Critique de concert

post-rock / shoegaze / slowcore

FME 2026 I Moiré, c’est du « slowcore » pour les esprits fatigués

par Stephan Boissonneault

Réseaux sociaux

Ne nous voilons pas la face. J’étais complètement à bout dimanche en début de soirée, le dernier jour du FME. J’avais juste besoin de dormir, mais il y avait bien sûr encore des groupes à chroniquer. Je suis entré dans la salle plongée dans l’obscurité du 55, rue Dallaire, et je suis tombé par hasard sur un concert de Moiré, un groupe de grunge-gaze de six musiciens originaire de Malartic. Les riffs étaient lourds, mais discrets, pleins de bends de guitare d’un demi-ton ou d’un ton entier qui vous déstabilisent, et de fills de basse et de batterie assez nébuleux.

C’était un peu trop pour mon esprit fatigué, et dans d’autres circonstances, j’aurais peut-être apprécié. Cela rappelait Duster ou même Have A Nice Life, mais avec des paroles en français. Mais dès la quatrième chanson, avec ses sons lancinants, mes paupières sont devenues ridiculement lourdes, et j’ai commencé à me balancer, plongé dans un coma induit par la demi-sommeil. Le chant, composé de divers gémissements ou hurlements en français, semblait lui aussi très lancinant et ne faisait rien pour me sortir de ma sieste debout.

La scène baignait dans une lueur violette, et par moments, j’avais vraiment l’impression de rêver. Les voix étaient également assez en retrait dans le mixage, ce qui rendait difficile de comprendre ce qui était réellement chanté. L’accompagnement musical était toujours aussi lourd, comme une dalle de béton, et j’étais content de pouvoir enfin m’affranchir de son emprise. Peut-être que si j’avais vu Moiré, et que ça n’avait pas été le dernier jour de ce festival endiablé, j’aurais un peu plus apprécié le concert.

Afrique / Moyen-Orient / Levant / Maghreb

Fête de la musique | Lumineux Moneka Arabic Jazz

par Alexandre Villemaire

Malgré la pluie et la froideur qui balayaient le village piétonnier de Tremblant, il y a avait du soleil sur la scène de la place Saint-Bernard grâce à Ahmed Monkeka et son Moneka Arabic Jazz.

Il est né en Irak et maintenant basé au Canada, dont il est citoyen, son enfance en Irak lui a permis de découvrir une riche culture dans les domaines du théâtre, du cinéma et de la télévision. Cela lui a entre autres donné l’occasion de plonger dans un milieu musical qui mettait à l’honneur et préservait les traditions soufies afro-irakiennes, traditions qui l’habitent et qui l’animent sur scène et qu’il communique dans sa musique avec un enthousiasme et une énergie contagieuse.

Puisant dans les racines musicales des peuples africains et arabes, il mélange allègrement les genres musicaux allant du reggae, au funk en passant par le soul. Moneka et ses musiciens proposent un voyage humain à travers un mélange des genres et des esthétiques. Cela passe entre autres par des textes évocateurs et des représentations musicales évocatrices. Nommé aux prix Juno pour son album Kanzafula, il en reprend plusieurs des grands titres.

Il a ouvert le concert avec sa pièce The Sea, un air serein et lumineux qui, telle la mer, peut se déchaîner, comme l’illustrent ses musiciens dans le postlude instrumental. Nous avons eu droit également à une participation du public dans la très belle pièce Aman, qui peut se traduire par « sécurité» et qui se veut un hymne à la protection des êtres vivants. Le contour mélodique est soyeux et la répétition du motif transcendental est ressentie comme un mantra.

Pour mener ce concert, Ahmed Moneka était entouré d’une impressionnante brochette de musiciens, d’origines variées, et qui brillent chacun dans leur expertise instrumentale. Citons  le batteur canadien Max Senitt, le bassiste soudanais Waleed Abdulhamid, à qui l’on doit également des lignes d’accompagnement vocal mélismatique, le violoniste Fathi Najem d’Algérie, le saxophoniste  turc Selcuk Suna ou encore le claviériste grec Demetrios Petsalakis, qui joue également de l’oud et de la guitare.

La cohésion d’ensemble est maximale et le plaisir tout autant!

Pour découvrir Ahmed Moneka, son groupe, son histoire et sa musique de manière plus complète, vous pouvez consulter cette entrevue réalisée par Alain Brunet dans le cadre de l’édition 2025 du Festival du Monde arabe.

Publicité panam
classique moderne / classique occidental / musique contemporaine / musique de chambre

Fête de la musique | Le saxophone en voyage avec le Duo Aster

par Alexandre Villemaire

Les voyages musicaux sont un thème en filigrane, volontaire ou non, qui se dégage dans plusieurs concerts de musique de chambre à la Fête de la musique. Après le duo CordaVox de la soprano Lucie St-Martin et du guitariste Bruno Gauthier-Bellerose, c’était au tour du Duo Aster de Clio Theodoridis, saxophoniste et Jonathan Nemtanu, pianiste, d’emmener le public en voyage avec son programme Cartes postales. 

Par l’entremise d’arrangements de pièces connues et de pièces originales, le Duo Aster amène le public à découvrir la richesse et la créativité dont le saxophone est capable, le tout dans une démarche artistique qui fait une incursion dans les musiques issues de diverses traditions culturelles, du klezmer à la musique d’Orient, en dialoguant avec la musique classique contemporaine. Et pour parler de son instrument et du programme, le couple de musiciens que forment Clio Theodoridis et Jonathan Nemtanu n’a pas son pareil. Pétillant, pédagogue et allumé, ils ont charmé par leur jeu musical, mais également par leur communication avec le public.

Comme première carte postale, nous nous sommes arrêtés en Crète, île d’origine de Clio avec la Suite hellénique de Pedro Iturralde, avec son rythme dansant irrégulier et ses inflexions presque jazzées. D’un morceau moins connu, on passe à une œuvre incontournable, avec la Czardas du compositeur italien Vittorio Monti. La couleur plaintive et langoureuse du saxophone alto sied parfaitement à cette danse traditionnelle hongroise au caractère sensuel et énergique.

Les deux pièces suivantes étaient ancrées sur le continent nord-américain avec extrait de la trame sonore du film Catch me if You Can, composé par John Williams, et une une pièce en deux mouvements Récit et Lied, de Mathieu Lussier, qui rend hommage à la métropole enneigée de Montréal.

La pièce de résistance du duo est cependant assurément Asturias d’Albéniz, qui rivalise d’agilité rythmique ou les lignes musicales véloces du piano et du saxophone se confondent et se marient avec précision.

crédits photo : Tremblant

Publicité panam

baroque / classique moderne / classique occidental / musique de film

Fête de la musique 2026 | Timothy Chooi et son violon envoûtent Tremblant

par Alexandre Villemaire

« Si Angèle Dubeau invite un violoniste, c’est qu’il doit être pas mal bon ». C’est ainsi que la directrice artistique a introduit un des nombreux musiciens classiques qui composent le florilège d’artistes présents pour cette 26e édition de la Fête de la musique de Tremblant. La corde sensible d’Angèle Dubeau est bien tendue et fort résonnante, car le violoniste de 32 ans Timothy Chooi a offert au public de Tremblant une performance sur scène extérieure digne des plus importantes et grandes scènes de concert.

Reconnu pour sa virtuosité et la profondeur expressive de son jeu, lauréat du Premier Prix du Concours international de violon Joseph Joachim et du prestigieux Yves Paternot Prize du Festival de Verbier, Chooi jouit d’une florissante carrière internationale, avec des collaborations incluant le Royal Philharmonic Orchestra et le Toronto Symphony Orchestra, ainsi que plusieurs débuts avec des orchestres et festivals européens majeurs.

Professeur de violon à l’Université d’Ottawa, cet excellent musicien aux origines multiples (Chine, Indonésie, Malaisie) est également reconnu pour ses enregistrements et son rayonnement international, depuis ses débuts remarqués avec l’Orchestre symphonique de Montréal.

Titré à partir du nom de  l’emblématique film de François Girard Le Violon Rouge, ce concert présenté à la fête de la musique, appelle au souvenir et à la nostalgie. À l’image du film qui traverse plusieurs époques, Chooi, à qui nous avons pu échanger quelques instants avant qu’il monte sur scène, a conçu ce programme en suivant cette idée de connexion avec le temps et de ce violon qui traverse les générations.

Il a ouvert le concert avec la Chaconne de Vitali, suivi du Caprice du Violon rouge composé par John Corigliano pour terminer avec la fameuse Sonate pour violon de César Franck.  Signe que le destin fait bien les choses, son pianiste collaborateur Eden Chen, nous confiait également que lorsqu’il était jeune, la mère d’un des élèves du studio où il étudiait était celle qui incarnait la petite fille dans le film! 

Dès les premières notes, Timothy Chooi, soutenu de manière éloquente et feutrée au piano par Eden Chen, a séduit le public par une interprétation sensible et raffinée. Les différents caractères traversant le caprice étaient habités par un jeu tantôt intempestif, tantôt calme. La conclusion qu’il a offert avec la sonate de Franck avec ses trois mouvements typiques du lyrisme français du XIXe siècle a été envoûtante.

crédits photo : Tremblant

Publicité panam
hardcore / sludge

FME 2026 I Double Truck, double violence

par Saleh Balfaqih 
Par un après-midi de samedi ensoleillé, alors que je manquais cruellement de sommeil et que je luttais contre une migraine carabinée, j’ai eu l’occasion de voir Truck Violence sur scène.
Le groupe est une figure de proue de la scène hardcore montréalaise depuis quelques années et, ce jour-là, il devait se produire à deux reprises. Le premier concert a eu lieu en salle ; c’était une prestation plus calme, avec des enfants dans le public. Plus tard dans la soirée, ils ont donné un concert secret en plein air, devant une poutine ouverte 24 heures sur 24, et ils ont tout donné. Étrangement, après avoir enchaîné ces deux prestations de Truck Violence, je me suis senti revigoré.

Le chanteur Karsyn Henderson impose une présence saisissante ; il arpente la scène avec assurance, telle une figure de prédicateur baptiste du Sud en plein sermon. Il est à la fois intense et féroce, tout en laissant transparaître une certaine tendresse. Le meilleur exemple en est sans doute la rare accalmie des deux concerts — une sombre ballade folk au banjo — où il chante I like it here right now (J’aime être ici, en ce moment) sur le titre Guns Buried in the Front Yard, sa voix se brisant dans une inflexion empreinte de douleur. 
Le guitariste Paul Lecours et le bassiste Chris Clegg forment un duo soudé, propulsant les morceaux avec une telle puissance qu’on a envie de démolir un mur à coups de masse. À d’autres moments, leurs riffs lourds et poisseux donnent l’impression de patauger dans du goudron épais. Le nouveau venu du groupe, le batteur Thomas Hart, a martelé ses fûts avec une force et une férocité explosives.
Ensemble, les mecs de Truck Violence constituent une force impossible à ignorer. La qualité reste constante d'un set à l'autre. Truck Violence est aussi une véritable forge : intense, percutante, avec de brefs répit. Quand ils sont lancés, rien ne les arrête. Qu'on le veuille ou non, on est emporté par le tourbillon. 
Impossible de résister à l'envie de bouger.

Experimental / percussions / post-punk

FME 2026 I Mek’Dr’Dr apporte des pelles et du post-punk décalé à Rouyn-Noranda

par Stephan Boissonneault

Mek’Dr’Dr, le duo post-punk minimaliste bruxellois composé de Mien Heyvaert (chant, basse) et Sara De Wit (chant, percussions), remporte haut la main le titre du groupe le plus inventif du FME cette année.

Sans oublier que leur nom est tout simplement hilarant à essayer de prononcer : mik der der, MEK DUR DUR, Mek Dr. ? Alors que nous nous approchions du concert secret par une douce fin d’après-midi, les yeux encore embrumés par la gueule de bois et la perception voilée par le soleil, la musique de Mek’Dr’Dr, fantaisiste et pleine de vie, résonnait sur les remparts de la ville. Le duo flamand interprétait des morceaux tirés de son premier album, No Safer Place Than a Toilet Seat.

Les voix résonnaient, avec des harmonies vocales entre De Wit et Heyvaert qui rappelaient presque le style de Björk, accompagnées d’une ligne de basse entraînante, d’instruments et d’objets percussifs (littéralement n’importe quoi, comme une pelle, des morceaux de bois, des carillons ou un xylophone Fisher-Price) et d’une vieille boîte à rythmes qui décidait parfois de s’arrêter net.

L’ambiance générale de Mek’Dr’Dr est assez expérimentale, notamment en raison de la grande variété d’objets percussifs entre lesquels De Wit alterne. Par moments, le duo faisait penser à des dauphins, me rappelant les B-52’s, et à d’autres, il transcendait les genres, mais là encore, c’était toujours plein de vie et, faute d’un meilleur mot, de bonne humeur. Pour la dernière chanson, De Wit a soufflé dans une bouteille de bière et de vodka en rythme avec la boîte à rythmes et la basse. C’était la conclusion parfaite de ce set ingénieux.

FME 2026 I Hologramme transforme le Petit Théâtre en discothèque torride

par Stephan Boissonneault

D’habitude, je ne suis pas vraiment fan des concerts électro du FME, car je fais le plein à MUTEK une semaine avant, mais cette année, je n’ai pas pu y aller.

Le mélange hétéroclite de substances dans mon organisme, associé à de très nombreuses bières, me donnait aussi envie de bouger ; un concert électro me semblait donc être le choix idéal. Alors que nous nous faufilions dans la salle obscure du Petit Théâtre, Clément Leduc, connu sur la scène électronique sous le nom d’Hologramme, déchaînait des synthés véritablement cinématographiques, aux accents d’Interstellar, pleins de bips et de blips.

La toile de fond ressemblait à une sorte d’hyperespace, une grille émeraude qui bougeait et pulsait au rythme des samples bruyants. Hologramme n’est pas un DJ électro comme les autres : ses drops house n’arrivent jamais quand on s’y attend, et juste au moment où l’on commence à ressentir le rythme brumeux, il change complètement de registre, jouant aux échecs 3D intergalactiques avec notre esprit. L’ambiance « Interstellar » s’est poursuivie, surtout après que la grille s’est transformée en images 2D de l’atmosphère terrestre, et qu’Hologramme nous a enfin libérés de sa basse implacable et mutante. Par moments, le spectacle était trop intense pour mon esprit fragile, tandis qu’à d’autres, j’ai perçu une affinité proche de celle de Bonobo ou de Com Truise.

Le Petit Théâtre s’est rapidement transformé en discothèque en sueur, et pendant les 20 minutes que j’y ai passées, tout semblait aller pour le mieux et un peu moins pesant à Rouyn-Noranda.

FME 2026 I Lou-Adriane Cassidy transforme la scène principale en son propre couronnement disco-funk

par Stephan Boissonneault

Même si je sais qu’elle est présente et très populaire au Québec depuis plusieurs années, c’est lors du FME de 2022 que j’ai découvert pour la première fois cette sensation de l’art-pop francophone qu’est Lou-Adriane Cassidy. Son concert sur la scène principale a donc été pour moi une sorte de retour aux sources.

Depuis son concert au FME de 2022, Lou-Adriane Cassidy a sorti trois albums, dont les plus récents sont Triste Animal et Journal d’un Loup-Garou, et elle est passée du statut de rockeuse indie jouant parfois de la guitare (comme lors de son concert au FME 2022) à celui de leader charismatique d’un formidable groupe de disco-funk.

Son interprétation de « Jamais tout à fait » était envoûtante : sa voix s’est ralentie jusqu’à devenir un murmure, dans un style jazz et adult contemporary, avant de donner le signal à son groupe de lancer la ligne de synthé aux accents italo-disco. Elle a également transformé tout le public en chœurs pendant « Valse frustrée » — des milliers de voix englouties dans l’air nocturne de l’Abitibi.

Je préfère le rythme plus improvisé de Triste Animal, le groupe de Lou-Adriane Cassidy, surtout en concert : c’est comme regarder quelqu’un passer d’une séance de spiritisme à une veillée autour d’un feu de joie. Sa voix maîtrisait les deux registres sans effort, descendant vers un grognement presque rauque à un moment, puis flottant vers des hauteurs angéliques et s’accrochant à l’air nocturne l’instant d’après.

punk / punk rock

FME 2026 I Thee Soreheads, neurochirurgiens de sous-sol

par Lyle Hendriks

La pénombre qui précède le début d’un concert peut sembler durer une éternité sous l’effet de certaines substances. C’est en tout cas ce que j’ai ressenti alors qu’une foule impatiente attendait que Thee Soreheads montent sur scène, peu après minuit, lors de la soirée du samedi au FME. Au fur et à mesure que les minutes s’étiraient, nous guettions le moindre signe de la chanteuse Maria Jimenez et de sa joyeuse bande de punks. Fidèles à la tradition punk, ils nous ont fait attendre, laissant la foule et son impatience monter en puissance avant d’enfin entamer le premier d’une longue série de morceaux déjantés et endiablés.

Thee Soreheads enchaînent les morceaux à toute allure, avec un mélange de désinvolture et de précision. Contrairement à de nombreux groupes punk, ils ne noient pas leurs riffs et leurs mélodies dans un mur de fuzz totalement indistinct. Ici, tout trouve sa place : qu’il s’agisse d’un riff de basse rugissant et parfaitement synchronisé de Hugh Lapham, d’un nouveau fill audacieux à la batterie de Seyjii Schultz, des riffs écrasants et implacables de la guitariste Ally McPake, ou encore, bien sûr, des déclarations accrocheuses d’intentions violentes de Jimenez au chant.

Bénéficiantd’une formation théâtrale, Jimenez semble, sur scène, se glisser à la fois dans la peau d’un personnage et revêtir une armure. Ses paroles véhiculent des messages poignants sur l’objectivation des femmes, le consentement et l’agonie quotidienne de la vie de femme. Ses mots jaillissent sans pitié. Elle fixe du regard les hommes présents dans la salle, leur lançant des paroles de condamnation avec une clarté impitoyable, avant de s’effacer pour laisser le groupe se déchaîner dans une nouvelle explosion passionnée de rock’n’roll endiablé aux accents surf.

Thee Soreheads m’ont tout de suite parlé. Ils grattent une démangeaison profonde et lancinante avec une précision chirurgicale et une intensité frénétique. C’est une interprétation magistrale et ludique d’idées simples, qui raffine ce genre très apprécié pour en faire une solution puissante et pure que peu de gens peuvent ignorer.

classique moderne / classique occidental / folk / traditionnel

Fête de la musique 2026 | CordaVox et les voyages musicaux

par Alexandre Villemaire

Le duo CordaVox, composé de la soprano Lucie St-Martin et du guitariste Bruno Gauthier-Bellerose, proposait au festivalier de la Fête de la musique une invitation au voyage avec leur concert intitulé Mélodies nomades.  À travers des morceaux emblématiques des traditions orales et folkloriques, les deux interprètes viennent tisser un savant mélange entre l’héritage populaire et l’écriture classique, illustrant entre autre comment des compositeurs ont utilisé les mélodies folkloriques et traditionnelles, bien souvent non européennes, dans leur création.

Le voyage commence en Espagne, notamment avec la musique de Joaquin Rodigo que Lucie St-Martin interprète avec mordant et sensualité. Nous remontons par la suite la Méditerranée pour atterrir en Grèce avec les Cinq mélodies populaires grecques de Maurice Ravel. Cycle de mélodies régulièrement joué dans les récitals de chant dans sa version originale avec piano, la proposition artistique qui en fait par la transcription pour guitare confère au texte et a la musique une dimension plus intimiste, voire même plus authentique, quant au contexte d’interprétation et au sujet dont il est question. Les mélodies traçant en filigrane un affect de festivités populaires, la guitare magnifie cette dimension de proximité avec les gens lors de rassemblement et l’aisance qui vient avec le fait d’être accompagné à la guitare.

Le prochain arrêt était proche de nous, puisqu’il s’agissait de mélodies populaires de la Nouvelle-France et du Québec extraits du recueil Le Rossignol y chante dont les pièces ont été colligées par Marius Barbeau. Ici, le duo a opéré le processus inverse de création en apposant leur propre arrangement de ces chants. Notons parmi ces airs, des moins connu comme Le roi des amoureux, et des indémodables comme À la claire fontaine, considéré comme l’hymne officieux de la Nouvelle-France, interprété tout en délicatesse. On ne peut interpréter à la guitare des chants du Québec sans passer par Félix Leclerc. Le père de la chanson québécoise a été honoré avec une interprétation de son Hymne au printemps. 

Assurément, l’interprétation la plus originale est venue du Brésil, avec des extraits du, peu connu, oratorio Floresta do Amazonas, dont Lucie St-Martin en a tiré deux chansons pour soprano. À contrario des autres pièces du programme qui emploie du matériel folklorique comme base créative, Villa-Lobos créé ici du matériel original fortement imprégné des racines pour son Brésil natal. La Chanson d’amour qui en a été extraite notamment était d’un naturel dans cet habillage porté par un texte somptueux et lyrique rendu de manière tout aussi éloquente.

crédits photo : Tremblant

Publicité panam
baroque / classique occidental

L’Ensemble Caprice ouvre la Fête de la musique de Tremblant sur une note éclatante

par Alexandre Villemaire

Le cadre était des plus bucoliques ce 4 septembre en l’église de Saint-Jovite. Malgré un temps nuageux et une température qui nous rappelle malheureusement que l’été tire tranquillement à sa fin, la musique de Johann Sebastian Bach a réchauffé les âmes au cœur des Laurentides, entre montagnes pour le coup d’envoi de la 26ème édition de la Fête de la musique de Tremblant. « Une fête de toutes les musiques » comme le soulignait sa fondatrice et directrice artistique Angèle Dubeau dans son allocution de bienvenue.

C’est à Matthias Maute et à l’Ensemble Caprice que revenait la tâche d’ouvrir cette célébration musicale. Maute et ces musiciens ont offert un programme centré autour des concertos brandebourgeois de Bach et qui mettait à l’honneur le jeu des différents instrumentistes de manière éloquente, le tout précédé d’une pièce instrumentale, sorte de prélude pour mettre l’oreille en action. Après un Largo sensuel offert par le violon solo Olivier Brault, c’est avec des extraits du Deuxième concerto brandebourgeois que les musiciens se sont exécutés. Chacun des quatre instruments présentés dans cette œuvre (cor, hautbois baroque, violon et flûte) ont été mis en valeur avec des lignes distinctives et caractéristiques. Le ton de ce concerto était festif, langoureux dans le deuxième mouvement avec la flûte et le hautbois qui s’entrelace, soutenu par le continuo et lumineux. Saluons par ailleurs le travail du corniste, qui jouait sur un cor naturel, c’est-à-dire sans piston, ce qui est d’une grande difficulté. L’interprétation subséquente du Quatrième concerto brandebourgeois est venue apporter un changement de ton avec un caractère somptueux, oscillant entre moment élégiaque et plaintif et presque espiègle dans le dernier mouvement. Elle était précédée d’une interprétation par Matthias Maute de la Courante extrait de la Suite pour flûte seul de Bach, extrait qui a été choisi par le public!

Deux moments particulièrement forts ont marqué cette soirée. D’une part, l’interprétation de la fameuse Chaconne en ré mineur, arrangé ici pour deux flûtes et violoncelle, à plonger l’assistance dans une écoute transcendantale et méditative avec des lignes mélodiques qui se complètent avec intelligence. 

L’autre moment fut l’interprétation tout à fait virtuose offerte au clavecin par Elizaveta Miller qui s’est emballée dans une tirade au caractère presque jazzé, avec tous les passages chromatiques qu’on pouvait y déceler. Le concert s’est conclu à l’image de la soirée, entre moment d’allégresse et de fête avec le fameux Air sur la corde de sol suivi d’une fanfare festive. Une conclusion appropriée pour lancer les festivités de la longue fin de semaine ici à Tremblant.

Publicité panam
hip-hop / R&B / rap français / soul/R&B

FME 2026 I Muhoza apporte la joie, purement et simplement

par Saleh Balfaqih

À la veille de la sortie de leur album, Prends soin de toi, j’ai eu la chance de tomber par hasard sur Muhoza, un rappeur camerouno-rwandais installé à Montréal, accompagné de son groupe de huit musiciens. Sa musique mêle le rap jazz à des éléments de R&B, créant ainsi un son à la fois dynamique et incroyablement fluide.

S’il fallait choisir un mot pour décrire leur prestation, ce serait « contagieuse ». Muhoza rappe avec clarté et intensité, tout en rayonnant d’une joie pure et authentique. Il virevolte sur scène, encourageant son groupe et leur tapant dans la main entre les morceaux. Son groupe lui rend cette énergie au centuple. Tout le monde a l’air sincèrement heureux d’être là.

Son bras droit, Carson [Alphonse], est présent sur presque tous les morceaux. Sa voix soul et ses enchaînements vocaux habiles complètent à merveille le rap de Muhoza, généralement sous la forme d’un refrain accrocheur ou d’un magnifique chœur. Les deux artistes se complètent sans forcer.

Not enough can be said about the rest of his band. Somaya, a Montreal-based singer, brings a softer vocal touch, while Bianka, the man who can’t seem to stop smiling, lays down tasteful guitar licks. Then there’s his saxophonist and flutist, Noah Tremblay-Mimouni, who weaves flourishes of jazz into the music. Each member brings something great to the table. 

Look, I can’t speak French. I have no idea what any of the songs are about. But if we’re going to challenge the age-old (corny) idea that music transcends language, there’s no better artist to make the case than Muhoza.

Inscrivez-vous à l'infolettre

Inscription
Infolettre

« * » indique les champs nécessaires

Type d'abonné