avant-garde / électronique / jazz / Piano

Festival FLUX : Wadada Leo Smith, Sylvie Courvoisier et Rehab Hazgui

par Rédaction PAN M 360

Wadada Leo Smith

Wadada Leo Smith est un trompettiste et compositeur américain. Il est devenu membre de l’Association for the Advancement of Creative Music, basée à Chicago, en 1967, et a enregistré et joué de nombreuses œuvres depuis lors. Leo Smith sera accompagné de la pianiste Sylvie Courvoisier pour interpréter Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens.
Smith a été finaliste du prix Pulitzer de musique 2013 pour Ten Freedom Summers, (Defining Moments in the History of the United States of America), une collection de compositions inspirées par le mouvement des droits civiques et publiée sous la forme d’un coffret de 4 CD.
Smith a été nommé compositeur de l’année par le magazine DownBeat en 2013.
En 2016, Smith a reçu un Doris Duke Artist Award et un doctorat honorifique de CalArts, où il a également été célébré en tant que professeur émérite. En outre, le musée Hammer lui a décerné en 2016 le prix Mohn pour l’ensemble de sa carrière, qui rend hommage à sa brillance et à sa résilience. En 2018, il a reçu le prix Religion et Arts de l’Académie américaine de religion. En 2019, il a reçu la médaille UCLA, la plus haute distinction décernée par l’université de Californie à Los Angeles. United States Artists a nommé Smith 2021 USA Fellow, et il a été sélectionné comme 2022 Mellon Arts & Practitioner Fellow au Yale Center for the Study of Race, Indigeneity and Transnational Migration (RITM).
Il a joué et/ou enregistré avec Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Lester Bowie, Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve McCall, Anthony Davis, Carla Bley, Don Cherry, Jeanne Lee, Tadao Sawai, Muhal Richard Abrams, Ed Blackwell, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Marion Brown, Charlie Haden, Malachi Favors Magoustous, Jack DeJohnette, Vijay Iyer, Ikue Mori, Min Xiao Fen, Bill Laswell, John Zorn, Ronald Shannon Jackson, Frank Lowe, parmi beaucoup d’autres.

Wadada Leo Smith is an American trumpeter and composer. He became a member of the Chicago based Association for the Advancement of Creative Music in 1967 and has recorded and performed extensively since this time. Smith will be joined by pianist Sylvie Courvoisier to perform Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens.
Smith was a finalist for the 2013 Pulitzer Prize in Music for Ten Freedom Summers, (Defining Moments in the History of the United States of America), a collection of compositions inspired by the civil rights movement and released as a 4-CD boxed set. Smith was named DownBeat Magazine’s Composer of the Year in 2013.
In 2016 Smith received a Doris Duke Artist Award and earned an honorary doctorate from CalArts, where he was also celebrated as Faculty Emeritus. In addition, he received the Hammer Museum’s 2016 Mohn Award for Career Achievement “honoring brilliance and resilience.” In 2018 he received the Religion and The Arts Award from the American Academy of Religion. In 2019 he received the UCLA Medal, the highest honor bestowed by the University of California, Los Angeles. United States Artists named Smith a 2021 USA Fellow, and he has been selected as a 2022 Mellon Arts & Practitioner Fellow at the Yale Center for the Study of Race, Indigeneity and Transnational Migration (RITM).
Smith has performed and/or recorded with Anthony Braxton, Leroy Jenkins, Roscoe Mitchell, Henry Threadgill, Lester Bowie, Joseph Jarman, Cecil Taylor, Steve McCall, Anthony Davis, Carla Bley, Don Cherry, Jeanne Lee, Tadao Sawai, Muhal Richard Abrams, Ed Blackwell, Kazuko Shiraishi, Han Bennink, Marion Brown, Charlie Haden, Malachi Favors Magoustous, Jack DeJohnette, Vijay Iyer, Ikue Mori, Min Xiao Fen, Bill Laswell, John Zorn, Ronald Shannon Jackson, Frank Lowe, among many others.

Sylvie Courvoisier

La pianiste-compositrice Sylvie Courvoisier, originaire de Suisse et installée à Brooklyn, lauréate du prix international de piano jazz en Allemagne en 2022, est réputée pour son équilibre entre deux mondes distincts : la musique de chambre profondes et riches de subtilités liées à ses racines européennes et les sons groovy et syncopés de la scène avant-jazz de New York, où elle vit depuis plus de vingt ans.
Peu d’artistes se sentent vraiment à l’aise à la fois dans les salles de concert et dans les clubs de jazz, qu’ils jouent de la musique improvisée ou composée. Mais Mme Courvoisier – « une pianiste à la fois audacieuse et pleine d’assurance », selon le New York Times – est aussi convaincante lorsqu’elle interprète l’épique Sacre du printemps de Stravinsky, avec le pianiste de musique nouvelle Cory Smythe, que lorsqu’elle improvise avec son propre trio de jazz adulé par la critique et composé du contrebassiste Drew Gress et du batteur Kenny Wollesen.
Ses collaborations avec des sommité.e.s telles que John Zorn, Wadada Leo Smith, Evan Parker, Ikue Mori, Ned Rothenberg, Fred Frith, Andrew Cyrille, Mark Feldman, Christian Fennesz, Nate Wooley et Mary Halvorson ont largement contribué à ouvrir toujours davantage ses oreilles.

Pianist-composer Sylvie Courvoisier, a Brooklyn-based native of Switzerland and winner of Germany’s International Jazz Piano Prize in 2022, has earned renown for balancing two distinct worlds: the deep, richly detailed chamber music of her European roots and the grooving, hook-laden sounds of the avant-jazz scene in New York City, her home for more than two decades.
Few artists feel truly at ease in both concert halls and jazz clubs, playing improvised or composed music. But Courvoisier — “a pianist of equal parts audacity and poise,” according to The New York Times — is as compelling when performing Stravinsky’s epochal Rite of Spring in league with new-music pianist Cory Smythe as she is when improvising with her own acclaimed jazz trio, featuring bassist Drew Gress and drummer Kenny Wollesen.
Then there are her ear-opening collaborations with such luminaries as John Zorn, Wadada Leo Smith, Evan Parker, Ikue Mori, Ned Rothenberg, Fred Frith, Andrew Cyrille, Mark Feldman, Christian Fennesz, Nate Wooley and Mary Halvorson.

Rehab Hazgui

Rehab Hazgui est compositrice et écologiste sonore. Ses œuvres d’art explorent les moyens d’apprendre de nouvelles formes de langages par l’écoute consciente et la relation que les êtres entretiennent avec leur culture, leur patrimoine, leur société et leur paysage en tant que participants impliqués et vivants. Ses recherches portent sur la manière dont le son émerge à travers des paysages dynamiques, y compris ceux qui sont biologiques, géophysiques et issus des conséquences humaines. Rehab Hazgui s’intéresse principalement à l’acte d’écoute lui-même, dans la mesure où il est lié à notre perception de l’espace, à notre relation avec lui et au niveau profond d’engagement avec le monde que nos oreilles nous procurent. Dans sa musique, elle explore constamment le mouvement sans fin du son, la répétition et l’utilisation du silence comme une troisième dimension permettant de naviguer entre différentes formes d’écoute.
Au cœur de sa recherche sonore se trouve le concept d’interaction cognitive synergique, qui intègre une collaboration transparente entre les humains et les machines afin de créer une performance musicale liminale. Sa musique est une expérience unique et innovante qui transcende les notions traditionnelles de musique et de technologie, offrant à l’auditeur.rice. un voyage sonore sans précédent. Ses créations sonores défient la perception du temps et de l’espace de l’auditeur.rice., mettant en valeur son approche distincte de l’expérimentation et de l’exploration sonores. Le travail de Rehab Hazgui a été présenté dans de nombreux festivals et lieux : The Art Week (Singapour), Phonetics (Alger), CTM (Berlin), Kikk (Namur, Belgique), Savvy Contemporary (Berlin), Phonetics (Saint Denis, Paris), Perte de Signal (Montréal), Sight & Sound (Montréal), The Mannheimer Sommer Festival (Mannheim, Allemagne) ; ainsi que d’innombrables ateliers à travers l’Europe consacrer à la construction de synthétiseurs et d’appareils audio DIY.

Rehab Hazgui is a composer and sound ecologist. Her artworks explore ways to learn new forms of languages through conscious listening and the relationship that beings have with their culture, heritage, society and landscape as involved and living participants. Her research examines the ways in which sound emerges through dynamic landscapes, including those that are biological, geophysical, and human consequences. Rehab Hazgui’s primary focus is on the act of listening to itself, as it relates to our perception of space, our relationship to it, and the profound level of engagement that our ears provide with the world. In her music she is constantly exploring the endless movement of sound, repetition, and the use of silence as a third space to navigate between different forms of listening.
At the heart of her sonic research is the concept of achieving a synergetic cognitive interaction, which involves the seamless collaboration between human and machine to create an integrated and boundary-pushing musical performance. Her music is a unique and innovative experience that transcends traditional notions of music and technology, offering an unparalleled sonic journey for the listener. Her sonic creations challenge the listener’s perception of time and space, showcasing her distinct approach to sonic experimentation and exploration. Rehab Hazgui’s work has been presented in many festivals and venues: The Art Week (Singapore), Phonetics (Algiers), CTM (Berlin), Kikk (Namur, Belgium), Savvy Contemporary (Berlin), Phonetics (Saint Denis, Paris), Perte de Signal (Montreal), Sight & Sound (Montreal), The Mannheimer Sommer Festival (Mannheim, Germany); as well as countless workshops across Europe on building DIY synthesizer and audio devices.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient du festival FLUX et est adapté par PAN M 360

avant-garde / installation / japon / percussions

Festival FLUX : Nakatani Gong Orchestra, Tatusuya Nakatani solo et ARTS CARE

par Rédaction PAN M 360

Tatsuya Nakatani

Tatsuya Nakatani est un percussionniste d’avant-garde, un compositeur et un artiste sonore. Actif sur la scène internationale depuis les années 1990, Nakatani a publié plus de 80 enregistrements et effectué de nombreuses tournées, donnant plus de 150 concerts par an. Il se consacre principalement à son travail en solo et à son projet de grand ensemble, le Nakatani Gong Orchestra. Il donne des classes de maîtres et des conférences dans les universités et les conservatoires de musique du monde entier. Originaire du Japon, il vit dans la ville désertique de Truth or Consequences, au Nouveau-Mexique. Grâce à ses activités dans les domaines de la musique nouvelle, de l’improvisation et de la musique expérimentale, Nakatani multiplie les collaborations.
La musique de Nakatani est centrée sur un gong adapté pour être joué à l’archet, soutenu par un ensemble de tambours, de cymbales et de bols chantants. Avec ses archets Kobo qu’il sculpte à la main, il a consacré des décennies à affiner et développer son univers sonore, tel un agencement de formations vibratoires, enchâssées dans des strates scintillantes de silence et de texture. Au cœur de cette œuvre contemporaine, on perçoit encore le rythme dramatique, l’élégance formelle et l’espace (ma) caractéristiques de la musique traditionnelle japonaise.

Tatsuya Nakatani is an avant-garde percussionist, composer, and artist of sound. Active internationally since the 1990s, Nakatani has released over 80 recordings and tours extensively, performing over 150 concerts a year. His primary focus is his solo work and his large ensemble project, the Nakatani Gong Orchestra. He teaches master classes and lectures at universities and music conservatories around the world. Originally from Japan, he makes his home in the desert town of Truth or Consequences, New Mexico. With his activity in new music, improvisation, and experimental music, Nakatani has a long history of collaboration.
Nakatani’s distinctive music centered around his adapted bowed gong, supported by an array of drums, cymbals, and singing bowls. In consort with his personally hand-carved Kobo Bows, he has spent decades refining and developing his sound as an arrangement of formations of vibrations, incorporated in shimmering layers of silence and texture. Within this contemporary work, one can still recognize the dramatic pacing, formal elegance and space (ma) felt in traditional Japanese music.

Les musicien.ne.s de cette édition du Tatsuya Nakatani Gong Orchestra seront:

Geneviève Ackerman
Miel Azevedo
Annabelle Chouinard
Oscar Coyoli
Marilou Craft
Susanna Hood
Atsushi Ikeda
Chloe Jackson-Reynolds
Pablo Jimenez
Jean Néant aka Joni Void
Shota Nakamura
Roxanne Nesbitt
Fahmid Nibesh
Élise Paradis
Christelle Saint-Julien
Tahlia Stacey

The musicians for this edition of the Tatsuya Nakatani Gong Orchestra will be:

ARTS CARE

ARTS CARE est une installation sonore interactive de l’artiste interdisciplinaire Jesse Stewart qui sera exposée dans le hall de la Sala Rossa avant le concert du Nakatani Gong Orchestra. Des gongs-lettres en aluminium épelant les mots « ARTS » et « CARE » résonneront grâce à l’instrument de musique à usage adapté (AUMI), conçu à l’origine par la compositrice et improvisatrice américaine Pauline Oliveros. Les visiteur.rice.s sont invité.e.s à se mouvoir autour de l’œuvre en se déplaçant dans le champ de vision d’un iPad équipé de l’AUMI détectant les mouvements et les convertissant en impulsions électriques qui sont ensuite envoyées à des percuteurs mécaniques. Ces derniers font vibrer les gongs-lettres en réponse aux déplacements des visiteur.rice.s.

ARTS CARE is an interactive sound installation by interdisciplinary artist Jesse Stewart that will be on display in the lobby of the Sala Rossa during this concert. Aluminum letter-gongs that spell the words “ARTS” and “CARE” are activated by the Adaptive Use Musical Instrument (AUMI), originally conceived by American composer, improviser, and humanitarian, Pauline Oliveros. Visitors are invited to engage with the work by moving within the field of view of an AUMI-equipped iPad that detects motion and converts it into electrical impulses that are sent to mechanical strikers that will play the letter-gongs in response to visitors’ movements.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient du festival FLUX et est adapté par PAN M 360

expérimental / industriel / no-wave / shoegaze

Festival FLUX : Phew et Celestial Cabbage Foundation

par Rédaction PAN M 360

Phew

Phew, également connu sous le nom de Hiromi Mortani, est une musicienne basée à Kanagawa, au Japon. Alors qu’elle était à la tête de Aunt Sally, l’un des premiers groupes punk d’Osaka, Phew a joué un rôle essentiel dans le développement de la scène musicale underground japonaise. L’œuvre de Phew couvre un large éventail de sons expérimentaux : des hymnes de synthétiseurs no-wave, des sons poétiques, shoegaze et industriels, ou encore des drones sinistres et incandescents. Depuis les années 1970, la voix dynamique et irrésistible de Phew, ainsi que son engagement en faveur d’une expérimentation sans entrave, ont contribué à définir les sonorités de la musique d’avant-garde, tant au Japon qu’à l’étranger.

Phew, otherwise known as Hiromi Mortani, is a musician based in Kanagawa, Japan. While fronting Aunt Sally, one of Osaka’s earliest punk groups, Phew played a critical role in developing Japan’s underground music scene. Phew’s oeuvre spans a vast array of experimental sounds: from no-wavey synth-hymns; to poppy, shoegazing, industrial undertones; to eerie incandescent drones. Since the 1970s, Phew’s dynamic, compelling voice, and her commitment to unfettered experimentation has been critical in shaping the sound of avant-garde music both in Japan and internationally.

Celestial Cabbage

Celestial Cabbage Foundation, composée de Maya Kuroki et Sarah Pagé, accompagnées de Joni Void, propose un mélange expérimental de voix avec des paysages sonores psychédéliques cultissimes à base de voix et d’éléments bruitistes.

Celestial Cabbage Foundation, consisting of Maya Kuroki and Sarah Pagé, accompanied by Joni Void, delivers an experimental blend of vocals featuring cultish psychedelic vocal-based soundscapes and noise elements.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient du festival FLUX et est adapté par PAN M 360

chanson / folk / indie

POP Montréal : Larynx – Lancement d’album + Douance

par Rédaction PAN M 360

Larynx

Larynx, sobriquet d’Alexandre Larin, dévoile sans retenue son imaginaire absurde et fantaisiste. Ses chansons extraterrestres existent dans un espace temps décalé où se côtoient irrévérence, créativité et absurde. Larynx, qu’on a vu jouer avec Helena Deland, propose un rock inqualifiable décidément champ-gauche et délicieusement déjanté. Son dernier album, “Applaudissez, bande de chameaux”, sorti en 2022, contient de nombreuses collaborations, dont celles avec Deuxluxes, Helena Deland, Léona et Christophe Lamarche-Ledoux. Par la suite, il a publié le EP ”J’aimais mieux les maquettes” proposant des versions inédites et alternatives des chansons de cet album. Un nouveau disque est attendu en septembre 2024.

Larynx, Alexandre Larin’s nickname, unabashedly reveals his absurd, fanciful imagination. His extraterrestrial songs exist in an offbeat space-time where irreverence, creativity and absurdity coexist. Larynx, who we’ve seen play with Helena Deland, offers an unspeakable rock that’s decidedly left-field and deliciously wacky. His latest album, “Applaudissez, bande de chameaux”, released in 2022, features numerous collaborations, including those with Deuxluxes, Helena Deland, Léona and Christophe Lamarche-Ledoux. He subsequently released the EP “J’aimais mieux les maquettes”, featuring previously unreleased and alternative versions of songs from this album. A new album is expected in September 2024.

Douance

Douance est une entité musicale s’entourant d’un univers grunge grandement inspiré des années 90 et de sa scène musicale underground. Son style est cru, lo-fi, sans prétention et viscéral.
Originaire du Saguenay, Alexandrine Rodrigue oeuvre sur la scène musicale québécoise depuis près de dix ans. Ses pièces évoquent l’amour et l’hésitation tout en étant teintées d’une mélancolie parfois lourde de sens. Sa singularité se trouve à l’intersection de cette lourdeur et d’une envie de ne pas trop la prendre au sérieux. Elle y interprète sur scène les pièces d’un album parût à l’hiver 2024 intitulé
Monstre. Monstre est une ode à l’étrange, à la transformation et à l’acceptation de soi. C’est une tentative de cohabitation entre le mal-être, la résilience et la légèreté.

Douance is a musical entity roaming in a universe reminiscent of the 90s underground music scene. Her raw lo-fi style is unpretentious and visceral. Saguenay-born Alexandrine Rodrigue has been active on the Quebec music scene for nearly a decade. Her songs evoke love and hesitation, heavily tinged with a flavor of melancholy that’s heavy with meaning. Her uniqueness resides in a desire to go deep while not taking herself too seriously. She performs songs from her winter 2024 album entitled Monstre. Monstre is an ode to the strange, to transformation and self-acceptance. It’s an attempt to reconcile malaise, resilience and lightness.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de POP Montréal et est adapté par PAN M 360.

folk / folk expérimental / Indie / pop

POP Montréal : The Barr Brothers + Juana Molina + Kee Avil

par Rédaction PAN M 360

The Barr Brothers

The Barr Brothers sont une groupe musical avec leur base d’opérations à Montréal, au Québec. Leur son est principalement alimenté par la batterie polyrythmique et enjouée d’Andrew Barr, la guitare de son frère Brad Barr, et les prouesses innovatrices à la harpe de Sarah Pagé, qui a à elle seule redéfini cet instrument et son usage. De la basse, de la guitare pedal steel, des claviers et des cuivres vont et viennent librement dans le mix. Autant à l’aise avec les ballades arcadiennes solennelles qu’avec les improvisations nord-africaines marécageuses ou avec le rock’n’roll plus classique, The Barr Brothers continuent d’embrasser et d’enchanter les spectateurs avec leur approche musicale à la fois méthodique et fantaisiste.

To begin their third album, The Barr Brothers weren’t writing any songs. For the first time, the Montreal outfit’s three members – namesake siblings Brad and Andrew Barr, harpist Sarah Pagé – went empty-handed into the studio. No plans or preconceptions, no books of lyrics or sheets of chords – they went down miles of snowy road to a cabin on a frozen lake, a place full of windows and microphones and starlight and sunshine, with amplifiers in the bedrooms, their volumes turned up loud. On the fringes of Saint Zenon, Québec (pop. 1,1150), a 30-minute snowmobile ride to the nearest grocery store, the band spent seven days making things up. Improvisations that lasted hours at a time – noons and midnights, dusks and dawns, with grooves inspired by India, West Africa and 808s; by Brad’s scorching electric guitar; and by Pagé’s new inventions, hacks to turn her harp into a versatile, sub-bass-booming noisemaker. Queens of the Breakers was born at that cabin in the country. Then the band took that racket and distilled it into songs: 11 tracks of blazing courage and failing resolve; suffused with groove, melody and the Barr Brothers’ wide-open sense of the blues. At times the sound’s all twinkling, the score for a lost John Hughes film; at other times it’s whetted, searching, like the stuff of Lhasa de Sela or Led Zeppelin’s III. These are tales of teenagers prowling through Rhode Island mansions (the title track), coming to Montreal and falling in love (“Song That I Heard”), tattered patriotism and clenching fists (“Kompromat”, “Ready for War”). There’s also “Defibrillation”, a mournful letter from a father to his son, inspired by the broken rhythm of a pair of hospital heart monitors – and a drumbeat based on that dither. It’s this tension, this dither, that lives at the centre of Queens of the Breakers. Three players – friends, comrades, music-makers, all of them trying to play in sync. Three bandmates – each of them fumbling, remembering, trying to invent something together. A band still playing, even occasionally reimagining, their rock’n’roll.

Juana Molina

Maître de la pop expérimentale mystérieuse, Juana Molina est reconnue comme l’une des artistes les plus originales et visionnaires du moment. Son parcours professionnel a été unique, depuis son succès initial en tant qu’actrice comique très populaire dans son Argentine natale, jusqu’à l’abandon de sa carrière télévisuelle en 1996 et sa décision de se consacrer à forger son propre style de musique inimitable, qui lui a valu une reconnaissance mondiale en tant qu’artiste d’enregistrement et de tournée saluée par la critique.

A master of mysterious experimental pop, Juana Molina is recognized as one of the most original and visionary artists around. Her career trajectory has been a unique one, from her initial success as a massively popular comedic actress in her native Argentina, to the abandonment of her television career in 1996 and her decision to devote herself to forging her own, inimitable style of music, which gained her worldwide recognition as a critically-lauded recording and touring artist.

Kee Avil

La productrice montréalaise Kee Avil combine guitare, voix et production électronique dans des chansons déconstruites qui s’inspirent d’un mélange distinctif de sensibilité avant-pop, glitch, post-industrielle et folk expérimental. Son dernier album, Spine, est sorti chez Constellation en mai 2024 en tant qu’Album Bandcamp du jour et a été largement salué par la critique. The Line of Best Fit a affirmé que « Spine confirme la virtuosité de l’esthétique et de la production de Kee Avil, comparable à Jlin ou SOPHIE — produisant un glitch suintant et caverneux, truffé de manipulations », tandis qu’Uncut a décrit sa musique comme étant « profondément intime et intensément troublante… comme une forme de vie extraterrestre tortillant ses mandibules ». Spine a fait l’objet d’un article dans The Wire, qui a déclaré que « les grooves squelettiques de Kee Avil nous frappent avec une intimité urgente », tandis que The Quietus a salué son intensité contenue : « Spine mijote, frôlant l’éruption. Les sons s’agitent comme du gel sous pression ». Spine élargit la palette sonore de Kee Avil avec une intensité détaillée, révélant une nouvelle présence convaincante dans le monde de la chanson expérimentale, où les pierres de touche sont PJ Harvey, Eartheater, Shygirl, SOPHIE et Lucretia Dalt ; dans un univers où Juana Molina collabore avec Coil et où Grouper se fond à Autechre.

Montreal producer Kee Avil combines guitar, voice, and electronic production into deconstructed songs informed by a distinctive blend of avant-pop, glitch, post-industrial and experimental folk sensibilities. Her latest album Spine was released on Constellation in May 2024 as Bandcamp Album of the Day, garnering widespread critical accolades. The Line of Best Fit declared ‘Spine affirms Kee Avil’s status of an aesthetics and production virtuoso comparable to Jlin or SOPHIE – producing a dripping, cavernous version of glitch slammed with manipulations.’ while Uncut described it as ‘Deeply intimate and intensely unsettling… like an alien lifeform flexing its mandibles.’ Spine was featured in The Wire, stating ‘Kee Avil’s skeletal grooves hit with an urgent intimacy.’ while the Quietus applauded its restrained intensity ‘Spine simmers, sashaying close to eruption. Sounds worm around like squeezed gel.’ Spine expanded Kee Avil’s sonic palette with intensive detail, revealing a compelling new voice in experimental songcraft, where touchstones include PJ Harvey, Eartheater, Shygirl, SOPHIE and Lucretia Dalt; where Juana Molina collabs with Coil, or Grouper melds with Autechre.

LES BILLETS POUR CE SPECTACLE SONT ÉPUISÉS!

Ce contenu provient de POP Montréal et est adapté par PAN M 360.

indie folk / indie pop / latino

POP Montréal : Silvana Estrada + Lapelúda + Gabriella Olivo

par Rédaction PAN M 360

Silvana Estrada

Silvana Estrada est lauréate du Latin GRAMMY pour le meilleur nouvel artiste (2022), trois fois nominée aux Latin GRAMMY et nominée aux GRAMMY pour la meilleure performance musicale mondiale (2024). La multi-instrumentiste, chanteuse et compositrice qui plie les genres est devenue connue pour fusionner les traditions nord-américaines et latino-américaines qui se croisent avec l’héritage jarocho d’influence africaine de sa Veracruz natale, au Mexique.

Silvana Estrada is a Latin GRAMMY-winner for Best New Artist (2022), three-time Latin GRAMMY-nominee, and GRAMMY-nominee for Best Global Music Performance (2024). The genre-bending multi-instrumentalist, singer, and songwriter has become known for melding North and Latin American traditions that intersect with the African-influenced jarocho heritage of her native Veracruz, Mexico.

Lapelúda

La musique de Lapelúda nous emmène à travers son voyage de réconciliation grâce à un mélange unique et chaleureux de musique indie-folk et d’inspiration latine. Basée à Tiohtià:ke (Montréal), l’artiste embrasse son identité colombienne et québécoise dans son premier album trilingue “Caídas” (2022). Cet album tisse des liens de guérison entre l’innocence, la trahison, la transformation et la réconciliation. En 2023, l’album reçoit sa première nomination aux Latin Awards Canada dans la catégorie Album de l’année.

Lapelúda’s music takes us through her journey of reconciliation via a unique warm blend of Indie-Folk and Latin inspired music. Based in Tiohtià:ke (Montreal), the artist embraces her Colombian and Quebecois identity in her first trilingual album “Caídas” (2022) This album weaves healing connections between innocence, betrayal, transformation and reconciliation. In 2023, the album received its first nomination at the Latin Awards Canada for Album of the Year.

Gabriella Olivo

Née et élevée à Québec d’une mère mexicaine et d’un père québécois, Gabriella Olivo fait honneur à ses origines mexicaines avec ses chansons en espagnol ancrées dans un univers doux à saveur indie-pop. Introspective, planante, rêveuse, ses chansons et sa voix douce nous transportent dans son monde d’amour et de haine, de passion et de déception.

Born and raised in Quebec City of a Mexican mother and a Quebecois father, Gabriella Olivo honors her Mexican roots with songs in Spanish, rooted in a gentle indie-pop universe. Introspective and dreamy, her songs and her gentle voice transport us into her world of love, passion and disappointment.

LES BILLETS POUR CE SPECTACLE SONT ÉPUISÉS!

Ce contenu provient de POP Montréal et est adapté par PAN M 360.

expérimental / contemporain / free jazz / noise

SUONI PER IL POPOLO : ANTHONY BRAXTON & WOLF EYES REPORTÉ MAIS IL Y A UN CONCERT CE SOIR !

par Rédaction PAN M 360

En raison d’une urgence familiale, le concert d’Anthony Braxton & Wolf Eyes dimanche à la Sala Rossa est reporté à une date ultérieure. Nous continuerons la soirée et l’entrée sera gratuite avec: Bryan Highbloom (ténor, soprano, mélodie en ut), Raymond Torchinsky (fa-alto, alto, clarinette basse) et le batteur Trevor Ferrier (tambours africains) improvisent ensemble depuis plus de cinquante ans. Rejoints par Mark Nelson (batterie trap), ils forment Horns and Drums, un groupe qui se consacre à l’improvisation libre. Et pour nous accompagner jusqu’au bout de la nuit, Mardi Spaghetti’s Late Sessions présentent une panoplie d’artistes, d’improvisateurs-trices et de musicien-nes locaux et internationaux qui collaborent au sein de combinaisons inusitées pour présenter de courtes performances (improvisées). Qui sait qui viendra faire du bruit !?

Remboursements: [email protected]

Ce contenu provient du site web des Suoni Per Il Popolo et adapté par PAN M 360

BILLETS ET INFOS ICI / TICKETS & INFOS HERE

Due to a family emergency, Anthony Braxton & Wolf Eyes Sunday’ show at Sala Rossa is postponed to a later date. The event is still on and free for all with: Ryan Highbloom (tenor, soprano, c-melody) Raymond Torchinsky (f-alto, alto, bass clarinet) and drummer Trevor Ferrier (African drums) have been jamming together for more than fifty years, joined by Mark Nelson (trap drums) they form Horns and Drums, a group dedicated to free improvisation. And to carry us in through the night, Mardi Spaghetti’s Late Sessions presents a wild array of local and international musicians, improvisers and artists who collaborate in unusual combinations for short (improvised) sets. Who knows who will come shred !?

For refunds: [email protected]

This content is taken from the Suoni Per Il Popolo website and adapted by PAN M 360

hardcore / psychédélique / punk

Suoni Per Il Popolo: Hez + Mirage + Acid Casualties + Tenaz + Recall

par Rédaction PAN M 360

Le Panama n’est peut-être pas sur la carte du DIY punk pour la plupart des gens, mais Hez le déchire depuis un certain temps. Mirage, avec son chant en italien ( principalement), les place dans la riche histoire du hardcore italien, tandis que la musique s’inspire d’une atmosphère post-punk et d’une texture psychédélique. Acid Casualities, malgré toute leur négativité, ont encore un peu d’amour dans leur cœur, mais il est réservé au Hardcore et à la vitesse qui déchire la peau. Plus récents dans la scène, Tenaz, avec son anarco-punk mélodique et Recall, hardcore-punk avec des d beats, tous deux de Montréal.

Panama may not be on the DIY punk map for most people, but Hez have been tearing it up for some time. Mirage, with its ( mostly) Italian vocals, places them in the rich history of Italian hardcore, while the music draws on a post-punk atmosphere and psychedelic texture. Acid Casualities, for all their negativity, still have a little love in their hearts, but it’s reserved for hardcore and skin-ripping speed. Newer to the scene are Tenaz, with their melodic anarco-punk, and Recall, hardcore-punk with d beats, both from Montreal.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de Suoni Per Il Popolo et est adapté par PAN M 360.

blues / rap

Suoni Per Il Popolo: Backxwash + Quinton Barnes + Magella

par Rédaction PAN M 360

Backxwash est une rappeuse et productrice née à Lusaka, en Zambie. Sa musique est cathartique, expressive et basée sur ses expériences vécues. Quinton Barnes est un artiste, auteur-compositeur et producteur éclectique et aux multiples facettes, dont le style est souvent non conventionnel mais singulier. MAGELLA est une auteure-compositrice-interprète basée à Montréal qui s’inspire du blues diasporique. Avec son timbre puissant et chaud, elle utilise les différentes couleurs de sa voix pour créer une toile sonore

Backxwash is a rapper and producer born in Lusaka, Zambia. Her music is cathartic, expressive and based on real-life experiences. Quinton Barnes is an eclectic, multi-faceted artist, songwriter and producer whose style is often unconventional but singular. MAGELLA is a Montreal-based singer-songwriter inspired by diasporic blues. With her powerful, warm timbre, she uses the different colors of her voice to create a sonic canvas.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de Suoni Per Il Popolo et est adapté par PAN M 360.

électronique

Suoni Per Il Popolo: Erika Angell + Sarah Rossy + Kahero:ton

par Rédaction PAN M 360

La soirée débutera par la performance envoûtante de l’artiste kanienʼkehá꞉ka Kahero:ton. Sarah Rossy présentera ensuite « interphase », une performance qui crée un espace vivant et respirant, dans lequel l’improvisation rencontre le traitement électronique, invitant le public à une expérience immersive, multisensorielle et réflexive. Erika Angell clôturera la soirée avec son exploration vocale débridée et ses compositions expressionnistes avant-électroniques, accompagnée par la batteuse Mili Hong et l’œuvre de l’artiste Maxime Corbeil-Perron.

The evening will kick off with the mesmerizing performance of Kanienʼkehá꞉ka Kahero:ton. Sarah Rossy will then present “interphase”, a performance that creates a living, breathing space in which improvisation meets electronic processing, inviting the audience to an immersive, multisensory and reflective experience. Erika Angell will close the evening with her unbridled vocal exploration and expressionistic avant-electronic compositions, accompanied by drummer Mili Hong and the work of artist Maxime Corbeil-Perron.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de Suoni Per Il Popolo et est adapté par PAN M 360.

classique / expérimental

Suoni Per Il Popolo: Quatuor Bozzini & Howard Skempton « Home and abroad »

par Rédaction PAN M 360

Le Quatuor Bozzini invite Howard Skempton, membre du Scratch Orchestra, pour sa première visite à Montréal. Figure majeure de la musique expérimentale en Angleterre, il a beaucoup composé, principalement de la musique tonale à petite échelle, dans un idiome qui échappe à la rhétorique du modernisme. La musique de Skempton est exquise et simple, d’une grande clarté et d’une grande sophistication. Son écriture finement élaborée et distinctive est parfois entraînante, parfois transcendante, toujours mémorable. Skempton et le Quatuor Bozzini uniront leurs forces dans une soirée pour accordéon solo, quatuor à cordes et autres combinaisons.

Quatuor Bozzini invites Scratch Orchestra member Howard Skempton for his first visit to Montreal. A major figure in experimental music in England, he has composed extensively, mainly small-scale tonal music, in an idiom that escapes the rhetoric of modernism. Skempton’s music is exquisitely simple, of great clarity and sophistication. His finely crafted, distinctive writing is sometimes rousing, sometimes transcendent, always memorable. Skempton and the Quatuor Bozzini join forces in an evening for solo accordion, string quartet and other combinations.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de Suoni Per Il Popolo et est adapté par PAN M 360.

musique contemporaine / violon

Suoni Per Il Popolo: No Hay Banda X Sarah Davachi + Nadah El-Shazly & Sarah Pagé

par Rédaction PAN M 360

NO HAY BANDA est ravi de s’associer à la compositrice et interprète Sarah Davachi pour présenter la première mondiale de Three Unisons for Four Voices, une œuvre de 65 minutes commandée à Davachi pour violon, violoncelle, clarinette basse, trombone, ondes Martenot et percussions. Three Unisons for Four voices est interprétée par Geneviève Liboiron, Audréanne Filion, Lori Freedman, Kalun Leung, Daniel Áñez & Noam Bierstone, et sera présentée parallèlement à un set de la productrice, vocaliste et artiste sonore égyptienne Nadah El Shazly, rejoint par la harpiste montréalaise Sarah Pagé.

NO HAY BANDA is delighted to partner with composer and performer Sarah Davachi to present the world premiere of Three Unisons for Four Voices, a 65-minute work commissioned from Davachi for violin, cello, bass clarinet, trombone, ondes Martenot and percussion. Three Unisons for Four Voices is performed by Geneviève Liboiron, Audréanne Filion, Lori Freedman, Kalun Leung, Daniel Áñez & Noam Bierstone, and will be presented alongside a set by Egyptian producer, vocalist and sound artist Nadah El Shazly, joined by Montreal harpist Sarah Pagé.
POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de Suoni Per Il Popolo et est adapté par PAN M 360.