La création et l’enregistrement de nouvelles musiques sont souvent considérés comme le moteur de tout groupe, une philosophie que Styx, continue d’incarner avec la sortie de Circling From Above, le 18e album studio de son impressionnant catalogue. Composé de 13 titres, l’album explore les complexités de l’expérience humaine à travers le prisme croisé de la technologie et de la nature. Troisième album du groupe en huit ans, il offre une expérience d’écoute de 41 minutes, à la fois stimulante et exaltante. Véritable chef-d’œuvre de narration, il allie les caractéristiques propres à Styx à des avancées audacieuses, s’appuyant sur la dynamique créative des récents albums The Mission (2017) et Crash of the Crown (2021)
Creating and recording new music is often considered the lifeblood of anyband—an ethos AOR torchbearers Styx continue to embody with the release of Circling From Above, the 18th studio album in their formidable catalog. Spanning 13 tracks, the album navigates the complexities of the human experience through the intersecting lenses of technology and nature. The album, the band’s third in eight years, delivers a 41-minute, end-to-end listening experience that is both thought-provoking and exhilarating. A masterclass in storytelling, it blends signature Styx hallmarks with bold steps forward—building on the creative momentum of recent releases The Mission (2017) and Crash of the Crown (2021)
Caprice au 9e : un agréable essai de rencontre baroque et carnatique
par Frédéric Cardin
L’ensemble Caprice proposait une rencontre inusitée entre la musique carnatique (du Sud de l’Inde, représentée par le flûtiste J.A. Jayant, excellent)) et baroque (européenne) lors d’un concert assez sympathique au 9e étage du Centre Eaton. Si les concerts sont habituellement programmés à 17h, c’était sur l’heure du midi qu’il se donnait, exceptionnellement. Je ne sais pas si c’est l’heure elle-même, mais le résultat de fréquentation a été positif, pour une proposition somme toute assez nichée. Initiative réussie, donc, du côté affluence, et, je suis content de le dire, également du côté purement artistique. Il ne s’agissait pas d’une fusion totale entre les deux esthétiques, loin s’en faut. Appelons plutôt cela une rencontre et un dialogue, dans lesquels chaque protagoniste s’exprimait souvent dans sa langue musicale, en se croisant occasionnellement.
Ce sont les transitions entre les pièces, indiennes et baroques, ainsi que le judicieux choix de programme, qui a réussi à créer une belle impression de symbiose pour l’ensemble de l’heure et quelques du concert.
Le concert a été lancé par une impro à la flûte bansuri, portée par les arabesques subtiles de Jayant, un flûtiste reconnu pour sa qualité timbrale et son aisance technique. Un exotisme (du point de vue occidental), qui a mené à un contraste saillant, quand l’ensemble Caprice a entonné une sorte de variation en prélude au lancement du hit des hits baroques : le fameux Canon de Pachelbel. Heureusement, point de routine dans l’exécution de Caprice. Une lecture colorée de détails ornementaux, et une dynamique rythmique allègre ont rendu la chose plutôt rafraîchissante. Jayant est revenu avec une pièce classique indienne (Jagadodharana de Purandara Dasa, compositeur qui oeuvrait à l’époque de la Renaissance européenne), soutenue par le drone traditionnel associé à cette musique, mais ici assuré par l’orchestre montréalais. Caprice a poursuivi avec l’Air sur la corde de sol de Bach, et le reste de l’heure s’est déroulé un peu comme cela, mais avec des enchaînements entre les deux traditions faisant pas mal tout le temps du sens, que ce soit au plan rythmique, harmonique ou simplement atmosphérique.
Je souligne aussi la très belle contribution de la basse William Kraushaar, qui nous a donné de très beaux moments de grâce dans du Purcell (Wondrous Machine et The Cold Song), Handel (O ruddier than the cherry) et surtout Monteverdi (Si dolce è’l tormento), une des plus belles mélodies de chanson, tout styles et toutes époques confondues. Son timbre profond, d’un pourpre sombre et captivant, m’a donné quelques frissons. Uniquement dans The Cold Song ai-je perçu des moments où l’artiste a escamoté certaines répétitions (symbolisant le froid grelottant) ou finitions de phrases. Il s’agit effectivement d’un morceau difficile à soutenir mécaniquement. Mais c’est bien peu rechigner, en fin de compte. Il s’est de toute façon fort bien repris dans la pièce suivante, et finale, signée Handel. Un morceau virevoltant d’amour intense et déployé dans une technique précise et emballante pour les oreilles qui écoutaient.
Le directeur de Caprice, Matthias Maute, disait que ce concert servait de territoire à explorer et de construction d’une musique de l’avenir, où les traditions du monde se parleront d’égale à égale, tout en inspirant des innovations stimulantes.
Nous qui rêvons. Une expérience immersive célébrant la beauté de la nature canadienne. Symphonie du vivant est un hommage orchestral et cinématographique à la beauté de la vie. À l’occasion de la grande première du film projeté en concert, la musique évocatrice d’Anaïs Larocque, créée en étroite collaboration avec la cinéaste Marie-Julie Dallaire, sera interprétée par l’OM sous la direction de Yannick Nézet-Séguin. Idée originale de l’explorateur Mario Cyr, qui signe les magnifiques images sous-marines, cette immersion sensorielle et émouvante au cœur de la vie des animaux propose une vision égalitaire de la cohabitation sur Terre de tous les vivants.
We who dream. An immersive experience celebrating the beauty of Canadian nature. Symphony of Life is an orchestral and cinematic tribute to the beauty of the living world. For the film’s world premiere, presented in concert, Anaïs Larocque’s evocative music, created in close collaboration with filmmaker Marie-Julie Dallaire, will be performed by the OM under the baton of Yannick Nézet-Séguin. Imagined by explorer Mario Cyr, who brings the film’s magnificent underwater imagery to life, this sensory and moving immersion into the animal world presents an egalitarian vision of the coexistence of all living beings on Earth.
Programme
Musique d’Anaïs Larocque (Orchestration de François Vallières) – Première mondiale, commande de l’OM
Program
Music by AnaïsLarocque (Orchestration by François Vallières) – World premiere, commissioned by the OM
Jazz@vue : Concours de la relève au Théâtre Outremont
par Rédaction PAN M 360
Le Concours de la relève Jazz@Vue, dédié à la création et à la découverte de nouveaux talents (jeunes de moins de 30 ans), s’inscrit comme une initiative dynamique au cœur du milieu du jazz québécois. Il s’adresse aux musicien·ne·s en début de carrière, notamment aux étudiant·e·s universitaires et collégiaux·ales de la province, qui sont invité·e·s à prendre part à une expérience professionnelle d’envergure dans un cadre stimulant et formateur. Les candidatures seront évaluées par un jury de professionnels, figures phares du jazz au Québec. À l’issue d’une première sélection, six ensembles seront invités à présenter un mini-concert dans le cadre d’une demi-finale qui se tiendra en septembre 2026. Trois groupes seront ensuite retenus pour la finale, présentée au Théâtre Outremont le 1er novembre 2026, où ils interpréteront un programme de 30 minutes composé d’œuvres originales. Plusieurs prix seront remis aux lauréats par des partenaires associés au concours dont les Studios Piccolo, le Théâtre Outremont et Pianos Bolduc. Les finalistes profiteront d’un accompagnement professionnel offert par Effendi, incluant conseils et soutien au développement de carrière.
The Jazz@Vue Emerging Talent Competition, dedicated to the creation and discovery of new talents (young people under 30 years old), is a dynamic initiative at the heart of the Quebec jazz scene. It is intended for musicians at the beginning of their career, particularly university and college students from the province, who are invited to take part in a major professional experience in a stimulating and educational setting. The applications will be evaluated by a jury of professionals, leading figures in jazz in Quebec. Following an initial selection, six ensembles will be invited to present a mini-concert as part of a semi-final to be held in September 2026. Three groups will then be selected for the final, presented at the Théâtre Outremont on November 1, 2026, where they will perform a 30-minute program composed of original works. Several awards will be presented to the winners by partners associated with the competition, including Studios Piccolo, Théâtre Outremont and Pianos Bolduc. The finalists will benefit from professional support offered by Effendi, including advice and career development support.
La série Jazz@Vue est présentée par le Théâtre Outremont en collaboration avec Effendi, l’une des étiquettes jazz les plus importantes au Canada, les Productions Yves Léveillé et les Productions Félix Stüssi, organismes voués à la production et la présentation de concerts de jazz contemporain. Du 29 octobre au 1er novembre, découvrez chaque soir un plateau double d’artistes. Jazzlab Orchestra et invités Depuis plus de deux décennies, le Jazzlab Orchestra s’affirme comme un véritable moteur de création au sein de la scène jazz. L’ensemble incarne une vision artistique forte : celle d’un collectif devenu un modèle de constance, un espace vivant d’échanges et de recherche. Formation unique en son genre, le Jazzlab se distingue par sa capacité à explorer et à intégrer une grande diversité de langages musicaux, dans un parcours artistique exigeant et cohérent. Cette démarche, portée par un travail collectif rigoureux, donne lieu à une signature artistique singulière et reconnue.
The Jazz@Vue series is presented by Théâtre Outremont in collaboration with Effendi, one of the most important jazz labels in Canada, Productions Yves Léveillé and Productions Félix Stüssi, organizations dedicated to the production and presentation of contemporary jazz concerts. From 29 October to 1 November, every evening discover a double platter of artists. Jazzlab Orchestra and guests For more than two decades, the Jazzlab Orchestra has established itself as a true creative engine within the jazz scene. The ensemble embodies a strong artistic vision: that of a collective that has become a model of constancy, a living space for exchange and research. A unique formation of its kind, the Jazzlab is distinguished by its ability to explore and integrate a wide variety of musical languages, in a demanding and coherent artistic journey. This approach, driven by rigorous collective work, gives rise to a singular and recognized artistic signature.
Jazz@vue : Gentiane MG + Léno au Théâtre Outremont
par Rédaction PAN M 360
La série Jazz@Vue est présentée par le Théâtre Outremont en collaboration avec Effendi, l’une des étiquettes jazz les plus importantes au Canada, les Productions Yves Léveillé et les Productions Félix Stüssi, organismes voués à la production et la présentation de concerts de jazz contemporain. Du 29 octobre au 1er novembre, découvrez chaque soir un plateau double d’artistes. Gentiane MG La pianiste et compositrice montréalaise Gentiane MG présente Can You Hear the Birds? (Entends-tu les oiseaux?), un projet profondément humain, façonné par la connexion et l’écoute. La musique de cet album, enregistré avec son trio de longue date, composé du bassiste Levi Dover et du batteur Mark Nelson, se déploie comme une expérience partagée, ancrée dans la confiance, l’intuition et l’expression collective. LéNo LéNo c’est Arnaud Dolmen et Léonardo Montana, un duo français piano/batterie avec voix. Entraîné par les rythmes et la danse, envoûté par les ostinatos du piano, les cascades et sauts dans le vide, l’esprit s’abandonne… Un monde où deux musiciens sonnent comme cinq ou dix, et où dans chaque interstice jaillit l’histoire, les convictions, l’imaginaire et le rêve. Tirant le meilleur de sa Jazzette, la plus petite espèce de kit de batterie, Dolmen transcende l’héritage, décuple son champ d’expression et montre une inventivité folle, donnant à chaque ligne de Leonardo de nouveaux reliefs.
The Jazz@Vue series is presented by Théâtre Outremont in collaboration with Effendi, one of the most important jazz labels in Canada, Productions Yves Léveillé and Productions Félix Stüssi, organizations dedicated to the production and presentation of contemporary jazz concerts. From 29 October to 1 November, every evening discover a double platter of artists. Gentian MG Montreal pianist and composer Gentiane MG presents Can You Hear the Birds? , a profoundly human project, shaped by connection and listening. The music on this album, recorded with his longtime trio of bassist Levi Dover and drummer Mark Nelson, unfolds as a shared experience rooted in trust, intuition and collective expression. LéNo LéNo is Arnaud Dolmen and Léonardo Montana, a French piano/drums duo with vocals. Driven by the rhythms and the dance, bewitched by the ostinatos of the piano, the cascades and jumps into the void, the spirit abandons itself… A world where two musicians sound like five or ten, and where in each interstice springs history, convictions, imagination and dream. Making the best of his Jazzette, the smallest kind of drum kit, Dolmen transcends heritage, multiplies its field of expression and shows a crazy inventiveness, giving each line of Leonardo new reliefs.
Le Vivier : Judith Fliedl – Ultraviolin à l’église Sainte-Hilda
par Rédaction PAN M 360
Judith Fliedl est une violoniste établie à Vienne, considérée comme l’une des violonistes autrichiennes les plus polyvalentes de sa génération. Sa démarche artistique se distingue par l’étroite imbrication du jeu en solo et de la musique de chambre, par une ampleur de répertoire exceptionnelle — de la littérature classique à la musique contemporaine — et par la recherche artistique. Plusieurs fois lauréate de concours nationaux et internationaux, elle s’est imposée ces dernières années particulièrement dans le domaine de la musique contemporaine, tant comme soliste qu’au sein de formations d’ensemble les plus variées.
Judith Fliedl is a violinist based in Vienna and is regarded as one of the most versatile Austrian violinists of her generation. Her artistic focus lies in the close interrelation of solo performance and chamber music, an exceptional breadth of repertoire—from classical literature to contemporary music—and artistic research. A multiple prizewinner of national and international competitions, she has established herself in recent years particularly in the field of contemporary music, both as a soloist and in a wide range of ensemble constellations.
Mois du Créole 2026 | David Bontemps : des frissons du début à la fin
par Sandra Gasana
Il avait carte blanche pour cette soirée hommage à Jean Jacques Dessalines avec pour seule consigne : liberté. Et c’est avec cette liberté que David Bontemps nous a transportés durant cette heure de demie, grâce à son piano qui semblait être un prolongement de son corps. Avec des pièces qui mêlaient douceur et intensité, allant de l’un à l’autre de manière tout à fait fluide, nous ressentions en direct ces émotions contradictoires.
Ces morceaux avaient des allures d’histoires racontées à travers des notes de musique plutôt que des mots, avec un début, une intrigue souvent intense musicalement suivie d’une chute, parfois dramatique mais pas toujours. Lorsqu’il fermait les yeux, on pouvait ressentir cette connexion entre lui et son instrument, comme s’ils communiquaient entre eux, en plus de communiquer avec l’audience. Humblement, il saluait la salle toutes les deux ou trois chansons, avant de retourner à son piano.
La Chapelle musicale du Bon Pasteur était plutôt pleine en ce samedi soir d’automne avec des spectateurs de toutes les générations. Certains avaient l’air d’être des habitués du Mois du Créole puisque j’en ai reconnus plusieurs qui étaient au concert d’ouverture du 3 octobre avec Jocelyne Béroard et Tony Chasseur.
Une première partie était assurée par Kara Antoine qui nous a lu un magnifique poème de Félix Morisseau-Leroy, Mèsi Papa Desalin. Dans ce poème épique, ce poète et écrivain haïtien connu pour utiliser la langue créole dans ses œuvres rend un vibrant hommage à Jean Jacques Dessalines, figure emblématique de l’histoire d’Haïti. Dans ses vers teintés de reconnaissance, le poète a salué la bravoure, l’héroïsme et le courage de ce héros qui a œuvré en vue de bâtir une société haïtienne plus juste et plus égalitaire, une société basée sur la liberté, la fraternité, la dignité et le respect de la personne humaine.
Nous étions ainsi dans les meilleures conditions pour poursuivre avec le récital de David Bontemps. Et tel qu’il l’avait souhaité lors de notre entrevue quelques jours plus tôt, plusieurs dans la salle sont venus l’écouter, « les yeux fermés, et les oreilles ouvertes ».
Une vraie pépite que cette Cendrillon de Niccolo Isouard, créée en 1810 à l’Opéra-Comique. Après avoir savouré la présentation d’hier soir à la salle Bourgie, par un orchestre Arion dans une belle forme, dirigé vivement par Mathieu Lussier, et soutenant des performances souvent magistrales des solistes en présence, on comprend pourquoi cette oeuvre pleine de vie a séduit le public européen pendant une bonne partie du 19e siècle avant d’être malheureusement reléguée aux ombres de l’histoire par la version de Massenet (1899), et celle de Rossini (La Cenerentola), plus populaires de nos jours sur les scènes lyriques. Il faut dire que cette Cendrillon a une forme qui a elle-même passablement disparue, celle d’une alternance entre chant et dialogues parlés. N’empêche, quand on a entendu un aréopage aussi efficace que celui assemblés par les producteurs de cette itération en grande partie québécoise, on se plaît à imaginer un retour beaucoup plus assidu de ce genre de spectacles. Du moins de notre côté de l’Atlantique, car en Europe, c’est évidemment moins rare. M’enfin, comme dirait Gaston…
Si vous souhaitez en savoir beaucoup plus sur cette Cendrillon d’Isouard, et sur le compositeur lui-même, lisez l’entrevue que j’ai réalisée avec Alexandre Dratwicki, Directeur artistique du Palazzetto Bru Zane – Centre de musique française, qui a étroitement collaboré à cette production.
Cendrillon était présentée dans une mise en espace signée Julien Patenaude, qui jouait également le rôle du Baron Montefiascone, le méchant beau-père de Cendrillon, et père des deux exécrables demie soeurs. Des mouvements simples mais efficaces, et de menus détails scéniques pour camper les lieux : un foyer pour le château du Baron (ou vit Cendrillon) et des fleurs au sol pour l’épisode au Palais du Roi. Mais surtout, quelques projections sur le mur du fond franchement drôlatiques et adaptées au contexte local. Par exemple, à la fin du premier acte, quand le carrosse du Roi transporte les demie soeurs vers le Palais, et que cela mène à l’entracte, une image du centre-ville de Montréal avec un château digne de Walt Disney plus loin derrière, bordé par un bouchon de circulation, nous indique que le convoi aura une vingtaine de minutes de retard car il est pris sur Décarie. J’ai bien ri.
Dès l’Ouverture, le ton était donné : Arion est en forme, en particulier Simon Poirier, le cor solo, qui lance une efficace mélodie qu’on ré-entendra plus tard, accompagné par la harpe en dentelle d’Antoine Malette-Chénier. Une partition redoutable pour un cuivre déjà difficile à contrôler, qui plus est ici dans son format ‘’naturel’’, c’est-à-dire sans valves. Tout se fait avec la bouche et la main dans le pavillon. Poirier s’en est sorti avec panache, même si quelques notes étaient trop ‘’bouchées’’ par ladite main dans le pavillon. N’empêche, respect. On savait donc, dès ce moment, que la qualité musicale (instrumentale) allait être au rendez-vous. On a également compris que l’attitude générale allait être bon enfant, avec les projections amusantes accompagnant ces initiales minutes occupées uniquement par l’orchestre. Une autre bonne idée de Julien Patenaude : les personnages sont présentés de façon ironique. Par exemple : Clorinde, occupation : détestable sœur. Alias : Florie Valiquette. Et ainsi de suite. Réussi.
On est finalement convaincu pour de bon avec l’arrivée des solistes. Ils et elles sont tous bons, vocalement, en plus de jouer avec beaucoup de justesse. Les personnages sont certes caricaturaux, mais pas sur-écrits. Emma Fekete est une Cendrillon adéquatement authentique et bienveillante, Son soprano limpide, léger mais avec assez de chair, lui donne le timbre parfait pour le rôle, celui d’une jeune fille normale, simple et altruiste. Les deux méchantes sœurs sont délicieusement détestables. Elles ont les passages les plus stratosphériques, dans lesquels elles doivent virevolter comme des colibris énervés. Florie Valiquette (Clorinde) et Magali Simard-Galdès (Tisbé) semblent savourer pleinement leurs rôles, en leur imprimant une condescendance méprisable (envers Cendrillon et les ‘’inférieurs’’ en général) autant qu’une obséquiosité dégoulinante de mauvaise foi devant celui qu’elles pensent être le Roi (mais en réalité, un simple valet). Simard-Galdès s’est surpassée dans le Boléro de l’Acte II où elle tente de séduire le (faux) Roi, sur une musique et avec un bagout qui évoque, 65 ans d’avance, une certaine Carmen..
Cyrille Dubois est le grand nom de cette production, et il ne déçoit pas. Son ténor léger mais puissant lui permet d’incarner un Prince Ramir candide mais sincère et aimable. Laurent Deleuil est un efficient Alidor, Ministre et un peu Magicien du Roi, mais, à mon avis, c’est Dominique Côté qui vole la partie côté masculin, même s’il chante peu (et quand il le fait, on apprécie son baryton chaleureux). C’est surtout dans son jeu truculent de Dandini, le valet qui se fait passer pour le Roi, qu’il excelle et épate. Il est aussi le seul à (presque) jouer son rôle sans texte d’appui. Dès sa première apparition, on était attaché. Il se dandine, il fanfaronne, il fait de l’oeil au deux soeurs (qui le prennent pour le Roi) avec une délectation non feinte, et avec sa chemise déboutonnée, fait absolument penser à un mononc quétaine à qui on a donné 24 heures pour réaliser tous ses rêves. Fabuleux.
Les épisodes choraux, de très belle teneur, sont assurés solidement par le Choeur Éphémère.
On notera un détail technique à améliorer : les surtitres, qui sont en vérité des ‘’arrières titres’’ (projetés sur le mur du fond) sont quasiment illisibles si on se trouve dans la moitié avant de la salle, car les chanteurs et leurs lutrins les cachent en bonne partie. On pourrait les monter plus haut…
Cela dit, cette production mérite d’être saluée pour son immense qualité. Les mêmes protagonistes feront d’ailleurs un enregistrement pour ATMA Classique, une initiative qui risque de devenir une version de référence, car il n’existe pas de compétition valable à l’heure actuelle. Un enregistrement de 1998 sous étiquette Olympia, dirigé par Richard Bonynge devant des forces moscovites, est devenu introuvable, en plus de souffrir d’une prise de son bas-de-gamme, typique de productions de l’ère soviétique (même si l’URSS était alors décédée). Une autre version, plus récente (2018), est disponible chez Albany, et menée par la Manhattan School of Music Opera Theater. Je l’ai écoutée, et si les solistes témoignent de belles aptitudes, l’orchestre n’est tout simplement pas à la même hauteur que Arion.
Une autre représentation est donnée dimanche à 14h30. Si vous lisez ceci dimanche matin, il vous reste une chance de déguster ce trésor non seulement caché, mais déterré et ressuscité ici avec brio.
Amenez-en d’autres comme ça. Longue vie à cette collaboration entre Arion et le Palazzetto Bru Zane.
Faculté de Musique de l’UdeM : Le Big Band de l’UdeM reçoit le batteur John Riley à la salle Claude-Champagne
par Rédaction PAN M 360
À l’occasion du 60e anniversaire du Vangard Jazz Orchestra, le Big Band de l’UdeM reçoit le batteur John Riley, figure emblématique de cette prestigieuse formation. Cette rencontre exceptionnelle met à l’honneur l’héritage d’un orchestre légendaire et offre aux étudiant(e)s le privilège de partager la scène avec un des grands artisans du jazz contemporain.
To mark the 60th anniversary of the Vanguard Jazz Orchestra, the UdeM Big Band welcomes drummer John Riley, an iconic figure of this prestigious ensemble. This exceptional event celebrates the legacy of a legendary orchestra and offers students the privilege of sharing the stage with one of the great pioneers of contemporary jazz.
Faculté de Musique de l’UdeM : Les Profs de l’UdeM en concert à la salle Claude-Champagne
par Rédaction PAN M 360
De nombreux interprètes rayonnant sur les scènes canadienne et internationale composent le corps enseignant de la Faculté de musique. La série Les profs de l’UdeM en concert propose des rendez-vous de haut niveau vous permettant d’apprécier gratuitement leur maestria et la finesse de leur jeu, dans des œuvres de musique de chambre. Et pour les étudiantes et étudiants qui aspirent poursuivre leurs parcours à la Faculté de musique, ces concerts inspirants sont des occasions privilégiées de voir et d’entendre leur futur prof.
The faculty of Music includes many performers who have made a name for themselves on Canadian and international stages. The “UdeM Faculty in Concert” series offers high-caliber performances that allow you to enjoy—free of charge—their mastery and the finesse of their playing in chamber music works. And for students who aspire to pursue their studies at the Faculty of Music, these inspiring concerts are special opportunities to see and hear their future professors.
CE SPECTACLE EST GRATUIT!
Ce contenu provient de la Faculté de Musique de l’UdeM et est adapté par PAN M 360
Le concert Gala des Prix Azrieli 2026 avait lieu hier soir à la Maison symphonique. L’un des plus importants ensembles de prix pour la composition contemporaine au monde, les Prix Azrieli récompensaient cette année quatre œuvres écrites pour orchestre symphonique, chœur et solistes (peu importe l’instrument ou le type de voix).
Dans le Temple musical montréalais qu’est devenu la Maison symphonique, la parole créative de quatre compositions de haute tenue a eu droit à une cérémonie menée rondement par les artistes sur scène. Quatre œuvres portant un héritage sonore assez semblable, celui de l’avant-garde moderniste, teintée ici et là de spectralisme et d’expressionnisme atonal. Trois d’entre elles sont des créations, et deux sont spécifiquement focalisées sur la culture juive.
Je résumerai succinctement mes impressions de chacune d’entre elles : De l’encra escafada (L’encre qui disparaît) de Adrian Mocanu est la plus aboutie; Letter From Across the River de Dalit Hadass Warshaw, la plus touchante; Height of Land de Nicholas Denton Protsack, la plus impressionniste; Riddle de Hana Ajiashvili, la plus viscérale.
Captation du concert Gala des Prix Azrieli 2026 :
Le Prix de la Commande Azrieli 2026 pour la musique internationale, De l’encra escafada de Adrian Mocanu, s’est avéré être une introduction judicieuse. Son univers de bruitisme moléculaire, initialement fourmillant de minuscules particules gravitant aléatoirement dans un espace sonore très délicat, révèle un discours progressif et intellectuellement brillant menant à une étoffe musicale qui gagne en amplitude et en coffre, mais avec quelques va-et-vient dynamiques. L’ensemble se conclut de façon très satisfaisante dans une plénitude finale rayonnante. Le sujet, la voix perdue des trobairitz (femmes troubadours médiévales) se manifeste tout du long de l’œuvre, à travers le frémissement de fragments motiviques fantomatiques, évoquant, on le devine, les spectres de ces artistes dont nous avons oublié les voix. Le chœur, plus souvent qu’autrement, utilise des techniques vocales étendues (murmures, glissandos), alors que l’orchestre est constamment atomisé en milliers de couleurs, de timbres, de textures. Devant, un consort de violes (Les Voix Humaines : Susie Napper, Elinor Frey, Felix Deak et Thomas Baeté) luttait parfois vainement pour se faire entendre. À noter pour une prochaine performance : il faudra retravailler l’équilibre entre ce quatuor et le reste de l’orchestre/chœur. C’est d’autant plus important que ces violes représentent l’esprit de Beatriz de Dia, dont la seule chanson qui nous soit parvenue constituait l’un des matériaux de la composition. Malgré tout, cette œuvre nous est apparue, à moi-même et mon collègue Alain Brunet, comme la plus savamment aboutie de la soirée.
Letter From Across the River de la New Yorkaise Dalit Hadass Warshaw, le Prix de la Commande Azrieli de musique juive, suivait avec une proposition éminemment touchante. Warshaw y raconte l’histoire de son arrière-grand-père, Juif polonais qui a traversé à la nage une rivière pour aller porter une lettre d’adieux à ses fils, réfugiés en territoire sécuritaire, avant de retourner partager le sort funeste de sa femme et du reste de sa famille, dans les Camps de la Mort. La construction de Letter s’articule sur un squelette discursif linéaire, facilement compréhensible, en grande partie à cause du texte chanté puissamment par le baryton Noam Heinz. Letter se déroule à la façon d’un drame cinématographique, ou encore d’un oratorio miniature. L’action est soulignée par une musique évocatrice, campée sur les activités racontées ou les émotions suggérées. Après un déversement torrentiel de l’orchestre, qui plonge le public dans la rivière tourbillonnante avec le protagoniste de l’histoire, qui manque aussi de s’y noyer à plusieurs reprises, une deuxième et dernière partie de la composition nous invite dans un moment de grâce lumineuse et spirituelle, portée par l’orchestre allégé et surtout l’apparition de la soprano Hila Plitmann. Sans être absolument sans faille, la performance de Baggio, sur une partition redoutable, exigeant des aigus aériens et lumineux, a offert l’expression angélique et l’illumination sacrée requise par la compositrice. Letter From Across the River est une pièce qui donne très envie de la réentendre.
Troisième au programme (et première au retour d’entracte), Height of Land de Nicholas Denton Protsack représentait le Prix de la Commande Azrieli pour la musique canadienne. Le Canadien Protsack, basé en Nouvelle-Zélande, recherche la façon de créer une véritable réciprocité entre la Nature et la musique classique d’aujourd’hui. Protsack affirme vouloir faire en sorte que les sons de la nature soit de la musique, et vice-versa. Ça a déjà été tenté plusieurs fois, sous forme de musique concrète, d’électro ambient, ou encore d’imitation instrumentale de bruits d’animaux, du vent, etc. Protsack souhaite proposer quelque chose de nouveau, une nouvelle façon de concevoir la relation entre les sons musicaux et l’esprit de la nature. Il affirme surtout ne pas offrir de véritable réponse, mais plutôt laisser les gens juger, et poursuivre ses propres recherches et questionnements. Y arrive-t-il, donc? Eh bien, Height of Land m’est apparue comme une construction contemporaine frétillante de textures qui évoquent souvent des sons d’oiseaux, des bruissements de feuilles, etc. Quelques idées esthétiquement stimulantes : la présence d’un chœur secondaire de huit chanteurs et d’un violoncelle parmi le public, ainsi qu’un épisode où les spectateurs sont appelés à frotter des mains. Rien dans tout ceci, cela dit, qui n’ait pas déjà été tenté (musiciens parmi le public, etc.), mais la réalisation de Protsack est belle et la partition brille de mille teintes et effets. La charpente générale est un peu difficile à saisir, et les idées semblent éparpillées, mais, en même temps, voilà probablement le principe à la base de l’oeuvre qui se manifeste : une musique qui souhaite être en relation symbiotique avec la Nature, ne peut pas non plus être construite avec un esprit trop cartésien. En fin de compte, Height of Land m’a grandement plu, esthétiquement, mais je sens que je devrai y retourner pour mieux en cerner les tenants et aboutissants.
La dernière œuvre au programme, le Prix Azrieli pour la musique juive (une musique déjà existante), était Riddle de Hana Ajiashvili. Au centre du propos, un texte du 12e siècle de Yehuda Halevi, en vérité une énigme qui mène à un commentaire politique : Qu’est-ce qui est fin, vide et lisse, mais dont le sang ‘coule de la bouche’ ? La réponse est puissante d’enseignement : la plume qui signe les ordres d’exécution. C’est sur cette réflexion aussi dramatique qui philosophique que Ajiashvili compose une trame puissante, viscérale, où l’orchestre éclate en tuttis saisissants, dans lesquels le choeur égrenne, graduellement, le texte de l’énigme en question, avant de terminer dans une décharge féroce. On en ressort un peu estomaqué.
Chapeau à l’Orchestre symphonique de Montréal et au Chœur de l’OSM, resplendissants, ainsi que les divers solistes. À la direction, Asher Fisch semblait tout à fait adéquat, sans se démarquer particulièrement.
Je disais plus haut que les quatre pièces procèdent d’une esthétique musicale contemporaine assez semblable. Même si chacune s’avère être un ajout significatif au répertoire de la musique savante, je me permettrai d’émettre le souhait que, lors des prochaines éditions, un soin particulier soit apporté à choisir des compositions qui représentent plus largement le monde de la nouvelle musique de concert. Parce que, en effet (et sans être exhaustif, de loin), quid du néotonalisme expressionniste (façon Anna Thorvaldsdottir), ou du post-minimalisme (façon Nico Muhly), ou du post-modernisme oecuménique fusionnant cultures pop et savantes (façon nicole Lizée)? En fait, des écoles de pensées nées et développées essentiellement dans les 25 dernières années, soit le 21e siècle.
Une idée comme ça, qui n’enlève absolument rien à l’accomplissement que représente l’édition 2026 des Prix Azrieli.
