Roderick Cox à l’OSM / L’ascension (encore atypique) d’un maestro noir américain

Entrevue réalisée par Alain Brunet

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Basé à Berlin, Roderick Cox est né et a grandi à Macon, en Géorgie, une ville du Deep South d’où sont originaires Little Richard, Otis Redding et les Allman Brothers, pour ne citer que quelques icônes de l’histoire de la musique afro-américaine et des artistes blancs qui s’en sont inspirés. Mais son destin est tout autre : encore au début de sa carrière, il est en train de devenir un chef d’orchestre de renommée internationale, issu d’une nouvelle génération de musiciens classiques très talentueux venus du monde entier. 

Roderick Cox est un chef d’orchestre noir américain basé à Berlin. En 2018, il a remporté le Sir Georg Solti Conductor award, le plus grand prix de ce type décerné à un chef d’orchestre américain. Depuis, il a été invité par les symphonies de Boston, Cincinnati, Détroit, Seattle et New World, les orchestres du Minnesota et l’orchestre de chambre du festival musical d’Aspen. Il a fait ses débuts avec le Houston Grand Opera et le San Francisco Opera et a enregistré Blue de Jeannine Tesori avec le Washington National Opera. Parmi les temps forts à venir, citons ses débuts avec le Philadelphia Orchestra et le Mostly Mozart Festival Orchestra, le City of Birmingham Symphony Orchestra, le Royal Liverpool Philharmonic et le Barcelona Symphony, ainsi que son retour au Los Angeles Philharmonics et au BBC Philharmonics.

Il a fréquenté la Schwob School of Music de la Columbus State University, puis a obtenu un master en direction d’orchestre à la Northwestern University en 2011. À Northwestern, il a étudié la direction d’orchestre avec le maestro russe Victor Yampolsky et Mallory Thompson, un maître pédagogue de la direction d’orchestre. Il a ensuite étudié avec Robert Spano à l’American Academy of Conducting à Aspen, dans le Colorado. Il a également participé au projet Song of America : A Celebration of Black Music, conçu à l’Elbphilarmonie de Hambourg. Dans le cadre de ce projet, il a dirigé la Negro Folk Symphony de William Levi Dawson, qu’il a enregistrée avec le Seattle Symphony Orchestra et qui sera jouée à la Maison symphonique.

Au Québec, il a été invité pour la première fois par l’Orchestre Métropolitain, soit au Festival International de Lanaudière, en juillet  2018. Il était alors précédemment chef associé de l’Orchestre du Minnesota (Osmo Vänskä ). Le jeudi 12 octobre et le samedi 14 octobre, il a été invité par le MSO à diriger un programme comprenant le célèbre Concerto pour violon de Barber avec le grand jeune soliste canadien Blake Pouliot et d’autres pièces de Tchaïkovski et du compositeur afro-américain William Levi Dawson.

Roderick Cox est profondément préoccupé par la négligence des compositeurs afro-américains, leur manque de représentation dans les institutions musicales. En effet, la grande majorité des auditeurs de musique ne connaissent pas Florence Price, William Grant Still, Amy Beach, Samuel Coleridge-Taylor, Leslie Dunner…

C’est pourquoi il dirigera à Montréal la Negro Folk Symphony du compositeur afro-américain William Levi Dawson, « une fusion unique de spirituals et d’esthétique symphonique post-romantique, avec quelques clins d’œil discrets à des compositeurs européens ».  

PAN M 360 l’a rencontré cette semaine, après une répétition, pour parler de ce programme et de son propre engagement dans le monde classique en tant que chef d’orchestre afro-américain.

PAN M 360 : Dans le Deep South américain d’où vous venez, comment êtes-vous devenu un musicien classique ?  

Roderick Cox : J’ai grandi à Macon, en Géorgie, et j’ai eu la chance de bénéficier d’un solide programme d’éducation musicale dès mon plus jeune âge. J’ai donc été immergé et j’ai eu l’occasion de faire partie d’un ensemble musical très tôt. Vers la huitième ou la neuvième année, le professeur d’orchestre local est venu à mon école et nous a permis d’essayer et de jouer de différents instruments.  J’ai d’abord été choisi comme percussionniste. 

PAN M 360 : Votre famille avait-elle des antécédents musicaux ?

Roderick Cox : La musique occupait une place très importante dans ma famille. En grandissant, ma mère était une chanteuse de gospel, très active dans l’église. Il semblait donc qu’il y avait toujours de la musique dans notre maison et sur le chemin de l’école, ou tout simplement de la musique. Et bien sûr, Macon, en Géorgie, a un héritage musical très riche avec Otis Redding, Little Richard, etc. Little Richard, etc. Bien sûr, je n’ai pas rencontré Otis Redding, mais j’ai rencontré Little Richard, qui venait à notre église et s’asseyait juste en face de moi.

PAN M 360 : Mais votre parcours a été totalement différent de celui de Little Richard et d’Otis Redding.

Roderick Cox : Quand je suis allé au lycée, j’ai continué la musique, c’était quelque chose de très naturel pour moi. Bien sûr, je ne pensais pas devenir chef d’orchestre. Cette idée ne m’a jamais traversé l’esprit. Mais je trouvais que faire partie de la fanfare et de l’orchestre était la chose la plus cool qui soit. Lorsque j’ai appris qu’il était possible de poursuivre cette voie à l’université, j’ai eu l’impression de devoir déterminer ce que j’allais faire. Je pensais que je voulais devenir éducateur musical. J’ai donc obtenu un diplôme, un diplôme en éducation musicale avec une concentration en cor d’harmonie, j’ai changé pour le cor d’harmonie quand j’étais au lycée.

PAN M 360 : Après le lycée, vous avez étudié à la Northwestern University (Illinois).

Roderick Cox : J’ai alors étudié la direction d’orchestre, toujours dans l’idée de devenir professeur dans une université, car ma passion, c’était les jeunes et l’éducation. À la Northwestern University, j’ai étudié avec Mallory Thompson et j’ai travaillé avec un professeur d’orchestre, Victor Yampolsky, ancien second violon de l’Orchestre symphonique de Boston, qui s’était échappé de la Russie de Staline et qui était venu en Russie à l’invitation de Leonard Bernstein. Je suppose qu’il a en quelque sorte planté dans mon esprit la graine que je pourrais peut-être faire ma vie en tant que musicien d’orchestre professionnel.  Cette déclaration cruciale a immédiatement élargi mon horizon. Et je crois que lorsque j’ai pris la décision de devenir chef d’orchestre professionnel, je ne l’ai plus jamais remise en question et je n’ai jamais fait marche arrière.

PAN M 360 : Le fait d’être un musicien afro-américain dans le monde classique occidental devient-il une normalité ?

Roderick Cox : Je ne pense pas que ce soit une normalité en ce sens. Je veux dire que je continue à penser que c’est un phénomène très, très rare. Et, vous savez, même en pensant à la musique que je dirige cette semaine, la Negro Folk Symphony, c’est, c’est l’un des rares morceaux de musique qui infuse mon propre bagage culturel dans l’idiome de la musique classique. Ainsi, un certain nombre de styles, le ragtime, les styles jazzy qui sont dans la musique, mais aussi les airs folkloriques noirs, les spirituals et les choses qui sont innées dans notre culture se retrouvent sur la scène du concert. Et c’est tout à fait naturel pour moi de travailler sur cette musique. 

PAN M 360 : Mais vous et vos collègues afro-américains devez être vous-même un promoteur de l’héritage noir américain dans le monde classique occidental, n’est-ce pas ?

Roderick Cox : Je pense que nous continuons à repousser les limites. Mais il y a encore très, très peu de chefs d’orchestre, peut-être une poignée. Et quand on pense aux pourcentages, dans la musique classique, cela n’a pas encore beaucoup changé, peut-être que c’est un peu plus visuel maintenant que nous vivons dans une société plus visuelle. Quand on pense au passé, nous avons eu Kathleen Battle, Jessye Norman, Leontyne Price, Shirley Verrett. Toutes ces grandes chanteuses ont vécu un moment spécial, elles ont été sous les feux de la rampe dans certaines des plus grands amphithéâtres du monde. Mais aujourd’hui, je pense qu’il y a moins de personnes (de couleur) qui occupent ce genre de postes.

PAN M 360 : Il reste donc beaucoup à faire !

Roderick Cox : Ce n’est donc pas une normalité. Et si la question est… est-ce mieux aujourd’hui  ? Je n’en suis pas certain. Je pense donc que ce qui est important et nécessaire, c’est de cultiver la carrière d’un artiste. Il doit y avoir des opportunités et une exposition pour élever les artistes, à travers des années d’engagement, à un certain niveau où ils peuvent être au niveau de Jessye Norman et de Leontyne Price. 

Mais encore une fois, il est très difficile de dire quand cela suffit. Y a-t-il une raison de dire que nous avons atteint un certain niveau ? Je pense que ma devise a toujours été, partout où je vais, de me concentrer sur la connexion avec l’orchestre et la construction de ces relations et de faire de la grande musique ensemble. C’est ce sur quoi je veux me concentrer et, à chaque fois que l’on va encore, quand je programme cette pièce, la Dawson Negro Folk Symphony, j’ai parfois un peu d’appréhension, parce que je me dis, oh, vous savez, est-ce que l’orchestre va l’aimer ? L’aimeront-ils ? Vont-ils penser qu’il s’agit d’une pièce au programme, simplement parce qu’il s’agit d’un compositeur noir ? Y a-t-il une sorte d’ordre du jour dans la présence de ce morceau ? En fait, je ne programme que de la musique que j’aime vraiment, j’essaie de programmer de la musique que j’apprécie vraiment et que j’aime vraiment. C’est pourquoi j’ai souvent programmé cette œuvre qui traite de la musique folklorique des États-Unis. C’est pourquoi je pense qu’il est important que nous la jouions parce que nous n’avons pas, nous n’avons pas beaucoup de cela.Je pense que la musique doit vivre et respirer.

PAN M 360 : Effectivement, il  faut aussi penser à l’évolution de son interprétation.

Roderick Cox : Oui, elle se nourrit de performances et d’interprétations différentes. Et ce que je constate, c’est qu’à chaque fois que je travaille, même avec un nouvel orchestre, et même ce matin avec cet orchestre en particulier, en l’entendant dans cet espace, la musique me parlait différemment, elle disait des choses différentes. Et peut-être un peu plus lent ici, peut-être un peu plus rapide ici, peut-être un peu plus lourd ici, si vous le souhaitez, et c’est la beauté du processus d’une répétition, et de permettre à une musique comme celle-ci de respirer. Parce qu’au fur et à mesure que nous changeons, les interprétations changent dans les orchestres. Je suis donc encore plus revigorée et inspirée par le travail que nous venons de faire, et immédiatement après, j’étais dans ma loge en train de penser à ceci, à cela, et peut-être que nous pouvons faire ceci ou peut-être que cela ne convient pas. Et c’est ce dont la musique a besoin. Le bon. Les grands chefs-d’œuvre ont existé. Beaucoup d’entre eux le sont, parce qu’ils ont été interprétés et joués de nombreuses fois et qu’ils ont fait l’objet de recherches scientifiques et autres qui les ont placés au premier plan de notre répertoire.

PAN M 360 : Il y a donc une tension intéressante entre le fait de laisser respirer les musiciens avec la partition, tout en gardant sa propre touche en tant que chef d’orchestre. Comment voyez-vous cet équilibre ?

Roderick Cox : Et bien, parfois quand vous faites un morceau pour la première fois, vous avez beaucoup plus de points d’interrogation que plus tard. Et je pense qu’après avoir fait ce travail un certain nombre de fois, j’ai moins de points d’interrogation, mais j’ai aussi un peu d’assurance sur ce que la musique me dit, qui n’est pas nécessairement dans la partition. Et cela implique que vous, en tant qu’artiste, soyez ouvert et à l’écoute de ce que la musique essaie de dire et de ce que vous pensez qu’elle essaie d’être. Cela signifie que si la tension monte, vous savez, voulez-vous accélérer le rythme ? Ou ralentir ? Combien de temps voulez-vous créer pour ce genre de moment d’impact ou d’apogée ? Quel type de couleur voulez-vous créer ici ? Je pense que c’est là que mon expérience personnelle de l’œuvre intervient un peu plus dans l’interprétation de la musique et, avec ces musiciens qui expliquent aussi un peu de ce dont il s’agit dans l’œuvre et qui permettent et voient leur interprétation. C’est aussi révélateur, c’est aussi révélateur… un bon orchestre sera capable de voir une phrase ou de voir une ligne et de jouer une phrase avec ses idées sur ce que la musique veut dire.

PAN M 360 : Vous recherchez donc un juste équilibre entre vous et l’orchestre.

Roderick Cox : Bien sûr, il doit toujours y avoir une collaboration.

PAN M 360 : Parlons un peu du programme de Montréal.

Roderick Cox : Le programme est assez romantique. Nous commençons donc par la Tempête de Tchaïkovski, qui est, je pense, un poème assez peu connu ici, dans le même genre que Roméo et Juliette de Tchaïkovski. Il est basé sur La Tempête de Shakespeare. Et bien sûr, c’est l’histoire d’un sorcier sur une île isolée au milieu de nulle part, placé là par ses ennemis, des nobles italiens, qui maudit ses ennemis en créant une tempête pour les détruire.

C’est une œuvre magnifique, l’une de mes préférées de Tchaïkovski, parce que je pense qu’elle a aussi ce sens de l’écriture impressionniste, semblable pour moi à une œuvre de Debussy ou de Mendelssohn – notamment l’ouverture des Hébrides. J’aime la façon dont il crée cette tension dans l’orchestre. Et bien sûr, Tchaïkovski était l’un des plus grands compositeurs mélodiques de tous les temps, ce qui est absolument démontré dans cette œuvre.

PAN M 360 : A propos du Concerto pour violon de Samuel Barber ?

Roderick Cox : Cette œuvre a été écrite pendant qu’il ressentait les signes annonciateurs de la Seconde Guerre mondiale, avant qu’elle n’éclate. Barber a commencé à l’écrire à Paris et à l’étranger, en Europe, avant que l’Amérique n’entre en guerre. Il savait donc que le vent tournait en Europe à cette époque, et il a terminé l’œuvre aux États-Unis.

Je pense qu’il s’agit d’une œuvre très intime. Il s’agit d’une sorte de confession personnelle du compositeur sur les sentiments qu’il éprouve, mais on y visualise aussi les ombres et les ténèbres de la guerre à venir, en particulier dans le deuxième mouvement. Le premier mouvement commence de façon très pittoresque, je pense à un beau paysage d’été, et l’orchestration est vraiment très réduite. Il y a un piano qui crée ce sentiment d’intimité et de musique de chambre. Et, bien sûr, le troisième mouvement est une musique passionnante, vigoureuse, excitante, dont je pense qu’il est fascinant d’être témoin et de l’entendre sur scène.

PAN M 360 : C’est la première fois que vous travaillez avec Blake Pouliot ?

Roderick Cox : C’est la première fois que je travaille avec lui, mais nous nous connaissons depuis que nous avons participé au Festival de musique d’Aspen en 2014. C’est donc la première fois que nous travaillons professionnellement ensemble.

PAN M 360 : Enfin, nous avons cette pièce de William Levi Dawson.

Roderick Cox : Cette pièce a également été écrite dans les années 30, donc à l’époque du Concerto pour violon de Barber, et cette pièce de Dawson était l’une des trois symphonies noires américaines jouées à l’époque par les principaux orchestres américains – il y avait William Grant Still, Florence Price et William Dawson. Parmi ces trois symphonies, celle de Dawson était la plus célèbre, jouée par l’orchestre de Philadelphie au Carnegie Hall avec un accueil enthousiaste de la part des critiques, d’énormes applaudissements après le deuxième mouvement, qui s’appelle Hope in the Night.

Ce qui est magnifique dans cette œuvre, c’est qu’elle me rappelle beaucoup ma propre culture, à savoir que la culture noire américaine est en plein bouleversement, un bouleversement dû à l’esclavage, vous savez, 300 ans de travail éreintant, où des familles ont été déplacées ou des cultures ont été perdues. Si vous écoutez un certain nombre de spirituals et d’airs folkloriques de cette époque, vous verrez que Moïse traverse l’Égypte, à la recherche d’une terre où la vie sera meilleure. Je pense que le folklore noir américain a donné de l’espoir aux gens. Quand on pense au gospel, tout parle de l’espoir d’un avenir meilleur. Cette pièce était l’un des principaux thèmes du mouvement des droits civiques.

Au milieu de ce travail, il y a donc aussi des moments très excitants, magnifiques et festifs. Ainsi, de nombreux rythmes de danse rappellent ceci : après avoir terminé leur travail éreintant, les esclaves se réunissaient souvent en cercle autour d’un feu pour frapper des mains et des pieds afin de garder l’esprit en éveil. Ils gardaient ainsi l’espoir et la vie tout en faisant bouger leur corps. C’est ce que j’aime dans cette musique : au milieu des ténèbres, surtout dans le deuxième mouvement, on entend ce thème très statique qui représente les enfants noirs, complètement inconscients de la situation qui les entoure, et qui représente leur naïveté et leur innocence. Quand on est enfant, on ne sait pas si on est blanc ou noir. Les jeunes enfants noirs étaient les meilleurs amis des enfants des maîtres d’esclaves et jouaient dans la maison, et finalement on leur a dit qu’ils n’étaient pas blancs. C’est ainsi que le bonheur s’installe, jusqu’à ce que surviennent la discorde et la pénombre.

Le dernier mouvement commence en mi bémol majeur, comme la quatrième symphonie de Bruckner et d’autres grandes œuvres musicales, mais dans cette tonalité qui représente le soleil, l’espoir et la beauté. Le dernier mouvement est donc très axé sur la célébration et le regard vers l’avenir.

PAN M 360 : Cette pièce a donc été célébrée à son époque. Aujourd’hui, nous la faisons revivre. Elle a été enregistrée par Yannick Nézet Séguin et l’Orchestre de Philadelphie, et vous la dirigerez avec le MSO, entre autres orchestres.

Roderick Cox : Absolument. Je veux dire qu’elle était en quelque sorte perdue, et n’a pas vraiment été jouée pendant 90 ans. Je l’ai découverte moi-même pendant COVID. Et j’ai vraiment travaillé avec les éditeurs pour sortir cette nouvelle édition.

PAN M 360 : L’histoire le dira, mais nous venons de réaliser que de nombreux compositeurs devenus obscurs après avoir été célébrés il y a près d’un siècle, reviennent d’une certaine manière sur le devant de la scène. Oui. Grâce à des gens comme vous.

Roderick Cox : Merci et, bien sûr, les autres et je veux dire, et encore une fois, il est important de jouer les œuvres parce que beaucoup de matériel, beaucoup de fois les œuvres ne sont pas faites parce qu’elles ont été si mal gérées. Elles sont encore, je veux dire, cette œuvre avant il y a quelques années, était à peine lisible, mal copiée avec des erreurs. Et cela a demandé beaucoup de travail. Et cela demande beaucoup de ressources aux éditeurs. Je pense que cette œuvre de Dawson est l’une des plus grandes symphonies américaines écrites et qu’elle devrait figurer aux côtés de Copland, Barber, Gershwin, Charles Ives, John Adams.

C’est vraiment dommage que Dawson n’ait écrit qu’une seule symphonie, j’aurais été très intéressé d’entendre ce que nous avions au moins quatre. Mais je pense que les circonstances de la vie ont fait qu’il a dû élever une famille. Il a pris un poste d’enseignant à Tuskegee, où il a surtout écrit de la musique chorale, qui est devenue célèbre, mais le fait qu’il ait écrit cette belle symphonie à un jeune âge. J’aurais aimé voir sa vie de compositeur.

Roderick Cox dirigera l’OSM les 12 et 14 octobre. Billets et info ICI.

Crédit photo: Susie Knoll

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