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Après une interprétation très captivante de sa pièce La grande accélération : Symphonie no. 12 à l’Oratoire Saint-Joseph, PAN M a eu la chance de s’entretenir avec Tim Brady et de l’interroger sur l’évolution de sa carrière, son processus d’écriture, ses préférences esthétiques, etc.
PAN M 360 : Lors de l’explication artistique que vous avez donnée au concert de M/NM, vous avez mentionné que l’inspiration/signification, du moins en partie, de « La Grande Accélération » provenait d’événements historiques et de leur tendance à se dérouler très rapidement. Avez-vous écrit cette pièce en pensant à notre époque actuelle, ou plutôt à l’histoire en général ?
Tim Brady : Lorsque j’ai commencé à écrire ce texte en 2018, je commençais tout juste à remarquer que la nature de notre société commençait à changer. D’une part, nous étions de plus en plus interconnectés grâce à Internet, les identités nationales semblaient moins importantes, la question du climat concernait tout le monde. D’autre part, les forces de droite commençaient à gagner en puissance – le Brexit a eu lieu, la première présidence Trump. Mon idée était donc que les choses changent – rapidement. Le titre original était « Parce que tout va changer », mais je suis ensuite tombé sur le terme La grande accélération (souvent définie comme 1950 – 1980 – quand il y a eu l’énorme croissance de la classe moyenne en Occident). Il m’a semblé que nous vivions une nouvelle grande accélération – l’histoire va vite. Et, pour l’instant, pas dans la bonne direction.
PAN M 360 : Je ne pense pas qu’il soit trop controversé de dire que beaucoup de vos œuvres contiennent des clins d’œil aux shredders et aux rockers d’autrefois. Y a-t-il des artistes rock que vous appréciez ces derniers temps ? Y en a-t-il que vous avez revisités ?
Tim Brady : Il y a tellement d’excellents musiciens sur YouTube – c’est là que le monde de la guitare a migré, loin de la radio ou de la diffusion en continu. Des gens comme Gutherie Govan, Matteo Mancuso, Julian Lage – ce sont de grands musiciens, et il y en a des centaines d’autres. Et les femmes commencent enfin à avoir un impact – il était temps ! Je ne suis pas du tout systématique en ce qui concerne l’écoute des musiciens – je regarde simplement ce qu’il y a sur YouTube quand j’ai envie d’un peu de guitare déchirée. Je laisse les algorithmes me surprendre.
PAN M 360 : Je crois savoir que vous avez passé une partie de votre carrière à Montréal, Toronto, Boston et Londres. À quoi ressemblait la poursuite d’une carrière artistique dans ces villes au cours des années 70 et 80 ? Y avait-il des aspects plus difficiles, ou plus faciles, que dans la musique d’aujourd’hui ?
Tim Brady : Les choses étaient très différentes, comme vous pouvez l’imaginer. L’esthétique musicale était beaucoup plus rigide. Il y avait une bonne et une mauvaise façon de composer. Les frontières musicales étaient très clairement définies – c’était du jazz, du classique, du blues, etc. Les compositeurs étaient beaucoup plus dogmatiques. Lorsque j’ai commencé à faire de la nouvelle musique de chambre pour guitare électrique (pas de jazz, de rock ou de blues) au début des années 80, beaucoup de gens ont été offensés, beaucoup n’ont pas compris. « Cela ne se fait tout simplement pas !
Les choses sont beaucoup, beaucoup plus ouvertes sur le plan esthétique. C’est une bonne chose, mais c’est aussi un défi. Avec autant d’options, comment l’artiste fait-il son choix ? Faire de l’art n’est jamais simple, quelle que soit l’époque. Mais peut-être n’est-ce pas une fatalité ?
Les changements techniques sont également importants. Presque tous les compositeurs/interprètes ont désormais accès à un studio multipiste dans leur ordinateur portable. Les échantillons sonnent bien. Il est possible de diffuser des choses via l’Internet. Cet après-midi, j’ai une répétition Zoom avec un groupe de Baltimore qui donne la première américaine de ma pièce « This one is broken in pieces : Symphonie n°11 ». Les défis spécifiques ont changé et continueront à changer. Mais faire de la musique et se concentrer sur la créativité ne sera jamais le travail le plus facile au monde, je pense.
PAN M 360 : Cent guitares électriques, c’est certainement un choix d’orchestration que l’on voit rarement. Quelles sont les autres combinaisons de sons ou d’instruments que vous aimez utiliser dans vos compositions ? Avez-vous des préférences personnelles ?
Tim Brady : J’aime beaucoup composer pour n’importe quel instrument. Chaque instrument a sa beauté et sa nature expressive. Mais si je regarde mon catalogue, les choses qui reviennent sans cesse sont : la guitare électrique (évidemment), la clarinette basse, le violon/alto, l’orchestre et la musique vocale. Curieusement, je n’ai presque plus écrit de musique pour piano solo depuis le début des années 1980 – ce n’est apparemment pas mon truc.
PAN M 360 : Est-il vrai que vous étiez en grande partie autodidacte jusqu’à la fin de votre adolescence ? Si oui, quels facteurs vous ont aidé à décider des informations ou des connaissances que vous recherchiez pendant cette période d’auto-apprentissage ? Où cherchiez-vous de nouvelles idées en ce qui concerne la guitare et l’écriture de chansons ?
Tim Brady : Oui, j’ai seulement appris à lire la musique à 19 ans, lorsque j’ai suivi mon premier cours d’« Introduction à la théorie musicale » au Collège Vanier (maintenant le cégep). Mais de 16 à 19 ans, j’apprenais à l’oreille autant que possible l’harmonie et les gammes. J’écoutais beaucoup de fusion, de jazz moderne, Debussy et Stravinsky, pour essayer de comprendre. Donc, au moment où j’ai commencé l’éducation musicale formelle, j’avais en fait une assez bonne oreille. Alors, quand le professeur a dit : « Voilà à quoi ressemble le son de la tonique à la sous-médiane plate », je me suis dit : « Oh, c’est juste de mi majeur à do majeur – je sais ça ». Une grande partie de ma formation en théorie musicale consistait simplement à apprendre les termes acceptés pour des choses que j’avais déjà dans mon oreille. J’avais tendance à obtenir des notes comme 98 % ou 100 % à mes examens théoriques, je ne vais pas mentir.
PAN M 360 : J’imagine qu’avec un catalogue de compositions aussi important que le vôtre, vous devez aussi avoir des techniques pour faire face au syndrome de la page blanche, ou des astuces pour être plus productif. Mettez-vous en œuvre quelque chose de particulier lorsque vous savez que vous devez écrire ?
Tim Brady : Je n’ai presque jamais le syndrome de la page blanche. Je ne sais pas vraiment pourquoi. Je pense que c’est en partie dû à ma nature : composer de la musique, c’est juste ce que je fais. Mais la plupart du temps, je passe aussi au moins 15 à 20 minutes à improviser à la guitare (parfois plus). Cela permet de garder les voies ouvertes : faire de la musique une activité quotidienne, ce qui évite d’avoir peur de se demander « Oh non ! Quelle sera la note suivante ? ». J’ai aussi récemment trouvé une citation de l’auteur français André Gide qui me semble très puissante : « Oui, tout a déjà été dit, mais personne n’écoutait. Il faut donc le redire ». Combien de notes Ab ou Fa# ont été composées au cours des mille dernières années ? Des millions, littéralement. Alors pourquoi recommencer ? Parce qu’il faut continuer à écouter.
PAN M 360 : Et enfin : quels sont vos lieux ou espaces préférés ? (Cela peut être passé ou présent !)
Tim Brady : Pour mes pièces spatiales déjantées, l’Oratoire Saint-Joseph fonctionne très bien ! Et le Complexe Desjardins est cool pour les événements plus « populaires » de 100 guitares. La meilleure salle de concert dans laquelle j’ai joué est probablement celle de Thunder Bay, en Ontario. Elle dispose d’une salle de 1 200 places incroyablement bien équipée ! Avec une guitare électrique et des effets, on peut en quelque sorte apporter sa propre « acoustique » avec soi, donc on est un peu moins dépendant du son de la pièce qu’avec un alto, par exemple. Pour la musique acoustique, la Salle Bourgie est géniale. J’y donne un concert le 4 juin avec le Warhol Dervish String Quartet, qui joue mes quatuors à cordes numéros 3, 4 et 5. Remarque : c’est une publicité éhontée pour ce concert !
La meilleure salle de concert est celle où les gens écoutent vraiment, où il y a ce sentiment de connexion entre le musicien et l’auditeur. Une bonne acoustique aide, mais la qualité de l’écoute est vraiment le but.
