Montréal

afro-soul / doom metal / rock expérimental

Festival International de Jazz de Montréal : The Budos Band/Secret Chiefs 3 au MTelus

par Rédaction PAN M 360

The Budos Band

The Budos Band est un big band américain qui décrit son style comme un mélange de doom rock, d’Afro-soul et de big band avec une touche des années 1970. Leur approche plurielle tisse des ponts entre des univers musicaux aussi variés que la psychédélie planante, l’Afro-funk, le hard rock des années 1970 et la soul des années 1960. Sur scène, leur prestation est chorégraphiée tout en restant intense, spontanée, humoristique et centrée sur l’interaction avec le public. Les Budos sont un jam band du 21e siècle : bien que leurs morceaux labyrinthiques et hypnotiques laissent place à l’improvisation, leurs arrangements sont toujours sophistiqués, précis, et fondés sur des grooves irrésistibles.
À leurs débuts, le groupe cherchait à fusionner les influences musicales de chacun de ses membres : l’éthio-jazz de Mulatu Astatke, l’afrobeat de Fela Kuti, la soul instrumentale des Bar-Kays, de Muscle Shoals, des Tower of Power Horns ou encore des J.B.’s. Entre 2005 et 2010, leurs trois premiers albums — Budos Band I, II et III — reflètent bien cet héritage. Avec Burnt Offering en 2014, le groupe opère un virage en incorporant des éléments de psychédélie des années 1970 et de Krautrock, ajoutant des textures plus sombres et hallucinatoires à leur palette sonore. Ils testeront ce nouveau son lors de tournées à travers les États-Unis, l’Europe et l’Asie.
En 2019, V mêle leur funk dansant habituel à des influences rock psychédélique teintées de métal. En 2020, ils célèbrent leurs 15 ans d’existence avec Long in the Tooth. L’EP Frontier’s Edge, composé de six titres, paraît en 2023 sur Diamond West Records. En 2025, les Budos reviennent avec VII, un album qui s’inscrit dans la continuité de Burnt Offering, mais qui pousse encore plus loin cette exploration sonore entamée une décennie plus tôt.

The Budos Band are an American big band who describe their sound as « doom rock Afro-soul big band with a ’70s touch. » Their multivalent approach bridges musical universes from trippy psychedelia and Afro-funk to ’70s hard rock and late-’60s soul. Their choreographed stage show is at once intense, spontaneous, humorous, and geared toward audience participation. Budos are a 21st century jam band. While there is room for improvisation inside their often-hypnotic, labyrinthine compositions, their arrangements are sophisticated, tight, and centered on infectious grooves.
The group’s early years focused on integrating the music they loved as individuals — from Mulatu Astatke’s Ethio-jazz and Fela Kuti’s Afrobeat to funky instrumental soul of the Bar-Kays, Muscle Shoals, Tower of Power Horns, and J.B.’s. Their recorded catalog, between 2005 and 2010 — Budos Band I, II, and III — appropriately reflected those influences. With 2014’s Burnt Offering, Budos shifted gears, blending elements of early-’70s psychedelia and Krautrock, adding darker, more hallucinatory textural elements to thier sound. They toured and road-tested their material across the U.S., Europe and Asia.
Budos Band integrated their tried-and-true, danceable funkiness with metal-tinged, psych rock on 2019’s V. They celebrated 15 years together woth 2020’s Long in the Tooth. Frontier’s Edge, a six track EP appeared on Diamond West Records in 2023. Budos returned in 2025 with VII, an album directly decended from Burnt Offering a decade earlier but much further up the road.

Secret Chiefs 3

Comme Mr. Bungle est bien connu pour prendre de longues pauses entre ses albums (il leur a fallu quatre ans pour faire suite à leur premier disque en 1991), ses membres se retrouvent souvent avec beaucoup de temps libre. Plutôt que de rester inactifs, les membres du groupe mettent ce temps à profit en écrivant, enregistrant et tournant avec d’autres groupes ou via divers projets parallèles.
Parmi ceux-ci, le plus notable est sans doute Secret Chiefs 3, un projet mené par trois membres de Mr. Bungle : Trey Spruance (guitare/voix), Trevor Dunn (basse/voix) et Danny Heifetz (batterie). Si quelqu’un doute encore que Mr. Bungle ne soit qu’un tremplin pour les prouesses vocales de Mike Patton, Secret Chiefs 3 est la preuve irréfutable du contraire. Trey Spruance y prend les commandes en tant que leader : il a écrit tous les morceaux du premier album First Grand Constitution and Bylaws (1996) et en a également assuré la production.
Avant la sortie de ce premier long format, le groupe avait déjà éveillé la curiosité des fans en glissant un single de Secret Chiefs 3 avec les copies vinyles du chef-d’œuvre Disco Volante de Mr. Bungle (1995). Ils avaient aussi enregistré une version décalée de « I Saw Mommy Kissing Santa Claus » pour une compilation de Noël japonaise. Leur participation à un album hommage japonais aux Beach Boys démontre aussi leur capacité à s’attaquer à pratiquement tous les styles musicaux.

Since Mr. Bungle is notorious for taking substantial amounts of time between albums (it took them four years to follow up their 1991 debut), its bandmembers are left with a lot of time on their hands. Hence the members of Mr. Bungle use their off time wisely, by writing, recording, and touring with other bands or, often, side projects.
The best side project of the bunch, Secret Chiefs 3, features Mr. Bungle comrades Trey Spruance (guitar/vocals), Trevor Dunn (bass/vocals), and Danny Heifetz (drums). If there are any remaining who think that the musicians in Mr. Bungle are just a vehicle for vocalist Mike Patton’s singing talents, Secret Chiefs 3 is the ultimate proof that this is not the case. Trey Spruance gets a chance to be the leader, as he wrote every track on their 1996 debut First Grand Constitution and Bylaws, and was the record’s producer as well.
Before the full-length debut appeared, the group whet their fans’ appetites by including a Secret Chiefs 3 single with vinyl copies of Mr. Bungle’s 1995 magnum opus, Disco Volante, as well as recording a warped version of « I Saw Mommy Kissing Santa Claus » for a Japanese Christmas compilation. They were also signed on to contribute a Beach Boys track to a Japanese Beach Boys tribute album, showing that they can tackle just about any musical form put in front of them.

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britpop / dream pop / rock alternatif

Elbow au MTelus

par Rédaction PAN M 360

Avec un son cinématographique et une large palette d’émotions, le groupe britannique Elbow s’est fait connaître du grand public avec son premier album acclamé, Asleep in the Back (2001), et n’a cessé depuis de produire des albums tout aussi populaires et finement arrangés. Si leurs trois premiers disques leur ont permis de s’imposer sur la scène musicale britannique, c’est leur ambitieux quatrième album, The Seldom Seen Kid, qui a véritablement consacré leur statut, remportant le Mercury Prize en 2008 et établissant un modèle d’autoproduction pour le groupe. Cette approche a influencé leurs albums suivants, comme Build a Rocket Boys! (2011) et The Take Off and Landing of Everything (2014), ce dernier devenant leur premier album à atteindre la tête des classements au Royaume-Uni. Au fil des ans, Elbow a également remporté des Brit Awards et des prix Ivor Novello, tandis que leur musique a été largement mise en avant lors des Jeux olympiques de Londres en 2012, où ils ont joué lors de la cérémonie de clôture. Little Fictions (2017) et Giants of All Sizes (2019) ont eux aussi atteint la première place des charts britanniques. En 2021, ils ont sorti Flying Dream 1, enregistré au Theatre Royal de Brighton, avant de revenir en 2024 avec Audio Vertigo, un album dynamique et axé sur le groove.

Boasting an cinematic sound and tapping into a wide range of emotions, British band Elbow rose to public consciousness with their acclaimed 2001 debut, Asleep in the Back and have continued to make similarly popular and intricately arranged albums ever since. While their first three outings established them as significant players on the U.K. scene, it was their sprawling fourth LP, The Seldom Seen Kid, that cemented their status, winning the 2008 Mercury Prize and setting a precedent for the group’s self-production. It would inform their approach on subsequent albums like 2011’s Build a Rocket Boys! and 2014’s The Take Off and Landing of Everything, the latter of which became their first U.K. chart-topper. Along the way, Elbow collected Brit and Ivor Novello awards, and their music was featured heavily in the 2012 London Olympic Games, where they performed during the closing ceremony. Both 2017’s Little Fictions and 2019’s Giants of all Sizes reached number one in the U.K.. In 2021, they delivered Flying Dream 1, recorded at Brighton’s Theatre Royal, before returning in 2024 with the kinetic and groove-oriented Audio Vertigo.

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immersion / indie pop / Métal

Suoni per il Popolo : Le Spectacle des Chevaux avec Scooter Jay + Psychic Armour + Hélène Barbier au parc Mario

par Rédaction PAN M 360

Une course palpitante de destriers en délire (hennissements inclus) — incarnés par des duos d’humains en costumes de cheval faits à la main. Les équipes devront faire preuve de courage, d’agilité et d’un soupçon d’inconscience en se faufilant à l’aveuglette à travers un parcours d’obstacles digne des plus nobles poneys. L’objectif ? Atteindre la gloire suprême au sommet de notre prestigieux podium équin.
En galopant sauvagement et librement, ces montures d’exception vous montreront ce pour quoi elles ont été conçues : se battre becs et sabots pour des prix aussi réels que ridicules.
Mais… attendez un peu. Ce n’est pas tout !
En plus de nos broncos en folie, l’endurance continue avec trois performances musicales live, prêtes à hennir en harmonie pour enflammer la foule. Avec Scooter Jay (Toronto, ON), PSYCHIC ARMOUR (Montréal, QC) et Hélène Barbier (Montréal, QC), nos poneys galoperont au rythme des décibels, accompagnés de toutes leurs ami.e.s du mosh pit, en attendant leur tour de trotter vers la gloire.
Et contre toute attente, personne ne repartira bredouille ! Chaque cheval participant repartira avec un jeton souvenir, mais le grand prix vaut son pesant d’avoine : une sacoche débordante de trésors inimaginables, suffisamment alléchants pour faire frémir d’envie même le poney le plus blasé. Les récompenses seront attribuées selon le classement à la course, mais aussi pour le meilleur costume et le très convoité titre de Poney Parfait.e.
Alors, sellez vos montures, lustrez vos crinières et mettez votre meilleur sabot en avant pour vous préparer au Concours de Chevaux Pantomimes 2025 — un événement aussi sauvage qu’indomptable !

A thrilling race between steeds (neigh; 2 humans sporting hand-made horse costumes), where pairs must buck-up, blindly weaving and hurdling through a skill-testing obstacle course worthy of only the most prized ponies. The goal: to claim top honours atop our equine podium. Running wild and free, you’ll watch these ponies do what they were meant to do- compete for incredible material prizes.
But, hold your horses… that’s not all! Alongside our buckin’ broncos, the endurance continues with three live musical acts, ready to mount their instruments and whinny in tune for the crowd to admire. With Scooter Jay (Toronto, ON), PSYCHIC ARMOUR (Montreal, QC), and Hélène Barbier, our ponies will be galloping in time alongside all you mosh-pit mares as they await their time to trot.
We’ll bet that against all odds, no one will leave a loser! Every participating horse will be honoured with a token, but the grand prize is one you won’t want to miss- a saddlebag packed to the brim with unimaginable prizes that will make even the most reserved pony prick their ears. Ponies will be eligible to win based on how they place in the race as well as a best dressed and a perfect pony awards. So saddle up, brush your manes, and put your best hoof forward in preparation for the wild and unbridled 2025 Pantomime Horse Competition!!

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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DJ set / Électro / techno

SAT : ALL NIGHT — Juan Atkins (US) • Martyn Bootyspoon • Bianca Badita • Donotstealmyname

par Rédaction PAN M 360

Juan Atkins, le godfather de la techno de Detroit, nous honore de sa présence pour un All Night légendaire. Voyez cette soirée comme une masterclass du party à ne manquer sous aucun prétexte.

Juan Atkins, the godfather of Detroit techno, kicks things off with a legendary all-nighter. Think of it as a masterclass in partying—not to be missed under any circumstances.

Juan Atkins

Pionnier majeur de la musique électronique et largement considéré comme le parrain de la techno de Détroit, Juan Atkins est apparu sous des pseudonymes tels que Cybotron, Model 500 et Infiniti, et a publié de nombreux classiques dont le titre électro « Clear » de 1982 (souvent considéré comme le premier morceau proto-techno). Expérimentant la fusion du funk extra-terrestre de Parliament Funkadelic avec les rythmes futuristes et le hard math de Kraftwerk et les théorèmes de danse progressive proposés par Giorgio Moroder, les Model 500 12′′s ont posé les jalons de la Detroit Techno. La Detroit Techno a rapidement traversé l’Atlantique et a immédiatement déclenché la culture rave émergente et, peu après, l’ensemble de la communauté mondiale de la danse. À la fin des années 80, Atkins, sous le nom de Model 500, est resté l’un des producteurs de musique électronique les plus prolifiques et les plus recherchés tout au long des années 90. En remplissant les clubs de Detroit à New York, Londres, Paris, Berlin…, Juan est passé maître dans l’art de s’imprégner des nouveaux éléments rythmiques de la dance music contemporaine tout en gardant intact son sens infaillible et immédiatement reconnaissable de la mélodie.

A major electronic music pioneer and widely regarded as the Godfather of Techno from Detroit, Juan Atkins appeared behind aliases such as Cybotron, Model 500, and Infiniti, and has released many classics of sublime Detroit techno, including the 1982 electro track ‘Clear.’ (this track is often considered the first proto-techno track). Experimenting with fusing the extra-terrestrial funk of Parliament Funkadelic with the futuristic rhythms and hard math of Kraftwerk and the progressive dance theorems proposed by Giorgio Moroder, the Model 500 12′′s laid the blueprint for Detroit Techno. Along with the tracks made by two schoolmates, Derrick May and Kevin Saunderson, Detroit Techno quickly made its way across the Atlantic and immediately sparked the emerging rave culture and soon after the entire global dance community. Moving through the later 80’s as Model 500, Atkins continued as one of the most prolific and sought after producers of electronic music throughout the 90’s. Packing clubs from Detroit to NY, London, Paris, Berlin…, Juan has mastered the art of soaking up new rhythmic elements from contemporary dance music while keeping his unerring, instantly recognizable sense of melody intact.

Martin Bootyspoon

Le producteur et DJ montréalais, né Jason Voltaire, est un provocateur déterminé – un artiste qui construit des mondes extatiques où s’entrechoquent salacité, satire et sub-bass. Issu de l’underground montréalais post-club qui a vu naître Sinjin Hawke et Lunice, Martyn Bootyspoon a fait ses premières vagues avec un mélange irrévérencieux de ghetto tech, de jacking house et d’électroclash, le tout empreint de l’esprit qui le caractérise. Depuis, il est devenu l’un des artistes de danse les plus singuliers d’Amérique du Nord, à la fois showman et technicien. Derrière les platines, ses sets sont des sermons changeants : la techno qui fait vibrer les côtes et la ghetto house qui fait claquer le corps sont tissées ensemble avec des flips vocaux absurdes et un flair narratif. Sa performance n’est jamais passive – c’est un dialogue avec le dancefloor, plein de tension, d’agitation et de relâchement total.

The Montreal producer and DJ, born Jason Voltaire, is a provocateur with purpose — an artist who builds ecstatic worlds where salaciousness, satire, and sub-bass collide. Emerging from the same post-club Montreal underground that birthed Sinjin Hawke and Lunice, Martyn Bootyspoon made early waves with an irreverent blend of ghetto tech, jacking house, and electroclash, all laced with his signature wit. Since then, he’s become one of North America’s most singular dance artists — equal parts showman and technician. Behind the decks, his sets are shapeshifting sermons: rib-rattling techno and body-slamming ghetto house are woven together with absurdist vocal flips and narrative flair. His performance is never passive — it’s a dialogue with the dancefloor, full of tension, tease, and total release.

Bianca Badita

Bianca Badita, résidente du collectif Ärder, propose une techno rapide et hypnotique. Elle commence son parcours musical en 2019 après plusieurs années passées sur le dance floor. Bianca a partagé la scène avec Drumcell, Amotik, Marrøn, Rene Wise, Nørbak, Stef Mendesidis et artistes locaux. Elle a fait son apparition avec OCTOV, Noreiner, North of Nowhere, Shift Radio, Playground Filth, Bisous, LaNorth, Autobahn, PROHIBITION et plusieurs autres collectifs montréalais. Sa sélection transporte ses auditeurs dans un espace sombre et rempli d’énergie. Un arrangement diversifié d’influences et de genres assure que le public reste attentif et curieux pendant chacune de ses performances.

Montreal local & Ärder Resident Bianca Badita, delivers powerful, warehouse-primed techno. Her sounds can be defined as industrially potent and eerily hypnotic. She starts her musical journey in 2019, after many years of attending raves and being a dance floor enthusiast. Bianca shared the stage with Drumcell, Amotik, Marrøn, Rene Wise, Nørbak, Stef Mendesidis & local artists. She made her appearance with OCTOV, Noreiner, North of Nowhere, Shift Radio, Playground Filth, Bisous, LaNorth, Autobahn, PROHIBITION and several other Montreal collectives. Her selections lay a foundation that transport her listeners to a dark and cemented energy-filled space. A diverse arrangement of influences and genres ensures that audiences stay attentive and curious towards each of her performances.

Donotstealmyname

Donotstealmyname joue dans toute la ville depuis des années et la plupart d’entre vous la connaissent déjà et savent ce qu’elle sait faire ! Cette Montréalaise  » pure laine  » incarne vraiment l’énergie vibrante & chaotique (dans le meilleur sens du terme) de la ville. Plutôt que d’être confinée par un genre, ses sets sont un voyage sans faille – toujours curaté avec instinct, précision, et un amour profond pour le métier.

Donotstealmyname has been playing all around the city for years now and most of you will already know her and what she can do! This « pure laine » Montrealer truly embodies the city’s vibrant & chaotic (in the best way) energy. Rather than being confined by genre, her sets are a seamless journey — always curated with instinct, precision, and a deep love for the craft.

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autochtone / chant lyrique / classique occidental / Musique de création

Semaine du Neuf | Nanatasis : une épopée musicale sous le signe du partage

par Alexandre Villemaire

Figures héroïques abénakises, animaux, insectes, esprits de la nature et marionnettes ont investi la scène du Théâtre Outremont, samedi et dimanche. Présenté dans le cadre de deux importants festivals, soit la Semaine du Neuf du Vivier (8 au 16 mars) et le Festival international de Castelliers (3 au 9 mars), Nanatasis est un opéra en trois légendes, élaboré par la conteuse et librettiste abénakise Nicole O’Bomsawin et la compositrice canadienne d’origine mexicaine Alejandra Odgers sur une commande de la compagnie Musique 3 Femmes.

S’il y avait un évènement à ne pas manquer pour parachever la semaine de relâche, Nanatasis fait incontestablement partie du lot. Le parterre du théâtre était garni de jeunes enfants, de parents et de familles, curieux de venir entendre et découvrir cette œuvre éminemment accessible.

Deux des trois légendes mettent en scène les aventures du jeune Abénaquis Klosk8ba, qui deviendra un héros après avoir traversé bien des épreuves pour sauver son peuple. Ces histoires se dévoilent devant nous en étant racontées par le personnage de Grand-mère Marmotte. En premier, c’est la création avec l’émergence des mondes matériels et spirituels qui s’éveillent aux sons d’un hochet et de ses rythmes musicaux qui amènent la vie. Le deuxième conte met en scène le héros Klosk8ba qui aide l’orignal géant Moz, dont la taille colossale menace la forêt, à devenir plus petit, alors que le troisième conte voit le même protagoniste parcourir le temps glacial de son pays, dominé par l’esprit Pebon, vers le sud afin d’y ramener l’esprit de l’été Niben pour que la nature et les animaux puissent ainsi sortir de leur sommeil.

Les contes se dévoilent devant nous sur un plateau avec une scénographie et une mise en scène inventive et astucieuse de Troy Hourie. Des structures et des projections sur toile avec des jeux d’ombres et d’éclairages créent un environnement dans lequel se meuvent différentes marionnettes représentant les différents personnages. Les chanteurs et chanteuses n’interprètent donc pas directement sur scène les personnages, mais prêtent leur voix à ces figures animées par Andrew Gaboury, Ivanie Aubin-Malo, Karine St-Arnaud et Lysanne O’Bomsawin. La basse William Kraushaar, par exemple, incarnait parfaitement le massif Moz avec une voix grave et profonde qui demeurait tout aussi agile et claire. Seule exception, le rôle de Klosk8ba incarné vocalement par le ténor Mishael Eusebio qui interagissait et actait de manière plus soutenue dans l’environnement avec son double au format de marionnettes. Son jeu, tant scénique que vocal, était tout à fait à propos. Chaque interprète (Odéi Bilodeau, soprano ; Kristin Hoff, mezzo-soprano ; Élise Bouchard-DeGonzague, mezzo-soprano) avait une partie vocale signifiante qui contribuait à l’action.

La musique d’Alejandra Odgers est de facture tonale. Le choix d’un instrumentarium percussif, incarné par l’ensemble SIXTRUM et dirigé pour l’occasion par Christopher Gaudreault, s’imbrique de manière naturelle et vivante dans l’univers de l’opéra. Tel que rapporté par la compositrice dans cette précédente entrevue, le choix d’un ensemble de percussions et d’une flûte rend hommage à l’emploi des instruments par les Abénakis et chaque conte possède son univers musical bien distinct. La création du monde s’ouvre avec le son des hochets qui s’amalgame de plus en plus, les pas de Moz sont exemplifiés par la lourdeur des tambours et les saisons par les sons des métallophones et de la flûte. Par ailleurs, le conte des saisons est celui où l’imagerie du langage d’Alejandra Odgers a été le plus riche, allant chercher des timbres et des effets instrumentaux recherchés, notamment les cloches tubulaires pour donner à l’hiver un enrobage mystérieux, la flûte, tenue par Josée Poirier, pour illustrer le vent et le chant des oiseaux.

D’une durée de 55 minutes sans entracte, le format est parfait pour offrir une vignette riche du langage musical de l’opéra, avec ses passages récités, ses airs et son emploi imagé du son des instruments. Il répond parfaitement aux personnes moins accoutumées au genre, sans pour autant tomber dans la complexité et les excès de conventions du style. Après l’avoir entendu une première fois, nous nous sommes dit, comme plusieurs dans l’assistance, que trois légendes c’est bien, mais qu’on aurait pu en prendre encore avec bonheur.

crédit photo: Claire Martin

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chanson keb franco / indie rock / pop-rock

Francos de Montréal : Émile Bourgault à la scène Spotify

par Rédaction PAN M 360

Tourbillonnant et sensible, canalisé, effleurant la scène avec un émouvant abandon, Émile Bourgault est un moderne et un classique à la fois; il est bien de son époque, mais il sait d’où il vient et s’installe à sa place dans une lignée qui va de Ferland à Philippe B.
Au piano, à la guitare ou encore les mains vides, en solo, duo, ou flanqué de son band, le jeune auteur-compositeur-interprète oscille entre chanson à texte et vers d’oreille pop, toujours avec un souci du mot juste et un sens du spectacle aiguisé.
Son premier album, Tant mieux, paraît au printemps 2024 sous une réalisation de Félix Dyotte (Pierre Lapointe, Évelyne Brochu). Un album qui lui vaut une première nomination à l’ADISQ dans la catégorie Révélation de l’année. La chanson Tant mieux (pour toi) récolte le prix de la chanson de l’année Hydro-Québec et se classe parmi les 5 chansons finalistes du prix collégial de la chanson de l’année.
En plus de présenter Tant mieux sur les scènes du Québec, Émile s’applique déjà à de nouvelles chansons, ainsi qu’à vivre la vie qui le mènera vers tous les albums à suivre. Il n’a pas dit son dernier mot.

Whirling and sensitive, focused yet tenderly present on stage, Émile Bourgault is both modern and timeless—firmly rooted in his generation while embracing a lineage that stretches from Jean-Pierre Ferland to Philippe B.
Whether behind a piano, on guitar, or with empty hands—solo, in duo, or backed by his band—this young singer-songwriter gracefully moves between poetic songwriting and catchy pop hooks, always with a keen eye for the right word and a sharp sense of showmanship.
His debut album, Tant mieux, was released in spring 2024, produced by Félix Dyotte (Pierre Lapointe, Évelyne Brochu). The record earned him his first ADISQ nomination in the “Breakthrough Artist of the Year” category. The track Tant mieux (pour toi) won the Hydro-Québec Song of the Year award and was named one of five finalists for the Prix collégial de la chanson de l’année.
While bringing Tant mieux to stages across Quebec, Émile is already crafting new songs—and living the life that will inspire all the albums yet to come. He’s only just begun.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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country

Kane Brown au Centre Bell

par Rédaction PAN M 360

Artiste multi-platine Kane Brown, récompensé par 5X AMA, a annoncé les détails de sa nouvelle tournée très attendue, la tournée The High Road. Nommé « l’avenir de la musique country » (Billboard), l’auteur-compositeur-interprète multi-platine, Kane Brown a d’abord percé sur la scène avec l’arrivée de son premier album éponyme, 3X Platine (2016), où il est devenu le premier artiste à être en tête des cinq principaux palmarès country de Billboard en même temps.

Named “the future of country music” (Billboard), Multi-Platinum-selling, award-winning singer/songwriter Kane Brown first broke onto the scene with the arrival of his self-titled, 3X Platinum debut album (2016), where he became the first artist ever to lead all five of Billboard’s main country charts simultaneously.

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acadie / classique / folk

OSM : Salebarbes rencontre l’OSM

par Rédaction PAN M 360

Lancer une invitation à Salebarbes c’est comme s’assurer que le party va lever !  L’année 2025 de ce groupe aura été spectaculaire et l’OSM est heureux de les accueillir sur scène en ouverture de sa série OSM Pop pour couronner en version symphonique leur immense succès.  Sous la direction de la cheffe Dina Gilbert et des arrangements symphoniques d’Antoine Gratton, préparez-vous à vous à taper du pied et à vivre une soirée dont vous vous souviendrez longtemps.

Throwing an invitation to Salebarbes is like making sure that the party will rise! The year 2025 of this group has been spectacular and the OSM is happy to welcome them on stage at the opening of its Pop series, to celebrate their huge success in a symphonic version. Under the direction of conductor Dina Gilbert and with symphonic arrangements by Antoine Gratton, get ready to kick your feet and live an evening you will remember for a long time.

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classique / période romantique

OSM : L’intense Symphonie « Leningrad » de Chostakovitch

par Rédaction PAN M 360

Ce programme juxtapose la pétillante Symphonie no 8 de Beethoven et la puissante Symphonie «Leningrad» de Chostakovitch, une œuvre poignante qui incarne la force de la résistance face à l’oppression. Ce contraste saisissant entre la quête de joie et l’évocation d’un moment historique dramatique promet un concert intense et captivant.

This program contrasts Beethoven’s vibrant Symphony No. 8 with Shostakovich’s powerful Leningrad Symphony, a poignant work that captures the spirit of resistance to oppression. The striking juxtaposition of Beethoven’s joy and Shostakovich’s depiction of a dramatic historical moment promises an intense and captivating concert experience.

Programme

Ludwig van Beethoven, Symphonie no 8, op. 93 (26 min)
Dmitri Chostakovitch, Symphonie no 7, op. 60, «Leningrad» (69 min)

Program

Ludwig van Beethoven, Symphony No. 8, Op. 93 (26 min)
Dmitri Shostakovich, Symphony No. 7, Op. 60 (“Leningrad”) (69 min)

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darkwave / EBM / industriel

[:SITD:] au Ritz PDB

par Rédaction PAN M 360

Des beats écrasants, des hymnes électro apocalyptiques et des performances live très énergiques. Originaire du véritable cœur industriel de l’Allemagne, les anciens centres charbonniers et sidérurgiques de la région de la Ruhr, [:SITD:] s’est fait un nom il y a quelque temps et peut désormais être compté parmi les projets électroniques les plus acclamés de la scène internationale actuelle des clubs.

Bone-crunching beats, apocalyptical electro hymns and very energetic live appearances. Hailing from Germany’s real industrial heartland, the former coal and steel centers of the Ruhr area, [:SITD:] made a name for itself a while ago, and can be counted amongst the most acclaimed electronic projects of the present international club scene.

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classique / période romantique

OSM : La damnation de Faust – quête de jeunesse éternelle

par Rédaction PAN M 360

Après avoir enflammé le public avec la Symphonie fantastique de Berlioz lors de sa dernière tournée européenne, Rafael Payare dirige La damnation de Faust. Cette œuvre magistrale de Berlioz, inspirée d’une légende dramatique de Goethe, se distingue par sa puissance orchestrale et son expressivité narrative. Elle suit le destin tragique de Faust qui fait un pacte avec Méphistophélès en échange du bonheur et de l’amour de Marguerite. Cette alliance précipite Faust en enfer, tandis que Marguerite trouve la rédemption. Portée par une orchestration remarquable et des chœurs saisissants, ce concert plongera le public dans une aventure émotionnelle intense et envoûtante. Une ouverture de saison à ne pas manquer!

After thrilling audiences with his interpretation of Berlioz’s Symphonie fantastique on his last European tour, Rafael Payare tackles The Damnation of Faust. Inspired by Goethe’s great play, Berlioz’s masterpiece is characterized by its powerful orchestral writing and narrative expressiveness. The work tells the tragic story of Faust, who makes a pact with Mephistopheles to secure happiness and Marguerite’s love. Instead, the deal lands Faust in hell while Marguerite is saved. Featuring remarkable orchestration and striking choral passages, this concert will take audiences on an intense and captivating emotional journey. A season opener that is not to be missed!

Programme

Hector Berlioz, La damnation de Faust, op. 24 (136 min)

Program

Hector Berlioz, The Damnation of Faust, Op. 24 (136 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

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