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Présentée en quatre langues par Chants libres, Paramirabo et le Vivier, unissant la musique, la poésie et l’image, Songs of the Drowning s’annonce une performance interdisciplinaire réalisée par Roozbeh Tabandeh, inspirée par les poèmes de Sandeep Bhagwati et les peintures de Khosro Berahmandi. PAN M 360 s’entretient ici avec le compositeur, directeur artistique et « unificateur » des disciplines impliquées dans ce programme présenté au Wilder, ce mercredi 15 octobre.
PAN M 360 : De quelle manière s’articule cette interdisciplinarité musique-poésie-peinture?
Roozbeh Tabandeh: L’œuvre se situe à la jonction des poèmes de Sandeep Bhagwati et des peintures de Khosro Berahmandi. Elle invite les artistes participants à réfléchir aux thèmes abordés dans les poèmes de Sandeep et aux figures, textures et couleurs des peintures de Khosro, puis à exprimer leur compréhension à travers le prisme de leur discipline artistique. Comment créer un espace imaginaire qui invite à la contemplation sur les thèmes des poèmes tout en s’inspirant de l’univers visuel des peintures? À quoi ressemble cet espace d’un point de vue musical? Comment le perçoivent les scénographes et les artistes visuels? Et que propose cet espace au public à découvrir? Ce sont là les questions clés de ce projet.
PAN M 360 : À travers la poésie de Sandeep Bhagwati, le fil conducteur de l’œuvre se décline en quatre langues. Comment impliquer quatre langues, allemand, l’anglais, français, farsi, dans une trame narrative?
Roozbeh Tabandeh: La décision de présenter les poèmes en quatre langues contribue grandement à l’inclusivité et à la diversité linguistique de l’œuvre. L’allemand est la langue originale des poèmes et la langue maternelle du poète. Le farsi est ma langue maternelle, ainsi que celle de Khosro, Hadi et Haleh, trois artistes importants de cette œuvre. La première de l’œuvre aura lieu au Québec, où l’équipe artistique a vécu et créé pendant plusieurs années. Le français apparaît donc comme un choix évident. Et l’anglais rend l’œuvre accessible à un public plus large à travers le Canada et à l’échelle internationale. Cette œuvre soulève des questions importantes sur la condition des êtres humains (et non humains) à notre époque. Ces genres de thèmes sont largement inclusifs et les quatre langues utilisées symbolisent l’universalité de ces questions et préoccupations.
C’était également un grand défi, car certains thèmes abordés dans le poème sont profondément ancrés dans la culture et extrêmement difficiles à traduire. On dirait que certaines parties du poème ne veulent tout simplement pas être traduites! Nous avons donc dû faire preuve d’une extrême prudence et trouver un moyen de naviguer entre ces langues et les connotations culturelles qui leur sont associées. Cela nous rappelle que, bien que ces questions soient universelles et vastes, les perspectives pour y répondre sont extrêmement diversifiées et spécifiques à chaque culture.
PAN M 360: Ce cycle poétique de Sandeep serait une contemplation critique de la condition humaine à notre époque. Pouvez-vous nous donner d’autres éléments du contenu et de la forme de ces neuf textes?
Roozbeh Tabandeh: Sandeep a écrit ces neuf courts poèmes dans le contexte post-pandémique que nous avons tous vécu, alors que nous étions confrontés aux défis auxquels l’humanité est confrontée à notre époque: les guerres absurdes, les politiciens corrompus en lutte constante pour le pouvoir, la façon dont nous traitons nos espèces, les non-humains, notre environnement, notre planète… Nous vivons en effet une période troublée, et nous, en tant qu’artistes, ne pouvons pas simplement choisir de fermer les yeux, de «vivre une bonne vie» et de ne pas réagir aux réalités du monde dans lequel nous vivons. Cependant, cette œuvre n’est pas une constatation de la réalité. Il s’agit plutôt d’un espace de contemplation qui flotte au-dessus de la réalité et invite à une réflexion profonde.
Lorsque j’ai lu ces poèmes pour la première fois, je traversais moi aussi une période difficile de ma vie, confronté à des difficultés personnelles. Ces poèmes m’ont donc profondément touché, tant dans mon cœur que dans mon esprit. Et j’ai pensé que ce serait peut-être une bonne idée de mettre cela en scène, d’inviter d’autres artistes à réfléchir sur ces sujets, et enfin de le présenter au public.
En résumé, c’est autour du thème de la noyade que toutes les différentes lignes de réflexion se rejoignent dans cette œuvre. Mais on essaie fort de se distancier des connotations négatives de ce terme. Évidemment, on peut se noyer dans l’eau, mais on peut aussi se noyer dans ses pensées, ses souvenirs, sa vie quotidienne, même dans un morceau de musique! Il y a des noyades dont on ne survit pas, mais il existe aussi d’autres noyades auxquelles on survit, mais sans jamais rester inchangés. Il possède donc une qualité transformative et stimulante. Et c’est là notre objectif dans cette pièce: à travers neuf scènes, tout comme dans les poèmes, nous étendons la métaphore de la noyade (Sous toute forme) à plusieurs dimensions. La pièce ralentit le processus de noyade, le plaçant métaphoriquement sous la loupe de la contemplation.
PAN M 360: L’œuvre fusionne ces quatre langues avec la musique de Roozbeh Tabandeh, la vôtre, au aussi des œuvres vidéo de Hadi Jamali inspirées par les toiles de Khosro Berahmandi ainsi qu’une scénographie créée par la scénographe et architecte Haleh Vedadi et Roozbeh Tabandeh. Explications supplémentaires ?
Roozbeh Tabandeh: La musique est composée à partir des idées présentées dans chaque poème. Ensuite, la structure formelle de la musique et sa ligne temporelle définissent l’architecture de la pièce dans laquelle d’autres artistes commencent à créer leurs propres espaces. Le résultat est un espace imaginaire formé par le rassemblement de ces espaces individuels qui se superposent. Il s’agit en effet d’un univers complexe, à multiples couches.
PAN M 360: Le spectacle est une coproduction réalisée sous la direction artistique de Roozbeh Tabandeh, en codiffusion avec Paramirabo, Chants Libres et Le Vivier.
Pouvez-vous nous expliquer les choix et approches de votre composition (styles impliqués, instrumentation, arrangement, votre propre patte)?
Roozbeh Tabandeh: Songs of the Drowning est une longue composition de 70 minutes, ma plus longue écrite en plus de vingt ans de carrière. C’est également une conclusion aux idées que j’ai explorées dans plusieurs œuvres et installations au cours de la dernière décennie. Ainsi, outre la présentation de nouvelles compositions créées spécialement pour cette scène, je fais plusieurs références à mes propres compositions passées. Je fais également de nombreuses références aux œuvres de compositeurs importants du XXe siècle.
Le mouvement de danse est un hommage évident à la musique de Stravinsky dans Le Sacre, qui a inspiré ma pièce par sa structure rythmique abrupte et les fortes qualités rituelles inhérentes à sa musique. Dans le contexte de cette œuvre, j’étends l’idée de « danser jusqu’à la mort » tirée du Sacre du printemps à celle de « danser en se noyant ». Ce qui est un aspect intéressant de cette pièce: ici, non seulement les sujets sont conscients de leur état de noyade et s’expriment à ce sujet, mais ils chantent et dansent même tout en se noyant.
La troisième scène commence par une forte référence à la musique de Brian Ferneyhough dans sa pièce Mnemosyne, où une flûte basse solo extrêmement complexe et détaillée flotte au-dessus d’une palette aplatie de longs gestes présentés dans le média préenregistré. L’idée d’une extrême complexité opposée à une extrême platitude me rappelle la peinture de Khosro, où l’on trouve parfois de grandes surfaces de couleur unie, comme un immense cercle rouge, et juste à côté, une zone recouverte d’une texture dense composée de lignes, de points et d’ornements extrêmement détaillés. J’ai ensuite mis cette idée en scène dans un contexte unique, avec un gros instrument de cloche spécialement conçu et fabriqué pour cette pièce, qui s’étend jusqu’à la grille avec des cloches installées au-dessus des têtes du public. Ainsi, l’espace scénique commence à partir de la scène, mais anime l’ensemble de l’architecture de la salle.
Dans cette œuvre, on trouve également d’autres références aux techniques de manipulation sonore du début de la musique concrète, ainsi qu’aux traditions de la musique noise, et remettant en question les frontières superficielles entre musique et bruit.
Il s’agit donc d’une large palette d’idées musicales regroupées en une seule pièce de 70 minutes.
PAN M 360 : Puisque vous travaillez avec d’autres matériaux créatifs au-delà de votre propre composition, qu’en est-il de votre direction artistique dans le contexte de cette œuvre interdisciplinaire?
Roozbeh Tabandeh: En tant que directeur artistique, mon rôle est de réunir. De canaliser le flux dans une direction particulière tout en offrant une liberté artistique aux artist.e.s participant.e.s. Je pense que les artistes devraient avoir le droit de présenter leurs propositions, même si je ne m’y identifie pas personnellement à certaines d’entre elles. Je ne pense pas que tout doive passer par mon regard dans un contexte collaboratif comme ceci. Au contraire, il serait contre-intuitif pour moi de faire des commentaires sur les peintures de Khosro Berahmandi par exemple: regarder un rectangle bleu et lui demander de le changer en cercle rouge parce que je le préfère ainsi! Car l’interdisciplinarité signifie également être placé entre plusieurs histoires de l’art, entre différentes conceptions artistiques issues de multiples perspectives. Je n’ai pas la même connaissance de l’histoire de la peinture que Khosro. De même, il n’a pas ma compréhension de la musique, ni l’expérience de Haleh et moi-même en matière de scénographie et d’architecture.
Ainsi, même si les artistes participants sont invités à exprimer leurs opinions et à réagir aux autres éléments présents dans l’œuvre, nous essayons d’aller au-delà des niveaux superficiels du brainstorming de base et accordons une très grande liberté d’expression artistique profonde dans plusieurs disciplines. C’est pourquoi je pense que cette œuvre n’est pas dialogique. Il s’agit d’un espace imaginaire formé à l’intersection de plusieurs monologues individuels, et mon rôle en tant que directeur artistique est de faciliter la coexistence de ces différentes voix.
Tableau I
- We, the Drowning … Are Witnesses
- Chasing the Sparkle
Tableau II
- A Scene That Heats Up on Every Side
Tableau III
- Salty Waters Keep Spreading
- Dance of the Drowning
- Metamorphing Beasts
Tableau IV
- They Will Envy … or Curse Us
- Monuments Compressed Into Rock
- Soundless Eternal Language
PAN M 360 : Pourriez-vous nous expliquer brièvement chaque tableau du programme?
Roozbeh Tabandeh: Chaque tableau représente un poème ou un groupe de poèmes de Sandeep. C’est comme si nous réalisions une exposition avec un collage sonore et spatial à partir des fragments des poèmes, fusionnés avec les images issues des peintures de Khosro, et que nous les présentions dans un espace performatif où cohabitent sons, images, lumières, êtres humains et objets.
Le premier tableau est l’ouverture, avec un nombre réduit de musiciens. L’alto rejoint l’ensemble dans «Chasing the Sparkle». L’ensemble est placé aux extrémités de l’espace pour ce tableau et occupe un vaste espace. Ensuite, les musiciens se déplacent physiquement vers le centre pour le tableau II (A Scene That Heats Up on Every Side) afin de former un cercle concentré au milieu de la scène. Pendant ce tableau, l’instrument de cloches prolonge le son loin autour du plafond. Tableau III est une expérience musicale concentrée. Il n’y a aucun mouvement sur scène, aucune vidéo, aucun élément scénique ni changement d’éclairage. Ces 24 minutes présentent certaines des idées musicales les plus stimulantes de l’ensemble de l’œuvre. À grande échelle, le tableau IV constitue le point culminant de l’œuvre. Il englobe les moments les plus intenses de complexité sonore et spatiale de la pièce, tandis que tous les éléments mènent à un moment ultime de défragmentation qui s’achève par une coupure nette, où finalement tout et tous deviennent des «monuments comprimés dans la roche», observés du point de vue d’un observateur distant, après des millions d’années.
Sandeep Bhagwati (poésie)
Khosro Berahmandi (peinture)
Hadi Jamali (arts visuels numériques)
Roozbeh Tabandeh (composition, scénographie)
Haleh Vedadi (scénographie)
Juan Mateo Barrera (conception éclairage)
Mélanie Léonard (cheffe d’orchestre)
Jeffrey Stonehouse (flûtes)
Gwénaëlle Ratouit (clarinettes)
Pamela D Reimer (piano)
Hubert Brizard (violon)
Viviana Gosselin (violoncelle)
Lyne Allard (alto)
Pierre-Alexandre Maranda (contrebasse)
Charles Chiovato Rambaldo (percussions)
Virginie Mongeau (soprano)
Gabrielle Cloutier (alto)
Alasdair Campbell (baryton)
PAN M 360 : Comment avez-vous réuni cette équipe considérable?
Roozbeh Tabandeh: Ce sont des artistes que je connais depuis longtemps. Khosro Berahmandi est le premier artiste que j’ai rencontré lorsque j’ai déménagé à Montréal en 2015, et nous avons noué une relation étroite depuis lors. J’ai rencontré Sandeep Bhagwati à Concordia, où j’ai étudié la composition musicale. Au cours des nombreuses années où j’ai étudié avec lui, j’ai travaillé avec lui, j’ai voyagé avec lui, et il reste l’une des personnes les plus influentes dans ma vie artistique. Je connais également Hadi depuis plusieurs années. Sa relation étroite avec Khosro a également été un atout important dans ce projet : les deux artistes visuels ont une compréhension et un respect profonds pour le travail de l’autre. J’ai rencontré Haleh pour la première fois en 1999 à l’école d’architecture en Iran. Nous avons grandi ensemble il y a 26 ans! Nous avons étudié l’architecture dans la même école, avons fondé notre bureau d’architecture qui a été actif pendant environ 15 ans, nous nous sommes mariés, puis avons immigré ensemble à Montréal, et travaillé sur plusieurs productions au fil des ans. Haleh et moi partageons une esthétique artistique extrêmement proche, ou du moins deux facettes complémentaires d’une même vision.
J’ai également une relation très particulière avec Paramirabo. Je suis ami avec la plupart de leurs musiciens et j’ai travaillé avec eux individuellement sur différents projets au cours des dix dernières années. Mais c’est mon premier projet avec l’ensemble au complet. Et ce n’est qu’un début, j’espère! Chants Libres est resté un autre partenaire du projet depuis la présentation d’une première version de l’œuvre dans le cadre de l’OperActuel 2024. Leur structure fluide permet à divers chanteur.euse.s de se joindre à eux et de participer à différentes productions, telles que Songs of the Drowning. Le Vivier nous accompagne depuis l’année dernière en tant qu’organisme hôte et nous avons développé une relation très positive et professionnelle au cours de la production de ce projet.
PAN M 360: Y aura-t-il un document audiovisuel tiré de cette performance?
Roozbeh Tabandeh: Effectivement, le concert et les répétitions seront documentés et mis à la disposition du public dans le futur.
