Montréal

dancehall / DJ set / dub

Club SAT — Adrian Sherwood (UK) (Live) • Honeydrip

par Rédaction PAN M 360

Plongez dans une nuit où les vibrations dub, bass et sound system s’entrechoquent. Adrian Sherwood, légende du dub underground britannique et fondateur du mythique label On-U Sound, débarque à la SAT pour sa tournée Live Dub Sessions – sa toute première tournée live en Amérique du Nord.
Pour ouvrir la soirée, Honeydrip, figure incontournable de la scène électronique montréalaise, prendra les commandes. DJ et productrice incarnant l’essence même du sound system et de la culture rave locale, elle fera monter la température dès 22h avec une sélection de basses enveloppantes, de dub atmosphérique et de rythmes dancehall réinventés. 
Le nouveau spectacle Live Dub d’Adrian Sherwood le verra sur scène avec une console de mixage et ses effets signatures créant des mix de dub en direct à partir de ses pistes originales. Il s’agit d’une production complète On-U Sound, présentant la musique de son nouvel album solo The Collapse of Everything ainsi que des morceaux récents issues de ses collaborations avec Lee « Scratch » Perry, Horace Andy, Sonic Boom x Panda Bear et Spoon, et d’autres classiques d’On-U.
Ce live set hypnotique et cinématographique sera accompagné de visuels psychédéliques de son collaborateur de longue date, Peter Harris.

Dive into a night where dub, bass and sound system vibrations collide. Adrian Sherwood — UK underground dub legend and founder of the iconic On-U Sound label — is coming to the SAT for his Live Dub Sessions tour, marking his first-ever live tour in North America.
Opening the night is Honeydrip, a key figure in Montréal’s electronic scene, who will set the tone from 10PM. A DJ and producer embodying the very essence of sound system and local rave culture, she’ll raise the temperature with enveloping bass, atmospheric dub, and reimagined dancehall rhythms.
Adrian Sherwood’s new Live Dub show will see him on stage with a mixing desk and his signature effects, creating live dub mixes from his original tracks. This is a full On-U Sound production, spotlighting music from his new solo album The Collapse of Everything, as well as recent tracks from his collaborations with Lee “Scratch” Perry, Horace Andy, Sonic Boom x Panda Bear, and Spoon, and other On-U classics.
This hypnotic, cinematic live set will be accompanied by psychedelic visuals from his long-time collaborator, Peter Harris.

Adrian Sherwood

En tant que fondateur du légendaire label On-U Sound, Adrian Sherwood a formé et produit de nombreux artistes tels qu’African Head Charge, New Age Steppers, Dub Syndicate, Creation Rebel et Tackhead. Il a également produit ou remixé des artistes de renom comme The Slits, Nine Inch Nails, Depeche Mode, The Fall, Blur ou Einstürzende Neubauten. Plus récemment, il a travaillé avec des artistes indie tels que Spoon et Panda Bear & Sonic Boom, qui l’ont chacun choisi pour recréer leurs albums studio. Avec son label On-U, il a récemment rendu possible des renaissances de carrière : Rainford de Lee “Scratch” Perry a atteint la première place du classement Billboard Reggae, tandis que Midnight Rocker d’Horace Andy a été sacré meilleur album mondial de l’année par The Guardian.

As founder of the legendary On-U Sound label, Adrian Sherwood formed and produced a stable of artists such as African Head Charge, New Age Steppers, Dub Syndicate, Creation Rebel and Tackhead, and also produced or remixed everyone from The Slits to Nine Inch Nails, Depeche Mode to The Fall and Blur to Einstürzende Neubauten. In addition to recent work with indie artists such as Spoon and Panda Bear & Sonic Boom, who both separately hand-picked Sherwood to reconstruct recent studio albums, he has also enjoyed recent success producing late career renaissances on his own On-U label – Rainford by Lee “Scratch” Perry hit number 1 on the Billboard Reggae chart, whilst Midnight Rocker by Horace Andy was crowned The Guardian’s #1 Global album of the year.

Honeydrip

Honeydrip est une figure notable de la scène électronique underground de Montréal depuis une décennie. S’étant fait un nom dans la scène rave en plein essor, elle est désormais une productrice de musique bass respectée, DJ et constructeur de systèmes de son, animant des ateliers destinés aux femmes et aux personnes LGBTQ+ pour les encourager à s’impliquer davantage dans la culture sound system. Sa pratique est fortement inspirée par le dub, le reggae et le dancehall, qu’elle hybride et explore pour créer son son signature. Honeydrip tourne comme DJ et performeuse live en Europe, au Royaume-Uni, en Amérique du Sud et au Canada, et a sorti des titres sur des labels tels que Banoffee Pies Records, Woozy, Early Reflex, entre autres.

Honeydrip has been a notable name in the Montreal underground electronic scene for a decade. Having built her reputation in the burgeoning rave scene, she is now a revered bass music producer, DJ, and speaker builder who hosts workshops for women and LGBTQ+ to get more involved in sound system culture. Her practice is heavily inspired by dub, reggae, and dancehall, which she hybridizes and explores to create her signature sound. Honeydrip has been touring as a DJ and a live performer in Europe, UK, South America, and Canada and has released on labels such as Banoffee Pies Records, Woozy, Early Reflex, and more.

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Afrique / gnawa / pop

Syli d’Or : Nda Chi & Sandya au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Nda Chi, alias Le Menshi, « la voix des ancêtres et du peuple », est un artiste camerounais porteur d’un message universel : ta singularité est ta clé, ton héritage te relie. Né à Baleng, dans l’Ouest du Cameroun, Armand Noël Ntoungchi Kamtchoua a été profondément marqué par les traditions initiatiques bamiléké, entre rites de passage, révélations spirituelles et expérience mystique des ancêtres. Ces initiations ont façonné en lui une mission claire : devenir un pont vivant entre l’Afrique ancestrale et le monde contemporain, en transformant l’intime en collectif à travers des performances rituelles immersives. Créateur du LessaGroove, un style unique accordé à 432 Hz pour ses vertus d’harmonie et d’ancrage émotionnel, Nda Chi fusionne le rythme ancestral Lessa de Baleng avec des influences modernes de funk, rock, pop, reggae, gospel. Sa voix androgyne et expressive, mêlant vocalises traditionnelles, nuances R&B et silences méditatifs, fait de chaque interprétation un rituel de réconciliation intérieure. Lauréat de plusieurs distinctions internationales, dont la médaille d’or aux Jeux de la Francophonie 2023 et le titre de vainqueur du concours Mutzig Star 2019, Nda Chi s’est produit sur de nombreuses scènes à travers l’Afrique, l’Europe et l’Asie. Sur scène, il transforme chaque concert en cérémonie collective, où l’émotion individuelle devient vibration universelle.
Sandya Fusion Band est un groupe de fusion gnawa basé à Montréal et dirigé par Fathallah Cherkaoui. Mêlant les rythmes envoûtants de la musique gnawa à des influences reggae, funk, rock et jazz, le groupe séduit le public par son groove puissant, son énergie spirituelle profonde et la voix envoûtante ainsi que le jeu magistral de guembri de Cherkaoui. À la fois ancré dans la tradition et résolument contemporain, Sandya Fusion Band représente avec éclat la vitalité de la scène des musiques du monde à Montréal. À travers son univers unique, le groupe célèbre la diversité culturelle et favorise le dialogue entre les peuples, faisant de la musique un langage universel de connexion, de guérison et de joie.

Nda Chi, also known as Le Menshi, “the voice of the ancestors and the people”, is a Cameroonian artist who carries a universal message: your uniqueness is your key, your heritage is your link. Born in Baleng, in western Cameroon, Armand Noël Ntoungchi Kamtchoua was deeply shaped by traditional Bamileke initiations, including rites of passage, spiritual revelations, and mystical encounters with his ancestors. These experiences defined his mission: to become a living bridge between ancestral Africa and the contemporary world, transforming the personal into the collective through immersive ritual performances. As the creator of LessaGroove — a unique musical style tuned to 432 Hz for its harmonic and emotional grounding qualities — Nda Chi merges the ancestral Lessa rhythm of Baleng with modern influences from funk, rock, pop, reggae, and gospel. His androgynous, expressive tenor voice, blending traditional vocalizations, R&B nuances, and meditative silences, turns each performance into a ritual of inner reconciliation. Winner of multiple international awards, including the Gold Medal at the 2023 Jeux de la Francophonie and Mutzig Star 2019, Nda Chi has performed across Africa, Europe, and Asia, captivating audiences at festivals and venues worldwide. On stage, he transforms every concert into a collective ceremony, where individual emotion becomes a universal vibration, an invitation to awaken one’s inner light and reconnect with the greater whole.
Sandya Fusion Band is a Gnawa fusion group based in Montreal and led by Fathallah Cherkaoui. Blending the mesmerizing rhythms of Gnawa music with reggae, funk, rock, and jazz influences, the group captivates audiences with its powerful groove, deep spiritual energy, and Cherkaoui’s enchanting voice and masterful guembri playing. Both rooted in tradition and resolutely contemporary, Sandya Fusion Band brilliantly represents the vitality of Montreal’s world music scene. Through its unique universe, the group celebrates cultural diversity and fosters dialogue between peoples, making music a universal language of connection, healing, and joy.

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classique / musique de film

Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark en concert à la salle Wilfrid-Pelletier

par Rédaction PAN M 360

L’incroyable bande originale de John Williams interprétée en direct pendant la projection du film! Glatz Concerts présente le film Indiana Jones et les Aventuriers de l’Arche perdue™ en concert avec la bande originale de John Williams, récompensée par un Grammy Award, interprétée en direct pendant la projection du film. Ce film sorti en 1981, fruit d’une collaboration entre George Lucas et Steven Spielberg, a permis de redéfinir les frontières du cinéma d’aventure et de propulser l’acteur Harrison Ford au rang de légende. Indiana Jones est le héros emblématique de cette série d’aventures qui se déroule dans les années 1930 et suit les péripéties d’un archéologue aussi rusé que déterminé à la recherche de l’Arche perdue. Souvent confronté à des obstacles semblant insurmontables, il parvient néanmoins toujours à s’en sortir in extremis face aux méchants grâce à ses compagnons de route. Avec son impressionnante équipe d’acteurs secondaires comprenant Karen Allen, John-Rhys Davies, Denholm Elliott et Paul Freeman, et les effets spéciaux novateurs d’Industrial Light & Magic, ce film a marqué plusieurs générations de cinéphiles et continue encore aujourd’hui d’inspirer de nouvelles aventures.

John Williams’ thrilling score performed live to film! Glatz Concerts presents Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark™ Live in Concert featuring John Williams’ GRAMMY® Award-winning score performed live to the film. Originally released in 1981 as a collaboration between George Lucas and Steven Spielberg, Raiders redefined the possibilities of adventure cinema and launched actor Harrison Ford to legendary status. Indiana Jones is the classic hero in this adventure set in the 1930s which follows the quick-witted and determined archaeologist as he hunts for the Lost Ark of the Covenant. Often facing insurmountable odds, Indy always manages to succeed in the nick of time, joined by endearing companions and opposed by notorious villains. With an impressive team of supporting actors including Karen Allen, John-Rhys Davies, Denholm Elliott, and Paul Freeman, combined with innovative special effects techniques by Industrial Light & Magic, Raiders has captured the spirits of movie-goers for generations and continues to inspire adventures yet to come.

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classique / musique contemporaine

Faculté de musique de l’UdeM : L’Ensemble de musique contemporaine en concert à la salle Claude-Champagne

par Rédaction PAN M 360

La musique contemporaine a toujours occupé une place de premier plan à la Faculté de musique. Sous la direction du chef Jean-Michaël Lavoie, l’Ensemble de musique contemporaine de l’Université de Montréal revisite les manières de faire de la création et de la recherche artistique, que ce soit avec des œuvres marquantes des 20e et 21e siècles, ou avec des œuvres présentées en première mondiale. Proposant un répertoire éclaté, ces concerts saisissants mettent en lumière les étudiantes et étudiants de la Faculté, et sont présentés gratuitement!

Contemporary music has always held a prominent place at the Faculty of Music. Under the direction of conductor Jean-Michaël Lavoie, the Université de Montréal Contemporary Music Ensemble reexamines approaches to creation and artistic research, presenting both landmark works from the 20th and 21st centuries as well as world premieres. Featuring a bold and eclectic repertoire, these striking concerts highlight the talents of the Faculty’s students, and are offered free of charge.

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avant-garde / Création / musique contemporaine

Michelle Boudreau | Ambres à la salle Claude-Léveillée

par Rédaction PAN M 360

Ambres est un concert de créations et d’œuvres très récentes surgissant de l’univers musical de la compositrice québécoise Michelle Boudreau. Son ensemble à géométrie variable regroupant des musiciens de la scène lyrique et instrumentale se dédie totalement à la musique de création souterraine d’avant-garde et éruptive de l’actualité contemporaine. Ambres, une musique vocale et instrumentale avec des solos, des duos, ainsi qu’un trio et un quatuor.

ing from the impressive musical universe of Quebecois composer Michelle Boudreau. Her ensemble of variable geometry gathering musicians from the lyrical and instrumental scene totally dedicates itself to underground avant-garde music erupting from the current contemporary events.

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classique / Piano

Marc-André Hamelin et Charles Richard-Hamelin en duo! à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Tous deux acclamés sur la scène internationale pour leur technique impeccable, leurs interprétations sensibles et réfléchies, passant du répertoire classique aux œuvres virtuoses avec une aisance sans faille, ces deux sommités du piano unissent leurs forces pour leur tout premier récital en duo à la Salle Bourgie. Un événement à ne pas manquer !

Internationally acclaimed piano virtuosos Marc-André Hamelin and Charles Richard-Hamelin are both renowned for their impeccable technique, deeply sensitive interpretations, and effortless mastery of widely varied repertoire. Bourgie Hall welcomes them for an occasion not to be missed—their first-ever joint recital in Montréal!

Programme

MOZART Sonate pour deux pianos en ré majeur, K. 448
CHOPIN Rondo en do majeur pour deux pianos, op. 73
CHAMINADE Pas des cymbales, op. 36 no 2 
MEDTNER Deux pièces pour deux pianos, op. 58
GRAINGER Fantaisie sur Porgy and Bess de Gershwin

Program

MOZART Sonata for Two Pianos in D major, K. 448
CHOPIN Rondo in C major for two pianos, Op. 73
CHAMINADE Pas des cymbales, Op. 36, No. 2
MEDTNER Two Pieces for Two Pianos, Op. 58
GRAINGER Fantasy on George Gershwin’s Porgy and Bess

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Motown / soul/R&B

Legends of Motown au Théâtre Maisonneuve

par Rédaction PAN M 360

Legends of Motown est un groupe de 16 chanteurs et musiciens reproduisant les allures et les sonorités en hommage à The Supremes, Four Tops, Temptations, Marvin Gaye, Stevie Wonder, Smokey Robinson, Jackson 5, les Vandellas et plus encore. 
Ils proposent également toutes vos chansons préférées de l’ère Motown! Avec une chorégraphie éblouissante, des costumes authentiques, des performances vocales époustouflantes et un groupe fabuleux sur scène, ce spectacle énergique avec de la musique intemporelle est à ne pas manquer!

Legends of Motown is a 16-piece cast of singers and musicians performing live look-a-like/sound-a-like tributes to The Supremes, The Four Tops, The Temptations, Marvin Gaye, Stevie Wonder, Smokey Robinson, Jackson 5, Martha and the Vandellas and more!
They also feature all your favourite songs of the Motown era. With dazzling choreography, authentic costumes, stunning vocal performances and a fabulous live band, this high-energy show with the most timeless music of our lives is not to be missed!

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Brésil / forró / reggae

Jota Pê envoûte Montréal : entre rires, histoires et émotions

par Sandra Gasana

Nous avons découvert plusieurs facettes de Jota Pê lors de son tout premier concert à Montréal. Non seulement il a l’une des plus belles voix du Brésil à mon humble avis, mais il est également un excellent conteur en plus d’être très drôle sur scène. Toute la soirée, il alternait entre chansons, histoires et blagues.

Accompagné de deux excellents musiciens venus avec lui du Brésil, Weslei Rodrigo à la basse et Kabé Pinheiro aux percussions, il est apparu sur scène avec son fameux chapeau qui est devenu sa signature. Avec un style vestimentaire très épuré, l’artiste débute seul à la guitare, suivi de près par la basse puis les percussions embarquent. Dès le premier morceau, il implique la foule et la fait participer à la performance.

C’est parti pour une soirée enflammée devant une salle comble au Belmont.

Troisième arrêt de sa toute première tournée canadienne, il a débuté à Vancouver, puis Toronto avant de terminer avec Montréal. Il a joué plusieurs morceaux de ses albums, principalement Dominguinho et Se O Meu Peito Fosse o Mundo, tous les deux sortis en 2025.

« J’espère qu’à la fin du concert, vous vous sentirez mieux que lorsque vous êtes arrivés », partage-t-il à la salle, avant d’enchainer avec le morceau Tà Aê.

Entre les morceaux, il raconte notamment sa rencontre avec le grand Gilberto Gil qui l’a invité à manger chez lui. Lors de cette soirée, il a eu la malchance de casser un verre en cristal, ce qui est devenu un « running joke » depuis lors. Mais c’est surtout sa façon de raconter les histoires qui marque : il sait comment garder l’attention des spectateurs qui restent pendus à ses lèvres.

Un moment fort de la soirée est lors de la chanson Feito A Maré, sur laquelle il a collaboré avec Gilsons, le trio formé par les fils et neveu de Gilberto Gil. La salle au complet chantait à tue-tête pendant que le bassiste, dont le foulard se mariait parfaitement à sa basse, rajoutait quelques lignes aux allures de kompa. On a eu droit à du reggae, du forro, du rock même et un peu de samba.

Quelques reprises ont fait partie du répertoire de l’artiste originaire d’Osasco, dans l’État de São Paulo comme A primeira vista de Chico César, avec une touche reggae, ou encore A Ordem Natural Das Coisas du rappeur Emicida, dont on a couvert le concert. D’ailleurs, ce dernier aurait appelé Jota Pê lorsque le morceau est sorti pour le féliciter pour cette version.

Mais le moment fort de la soirée était sans aucun doute durant le morceau Ouro Marrom, qu’il a joué seul à la guitare et dans laquelle il parle de la réalité d’être un homme noir. Cette chanson a d’ailleurs remporté le prix de la meilleure chanson en langue portugaise en 2024 lors des Grammy latino. Sa voix résonnait dans la salle le temps de la chanson, alors que le public se transformait en immense chorale.

« J’ai trop parlé, je vais laisser mes musiciens parler à leur tour », avant de laisser le bassiste et le percussionniste faire leurs solos respectifs. Ce dernier rajoutait son cavaquinho au mix, en plus des percussions corporelles. Et comme pour nous garder éveillés alors qu’il commençait à se faire tard, il a terminé le concert en force, avant une session d’improvisation entre les trois musiciens. « C’est le dernier concert de la tournée canadienne. J’aimerais remercier les productions Showzaço d’avoir rendu cela possible, ainsi qu’à JØY Brandt pour la première partie », a-t-il dit avant de s’éclipser autour de 2 heures du matin.

À mon avis, le pari est réussi, nous sommes sortis de là en nous sentant mieux qu’à notre arrivée.

new wave / pop-rock

Ariane Roy au MTelus

par Rédaction PAN M 360

Couronnée Révélation de l’année au Gala de l’ADISQ 2022 et nommée dans la catégorie Album francophone de l’année aux Prix JUNO 2023, Ariane Roy s’inscrit dans cette nouvelle vague d’artistes qui redéfinissent la chanson québécoise.
Suite à l’éclatante série de concerts « Le Roy, La Rose et le Lou[p] » qui a brillé partout dans la province dans les deux dernières années ainsi qu’à sa première tournée medium plaisir, elle revient sur scène avec son projet solo en nous présentant son deuxième album « Dogue », co-réalisé avec Félix Petit. Avec la fougue qu’on lui connaît, elle se montre à nous cette fois sous des jours plus sombres, le verbe plus mordant, la voix plus caustique, dans une lumière résolument contemporaine.
« Dogue » montre les dents, oui pour sourire, mais aux dépends de qui ? Peu nous importe puisque l’on ne peut résister à se coucher devant les crocs, espérant se joindre à la meute.

Crowned Revelation of the Year at the 2022 ADISQ Gala and nominated for Francophone Album of the Year at the 2023 JUNO Awards, Ariane Roy is part of a new wave of artists redefining Quebec’s music landscape.
After the dazzling concert series Le Roy, La Rose et le Lou[p], which lit up venues across the province over the past two years, as well as her first medium plaisir tour, she returns to the stage with her solo project to present her second album Dogue, co-produced with Félix Petit. With her trademark intensity, this time she reveals a darker side: sharper words, a more biting voice, all bathed in a resolutely contemporary light.
Dogue bares its teeth, yes, in a smile, but at whose expense? It hardly matters, since we can’t resist lying down before its fangs, hoping to join the pack.

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Ce contenu provient du Quartier des spectacles et est adapté par PAN M 360

classique / jeunesse / période romantique

OSM : Le Carnaval de l’OSM

par Rédaction PAN M 360

Dans ce concert pas comme les autres, rencontrons l’orchestre et les insectes sans en avoir peur! Découvrez l’œuvre, Le Carnaval des insectes du compositeur québécois Maxime Goulet. Chaque court mouvement de l’œuvre mettra en valeur un insecte et un instrument de l’orchestre qui aura l’occasion d’être entendu en tant que soliste. Fourmi, abeille, scarabée et bien d’autres insectes seront évoqués par les timbres des quatre familles de l’orchestre. Et pour compléter la fête, il se pourrait bien que d’autres bibites s’invitent!

In this one-of-a-kind concert, let’s learn about the orchestra and insects without fear! Discover The Carnival of the Insects, a recent work by Quebec composer Maxime Goulet. Each short movement highlights an insect and an orchestra instrument that will have the chance to be heard as a soloist. Ants, bees, beetles, and many other insects will be evoked by the timbres of the four instrument families of the orchestra. To complete the celebration, other bugs might just join in!

Programme

Camille Saint-Saëns, Carnaval des animaux : XIV. Finale (orgue seul) (2 min)
Félix Mendelssohn-Bartholdy, Le songe d’une nuit d’été : Scherzo (5 min)
Maurice Ravel, Ma mère l’Oye, M. 62 : II. Danse du rouet et scène (4 min)
Nicolaï Rimski-Korsakov, Le conte du tsar Saltan, Suite, op. 57 : « Le vol du bourdon » (2 min)
Maxime Goulet, Le carnaval des insectes (20 min)
Camille Saint-Saëns, Symphonie no 3 en do mineur, op. 78, « Avec orgue » : Maestoso (8 min)

Program

Camille Saint-Saëns, The Carnival of the Animals: XIV. Finale (solo organ) (2 min)
Felix Mendelssohn-Bartholdy, A Midsummer Night’s Dream: Scherzo (5 min)
Maurice Ravel, Ma mère l’Oye, M. 62: II. “Danse du rouet et scène” (4 min)
Nikolai Rimsky-Korsakov, The Tale of Tsar Saltan, Suite, Op. 57: “Flight of the Bumblebee” (2 min)
Maxime Goulet, The Carnival of the Insects (20 min)
Camille Saint-Saëns, Symphony No. 3 in C Minor, Op. 78 (“Organ”): Maestoso (8 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

funk / música popular brasileira (MPB) / slam

Syli d’Or : CLAIR MC & Auro Moura au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Ousseynou Ndiaye, connu sous le nom de scène Claire Mc, est un artiste polyvalent originaire de Thiès, au Sénégal. Rappeur, poète, danseur de hip-hop et chanteur reggae, il évolue depuis les années 1990 comme figure marquante de la culture urbaine sénégalaise. En 2001, il fonde à Thiès le groupe DENCUKAAYU KANG avec ses frères AMLY et WALY. Leur album Bayi Thi Khel (2006) propulse le collectif sur le devant de la scène grâce à un rap conscient alliant engagement social, poésie et influences slam. En 2010, Claire Mc entame une carrière solo axée sur le slam, où il affine son écriture et son expression poétique. Sacré Meilleur Slameur du Sénégal en 2016, il atteint l’année suivante les demi-finales de la Coupe du Monde de Slam Poésie en France. Il participe ensuite à divers festivals internationaux, du FISH MALI au Rio Poetry Slam au Brésil, jusqu’au Festival International de Slam/Poésie en Acadie (FISPA) en 2019. Installé à Montréal, il poursuit son cheminement artistique au sein du collectif GREFF ART et prépare son prochain album Cicatrice, une œuvre mêlant slam, rap et reggae, où il explore les thèmes de l’identité, de la résilience et de la paix. À travers son parcours, Claire Mc s’impose comme un artiste engagé et poète moderne, portant haut la voix d’une génération consciente entre le Sénégal et le Canada.
Auro Moura est un musicien polyvalent originaire du Brésil, établi à Montréal depuis près de dix ans. Fort de plus de vingt ans d’expérience, il s’impose comme chanteur, auteur-compositeur, producteur de musique et éducateur reconnu. En tant que compositeur, il a participé à la création de quatre albums et d’un EP, tout en mettant son expertise au service du cinéma, de la publicité, de la danse et du théâtre. Depuis son arrivée au Québec, Auro Moura s’attache à promouvoir la musique et la culture brésiliennes, en cofondant notamment le programme musical Les Brasileirinhos et le Chœur Scénique Brésilien, deux initiatives dédiées à la transmission et à la célébration de la culture du Brésil. Sa démarche artistique se distingue par la fusion subtile entre ses racines brésiliennes et des influences musicales internationales, dépassant les clichés du bossa nova ou du samba-reggae pour explorer de nouvelles textures sonores. Ces dernières années, il a consolidé sa présence sur la scène montréalaise. Lauréat d’une bourse de mentorat de Diversité Artistique Montréal (DAM) en 2019, il a également obtenu trois subventions de recherche-création du Conseil des Arts de Montréal (2020, 2021 et 2022), témoignant de la reconnaissance de son apport au paysage culturel local. En 2023, son travail a été mis en lumière dans le cadre du projet Alliance de MAI, confirmant son engagement à faire rayonner la musique brésilienne au Québec tout en affirmant une voix artistique singulière et inspirante.

Ousseynou Ndiaye, known by his stage name Claire Mc, is a versatile artist from Thiès, Senegal. A rapper, poet, hip-hop dancer, and reggae singer, he has been a key figure in Senegal’s urban culture scene since the 1990s. In 2001, he founded the group DENCUKAAYU KANG in Thiès with his brothers AMLY and WALY. Their album Bayi Thi Khel (2006) brought them national recognition through their socially conscious rap, blending poetic expression with slam influences. In 2010, Claire Mc embarked on a solo career focused on slam poetry, refining his lyrical depth and performance style. Named Best Slam Poet of Senegal in 2016, he reached the semifinals of the World Slam Poetry Cup in France the following year. His performances have taken him to major international festivals such as FISH MALI, the Rio Poetry Slam in Brazil, and the International Slam/Poetry Festival in Acadia (FISPA) in 2019. Now based in Montreal, Claire Mc continues to expand his artistic reach with the collective GREFF ART while working on his upcoming album Cicatrice. The project blends slam, rap, and reggae, exploring themes of identity, resilience, and peace. Through his art, Claire Mc stands out as a committed and authentic voice, bridging cultures between Senegal and Canada while championing poetic and conscious expression.
Auro Moura is a versatile musician from Brazil who has been based in Montreal for nearly ten years. With over two decades of experience, he has established himself as a respected singer, songwriter, music producer, and educator. As a composer, he has contributed to the creation of four albums and one EP, while lending his musical expertise to film, advertising, dance, and theatre. Since moving to Quebec, Auro Moura has been dedicated to promoting Brazilian music and culture, co-founding the musical program Les Brasileirinhos and the Chœur Scénique Brésilien — two initiatives that celebrate and share the richness of Brazilian cultural heritage. His artistic approach stands out for its subtle blending of Brazilian roots with international musical influences, moving beyond the familiar boundaries of bossa nova or samba-reggae to explore new sonic landscapes. In recent years, Auro Moura has strengthened his presence in Montreal’s arts scene. A recipient of a mentorship grant from Diversité Artistique Montréal (DAM) in 2019, he also received three consecutive research-creation grants from the Conseil des Arts de Montréal (2020, 2021, and 2022), recognizing his ongoing contribution to the local cultural landscape. In 2023, his work was highlighted through the Alliance project by MAI (Montréal, arts interculturels), affirming his commitment to promoting Brazilian music in Quebec while asserting a unique and inspiring artistic voice.

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immersif / musique contemporaine

Code d’accès : Battements à la Chapelle Saint-Louis de l’église Saint-Jean-Baptiste

par Rédaction PAN M 360

Battements est un concert de musique acoustique regroupant des pièces qui explorent les notions musicales de l’intonation ou de l’évolution des timbres à travers une œuvre.
« Rimes défaites par le Sphinx » est un projet de chansons en « intonation juste » pour deux voix et deux guitares à intonation juste (selon la conception de Simon Martin). Lorsque nous écoutons des sons (les sons de la musique, les sons de la vie), nous les entendons à travers le prisme de la culture. Comment libérer notre oreille du trop connu, en se laissant porter par le charme de l’inconnu? Peut-être par des chansons (forme trop connue!) chantées dans un tempérament inhabituel bien qu’enivrant?
« Tracé, Fossile » est inspirée par la lente minéralisation d’une matière organique. Par une métamorphose graduelle depuis les sons fluides jusqu’aux textures rugueuses, cette pièce est conçue comme le résumé d’un procédé de fossilisation s’étendant sur plusieurs ères géologiques. À travers l’augmentation progressive de la densité et la raréfaction graduelle du mouvement, à la fois temporel et physique, « Tracé, Fossile » constitue une réflexion, voire une méditation, sur le devenir de la matière.
À la fin de chaque concert, les discussions post-spectacle permettent aux spectateur[trice]s de poser leurs questions aux artistes. Ceci permet au public de mieux comprendre les œuvres présentées et les démarches artistiques des artistes programmé[e]s dans une perspective d’échange, de partage et de démocratisation des œuvres musicales contemporaines.

“Battements” is an instrumental music concert that will take advantage of the magnificent acoustics of the Chapelle Saint-Louis. Bringing together pieces that explore the very essence of sound, such as intonation and timbre, this instrumental concert is sure to charm and intrigue alike.
“Rimes défaites par le Sphinx” is a project of songs in “just intonation” for two voices and two guitars in just intonation (according to Simon Martin’s design). When we listen to sounds (the sounds of music, the sounds of life), we hear them through the prism of culture. How can we free our ears from the overly familiar and let ourselves be carried away by the charm of the unknown? Perhaps through songs (an overly familiar form!) sung in an unusual yet intoxicating temperament?
“Tracé, Fossile” is inspired by the slow mineralization of organic matter. Through a gradual metamorphosis from fluid sounds to rough textures, this piece is conceived as a summary of a fossilization process spanning several geological eras. Through the progressive increase in density and the gradual rarefaction of movement, both temporal and physical, “Tracé, Fossile” constitutes a reflection, even a meditation, on the future of matter.
At the end of each concert, post-show discussions allow spectators to ask the artists their questions. This allows the public a better understanding of the works presented and the artistic approaches of the artists programmed with a perspective of exchange, sharing and democratization of contemporary musical works.

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