L’orchestre baroque Arion et le Studio de musique ancienne de Montréal (SMAM) unissaient leurs forces samedi soir à la Maison Symphonique pour le lancement de leur saison respective. Pour l’occasion, un programme dédié aux œuvres composées pour différents souverains britanniques de l’époque. Soulignons que 2024-2025 marque la 50^e saison du SMAM. 

Afin d’être équitable, les deux chefs respectifs dirigeront chacun une moitié de concert et c’est Andrew McAnerney (SMAM) qui s’occupe de la première partie. Malheureusement, le Zadok the Priest de George Frideric Handel qui ouvre le concert manque de direction. Les 22 mesures qui précèdent l’entrée du chœur doivent être interminables de par leur lente progression harmonique, au point que ladite entrée se présente comme une véritable révélation. Or, il y a peu de mouvement et le chœur, malgré une bonne puissance, ne réussit pas à combler le manque. God save the King (à ne pas confondre avec l’hymne national du même nom) est la meilleure partie de cette pièce, grâce à l’agilité démontrée par les choristes dans leurs vocalises, réalisés dans une vitesse rapide. 

Ensuite vint deux anthems a capella, dans lequel il a été possible d’admirer les prouesses vocales des choristes. D’abord, dans O Lord, may Thy servant Elizabeth our Queen de William Byrd, la justesse fait frissonner et par la douceur de leur timbre alors que dans le magnifique O Lord, grant the King a long life de Thomas Weelkes, la direction appliquée à chaque longue note permet aux sept voix de se faire entendre aisément et de dicter le phrasé. 

Il incombe aux directeurs musicaux de nos institutions de décider quelles œuvres s’accrocheront aux fleurons du répertoire pour compléter un programme. Parfois, il appert que l’on subisse une œuvre peu intéressante, manifestement placée pour « faire du temps ». Mais heureusement, et ce fut le cas ce soir, on a droit à une découverte totale d’un bijou que l’on se dit qu’il faudrait revoir en présentiel au moins une autre fois dans sa vie. Les trois anthems pour le couronnement de George III de William Boyce font maintenant partie de cette liste. Le premier anthem est vif, la partie lente pleine de douceur et la fin flamboyante et se termine avec un super beau retard dans la cadence. Le deuxième est sublime, avec comme seul accompagnement le continuo, laissant toute la place au chœur. Me souviens plus du 3^e.

L’anthem qui termine la première partie tombe à plat, malheureusement. Dans My Heart is inditing de Handel, la direction de McAnerney est discrète et manque un peu d’énergie. Il dirige surtout le chœur, qui répond avec beaucoup d’aplomb, mais laisse trop souvent l’orchestre à lui seul. 

Au retour de l’entracte, c’est Mathieu Lussier qui prend la direction dans Music for the Royal Fireworks du même Handel. Sa direction est beaucoup plus engagée et démontre bien les articulations voulues. Dans l’ouverture, les cuivres mènent le bal avec des crescendos francs. On lève notre chapeau aux hautbois et bassons dans la bourrée et le premier menuet pour leur légèreté et l’équilibre sonore.

Dans les deux derniers anthems, Lussier dirige les deux ensembles comme un seul. On remarque les mêmes articulations chez les musiciens et les choristes, plus que dans la première partie. Par exemple, dans Let justice and judgment, deuxième extrait du Let thy hand be strengthened, on sent tout le poids qui est mis sur chaque premier temps de chaque mesure, tant dans l’introduction que dans chaque entrée du chœur. 

En guise de rappel, les chefs McAnerney et Lussier ont offert le célébrissime Hallelujah du Messiah, invitant le public à chanter avec les artistes. Le rapport avec la royauté ? La petite histoire raconte que c’est directement en lien avec la tradition que le public se lève à dans les représentations du Messiah. Lors de la première londonienne, le roi George II se serait levé à ce moment précis lorsqu’il entendit les paroles répétées « King of kings, and Lord of lords ». 

Et quand le roi se lève, tout le monde se lève.

Vendredi à la Maison symphonique, L’Ensemble Caprice et leur chef Matthias Maute présentaient  le premier de leurs quatre programmes de l’année 2024-2025. Il y avait dans ce concert beaucoup de Johann Sebastian Bach et d’humour, des démonstrations pertinentes, un faux et un vrai intrus.

Les trois Concertos brandebourgeois joués furent chacun précédés de transcriptions Maute de Préludes et fugues de… Dimitri Chostakovitch ! Surprenant, mais on comprend par la suite pourquoi il se trouve dans un concert baroque. 

Avant le concert, le chef explique qu’au retour de Leipzig où il a jugé un concours de piano, Chostakovitch eut l’idée d’écrire à son tour des Préludes et fugues, à l’image du cantor. Même s’ils sont écrits dans un style ancien, celui de Chostakovitch apparaît rapidement.

Les transcriptions de Maute sont très bien réalisées, collant même les orchestrations à celles des concertos auxquels les Préludes étaient jumelés. 

Dans le 4^e concerto, on perçoit bien le dialogue entre le violon et les deux flûtes solistes. Le meilleur moment et le mouvement, où le contrepoint est remarquable. Vient ensuite le 1^er concerto, plus dense. On n’a pas affaire ici à des solistes, mais à des groupes de solistes; il y a bien le violino solo (le « bébé violon » selon Maute), mais trois hautbois et deux cors naturels. 

Afin de démontrer comment Bach superpose tout musicalement, le chef demande à chaque section de jouer la première mesure du concerto séparément avant l’exécution. Le public part ainsi avec de solides points de repères pour suivre. En guise de cerise sur le gâteau, pour démontrer ce qu’est précisément un menuet, le premier violon Olivier Brault y va même d’une démonstration de danse, fort appréciée. 

Musicalement, c’est réussi, malgré le fait que l’on perde souvent le violino dans la densité. Les cors ponctuent le rythme des mouvements et les hautbois anciens apportent une couleur ambrée, moins nasillard que le hautbois moderne. Le mouvement lent met particulièrement en valeur ce pupitre dans une équilibre des voix parfait où l’on distingue clairement les trois instruments. 

Tout s’enchaîne ensuite jusqu’à la fin du dernier mouvement, où l’orchestre s’arrête net pour laisser ces mêmes pupitres dans un fantastique duo (ou duel?), où certains se mettent à danser pendant qu’ils jouent. Ce qui fait rire avant de conclure. 

Au retour de l’entracte, autre démonstration de Matthias Maute, celle-ci illustrant la différence entre orchestre symphonique moderne et orchestre baroque. On a droit à un simple accord, avec (moderne) et sans (baroque) vibrato, sur lequel on laisse la note diminuer après l’attaque. 

Vient ensuite une très bonne exécution du symbolique 3^e Concerto brandebourgeois. Symbolique car pour le concerto #3, il y a 3 parties de violons, 3 parties d’altos et 3 parties de violoncelles, donc beaucoup de voix.

La direction de Maute insuffle beaucoup d’énergie et incite les musiciens à aller vers les premiers temps des phrases musicales. 

Celles-ci coulent d’elles-mêmes et s’enchaînent sans relâche. Les rythmes des danses sont habilement soulignés. Maute prend une vitesse juste assez pour garder l’esprit Allegro, tout en gardant le contrepoint clair. Il suffit de suivre le chef pour comprendre où sont les thèmes dans les deux principaux mouvements.

Pour le second mouvement, « le plus court de toute la musique de Johann Sebastian  Bach. Deux accords! », Caprice ne joue que les deux accords, au lieu de laisser un musicien improviser brièvement une cadence, comme c’est souvent le cas. La Musette BWV Anh 126 qui part ensuite est une musique de party tellement envoutante qu’on doit se retenir de taper des mains. Les musiciens se promènent et dansent sur scène. 

Pour introduire la 3^e Suite pour orchestre de Bach, Caprice joue une transcription par Maute de l’Adagio de Tomaso Albinoni, le vrai intrus. D’ailleurs, on désigne dans programme faussement Albinoni comme étant le compositeur de cette pièce, mais en réalité, c’est Remo Giazotto qui, en 1950, composa l’œuvre en se basant sur des morceaux de différentes ébauches d’autres pièces d’Albinoni. Honnêtement, nous cherchons toujours la raison de pourquoi cette pièce faisait partie de ce concert. En plus de ne rien avoir avec la musique de Bach, elle casse l’ambiance entre la Musette et la Suite. Puis, ce ne fut pas une interprétation qui passera à l’histoire. Adagio signifie lentement, ce qui n’est pas le cas chez Caprice, qui prend un tempo plutôt Moderato. 
Pour terminer le concert, la Suite est très appropriée. Maute souligne l’apparition des timbales et des trompettes baroques, qui ponctuent par la suite les rythmes des différentes danses. Dans l’Air, connu pour pouvoir être joué sur la corde de sol, les violons se surpassent dans un phrasé et un soutien, sans vibrato, des notes impeccables. On sent l’appui de l’orchestre sur les dissonances qui contribuent au lyrisme de la mélodie. Bref, on va là où on n’est pas allé dans Albinoni/Giazotto.

Crédit photos: Tam Lan Truong