Montréal

classique persan / musique contemporaine

L’Iran féministe de Bahar Harandi

par Frédéric Cardin

Le 2 avril dernier, un concert de découvertes et d’affirmation féministe a eu lieu à la salle Bourgie du Musée des Beaux-Arts de Montréal. La soprano montréalaise, d’origine iranienne, Bahar Harandi était accompagnée d’Amir Eslami au ney (flûte traditionnelle iranienne), Saba Yousefi au violon et Hooshyar Khayam au piano. À travers un répertoire constitué d’oeuvres contemporaines écrites par autant de compositrices irano-canadiennes, c’est tout un univers inspiré des racines persanes et de sa richesse historique qui nous a été présenté. Quelques pièces traditionnelles arrangées pour ney et piano ont débuté le concert, plongeant les spectateurs dans un décor sonore exotique mais aussi relativement près de la musique de Gurdjieff/Hartmann, du début du 20e siècle. Les autres pièces au programmes, de Parisa Sabet (née en 1980), Aida Shirazi (née en 1987) et Mina Arissian (née en 1979) ont démontré un très bon niveau de savoir-faire, allant du consonant de Sabet à l’expressionnisme plus exigeant de Shirazi, avant de revenir aux inspirations scriabiniennes de Arissian. 

Les textes, plusieurs de Rumi, sont utilisés de façon symbolique dans le contexte de ce concert, même si leur prémisse initiale n’avait pas ces velléités. Par exemple, Be still, de Parisa Sabet (sur un texte de Rumi) nous dit : 

Assieds-toi, reste tranquille et écoute,

parce que tu es saoul

et nous sommes en bordure du ciel

On n’a pas été surpris que la force expressive donnée à la voix se soit concentrée sur la première strophe. Bahar Harandi y a mis beaucoup d’intensité et il était impossible de penser à autre chose qu’un homme ordonnant cela à une femme dans l’Iran moderne (ou même ailleurs). Il y avait d’ailleurs plusieurs moments de puissante force dramatique un peu partout dans un programme assez varié en termes de texture musicale, de rythmes et d’atmosphère.

Harandi a chanté avec une voix belle et très bien équilibrée, alliant maîtrise technique et beaucoup de caractère émotionnel. La soprano a su également démontrer un bon jeu dramatique, accentuant certains passages de façon ici mordante, ailleurs plus cynique, ou encore avec une grande douceur. 

folk / indie

Hans Williams au Ritz PDB

par Rédaction PAN M 360

Hans Williams est un auteur-compositeur-interprète indépendant de 21 ans originaire de Norwich, dans le Vermont. Il a commencé à publier de la musique en troisième année, lorsqu’il distribuait des CD après l’école, et est tombé amoureux de l’écriture de chansons comme moyen d’expression. Après avoir téléchargé quelques chansons sur Spotify au lycée, Hans a rapidement accumulé plus d’un million de streams avant d’obtenir son diplôme.

En 2020, Hans a lancé « Body on My Shoulders », une réflexion sur son expérience en tant que premier intervenant lors du suicide d’un camarade de classe dans les premiers jours de l’année de première année à l’université de Tulane, qui est depuis devenu un hymne thérapeutique mutuel pour Williams, la communauté de Tulane et au-delà.

Hans Williams is a 21-year-old independent singer-songwriter from Norwich, Vermont. First releasing music in third grade when he would hand out CDs after school, Hans fell in love with songwriting as a means of expression. After uploading a couple of songs on Spotify in high school, Hans quickly amassed over a million streams before graduating.

In 2020, Hans debuted « Body on My Shoulders, » reflecting on his experience as a first responder to a floormate’s suicide in the first few days of freshmen year at Tulane University, which has since become a mutually therapeutic anthem for Williams, the Tulane community, and beyond.

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électronique

Hippie Sabotage au MTELUS

par Rédaction PAN M 360

Formé par les frères Kevin et Jeff Saurer, le duo de musique électronique Hippie Sabotage, basé à Sacramento, a commencé à créer ses instrumentaux hip-hop au milieu des années 2000. Travaillant en étroite collaboration avec le producteur local Chase Moore au début de leur carrière, ils ont mélangé les vibrations du melting-pot culturel de leur ville natale avec le hip-hop et ont produit des rythmes pour des rappeurs tels que J. Leake et Yukmouth. Ils ont ensuite collaboré avec des artistes de Chicago tels que Calez of 2008ighties et Kami de Chukwu. Hippie Sabotage a développé et élargi ses beats et a rapidement incorporé des influences plus diverses dans ses morceaux pour une toute nouvelle génération de rappeurs tels qu’Alex Wiley (« Something to Say ») et C Plus (« Callin’ Me »).

Formed by brothers Kevin and Jeff Saurer, Sacramento-based electronic music duo Hippie Sabotage began creating their hip-hop instrumentals in the mid-2000s. Working closely with local producer Chase Moore early in their career, they blended the vibes of their hometown’s cultural melting pot with hip-hop and produced beats for rappers such as J. Leake and Yukmouth. They went on to collaborate with Chicago artists such as Calez of 2008ighties and Kami de Chukwu. Hippie Sabotage developed and expanded their beats and quickly incorporated more diverse influences into their tracks for a whole new crop of rappers such as Alex Wiley (« Something to Say ») and C Plus (« Callin’ Me »).

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Le sirocco est un courant d’air chaud et vaste que s’échangent l’Afrique du nord et l’Europe du sud. C’est également le symbole dont se sert le violoncelliste sud-africain Abel Selaocoe pour inspirer un esprit d’échanges musicaux entre l’Afrique et l’Europe dans un programme de concert que lui et ses amis du Manchester Collective promènent dans une importante tournée nord-américaine dont Montréal était une étape jeudi dernier. 

L’artiste est aussi solide dans Beethoven et Debussy que dans des arrangements de pièces traditionnelles pan-africaines ou même ses propres compositions. Le concert Sirocco, donné devant une salle Bourgie électrifiée par sa présence scénique très charismatique, laissait un peu de place aux classiques européens (très brefs Haydn, Berio et Hans Abrahamsen, folklores scandinaves), mais en donnait surtout aux sonorités et particularités techniques issues de l’Afrique (Mali, Afrique du Sud). Plus que du crossover, bien que parfois ça y ressemblait un peu, Selaocoe a surtout offert une vision interculturelle de la musique de chambre, où un quatuor de Haydn avait la résonance d’un chant spirituel anti-Apartheid d’Afrique du Sud, et des techniques percussives lancées sur les cordes ou la caisse du violoncelle s’accordaient avec des inflexions vocales surprenantes, même impressionnantes. Le musicien versatile naviguait habilement autant dans des aigus délicats que dans des graves grondants qui faisaient penser à des chants de gorge tibétains. Il faut croire qu’entre l’Afrique et l’Asie de l’est, des traditions millénaires ont réussi à se frayer un chemin culturel permanent. 

Selaocoe et les musiciens du Manchester Collective (deux violons, un alto, un percussionniste et une basse électrique) ont insufflé une énergie contagieuse qui leur a valu une longue et chaleureuse ovation. Les puristes d’un autre temps auraient détesté ce genre de programme, et pourtant, Selaocoe est porteur d’un nouvel avenir pour la musique classique et son message de renouveau interculturel rejoint manifestement un public nombreux et surtout pas mal jeune. 

Photos : Abel Selaocoe et le Manchester Collective crédit Anna Kaiava

pop / rock

TALK au Beanfield

par Rédaction PAN M 360

TALK est le nom de scène du musicien canadien Nicholas Durocher, un chanteur de rock guttural connu pour sa ballade sincère sur le thème de l’espace « Run Away to Mars ». Après avoir publié le titre en 2021, le rocker acoustique est devenu un succès viral l’année suivante, se hissant au sommet du classement Adult Alternative du Billboard au début de 2023. TALK s’installe à Los Angeles et signe un contrat avec Capitol Records, qui publie son premier album complet, Lord of the Flies & Birds & Bees, plus tard dans l’année.

TALK is the performing name of Canadian musician Nicholas Durocher, a throaty rock singer known for his heartfelt, space-themed ballad « Run Away to Mars. » After self-releasing the track in 2021, the acoustic rocker became a viral success the following year, eventually climbing to the top of Billboard’s Adult Alternative chart in early 2023. TALK relocated to Los Angeles and inked a deal with Capitol Records, which issued his full-length debut, Lord of the Flies & Birds & Bees, later that year.

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pop / rock

X Ambassadors au Beanfield

par Rédaction PAN M 360

Le groupe new-yorkais X Ambassadors produit une pop passionnée, teintée d’électronique et centrée sur la voix gutturale et mélodieuse de Sam Harris. Le groupe a fait parler de lui pour la première fois en 2013 avec son EP Love Songs Drug Songs, qui contenait le single « Unconsolable ». Ils ont attiré l’attention du grand public après avoir atteint le Top 10 avec leur premier album complet, VHS, en 2015. Cet album s’est classé à la septième place du Billboard 200 et a ouvert la voie à Orion en 2019. En 2021, les X Ambassadors se sont lancés dans un projet de collaboration appelé (Eg), dans le cadre duquel ils ont travaillé sur des chansons avec des artistes tels que Jensen McRae, Terrell Hines et d’autres, avant de revenir avec l’ambitieux album conceptuel The Beautiful Liar. Une autre collaboration, « Back to You », arrive en 2022 avec Lost Frequencies et Elley Duhé. En 2024, ils ont rendu hommage à leur ville natale d’Ithaca, dans l’État de New York, avec Townie.

New York’s X Ambassadors make passionate, electronic-tinged pop centered around the throaty, soulful vocals of Sam Harris. The group first gained buzz with their 2013 EP Love Songs Drug Songs, featuring the single « Unconsolable. » They gained widespread attention after hitting the Top Ten with their debut full-length, VHS, in 2015. That album hit number seven on the Billboard 200 and paved the way for 2019’s Orion. In 2021, X Ambassadors embarked on a collaborative project called (Eg), which found them working on songs with artists like Jensen McRae, Terrell Hines, and others before returning with the ambitious concept album The Beautiful Liar. Another collaboration, « Back to You, » arrived in 2022 with Lost Frequencies and Elley Duhé. In 2024, they paid tribute to their hometown of Ithaca, New York with Townie.

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hip-hop / rap

MIKE au Fairmount

par Rédaction PAN M 360

Avec son débit de baryton flottant et brumeux et ses rythmes oniriques autoproduits, le rappeur MIKE continue de pousser le rap dans des directions plus expérimentales. Il a commencé à toucher plus d’auditeurs vers la fin des années 2010, en publiant fréquemment des mixtapes, en collaborant avec Earl Sweatshirt et en étant acclamé par la critique avec son album lourd et triste Tears of Joy en 2019, son successeur Weight of the World en 2020, Disco ! en 2021, et bien d’autres.

With a floating, woozy baritone flow and dreamlike self-produced beats, rapper MIKE continues pushing rap in more experimental directions. He began reaching more listeners near the end of the 2010s, frequently releasing mixtapes, collaborating with Earl Sweatshirt, and finding critical acclaim with his heavy, grieving 2019 album Tears of Joy, its 2020 follow-up Weight of the World, 2021’s Disco!, and more.

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country

Tim McGraw au Centre Bell

par Rédaction PAN M 360

Tim McGraw turned into a country superstar in the mid-’90s thanks to the big, swaggering « Indian Outlaw » and « I Like It, I Love It, » hits that underscored his connection to a new generation of arena rock-influenced country singers, but he sustained a career by playing to his sensitive side. McGraw unveiled his soft touch on « Don’t Take the Girl, » the 1994 single that became his first number one country hit, and as the years turned into decades, the singer wound up specializing in smoothly empathetic (and sometimes nostalgic) ballads and love songs. It was an aesthetic that served him well as he got older, as it offered him the opportunity to subtly shift with the times without losing sight of his core strengths as a singer and without sacrificing his maturity.

Tim McGraw est devenu une superstar de la country au milieu des années 90 grâce à ses tubes « Indian Outlaw » et « I Like It, I Love It », qui ont souligné son lien avec une nouvelle génération de chanteurs de country influencés par le rock, mais il a poursuivi sa carrière en jouant sur son côté sensible. McGraw a dévoilé son côté doux sur « Don’t Take the Girl », le single de 1994 qui est devenu son premier succès country numéro un, et au fur et à mesure que les années se sont transformées en décennies, le chanteur s’est spécialisé dans les ballades et les chansons d’amour douces et empathiques (et parfois nostalgiques). Cette esthétique l’a bien servi en vieillissant, car elle lui a permis de changer subtilement d’époque sans perdre de vue ses principales forces en tant que chanteur et sans sacrifier sa maturité.

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électronique / pop

Kaleida au Ritz PDB

par Rédaction PAN M 360

Kaleida est un duo transatlantique dont le monde sonore sombre et mystique trouve des lueurs d’espoir dans l’inquiétude.
S’étendant sur deux continents et un océan, le duo a nourri un partenariat à distance qui résiste aux schémas changeants de la vie. Ils se sont formés pour la première fois en 2013, lorsqu’un ami les a présentés par courriel. Christina Wood travaillait alors comme consultante en environnement dans la forêt indonésienne tout en enregistrant des démos dans sa chambre chaque soir, et Cicely Goulder avait composé pour des productions cinématographiques à Londres. Malgré les kilomètres qui les séparent, l’alchimie musicale est immédiate.

Kaleida are the transatlantic duo whose darkly mystic soundworld finds glimmers of hope in the disquiet.
Spanning two continents and one ocean, the pair have nurtured a long distance partnership that withstands the shifting patterns of life. They first formed in 2013 when a friend introduced them over email. Christina Wood was then working as an environmental consultant in the Indonesian forest while recording demos in her bedroom each night, and Cicely Goulder had been composing for film productions in London. Despite the miles between them, they found an instant musical chemistry.

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musique traditionnelle wassouloue / pop / rock

Oumou Sangaré au MTELUS

par Rédaction PAN M 360

Depuis Moussolou, son premier album sorti en 1989, la vie de la chanteuse malienne Oumou Sangaré n’a connu aucun répit. De ce riche et trépidant voyage on retient notamment des enregistrements parmi les plus décisifs de la musique africaine contemporaine, tous produits par le label World Circuit : Ko Sira en 1993, Worotan en 1996 et Seya nominé dans la catégorie Meilleur Album de World Music des Grammy Award en 2009. De nombreuses tournées internationales et la consécration obtenue sur les scènes prestigieuses que sont l’Opéra de Sydney, le Queen Elizabeth Hall de Londres ou le Nippon Budokan de Tokyo, complètent ce tableau d’honneur. Timbuktu, première production de son label Oumsang constitue le nouvel acte de cette épopée musicale sans équivalent à laquelle World Circuit est à nouveau associée. Il consacre cette artiste issue des quartiers pauvres de Bamako devenue une superstar mondiale, ainsi qu’une icône féministe unanimement admirée. D’une aura puissante comparable celle d’une Grace Jones, icone noire transgressive par excellence, Oumou a depuis longtemps franchi les barrières séparant genres musicaux et continents. Hier invitée par Alicia Keys pour un duo télévisé, elle est désormais citée en exemple par des artistes aussi considérables qu’Aya Nakamura, qui lui a dédié la chanson Oumou Sangaré en 2017, ou Beyoncé, qui a samplé l’une de ses plus célèbres créations, Diaraby Néné, pour le titre Mood 4 Eva tiré de la bande originale du film The Lion King : The Gift en 2019.

Since Moussolou, her first album released in 1989, the life of Malian singer Oumou Sangaré has known no respite. From this rich and hectic journey we can recall some of the most decisive recordings in contemporary African music, all produced by the World Circuit label: Ko Sira in 1993, Worotan in 1996 and Seya, nominated for Best World Music Album at the 2009 Grammy Awards. Numerous international tours and acclaim on prestigious stages such as the Sydney Opera House, London’s Queen Elizabeth Hall and Tokyo’s Nippon Budokan complete this list of honors. Timbuktu, the first production on her Oumsang label, is the latest act in this unparalleled musical epic, with which World Circuit is once again associated. It consecrates this artist from the slums of Bamako who has become a global superstar, as well as a universally admired feminist icon. With a powerful aura comparable to that of Grace Jones, the transgressive black icon par excellence, Oumou has long since crossed the barriers separating musical genres and continents. Yesterday invited by Alicia Keys for a televised duet, she is now cited as an example by artists as considerable as Aya Nakamura, who dedicated the song Oumou Sangaré to her in 2017, or Beyoncé, who sampled one of her most famous creations, Diaraby Néné, for the track Mood 4 Eva from the soundtrack of the film The Lion King: The Gift in 2019.

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Ce contenu provient des Productions Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360.

jazz

Juliana Bautista Quarter au Upstairs

par Rédaction PAN M 360

Raised in Montreal with Colombian roots, Juliana Bautista, a 20-year-old jazz sensation, brings a fresh yet timeless energy to her performances. With influences such as Veronica Swift, Caity Gyorgy, Ella Fitzgerald, and Sarah Vaughan, Juliana mesmerizes audiences with soulful interpretations.

With a background in classical piano and a passion for jazz, Juliana has already graced the stage at the Montreal Jazz Festival. Now, she debuts at the Upstairs Jazz Bar—don’t miss the emergence of this new jazz voice.

Élevée à Montréal avec des racines colombiennes, Juliana Bautista, une sensation jazz de 20 ans, apporte une énergie fraîche et intemporelle à ses performances. Avec des influences telles que Veronica Swift, Caity Gyorgy, Ella Fitzgerald et Sarah Vaughan, Juliana envoûte le public avec des interprétations pleines d’âme.

Avec une formation en piano classique et une passion pour le jazz, Juliana a déjà gratifié la scène du Festival de jazz de Montréal. Elle fait maintenant ses débuts au Upstairs Jazz Bar – ne manquez pas l’émergence de cette nouvelle voix du jazz.

RÉSERVATIONS PAR TÉLÉPHONE AU 514-931-6808

Ce contenu provient du Upstairs Jazz et est adapté par PAN M 360.

deep house / house / house progressive

Mahmut Orhan à la SAT

par Rédaction PAN M 360

Mahmut Orhan was born in Bursa, Turkey on 11rd of January 1993. He started his dj life when he was 16 years old. 2012 settled in Istanbul from. With his interest in electronical music, Mahmut started to deal with production in his career lately and, with many music company and in many styles he took a step into music markets in 2011.

Mahmut Orhan est né à Bursa, en Turquie, le 11 janvier 1993. Il a commencé sa vie de dj à l’âge de 16 ans. En 2012, il s’est installé à Istanbul.
Avec son intérêt pour la musique électronique, Mahmut a commencé à s’occuper de la production dans sa carrière.
production dans sa carrière et, avec de nombreuses compagnies de musique et dans de nombreux styles, il a fait un pas vers la musique.
et dans de nombreux styles, il s’est lancé sur le marché de la musique en 2011.
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Ce contenu provient de la Société des arts technologiques et est adapté par PAN M 360.

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