non hétéronormatifs – ça c’est la touche personnelle de Guillaume Côté), et finissent même par déteindre sur Hermia et Démétrius. Cela ne plaît pas à la reine Titania, personnage assez solennel et conservateur, qui somme Maya (un personnage gentiment malicieux, et le pendant féminin du Puck de Shakespeare) d’utiliser sur Hermia et Démétrius une fleur magique qui rend amoureux. Mais bien entendu, ça dérive et l’assemblée au complet est amenée à vivre au rythme de relations éphémères que multiples, sans égard au sexe ni au genre. Contrairement à la pièce d’origine où les bonne moeurs finissent par être rétablies dans leur préséance, ici, c’est Titania qui finit par s’adoucir et laisser ses ‘’enfants’’ vivre un peu comme ils le veulent.
Voilà pour le contexte. Revenons au spectacle. Côté dit avoir une affinité intime avec la musique. Je confirme que c’est vrai, et que le résultat sur scène en est d’autant plus séduisant. Le chorégraphe utilise des musiques de Félix Mendelssohn (1809-1847), surtout les symphonies no 3 ‘’Écossaise’’ et no 4 ‘’Italienne’’, pour des raisons mélodiques et dynamiques, car ces chefs-d’oeuvre irrésistibles, même s’ils n’ont jamais été conçu pour le mouvement, sont intrinsèquement dansants. Aussi parce que Mendelssohn a écrit une musique fameuse dans le répertoire classique sur le Songe d’une nuit d’été. De cette partition qui possède sa propre magie, Côté n’utilise que la Marche nuptiale (que tout le monde connaît!). Pourquoi pas le reste? Mendelssohn explique tout cela dans l’entrevue…
Il suffit de dire que l’utilisation des deux symphonies les plus populaires de Mendelssohn fonctionne à la perfection, surtout dans les choix d’enchaînements organiques des divers parties des oeuvres, jouées dans le désordre, pour répondre aux impératifs d’efficacité narrative plutôt qu’à la cohérence musicologique. Dans la première partie teintée d’espièglerie, de souplesse et d’agilité, c’est l’Italienne qui domine. À raison car les rythmes bondissant et le caractère solaire de la musique colle idéalement au propos et à la mise en scène. On est abreuvé d’une agitation effervescente, mais surtout souriante. Le plaisir général est palpable, et se termine par l’intervention de Maya et de sa fleur magique. L’esprit farceur ne peut s’empêcher d’enchanter toute l’assemblée, plutôt que les deux seuls mariés.
La deuxième partie instaure un changement de paradigme. Une scène nocturne se déploie. Les jeux de lumières, la généreuse Lune en arrière plan, et les protagonistes plongés dans un état second, féériquement onirique, sont bellement accompagnés par des musiques suggestives, impressionnistes et cinématographiques. Satie (Gymnopédie orchestrée par Debussy) séduit doucement, mais c’est surtout Max Richter avec November qui embrasse la salle au complet et les personnages crépusculaires aux interminables doigts griffus (mais aucunement menaçants – bravo au designer de costumes Rémi van Bochove) de son étreinte somptueuse et puissamment émotionnelle. Un moment de communion créative hollywoodien, certes, mais diablement efficace. Quelques frissons, soyez avertis.
Aussi, je ne veux pas l’oublier, la contribution du Montréalais Tommy Lunaire, avec une partition électro-orchestrale teintée de Minimalisme glassien, qui rappelle ausi par moment la force expressive, la vitalité rythmique et la beauté mélodique du chef d’oeuvre techno-symphonique de Daft Punk, Tron Legacy. Lunaire est plus impressionniste, certes, et cela sied parfaitement au contexte. Nous avons peut-être découvert un futur collaborateur de l’OSM, comme Apache il y a quelques semaines? Le jeune compositeur a certainement le potentiel de la chose.
L’avant-dernière scène présente un pas de deux classiquement romantique (sur l’Adagio de la Symphonie Écossaise) entre Titania et Obéron, dans lequel le roi est ensorcelé par Titania. Celle-ci lui reproche son apathie générale face à la situation. Mais son sort aura des effets insoupçonnés : Obéron entre dans une sorte de transe tripative qui révèle à sa femme ses côtés plus déjantés. L’épisode le plus marquant, visuellement, fait partie de cette scène : sous des projecteurs stroboscopiques, une créature insectoïde apparaît. Obéron en tombe amoureux et finit de décoincer Titania qui se rend compte que sa rigidité relationnelle ne fait qu’étouffer tout le monde autour d’elle.
Chapeau au concepteur Patrick Martel. La créature est magnifique et restera gravée dans notre esprit. Bravo également au danseur Simon Adamson-De Luca qui lui insuffle une démarche très naturelle et une présence scénique tout à fait crédible.
La finale réunit tout le monde, dans une communauté apaisée par moins de raideur sociale, et plus de liberté.
Maude Sabourin incarne une Titania adéquatement impériale, alors que Thomas Leprohon réussit à nous faire croire à cet Obéron parfois pataud et maladroit, un peu effacé, mais finalement décoincé. Anaïs Roy, Antoine Benjamin Bertran, Aurora de Mori, Roddy Doble, Maeva Marcolini-Bowes, Célestin Boutin (qui incarnent respectivement Hermia, Démétrius, Helena, Lysandre, Clara et Ethan) donnent vie aux personnages avec la verdeur et l’ardeur voulue. On confond parfois certains personnages, en raison de costumes un peu trop similaires.
L’orchestre des Grands Ballets joue agréablement sous la direction de Dina Gilbert, avec des tempos suffisamment vifs dans les pièces de Mendelssohn.
Les Songes de Guillaume Côté est une superbe réussite, un moment de magie et d’enchantement qui restera dans ma mémoire longtemps. La barre est maintenant très haute pour la suite de la saison.
Les Songes d’une nuit d’été seront également présentés au Centre national des Arts d’Ottawa du 4 au 6 février 2027.
Jazz@vue : Jef Neve et Teus Nobel + Félix Stüssi Trio Nuovo au Théâtre Outremont
par Rédaction PAN M 360
La série Jazz@Vue est présentée par le Théâtre Outremont en collaboration avec Effendi, l’une des étiquettes jazz les plus importantes au Canada, les Productions Yves Léveillé et les Productions Félix Stüssi, organismes voués à la production et la présentation de concerts de jazz contemporain. Du 29 octobre au 1er novembre, découvrez chaque soir un plateau double d’artistes. Jef Neve et Teus Nobel Le pianiste Jef Neve et le trompettiste Teus Nobel sont tous deux incontournables du jazz international depuis des années. Outre de nombreux projets sous leur propre nom, ils ont voyagé ensemble à plusieurs reprises à travers le monde ces dernières années. Sur scène et lors de festivals aux Pays-Bas, en Belgique, en France, au Canada, au Japon et en Australie, le public a visiblement savouré pleinement le plaisir de jeu de ces deux véritables bêtes musicales, originaires de Belgique. Félix Stüssi Trio Nuovo Le nom italien l’indique, le Trio Nuovo est tout neuf, mais Félix Stüssi (piano), Alex Leblanc (contrebasse) et Jules Payette (batterie) ont déjà établi une belle complicité musicale. Bien que les compositions soient signées par le vétéran Stüssi, la création demeure un processus collectif. Les deux étoiles montantes du jazz québécois, bien connectées à l’actualité jazzistique, accueillent les propositions en y ajoutant allègrement leurs grains de sel. Ainsi naît une musique unique, dynamique et fraîche qui transcende non seulement les styles, mais aussi les générations.
The Jazz@Vue series is presented by Théâtre Outremont in collaboration with Effendi, one of the most important jazz labels in Canada, Productions Yves Léveillé and Productions Félix Stüssi, organizations dedicated to the production and presentation of contemporary jazz concerts. From 29 October to 1 November, every evening discover a double platter of artists. Jef Neve and Teus Nobel Pianist Jef Neve and trumpeter Teus Nobel have both been a staple of international jazz for years. Besides many projects under their own name, they have traveled together several times around the world in recent years. On stage and at festivals in the Netherlands, Belgium, France, Canada, Japan and Australia, the audience visibly enjoyed the pleasure of playing these two musical beasts from Belgium. Félix Stüssi Trio Nuovo The Italian name suggests it, the Trio Nuovo is brand new, but Félix Stüssi (piano), Alex Leblanc (double bass) and Jules Payette (drums) have already established a beautiful musical complicity. Although the compositions are signed by the veteran Stüssi, creation remains a collective process. The two rising stars of Quebec jazz, well connected to the news jazzistic, welcome the proposals by cheerfully adding their grains of salt. Thus is born a unique, dynamic and fresh music that transcends not only styles, but also generations.
Jazz@vue : Emie R Roussel + Yves Léveillé & Daniel Mille au Théâtre Outremont
par Rédaction PAN M 360
La série Jazz@Vue est présentée par le Théâtre Outremont en collaboration avec Effendi, l’une des étiquettes jazz les plus importantes au Canada, les Productions Yves Léveillé et les Productions Félix Stüssi, organismes voués à la production et la présentation de concerts de jazz contemporain. Du 29 octobre au 1er novembre, découvrez chaque soir un plateau double d’artistes. Emie R Roussel Trio Le Emie R Roussel Trio s’impose comme un incontournable de la scène jazz canadienne. Comptant à son actif cinq albums salués par le public et la critique tant nationale qu’internationale depuis sa fondation en 2010, le trio québécois a également eu la chance de rayonner à maintes reprises sur la scène internationale, présentant sa musique dans 12 pays, sur quatre continents. Après 15 ans de complicité, le Emie R Roussel Trio dévoile son sixième album et nouveau concert : TERR. Fruit d’une réflexion musicale profonde, sans compromis ni contraintes stylistiques. Entre instruments acoustiques et textures électriques, le trio navigue entre dynamisme entraînant et introspection intimiste. Yves Léveillé invite Daniel Mille Au printemps 2022, le pianiste et compositeur a invité l’accordéoniste français Daniel Mille à jouer à Montréal dans le cadre de sa série « Bourdonnements Jazz » présentée au petit Outremont. Une complicité musicale s’est installée naturellement entre les deux artistes par leur créativité réciproque et complémentaire. Lorsque s’ajoute à cela la participation de musiciens d’exception en la présence de Frank Lozano (saxophone), Guy Boisvert (contrebasse) et Pierre Tanguay (batterie), nous obtenons un ensemble totalement au diapason!
The Jazz@Vue series is presented by Théâtre Outremont in collaboration with Effendi, one of the most important jazz labels in Canada, Productions Yves Léveillé and Productions Félix Stüssi, organizations dedicated to the production and presentation of contemporary jazz concerts. From 29 October to 1 November, every evening discover a double platter of artists. Emie R Roussel Trio The Emie R Roussel Trio is a must-see on the Canadian jazz scene. With five albums to its credit, acclaimed by the public and both national and international critics since its foundation in 2010, the Quebec trio has also had the chance to shine on the international scene many times, presenting its music in 12 countries on four continents. After 15 years of complicity, the Emie R Roussel Trio unveils its sixth album and new concert: TERR. The result of a deep musical reflection, without compromise or stylistic constraints. Between acoustic instruments and electric textures, the trio navigates between dynamic driving and introspection. Yves Léveillé invites Daniel Mille In the spring of 2022, the pianist and composer invited the French accordionist Daniel Mille to play in Montreal as part of his « Bourdonnements Jazz » series presented at the Petit Outremont. A musical complicity naturally took place between the two artists through their mutual and complementary creativity. When added to this the participation of exceptional musicians in the presence of Frank Lozano (saxophone), Guy Boisvert (double bass) and Pierre Tanguay (drums), we get an ensemble totally in tune!
My Fierce Ignorant Step chez Danse Danse : la séduction du vide
par Frédéric Cardin
Il n’y a pas à dire : My Fierce Ignorant Step de Christos Papadopoulos, présenté par Danse Danse hier soir, est captivant. Mais, un peu comme du doomscrolling, étrangement insatisfaisant, aussi.
C’est une trame sonore insistante, sur des beats irrépressibles, qui accompagne, sans fléchir une seule seconde, les 60 minutes de la chorégraphie métronomique de Christos Papadopoulos. Un chef-d’œuvre choral moderne est en partie samplé (Axion Esti de Miki Theodorakis) et transformé par Kornilios Selamsis et Jeph Vanger, qui ajoutent aussi leurs propres contributions personnelles.
MY FIERCE IGNORANT STEP SE POURSUIT JUSQU’AU 31 OCTOBRE 2026
Ça part sur des beats légers, des clics de briquet qui n’allume pas (la réflexion vient d’une amie). Mais on devine rapidement un crescendo qui s’avèrera implacable. À la manière du Boléro de Ravel, le rythme répétitif et inlassablement répété sert de charpente à une lente, très lente construction. Petit à petit, des éléments s’ajoutent : une batterie qui meuble les interstices, un piano en un seul accord, ramené tel quel toutes les six mesures de quatre temps, puis des cordes, d’abord un peu décentrées par rapport à la mécanique rythmique, enfin des cuivres et un choeur, en échantillonnage. Mais il y manque, contrairement au Boléro, une mélodie qui viendrait habiller l’ensemble, une phrase sinueuse qui agirait comme un contrepoids à la mécanique rigoureuse et obsessive. Un mortier humaniste à ce mur sonore de plus en plus impénétrable.
Sur cette trame, les corps ne font qu’un, se meuvent comme des oiseaux en vol coordonné. Rarement, presque jamais en fait, les neuf danseurs interagissent les uns avec les autres. Des solitudes portées, guidées, par un même système de pensée. On ne sent pas l’oppression d’un régime quelconque ici. Il ne s’agit pas, de toute évidence, d’une critique sociale et politique déguisée. Non, il y a clairement exaltation et satisfaction de vivre, individuellement, solitairement, le même plaisir que son voisin, sa voisine. Mais à qui on ne parle jamais. D’innombrables va-et-viens d’avant à arrière, de gauche à droite de la scène. Les mêmes déhanchements, les mêmes élans, les mêmes étirements, bras, jambes, têtes, sauf, comme je l’ai dit, de rarissimes exceptions. Tout cela, sur la pulsation musicale, est initialement captivant, hypnotique. À mi parcours, cela dit, je me demande si on n’est pas en train de tourner à vide. L’attraction reste, mais elle a perdu de sa magie première. Un peu comme le papillonnage auquel nous succombons à peu près tous et toutes sur nos téléphones le soir. La première étincelle est vivifiante, les suivantes maintiennent la passion un bout, puis on commence à se demander ce que tout cela nous apporte vraiment, s’il ne devrait pas y avoir plus de complexité nourrissante à goûter quelque part. Si on ne devrait pas faire autre chose, sortir de nos bulles confortables, finalement très conformistes.
Curieuse symbolique, donc, que cette création qui à le mérite de révéler un peu de ce que nous sommes devenus : des monades isolées bougeant, consommant, riant, pleurant et existant au même rythme, avec les mêmes tortillements, la même présence au monde que des millions d’autres, qui doivent, comme nous, regarder les mêmes vidéos Instagram ou TikTok au pas des mêmes algorithmes techno-holistiques contemporains. Tous et toutes, des individualités revendiquées, mais pourtant pareilles et semblables; des unicités célébrées comme telles, mais coulées dans le même moule, heureux-euses dans notre cocon, et à peine conscient que la suivante, ou précédente, est autre chose qu’une notion intellectualisée à travers une matrice consensuelle. Un monde heureux?
C’est peut-être là la force de My Fierce Ignorant Step. Celle de nous montrer, si on sait l’analyser attentivement, cette réalité collective sans faire de morale, sans verser dans l’apocalyptisme dystopique, pour nous faire peur. On nous montre une utopie exaltante qui, finalement, remet en cause par sa simple existence ses velléités inspiratrices. Cela dit, je ne suis vraiment pas certain que c’était l’intention du créateur. Alors, qu’en déduire?
Papadopoulos affirme avoir conçu sa chorégraphie en pensant aux joies simples de sa jeunesse. Joies faites d’espoirs ouverts à tous les possibles. En fin de compte, c’est plutôt, il me semble, un constat d’échec collectif dont il fait montre.
Comment être captivé tout en ressentant un manque. Il y a là, je pense, toute l’essence de notre premier quart de 21e siècle.
Les musiciennes et musiciens de l’OM poursuivent leur exploration du répertoire des grandes compositrices en vous invitant à découvrir l’univers élégant et envoûtant de Mel Bonis. Composées au début du XXᵉ siècle, ses œuvres pour flûte et cordes allient lyrisme et sensibilité typiquement française. De la miniature aux grands quatuors, sa musique de chambre séduit et s’impose peu à peu sur la scène musicale classique.
Discover the elegant, captivating world of Mel Bonis as the OM’s musicians continue their exploration of great women composers. Written in the early 20th century, Bonis’s works for flute and strings combine lyricism and a distinctly French sensitivity. From intimate miniatures to major quartets, her enchanting chamber music is gradually claiming its rightful place on the classical stage.
Programme/program
Mel BONIS, Suite en trio Mel BONIS, Quatuor avec piano n° 1/Piano Quartet No. 1 Mel BONIS, Suite orientale Mel BONIS, Soir! Matin!
Le passé et le présent dialoguent à travers cette invitation au voyage dans les imaginaires et les sonorités de l’Orient. Avec Shéhérazade, Rimski-Korsakov déploie la légende de la conteuse dont la force, la finesse et l’ingéniosité triomphent de la peur : le violon d’Andrew Wan en incarne la voix profonde, souple et souveraine, tandis que la cheffe Dina Gilbert guide l’orchestre comme l’héroïne qui tisse son destin. En miroir, le compositeur français Thierry Pécou nous entraîne « à la manière de Bali » dans son Cara Bali Concerto, porté par le pianiste Alexandre Tharaud, dédicataire de l’œuvre. Inspiré par les cycles, les timbres et la poésie du gamelan, ce Concerto devient une passerelle vers un ailleurs vibrant, où percussions imaginaires et piano se mêlent en un ballet d’énergies entrelacées. Une traversée sensorielle entre légende, rythme et lumière.
Past and present converse in this journey through the sounds and imaginings of the Orient. With Sheherazade, Rimsky-Korsakov unfolds the legend of the storyteller whose strength, finesse, and ingenuity triumph over fear: Andrew Wan’s violin embodies her deep, supple, sovereign voice, while conductor Dina Gilbert leads the orchestra like the heroine weaving her destiny. In counterpoint, French composer Thierry Pécou draw us “in the manner of Bali” into his Cara Bali Concerto, performed by pianist Alexandre Tharaud, the work’s dedicatee. Inspired by the cycles, timbres, and poetry of the gamelan, this concerto becomes a bridge to a vibrant elsewhere, where imaginary percussion and piano intertwine in a ballet of interlaced energies. A sensory crossing between legend, rhythm, and light.
Programme/program
Thierry Pécou, Cara Bali Concerto (43 min) Nikolaï Rimski-Korsakov, Shéhérazade, op. 35 (42 min)
« C’est un oiseau? C’est un avion? Non, c’est l’Orchestre symphonique de Montréal! » Enfilez votre masque et votre cape, le devoir vous appelle pour un concert tout en costumes et super-pouvoirs! Venez écouter cette rétrospective ludique, épique et époustouflante des thèmes de super-héros et vilains (Batman, Superman, Spiderman), des versions iconiques des années 1960 aux orchestrations et compositions symphoniques dignes des plus grosses productions hollywoodiennes, en passant par des incontournables de la musique classique. Soirée festive! Enfilez vos costumes et restez après le concert pour profiter d’ambiances et d’animations diverses en lien avec la thématique du concert.
“It’s a bird! It’s a plane! No, it’s the Orchestre symphonique de Montréal!” Put on your mask and cape—the call of duty awaits for a concert filled with costumes and superpowers! Come and enjoy this playful, epic, and breathtaking retrospective of superhero and villain themes, from iconic versions of the 1960s to symphonic orchestrations and compositions worthy of the biggest Hollywood productions, with a few classical music essentials along the way. Late-Night concert! Put on your costumes and stay after the concert to enjoy various atmospheres and activities related to the concert’s theme.
Programme/program
Danny Elfman, Batman Suite (1989) (arr. Steve Bartek, Christopher Bankey) (3 min) John Ottman/John Williams, Superman Returns Suite (2006) (8 min) Danny Elfman, Spiderman 2 Suite (arr. John Wasson) (2004) (5 min) Hans Zimmer, The Dark Knight Suite (2008) (arr. James Newton Howard) (6 min)
