Africa / Flamenco / West African traditional music

Malasartes | Noubi and His Melting Pot of Sounds

by Sandra Gasana

Accompanied by flamenco composer and guitarist Caroline Planté and Venezuelan Héctor Alvarado Pérez on bass, it did not take too long for Noubi to invite Argentine saxophonist Damian Nisenson on stage. The latter, who had introduced the evening a few minutes earlier, is the man behind Malasartes, the creation and production company behind this series of autumn concerts.

Noubi’s themes range from youth issues, politics and individualism in Western societies, to denouncing violence in all its forms, as he does in the track Nanela. It was during this track that the audience began to dance, unable to sit still any longer, as Noubi got the audience involved in the chorus in Wolof.

He takes the time to thank his audience after each track, in French and in Wolof, his mother tongue. Indeed, this native of Saint-Louis in Senegal is very attached to his language, since all his tracks are in his native tongue, to which he adds a few French lyrics here and there. Caroline and Héctor also sing backing vocals in Wolof on some tracks, adding an extra element of surprise to the show. Mainly on his cajon, he plays guitar once or twice, complementing his musicians. The strong complicity, especially with Damian, was felt throughout the show, the two having worked together for several years since his debut in Montreal, as part of Diversité artistique Montréal’s mentoring program.

Noubi also pays tribute to his mom on Légui, “thanking the woman who made him the man he is today”, he confides. He also shares his collaborations with great artists such as Brazil’s Bia Krieger and Mexico’s Mamselle Ruiz, on the track Sourire, both of whom are unfortunately absent.

In the track Autrement, he invites the audience to take “a new look at the world, a new look at life”, between the jerky rhythms of the cajon and the flamenco guitar, which merge perfectly. I was surprised to see how well the rhythms of Mbalax went with the flamenco style, an original combination. And that’s exactly what came out of this concert: Noubi’s openness to others, to other rhythms from Latin America and elsewhere, all with originality, while inviting the audience into his Senegalese-Quebecois universe. A true melting pot of sounds.

expérimental / contemporain / Folk / Pop

Mundial Montréal : VÍÍK + Empanadas Ilegales + Laura Low + La Sra. Tomasa + Zale Seck + Les Rats d’Swompe

by Rédaction PAN M 360

Mundial Montréal, en collaboration avec Stingray, présente les vitrines officielles de VÍÍK, Empanadas Ilegales, Laura Low, La Sra. Tomasa, Zale Seck et Les Rats d’Swompe.

Mundial Montréal, in collaboration with Stingray, presents the official showcases of VÍÍK, Empanadas Ilegales, Laura Low, La Sra. Tomasa, Zale Seck and Les Rats d’Swompe

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Jazz / Tango

Malasartes : Amichai Ben Shalev, bandonéon solo + RadioTango présente Gran Bailongo Gran

by Rédaction PAN M 360

Amichai Ben Shalev, bandonéon solo (20h30)

Amichai est un artiste sensible et captivant, doté d’une technique remarquable, d’un contrôle exceptionnel du souffle et d’une perspicacité interprétative. Il comprend le caractère de chaque composition qu’il interprète et utilise les variations tonales appropriées ainsi qu’une stabilité rythmique parfaite. En plus de sa superbe prestation, il est capable d’apporter des explications et des éclairages sur les œuvres, ainsi que sur la construction technique et les défis de l’instrument. Son savoir, combiné à son immense talent, est rare et ne doit pas être manqué si l’occasion se présente.

Amichai is a sensitive and captivating artist, endowed with remarkable technique, exceptional breath control and interpretive insight. He understands the character of each composition he performs, using appropriate tonal variations and perfect rhythmic stability. In addition to his superb performance, he is able to provide explanations and insights into the works, as well as the technical construction and challenges of the instrument. His knowledge, combined with his immense talent, is rare and should not be missed if the opportunity arises.

RadioTango présente Gran Bailongo Gran (21h45)

C’est le grand bal de clôture de cette Série 2024! Depuis 2010, RadioTango promène son tango des nuits de danse aux scènes des festivals du Québec. L’ensemble s’inspire du répertoire des grands orchestres des années 30, 40 et 50, considérées comme l’âge d’or du tango argentin. Pour l’occasion, la Sala Rossa deviendra un ballroom à l’ancienne. Les contacts établis avec des « milongas », écoles de Tango-danse, de Montréal, Laval et la Rive Sud nous assurent une forte affluence de danseurs de cette « tristesse qui se danse » et dont Montréal est la capitale nord-américaine.

It’s the grand finale of the 2024 Series! Since 2010, RadioTango has been taking its tango from dance nights to festival stages across Quebec. The ensemble draws its inspiration from the repertoire of the great orchestras of the 30s, 40s and 50s, considered the golden age of Argentine tango. For the occasion, the Sala Rossa becomes an old-fashioned ballroom. Contacts established with “milongas”, or tango-dance schools, in Montreal, Laval and the South Shore ensure a strong influx of dancers of this “sadness that dances”, of which Montreal is the North American capital.

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Bossa Nova / Contemporary / Jazz / Klezmer

Malasartes : Kleyn Kabaret lance De Mémoire + Damian Nisenson/Siestas

by Rédaction PAN M 360

Kleyn Kabaret lance De Mémoire (20h30)

Ce jeune ensemble est dédié à l’interprétation de la chanson yiddish. Ce spectacle sera l’occasion pour Kleyn Kabaret de présenter les pièces de son nouvel album, composé de chants militants et révolutionnaires de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, ainsi que de chansons populaires des comédies musicales des années 1920 à 1950, toujours en yiddish, et dont ils font une relecture libre et contemporaine, tout en gardant leur nature et leur profondeur émotionnelle. Dans le Plateau Mont-Royal, quartier qui garde encore les traces de la forte présence juive au XXe siècle, Kleyn Kabaret fait revivre un peu de ce monde disparu, les Leonard Cohen, Mordecai Richler, Schwartz’s Deli ou Moishe’s qui l’habitent encore.

This young ensemble is dedicated to the interpretation of Yiddish song. In this show, Kleyn Kabaret will present songs from their new album, featuring militant and revolutionary songs from the late 19th and early 20th centuries, as well as popular songs from musicals from the 1920s to 1950s, all in Yiddish, which they have reinterpreted in a free and contemporary way, while retaining their nature and emotional depth. In the Plateau Mont-Royal, a neighborhood that still retains traces of the strong Jewish presence of the 20th century, Kleyn Kabaret brings back to life a little of that vanished world, the Leonard Cohen, Mordecai Richler, Schwartz’s Deli or Moishe’s that still inhabit it.

Damian Nisenson/Siestas (21h45)

Siestas est le projet de chansons en espagnol composées par Damian Nisenson. Se croisent alors sur ce projet la chanson latine, le jazz contemporain, la bossa nova, le blues, le tango nuevo, le klezmer, l’impressionnisme français et la musique contemporaine. Sur scène, pour accompagner l’artiste, on retrouvera Bernard Falaise (guitare), Guillaume Martineau (piano), Jean-Félix Mailloux (contrebasse), Pierre Tanguay (batterie) et Chantal Bergeron et Miranda Nisenson (violons).

Siestas is a project of songs in Spanish composed by Damian Nisenson. The project brings together Latin chanson, contemporary jazz, bossa nova, blues, tango nuevo, klezmer, French impressionism and contemporary music. Accompanying the artist on stage will be Bernard Falaise (guitar), Guillaume Martineau (piano), Jean-Félix Mailloux (double bass), Pierre Tanguay (drums) and Chantal Bergeron and Miranda Nisenson (violins).

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Alt Folk

Coup de coeur francophone : Nicolet

by Rédaction PAN M 360

Hors des sentiers battus, l’auteur-compositeur-interprète, multi-instrumentiste et réalisateur Étienne Hamel poursuit sa route qui fera escale au Coup de cœur, pour offrir, entouré de complices musiciens, le spectacle-lancement de Orées, le troisième album de son projet qu’il définit de folk exploratoire. Un projet dont la démarche de création a fait appel à l’introspection tout en laissant libre cours aux suggestions de l’inconscient.

Off the beaten track, singer-songwriter, multi-instrumentalist and producer Étienne Hamel continues his journey, stopping off at Le Coup de cœur to present, surrounded by his musical accomplices, the show-launch of Orées, the third album in his project, which he defines as exploratory folk. It’s a project whose creative process calls for introspection, while giving free rein to the suggestions of the unconscious.

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Africa / Punk Rock

Malasartes : Noubi Trio + 1 + Dumaï Dunaï

by Rédaction PAN M 360

Noubi Trio + 1 (20h30)

Noubi est un artiste-musicien, un comédien et un conteur a fait ses premiers pas artistiques dès son plus jeune âge au Sénégal, puis s’est enrichi en développant plusieurs projets en France. Il a déposé ses valises à Montréal en 2016 pour offrir une musique afro-acoustique très contemporaine qui s’affranchit des frontières culturelles et musicales et dans laquelle s’entremêlent différentes influences. Socialement engagé, muni d’un charisme singulier, assis sur son cajón et guitare à la main, il puise ses inspirations dans le quotidien de l’Afrique de l’Ouest pour nous embarquer dans les rues du vieux continent. Noubi sera accompagné par la merveilleuse guitariste Caroline Planté, du bassiste Héctor Alvarado Pérez, et Damian Nisenson aux saxophones.

Noubi is an artist-musician, actor and storyteller who took his first artistic steps at an early age in Senegal, then enriched himself by developing several projects in France. He settled in Montreal in 2016 to offer a highly contemporary Afro-acoustic music that breaks free from cultural and musical boundaries and in which different influences intermingle. Socially engaged, equipped with a singular charisma, sitting on his cajon and guitar in hand, he draws his inspiration from the everyday life of West Africa to take us on a journey through the streets of the old continent. Noubi will be accompanied by the wonderful guitarist Caroline Planté, bassist Héctor Alvarado Pérez, and Damian Nisenson on saxophones.

Dumaï Dunaï (21h45)

Cet ensemble basé à Montréal possède un son tout à fait éclectique. Formé en 2021, il apporte les grooves profonds du dub et l’énergie du punk rock aux anciens styles de chant slaves et à la fureur euphorique des fanfares de mariage des Balkans. Natalia Telentso et Eli Camilo chantent et écrivent des paroles dans plusieurs langues, dont l’ukrainien, l’anglais, le serbe et le français, et le groupe, diversifié, compte des membres originaires d’Ukraine, de Bulgarie, du Canada et des États-Unis.

This Montreal-based ensemble has an eclectic sound. Formed in 2021, they bring the deep grooves of dub and the energy of punk rock to ancient Slavic singing styles and the euphoric fury of Balkan wedding bands. Natalia Telentso and Eli Camilo sing and write lyrics in several languages, including Ukrainian, English, Serbian and French, and the diverse band includes members from Ukraine, Bulgaria, Canada and the USA.

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Alternative Rock / Stoner Rock

M pour Montréal : FUUDGE + Milk TV + Manon Meurt

by Rédaction PAN M 360

Ouverture des portes: 21h00
Spectacle: 22h00
Manon Meurt (22h)
Milk TV (22h50)
FUUDGE (23h40)

Doors: 9 pm
Show: 10 pm
Manon Meurt (10 pm)
Milk TV (10:50 pm)
FUUDGE (11:40 pm)

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Experimental / Contemporary / Industrial / Punk Rock

M pour Montréal : Slash Need + Truck Violence + TVOD + Hot Garbage + Alix Fernz

by Rédaction PAN M 360

Ouverture des portes: 21h00
Spectacle: 22h
Alix Fernz (22h00)
Hot Garbage (22h45)
TVOD (23h30)
Truck Violence (00h15 pm)
Slash Need (1h)
Anthony Piazza (Artiste visuel)

Doors: 9 pm
Show: 10 pm
Alix Fernz (10 pm)
Hot Garbage (10:45 pm)
TVOD (11:30 pm)
Truck Violence (00:15 pm)
Slash Need (1 am)
Anthony Piazza (Visual Artist)

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Avant-Garde / Electronic / Jazz / Piano

Festival FLUX : Wadada Leo Smith, Sylvie Courvoisier et Rehab Hazgui

by Rédaction PAN M 360

Wadada Leo Smith

Wadada Leo Smith est un trompettiste et compositeur américain. Il est devenu membre de l’Association for the Advancement of Creative Music, basée à Chicago, en 1967, et a enregistré et joué de nombreuses œuvres depuis lors. Leo Smith sera accompagné de la pianiste Sylvie Courvoisier pour interpréter Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens.
Smith a été finaliste du prix Pulitzer de musique 2013 pour Ten Freedom Summers, (Defining Moments in the History of the United States of America), une collection de compositions inspirées par le mouvement des droits civiques et publiée sous la forme d’un coffret de 4 CD.
Smith a été nommé compositeur de l’année par le magazine DownBeat en 2013.
En 2016, Smith a reçu un Doris Duke Artist Award et un doctorat honorifique de CalArts, où il a également été célébré en tant que professeur émérite. En outre, le musée Hammer lui a décerné en 2016 le prix Mohn pour l’ensemble de sa carrière, qui rend hommage à sa brillance et à sa résilience. En 2018, il a reçu le prix Religion et Arts de l’Académie américaine de religion. En 2019, il a reçu la médaille UCLA, la plus haute distinction décernée par l’université de Californie à Los Angeles. United States Artists a nommé Smith 2021 USA Fellow, et il a été sélectionné comme 2022 Mellon Arts & Practitioner Fellow au Yale Center for the Study of Race, Indigeneity and Transnational Migration (RITM).
Il a joué et/ou enregistré avec Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Lester Bowie, Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve McCall, Anthony Davis, Carla Bley, Don Cherry, Jeanne Lee, Tadao Sawai, Muhal Richard Abrams, Ed Blackwell, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Marion Brown, Charlie Haden, Malachi Favors Magoustous, Jack DeJohnette, Vijay Iyer, Ikue Mori, Min Xiao Fen, Bill Laswell, John Zorn, Ronald Shannon Jackson, Frank Lowe, parmi beaucoup d’autres.

Wadada Leo Smith is an American trumpeter and composer. He became a member of the Chicago based Association for the Advancement of Creative Music in 1967 and has recorded and performed extensively since this time. Smith will be joined by pianist Sylvie Courvoisier to perform Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens.
Smith was a finalist for the 2013 Pulitzer Prize in Music for Ten Freedom Summers, (Defining Moments in the History of the United States of America), a collection of compositions inspired by the civil rights movement and released as a 4-CD boxed set. Smith was named DownBeat Magazine’s Composer of the Year in 2013.
In 2016 Smith received a Doris Duke Artist Award and earned an honorary doctorate from CalArts, where he was also celebrated as Faculty Emeritus. In addition, he received the Hammer Museum’s 2016 Mohn Award for Career Achievement “honoring brilliance and resilience.” In 2018 he received the Religion and The Arts Award from the American Academy of Religion. In 2019 he received the UCLA Medal, the highest honor bestowed by the University of California, Los Angeles. United States Artists named Smith a 2021 USA Fellow, and he has been selected as a 2022 Mellon Arts & Practitioner Fellow at the Yale Center for the Study of Race, Indigeneity and Transnational Migration (RITM).
Smith has performed and/or recorded with Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Lester Bowie, Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve McCall, Anthony Davis, Carla Bley, Don Cherry, Jeanne Lee, Tadao Sawai, Muhal Richard Abrams, Ed Blackwell, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Marion Brown, Charlie Haden, Malachi Favors Magoustous, Jack DeJohnette, Vijay Iyer, Ikue Mori, Min Xiao Fen, Bill Laswell, John Zorn, Ronald Shannon Jackson, Frank Lowe, among many others.

Sylvie Courvoisier

La pianiste-compositrice Sylvie Courvoisier, originaire de Suisse et installée à Brooklyn, lauréate du prix international de piano jazz en Allemagne en 2022, est réputée pour son équilibre entre deux mondes distincts : la musique de chambre profondes et riches de subtilités liées à ses racines européennes et les sons groovy et syncopés de la scène avant-jazz de New York, où elle vit depuis plus de vingt ans.
Peu d’artistes se sentent vraiment à l’aise à la fois dans les salles de concert et dans les clubs de jazz, qu’ils jouent de la musique improvisée ou composée. Mais Mme Courvoisier – « une pianiste à la fois audacieuse et pleine d’assurance », selon le New York Times – est aussi convaincante lorsqu’elle interprète l’épique Sacre du printemps de Stravinsky, avec le pianiste de musique nouvelle Cory Smythe, que lorsqu’elle improvise avec son propre trio de jazz adulé par la critique et composé du contrebassiste Drew Gress et du batteur Kenny Wollesen.
Ses collaborations avec des sommité.e.s telles que John Zorn, Wadada Leo Smith, Evan Parker, Ikue Mori, Ned Rothenberg, Fred Frith, Andrew Cyrille, Mark Feldman, Christian Fennesz, Nate Wooley et Mary Halvorson ont largement contribué à ouvrir toujours davantage ses oreilles.

Pianist-composer Sylvie Courvoisier, a Brooklyn-based native of Switzerland and winner of Germany’s International Jazz Piano Prize in 2022, has earned renown for balancing two distinct worlds: the deep, richly detailed chamber music of her European roots and the grooving, hook-laden sounds of the avant-jazz scene in New York City, her home for more than two decades.
Few artists feel truly at ease in both concert halls and jazz clubs, playing improvised or composed music. But Courvoisier — “a pianist of equal parts audacity and poise,” according to The New York Times — is as compelling when performing Stravinsky’s epochal Rite of Spring in league with new-music pianist Cory Smythe as she is when improvising with her own acclaimed jazz trio, featuring bassist Drew Gress and drummer Kenny Wollesen.
Then there are her ear-opening collaborations with such luminaries as John Zorn, Wadada Leo Smith, Evan Parker, Ikue Mori, Ned Rothenberg, Fred Frith, Andrew Cyrille, Mark Feldman, Christian Fennesz, Nate Wooley and Mary Halvorson.

Rehab Hazgui

Rehab Hazgui est compositrice et écologiste sonore. Ses œuvres d’art explorent les moyens d’apprendre de nouvelles formes de langages par l’écoute consciente et la relation que les êtres entretiennent avec leur culture, leur patrimoine, leur société et leur paysage en tant que participants impliqués et vivants. Ses recherches portent sur la manière dont le son émerge à travers des paysages dynamiques, y compris ceux qui sont biologiques, géophysiques et issus des conséquences humaines. Rehab Hazgui s’intéresse principalement à l’acte d’écoute lui-même, dans la mesure où il est lié à notre perception de l’espace, à notre relation avec lui et au niveau profond d’engagement avec le monde que nos oreilles nous procurent. Dans sa musique, elle explore constamment le mouvement sans fin du son, la répétition et l’utilisation du silence comme une troisième dimension permettant de naviguer entre différentes formes d’écoute.
Au cœur de sa recherche sonore se trouve le concept d’interaction cognitive synergique, qui intègre une collaboration transparente entre les humains et les machines afin de créer une performance musicale liminale. Sa musique est une expérience unique et innovante qui transcende les notions traditionnelles de musique et de technologie, offrant à l’auditeur.rice. un voyage sonore sans précédent. Ses créations sonores défient la perception du temps et de l’espace de l’auditeur.rice., mettant en valeur son approche distincte de l’expérimentation et de l’exploration sonores. Le travail de Rehab Hazgui a été présenté dans de nombreux festivals et lieux : The Art Week (Singapour), Phonetics (Alger), CTM (Berlin), Kikk (Namur, Belgique), Savvy Contemporary (Berlin), Phonetics (Saint Denis, Paris), Perte de Signal (Montréal), Sight & Sound (Montréal), The Mannheimer Sommer Festival (Mannheim, Allemagne) ; ainsi que d’innombrables ateliers à travers l’Europe consacrer à la construction de synthétiseurs et d’appareils audio DIY.

Rehab Hazgui is a composer and sound ecologist. Her artworks explore ways to learn new forms of languages through conscious listening and the relationship that beings have with their culture, heritage, society and landscape as involved and living participants. Her research examines the ways in which sound emerges through dynamic landscapes, including those that are biological, geophysical, and human consequences. Rehab Hazgui’s primary focus is on the act of listening to itself, as it relates to our perception of space, our relationship to it, and the profound level of engagement that our ears provide with the world. In her music she is constantly exploring the endless movement of sound, repetition, and the use of silence as a third space to navigate between different forms of listening.
At the heart of her sonic research is the concept of achieving a synergetic cognitive interaction, which involves the seamless collaboration between human and machine to create an integrated and boundary-pushing musical performance. Her music is a unique and innovative experience that transcends traditional notions of music and technology, offering an unparalleled sonic journey for the listener. Her sonic creations challenge the listener’s perception of time and space, showcasing her distinct approach to sonic experimentation and exploration. Rehab Hazgui’s work has been presented in many festivals and venues: The Art Week (Singapore), Phonetics (Algiers), CTM (Berlin), Kikk (Namur, Belgium), Savvy Contemporary (Berlin), Phonetics (Saint Denis, Paris), Perte de Signal (Montreal), Sight & Sound (Montreal), The Mannheimer Sommer Festival (Mannheim, Germany); as well as countless workshops across Europe on building DIY synthesizer and audio devices.

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Avant-Garde / installation / japon / percussions

Festival FLUX : Nakatani Gong Orchestra, Tatusuya Nakatani solo et ARTS CARE

by Rédaction PAN M 360

Tatsuya Nakatani

Tatsuya Nakatani est un percussionniste d’avant-garde, un compositeur et un artiste sonore. Actif sur la scène internationale depuis les années 1990, Nakatani a publié plus de 80 enregistrements et effectué de nombreuses tournées, donnant plus de 150 concerts par an. Il se consacre principalement à son travail en solo et à son projet de grand ensemble, le Nakatani Gong Orchestra. Il donne des classes de maîtres et des conférences dans les universités et les conservatoires de musique du monde entier. Originaire du Japon, il vit dans la ville désertique de Truth or Consequences, au Nouveau-Mexique. Grâce à ses activités dans les domaines de la musique nouvelle, de l’improvisation et de la musique expérimentale, Nakatani multiplie les collaborations.
La musique de Nakatani est centrée sur un gong adapté pour être joué à l’archet, soutenu par un ensemble de tambours, de cymbales et de bols chantants. Avec ses archets Kobo qu’il sculpte à la main, il a consacré des décennies à affiner et développer son univers sonore, tel un agencement de formations vibratoires, enchâssées dans des strates scintillantes de silence et de texture. Au cœur de cette œuvre contemporaine, on perçoit encore le rythme dramatique, l’élégance formelle et l’espace (ma) caractéristiques de la musique traditionnelle japonaise.

Tatsuya Nakatani is an avant-garde percussionist, composer, and artist of sound. Active internationally since the 1990s, Nakatani has released over 80 recordings and tours extensively, performing over 150 concerts a year. His primary focus is his solo work and his large ensemble project, the Nakatani Gong Orchestra. He teaches master classes and lectures at universities and music conservatories around the world. Originally from Japan, he makes his home in the desert town of Truth or Consequences, New Mexico. With his activity in new music, improvisation, and experimental music, Nakatani has a long history of collaboration.
Nakatani’s distinctive music centered around his adapted bowed gong, supported by an array of drums, cymbals, and singing bowls. In consort with his personally hand-carved Kobo Bows, he has spent decades refining and developing his sound as an arrangement of formations of vibrations, incorporated in shimmering layers of silence and texture. Within this contemporary work, one can still recognize the dramatic pacing, formal elegance and space (ma) felt in traditional Japanese music.

Les musicien.ne.s de cette édition du Tatsuya Nakatani Gong Orchestra seront:

Geneviève Ackerman
Miel Azevedo
Annabelle Chouinard
Oscar Coyoli
Marilou Craft
Susanna Hood
Atsushi Ikeda
Chloe Jackson-Reynolds
Pablo Jimenez
Jean Néant aka Joni Void
Shota Nakamura
Roxanne Nesbitt
Fahmid Nibesh
Élise Paradis
Christelle Saint-Julien
Tahlia Stacey

The musicians for this edition of the Tatsuya Nakatani Gong Orchestra will be:

ARTS CARE

ARTS CARE est une installation sonore interactive de l’artiste interdisciplinaire Jesse Stewart qui sera exposée dans le hall de la Sala Rossa avant le concert du Nakatani Gong Orchestra. Des gongs-lettres en aluminium épelant les mots « ARTS » et « CARE » résonneront grâce à l’instrument de musique à usage adapté (AUMI), conçu à l’origine par la compositrice et improvisatrice américaine Pauline Oliveros. Les visiteur.rice.s sont invité.e.s à se mouvoir autour de l’œuvre en se déplaçant dans le champ de vision d’un iPad équipé de l’AUMI détectant les mouvements et les convertissant en impulsions électriques qui sont ensuite envoyées à des percuteurs mécaniques. Ces derniers font vibrer les gongs-lettres en réponse aux déplacements des visiteur.rice.s.

ARTS CARE is an interactive sound installation by interdisciplinary artist Jesse Stewart that will be on display in the lobby of the Sala Rossa during this concert. Aluminum letter-gongs that spell the words “ARTS” and “CARE” are activated by the Adaptive Use Musical Instrument (AUMI), originally conceived by American composer, improviser, and humanitarian, Pauline Oliveros. Visitors are invited to engage with the work by moving within the field of view of an AUMI-equipped iPad that detects motion and converts it into electrical impulses that are sent to mechanical strikers that will play the letter-gongs in response to visitors’ movements.

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Experimental / Contemporary / Industrial / no-wave / Shoegaze

Festival FLUX : Phew et Celestial Cabbage Foundation

by Rédaction PAN M 360

Phew

Phew, également connu sous le nom de Hiromi Mortani, est une musicienne basée à Kanagawa, au Japon. Alors qu’elle était à la tête de Aunt Sally, l’un des premiers groupes punk d’Osaka, Phew a joué un rôle essentiel dans le développement de la scène musicale underground japonaise. L’œuvre de Phew couvre un large éventail de sons expérimentaux : des hymnes de synthétiseurs no-wave, des sons poétiques, shoegaze et industriels, ou encore des drones sinistres et incandescents. Depuis les années 1970, la voix dynamique et irrésistible de Phew, ainsi que son engagement en faveur d’une expérimentation sans entrave, ont contribué à définir les sonorités de la musique d’avant-garde, tant au Japon qu’à l’étranger.

Phew, otherwise known as Hiromi Mortani, is a musician based in Kanagawa, Japan. While fronting Aunt Sally, one of Osaka’s earliest punk groups, Phew played a critical role in developing Japan’s underground music scene. Phew’s oeuvre spans a vast array of experimental sounds: from no-wavey synth-hymns; to poppy, shoegazing, industrial undertones; to eerie incandescent drones. Since the 1970s, Phew’s dynamic, compelling voice, and her commitment to unfettered experimentation has been critical in shaping the sound of avant-garde music both in Japan and internationally.

Celestial Cabbage

Celestial Cabbage Foundation, composée de Maya Kuroki et Sarah Pagé, accompagnées de Joni Void, propose un mélange expérimental de voix avec des paysages sonores psychédéliques cultissimes à base de voix et d’éléments bruitistes.

Celestial Cabbage Foundation, consisting of Maya Kuroki and Sarah Pagé, accompanied by Joni Void, delivers an experimental blend of vocals featuring cultish psychedelic vocal-based soundscapes and noise elements.

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Folk / indie / Singer-Songwriter

POP Montréal : Larynx – Lancement d’album + Douance

by Rédaction PAN M 360

Larynx

Larynx, sobriquet d’Alexandre Larin, dévoile sans retenue son imaginaire absurde et fantaisiste. Ses chansons extraterrestres existent dans un espace temps décalé où se côtoient irrévérence, créativité et absurde. Larynx, qu’on a vu jouer avec Helena Deland, propose un rock inqualifiable décidément champ-gauche et délicieusement déjanté. Son dernier album, “Applaudissez, bande de chameaux”, sorti en 2022, contient de nombreuses collaborations, dont celles avec Deuxluxes, Helena Deland, Léona et Christophe Lamarche-Ledoux. Par la suite, il a publié le EP ”J’aimais mieux les maquettes” proposant des versions inédites et alternatives des chansons de cet album. Un nouveau disque est attendu en septembre 2024.

Larynx, Alexandre Larin’s nickname, unabashedly reveals his absurd, fanciful imagination. His extraterrestrial songs exist in an offbeat space-time where irreverence, creativity and absurdity coexist. Larynx, who we’ve seen play with Helena Deland, offers an unspeakable rock that’s decidedly left-field and deliciously wacky. His latest album, “Applaudissez, bande de chameaux”, released in 2022, features numerous collaborations, including those with Deuxluxes, Helena Deland, Léona and Christophe Lamarche-Ledoux. He subsequently released the EP “J’aimais mieux les maquettes”, featuring previously unreleased and alternative versions of songs from this album. A new album is expected in September 2024.

Douance

Douance est une entité musicale s’entourant d’un univers grunge grandement inspiré des années 90 et de sa scène musicale underground. Son style est cru, lo-fi, sans prétention et viscéral.
Originaire du Saguenay, Alexandrine Rodrigue oeuvre sur la scène musicale québécoise depuis près de dix ans. Ses pièces évoquent l’amour et l’hésitation tout en étant teintées d’une mélancolie parfois lourde de sens. Sa singularité se trouve à l’intersection de cette lourdeur et d’une envie de ne pas trop la prendre au sérieux. Elle y interprète sur scène les pièces d’un album parût à l’hiver 2024 intitulé
Monstre. Monstre est une ode à l’étrange, à la transformation et à l’acceptation de soi. C’est une tentative de cohabitation entre le mal-être, la résilience et la légèreté.

Douance is a musical entity roaming in a universe reminiscent of the 90s underground music scene. Her raw lo-fi style is unpretentious and visceral. Saguenay-born Alexandrine Rodrigue has been active on the Quebec music scene for nearly a decade. Her songs evoke love and hesitation, heavily tinged with a flavor of melancholy that’s heavy with meaning. Her uniqueness resides in a desire to go deep while not taking herself too seriously. She performs songs from her winter 2024 album entitled Monstre. Monstre is an ode to the strange, to transformation and self-acceptance. It’s an attempt to reconcile malaise, resilience and lightness.

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