La Sala Rossa

Alternative / indie rock

POP Montréal 2026 : Spencer Krug à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

En tant que musicien canadien derrière Sunset Rubdown et Moonface, co-leader de Wolf Parade, membre auteur-compositeur de Swan Lake et claviériste de Frog Eyes et Fifths of Seven, Spencer Krug a joué un rôle majeur sur plus de vingt-cinq albums au cours des deux dernières années. décennies. Il écrit et publie actuellement de la musique sous son propre nom et interprète sur scène un mélange de morceaux nouveaux et anciens.

As the Canadian musician behind Sunset Rubdown and Moonface, co-frontman of Wolf Parade, songwriting member of Swan Lake, and keyboardist for Frog Eyes and Fifths of Seven, Spencer Krug has been a major player on over twenty-five releases within the past two decades. He currently writes and releases music under his own name, and performs a mix of new and old material on stage.

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folklore / théâtre

Festival Flux : Centre des travailleurs et travailleuses immigrants – Pièce de théâtre et musique folklorique punjabi présentés par le Centre for the Performing Arts à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Canada PR est une pièce de théâtre pendjabie écrite, mise en scène et produite par Nitu Sharma. Mêlant drame et comédie, elle explore les réalités vécues de l’immigration au Canada et les sacrifices consentis dans l’espoir d’un avenir meilleur. À travers les récits de personnes ayant laissé derrière elles leur foyer et leur famille, la pièce montre comment les rêves associés à la migration peuvent se complexifier et parfois se briser au contact des réalités de la vie au Canada. Elle aborde les sacrifices personnels des personnes migrantes, le poids de la séparation avec les êtres chers et la difficulté de préserver un sentiment d’appartenance tout en construisant une nouvelle vie. Au cœur de Canada Di PR se trouvent des questions essentielles : que signifie quitter son foyer, sa famille et sa communauté à la recherche d’un avenir meilleur? Que gagne-t-on et que perd-on en chemin? La pièce est produite et interprétée par des personnes ayant elles-mêmes immigré au Canada et connu les réalités du travail et de la vie dans des situations professionnelles et migratoires précaires. Leurs expériences confèrent aux récits portés sur scène une authenticité et une profondeur particulières.

Canada PR is a Punjabi play written, directed, and produced by Nitu Sharma. Blending drama and comedy, the play explores the lived experiences of immigration to Canada and the sacrifices made in pursuit of a better future. Through the stories of those who leave their homes and families behind, the play examines how the dreams associated with migration can become complicated and, at times, shattered by the realities of life in Canada. It explores the personal sacrifices that migrants make, the weight of separation from loved ones, and the struggle to maintain a sense of belonging while building a new life. At its heart, Canada Di PR asks important questions about what it means to leave home, family, and community behind in search of a better future. The play questions what is gained and lost along the way. The play is produced and performed by people who themselves came to Canada as immigrants and have experienced the realities of working and living in precarious employment and immigration status. Their lived experiences bring an authenticity and depth to the stories portrayed on stage.

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expérimental / contemporain / poésie

Festival Flux : Kim Zombik’s Origin Stories with Silvervest Quartet + Christelle Saint-Julien + Deanna Smith à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Kim Zombik

ORIGIN STORIES de Kim Zombik est une œuvre autobiographique en cours de création. Son récit évolutif trace les contours d’un fragile chemin vers la guérison, du lien avec les ancêtres et des merveilles de la réappropriation. Que faut-il pour transformer des cicatrices douloureuses en dentelles translucides? Cette version d’Origin Stories réunira certains monologues de la production intégrale ainsi qu’une grande partie de sa musique. La création complète sera présentée à l’hiver 2027. Avec Kim Zombik (voix et texte), Nicolas Caloia (contrebasse), David Ryshpan (claviers) et Jahsun (batterie).

Kim Zombik’s ORIGIN STORIES is work-in-progress autobiographical performance piece. The evolving narrative maps the tentative bridge of healing, the reach of ancestors, and the wonders of reclamation. What does it take to stretch painful scars into transparencies of lace? This version of Origin Stories will include some monologues from the full production, as well as much of the music. Look for the Origin Stories full production in winter 2027. Performers include Kim Zombik (vocalist and writer), Nicolas Caloia (double bass), David Ryshpan, (keyboards) and Jahsun (drums).

Christelle Saint-Julien

Christelle Saint-Julien est journaliste, autrice, traductrice et musicienne ; elle vit et meurt à Montréal. Elle s’intéresse aux gens et à leurs histoires, à l’intangible comme au perceptible.

Christelle Saint-Julien is a journalist, writer, translator and musician living and dying in Montreal. She is interested in people and their stories, intangible and perceptible.

Deanna Smith

Deanna Smith fait partie de la communauté artistique de la grande région de Montréal depuis 2009. Elle est poète et artiste-enseignante. Elle anime des ateliers d’écriture créative et de poésie/slam pour des participants de 4 ans jusqu’à la retraite et au-delà. Ses œuvres touchent l’héritage, l’amour, et la famille. Elle croit profondément au pouvoir de la communication, à la transcendance de solitudes apportée par l’ouverture d’esprit, et au courage d’avoir tort des fois. Deanna s’engage à promouvoir le vivre ensemble en parlant de tout ça pendant ses ateliers, sur scène, et par la création.

Deanna Smith is a Montreal-based poet, performer, and teaching artist. Her practice is inspired by transcendence, faith, the boundless power of love to liberate us, and the growth that comes from deeply reflecting on the self. Her work has been published in “Great Black North – Contemporary African Canadian Poetry” (Frontenac House, 2013), in Montreal Serai Magazine, and in Arc Magazine (translation). She has also consulted on literary projects as a substantive editor and translator. She is currently seeking publication of several children’s books, and is working on a longer poetry manuscript. Deanna facilitates workshops for participants aged 4 and up.

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expérimental / contemporain / hip-hop alternatif / punk rock

Suoni Per Il Popolo : IWANT2BEONTV – The Spelling Bee of the Century with Bastard Idol, Laughing, Culvert Corpse and Perry Fraud à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Bzzzzz… Qu’est-ce que vous entendez ? Un buzzer ou une abeille ? Peut-être bien le S-P-E-L-L-I-N-G Bee.
Approchez… et découvrez une occasion unique : un spectacle diffusé, aussi audacieux qu’inoubliable « The World’s Most Complicated Adult Spelling Bee », imaginé par IWANT2BEONTV.
Avec des invité·e·s musicaux : Belly Hatcher, Bastard Idol, Laughing… et un dernier nom encore gardé secret…
Ici, oubliez les concours d’orthographe traditionnels. Les participant·e·s seront poussé·e·s à leurs limites, confronté·e·s à des épreuves imprévisibles, des obstacles inattendus, et un chaos brillamment orchestré.
Un spectacle où l’esprit, la langue… et les nerfs seront mis à rude épreuve.
IWANT2BEONTV est un collectif montréalais fondé par Alex Apostolidis en 2021. Il crée des performances participatives hybrides, du théâtre et des concerts qui donnent lieu à des vidéos rendant hommage à l’histoire et à l’esthétique de la télévision câblée communautaire, dans un esprit queer et DIY. Leurs œuvres remettent en question les structures de pouvoir hégémoniques par le biais de l’humour, de la déviance et de la communauté, tout en repoussant les frontières du genre et de la performance. L’équipe est composée d’Alex Apostolidis, Charvel Rappos, Mars Zaslavsky et Chris Vargas.
ENTRE TORONTO ET MONTRÉAL – BASTARD IDOL JOUE UN PUNK BRUT À LA DISCLONE PENDANT ONZE MINUTES MAXIMUM. INSPIRÉ PAR DES GROUPES COMME GLOOM, FRAMTID ET SHITLICKERS. LOGO ET ILLUSTRATIONS PAR WILBUR. PRÉPAREZ-VOUS À VOUS FAIRE TOMBER !
Laughing est un groupe de rock montréalais composé de quatre membres. Leur premier album, « Because It’s True », est sorti en juin 2024, coproduit par le label montréalais Celluloid Lunch et le label madrilène Meritorio Records. Le magazine Paste les a qualifiés de « slacker-rock avec des solos de guitare », les comparant à Big Star, Pavement et Neil Young.
Fraud Perry est le projet pop et hip-hop alternatif de Melinda Massolas, artiste multidisciplinaire haïtiano-canadienne basée à Montréal. Massolas explique son exploration musicale sans genre par son désir d’explorer et de créer un espace pour toutes les facettes de sa personnalité. « Ayant vécu un passé de répression et de compartimentage émotionnels pour survivre et me sentir en sécurité aujourd’hui, j’utilise la musique comme moyen d’exprimer mes sentiments en profondeur et de me comprendre à travers la répétition inhérente à la création et à l’interprétation. » Fortement inspirée par la puissance et le rythme du punk, de la dance et du hip-hop, Perry allie avec brio la profondeur des textes, la fluidité et le côté entraînant de la pop, du R&B alternatif et du rock indépendant.
Culvert Corpse est un groupe de black metal brutal aux influences punk, dans le style de Perverted Ceremony, ildjarn et autres formations de black metal lourd. Originaire de Nouvelle-Écosse, Canada.

Bzzzzz…. What is that you hear? A buzzer or a bee? Maybe the S-P-E-L-L-I-N-G Bee! Come hither for a once in a lifetime opportunity for a broadcasted spectacle of « The World’s Most Complicated Adult Spelling Bee » created by iWant2BeOnTV with musical guests Belly Hatcher, Bastard Idol, Laughing and one more secret guest…
This is not your traditional orthographic mastery display- spellers will be pushed to their limits with unexpected obstacles and challenges.
IWANT2BEONTV is a Montréal-based collective founded by Alex Apostolidis in 2021, creating hybrid participatory performances, theatre, and concerts that result in video pieces honoring public access cable television histories and aesthetics with a queer, DIY ethos. The works challenge hegemonic power structures through comedy, deviancy, and community, while pushing the boundaries of genre and performance. The team includes Alex Apostolidis, Charvel Rappos, Mars Zaslavsky, and Chris Vargas.
SPLIT BETWEEN TORONTO AND MONTREAL — BASTARD IDOL PLAY RAW DISCLONE STYLE PUNK FOR NO MORE THAN ELEVEN MINUTES. INSPIRED BY BANDS LIKE GLOOM, FRAMTID, AND SHITLICKERS. LOGO & ART BY WILBUR. CRACK UP YOUR DULL BRAIN.
Laughing are a four piece rock and roll band from Montreal. Their debut album « Because It’s True » was co-released by Montreal’s Celluloid Lunch and Madrid’s Meritorio Records in June of 2024. Paste Magazine called them « slacker-rock with guitar solos », comparing them to Big Star, Pavement and Neil Young.
Fraud Perry is the alternative Pop and Hip-hop project of Montreal based Haitian-Canadian multi-disciplinary artist Melinda Massolas. Massolas credits her genreless exploration to her
desire to explore and create space for all the different facets of herself. “Coming from a past of emotional suppression and compartmentalization in order to survive my now in physical safety, I use music as the place to express my feelings to their depth and understand myself through the repetition found in creation and performance.” Heavily inspired by the power and rhythm of Punk, Dance, and Hip-hop Perry pairs it well with lyrical depth, smoothness, and the catchiness of Pop, alternative RnB, and Indie rock.
Culvert Corpse is ugly metal with some punk influences in the style of Perverted Ceremony, ildjarn, and other clunky black metal. From Nova Scotia, Canada

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ambient / expérimental / improvisation libre

POP Montréal 2026 : Hana Stretton, Lune Très Belle et Eliza Niemi à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Hana Stretton

Hana Stretton est une compositrice, chanteuse et productrice britanno-australienne reconnue pour sa production chaleureuse et ses chansons à la structure vaste et contemplative. Son premier album Soon, paru en 2023, est rapidement devenu un favori d’un public attentif à travers le monde. L’œuvre attire notamment l’attention de Phil Elverum, qui réédite l’album sur son propre label en 2024. Sur son nouvel album tiarn, prévu pour l’été 2026, Stretton transporte l’auditeur des paysages poussiéreux de l’Australie vers l’immensité de l’océan Pacifique, intégrant davantage d’éléments classiques et électroniques.

Hana Stretton is a British/Australian composer, singer and producer known for her remarkably warm production style and uniquely spacious songform. In 2023, her debut album, Soon, earned a beloved status among discerning listeners around the globe. This stunning work caught the ear of one Phil Elverum, who lovingly reissued Soon through his own label in 2024, furthering the album’s reach and deepening its reputation. In the press, Elverum said: “I hear an artist who has entered completely into the stream where creation originates […] Hana Stretton has truly recorded the deep flourishing sound of a quiet listening mind in full blossom.” A fitting testament to a young artist rooted in the stillness of nature. From the dusty Australian bushland on Soon, Stretton transports the listener to the Pacific Ocean on her new album, tiarn (set to be released summer 2026). Shifting gradually like a shoreline, her new compositions reveal welcomed hints of classical and electronic flourishes. tiarn will be released independently with vinyl editions through PW Elverum & Sun (North America), brierfield flood press (Australia) and Lima Limo (Europe/UK).

Eliza Niemi

Je suis autrice-compositrice et violoncelliste expérimentale. Mon travail explore ce que signifie exister et faire de l’art dans le monde, en disséquant des moments très grands et très petits. Mes chansons sont intimes et provocantes avec un brin de jeu, et la performance en direct est dynamique et collaborative. Deux violoncelles, batterie, claviers, guitare et harmonies vocales donnent vie à mes vignettes lyriques. De la musique à écouter pour rire et pour pleurer.

I am an experimental songwriter and cellist. My work explores what it means to exist and make art in the world, through dissecting very big and very small moments. My songs are intimate and playfully confrontational, and the live performance is dynamic and collaborative. Two cellos, drums, keys, guitar and vocal harmonies bring my lyrical vignettes to life. Music to laugh and cry to.

Lune très belle

Lune très belle est l’ensemble de la compositrice, musicienne et écrivaine Frédérique Roy. Deux albums sont parus, Ô la lune (Wild Silence, 2019) et Ovale (Boiled Records, 2023). Leur prochain album paraîtra en 2027. Sa musique oscille entre des structures composées et leur dissolution dans des gestes improvisés.

Lune très belle is the ensemble of Montreal-based composer, singer and writer Frédérique Roy. Two albums were released, Ô la lune (Wild Silence, 2019) and Ovale (Boiled Records, 2023). Their next album will come out in 2027. Her music oscillates between clearly structured outlines and improvisatory ventures.

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chanson / folk / soul

POP Montréal 2026 : Nick Hakim et Arima Ederra à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Nick Hakim

Nick Hakim se situe quelque part entre le philosophe analytique, le poète mystique et le peintre abstrait. L’entendre parler de musique, c’est rencontrer quelqu’un qui en saisit pleinement la puissance, qui a été touché par sa magie et a été témoin de ses miracles. Il voue un véritable culte à la musique, la considérant à la fois comme un art ancestral et comme un remède éternel. L’entendre jouer, c’est ressentir ces vérités fondamentales en temps réel. C’est cet esprit que l’auteur-compositeur new-yorkais insuffle à sa musique, que ce soit en tant que créateur ou collaborateur. De ses premiers albums — Green Twins (2017) et Will This Make Me Good (2020) — jusqu’à son nouvel opus, I Can See, Hakim a cherché la vérité dans chaque note composée et chaque parole chantée. Toutefois, sa vérité relève davantage de l’abstrait et de l’impalpable que du factuel ; elle évoque plus volontiers Borges que George Washington. Une certitude cosmique imprègne I Can See : la conviction que le bien, dans l’univers, existe pour une raison.

Nick Hakim sits somewhere between an analytical philosopher, mystic poet, and abstract painter. To hear him speak of music is to encounter someone who fully understands its power, who has been moved by its magic and seen its miracles. He’s devoted to music as both an ancient art form and eternal medicine. To hear him play music is to feel these truisms in live time. It’s a spirit that the New York-based songwriter has carried in his music—both as composer and collaborator. From early LPs like 2017’s Green Twins and 2020’s Will This Make Me Good, to his new album, I Can See, Hakim has pursued the truth in every note he’s written, every lyric he’s sung. His truth, though, is more akin to the abstract and intangible than the factual—more Borges than George Washington. It’s a cosmic assuredness that manifests throughout I Can See; a belief that the good in the universe is good for a reason.

Arima Ederra

Pour Arima Ederra, chanteuse basée à Los Angeles mais ayant grandi à Las Vegas, tout a commencé par la poésie. C’est là qu’elle a fait ses premiers pas dans le chant lors de scènes ouvertes dédiées à la poésie ; on l’y invitait bientôt à reprendre des titres de ses artistes favoris, tels que Bob Marley, Lauryn Hill et Little Dragon. En 2016, installée à Los Angeles, elle sort Temporary Fixes, un EP de compositions originales explorant ses influences R&B à travers des morceaux aux structures et textures atypiques, traitant du temps et de la mortalité. Son premier album, An Orange Colored Day, paraît en 2022 ; c’est une méditation empreinte de tendresse sur le deuil et la vie qui suit un chagrin d’amour. La voix suave d’Ederra, mêlant curiosité enfantine et sincérité, lui vaut rapidement un public fidèle. L’album, produit en grande partie par Ederra et Teo Halm (connu pour « Con Altura » de Rosalía, « Open Arms » de SZA ou « Evergreen » d’Omar Apollo), tisse des récits de perte et de peine de cœur pour finalement aboutir à la foi.

Poetry came first for Arima Ederra, the Los Angeles based singer who’d spent her formative years in Las Vegas. It was there that she first flirted with singing by way of open mics at poetry nights that soon invited her to cover songs from her favorite artists including Bob Marley, Lauryn Hill and Little Dragon. By 2016, she’d moved to Los Angeles and put out Temporary Fixes, an EP of original songs experimenting with her R&B influences on unconventionally structured and textured songs about time and mortality. Her debut LP An Orange Colored Day followed in 2022, a tenderizing meditation on loss and the life that follows heartbreak. Ederra’s honeyed voice singing with childlike curiosity and earnestness gained her fans. The album, largely produced by Ederra and Teo Halm (Rosalía’s “Con Altura”, SZA’s “Open Arms”, Omar Apollo’s “Everygreen”) wove through stories of loss and heartbreak and by the end, she arrives at faith.

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électroacoustique / expérimental / contemporain

Festival Flux : Beatings Are in the Body + Tallado En El Aire à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Beatings Are in the Body

Beatings Are in the Body est un nouveau projet puissant et énigmatique, réunissant trois figures majeures de la musique expérimentale canadienne : la pianiste, compositrice et improvisatrice Róisín Adams (Vancouver), la vocaliste et compositrice Erika Angell (Montréal) et la violoncelliste, compositrice et improvisatrice Peggy Lee (Vancouver). Comme leur nom l’indique, leur musique possède une dimension brute et volatile : elle explore la manière dont les souvenirs, la douleur et une palette d’émotions sont stockés dans le corps et continuent d’y être portés. Leurs compositions cherchent à libérer des mémoires neuronales profondément ressenties à travers des vibrations sonores, tout en agissant comme un baume pour des corps fatigués et des âmes tourmentées.

Beatings Are in the Body is a powerful and enigmatic new project from three of Canada’s leading figures in experimental music—Vancouver-based pianist, composer, and improviser Róisín Adams (of Hildegard’s Ghost), Montréal-based experimental vocalist and composer Erika Angell (of Thus Owls), and fellow Vancouverite Peggy Lee—a renowned cellist, composer and improviser. As their name indicates, there’s a raw, volatile dimension to the music they create; it’s an investigation of how memories, pain, and a spectrum of emotions are stored in and continue to be carried by our physical bodies. Their “compositions seek to unlock some deeply felt neural memories and release them via sonic vibrations” (Annapoorna Shruthi for The Vancouver Arts Review) while “acting like a balm on our tired bodies and tortured souls” (Gérard de Oliviera, Á Décrouvrir Absolument).

Tallado En El Aire

Tout comme les artistes (public compris), chaque espace porte une empreinte, une trajectoire et une volonté qui lui sont propres — somme des intérêts qu’il rassemble, de ses particularités acoustiques et de l’ensemble des sons qu’il accueille, invoque, favorise et accumule. Chaque lieu constitue en soi un univers sonore riche et profond, un univers taillé dans l’air. Tallado en el aire part de l’approche de l’univers sonore où elle prend place, et de la relation que ses interprètes établissent avec celui-ci, en prenant en compte à la fois certains sons survenant dans la salle pendant l’exécution elle-même, et les sons présents dans des « phonographies ». Pour l’élaboration de la trame électronique de Tallado en el aire, Áñez and Geneviève Liboiron ont fouillé dans les archives sonores du Festival Suoni Per Il Popolo , et inclut des extraits de concerts des éditions de 2009, 2017 et 2018, dans des événements ayant lieu à la Sala Rossa. Tallado en el aire est composé d’Adrianne Munden-Dixon (violon), de Daniel Áñez (piano) et de Daniel Leguizamón (composition).

Like artists (and audience), every space bears its own imprint, trajectory, and will—shaped by the interests it brings together, its acoustic particularities, and the totality of sounds it hosts, invokes, fosters, and accumulates. Each place is, in itself, a rich and profound sonic universe—an universe carved in air. Tallado en el aire begins from an engagement with the sonic universe in which it takes place, and with the relationship its performers establish with it, considering both certain sounds that occur in the room during the performance itself, and the sounds present in the “phonographies”. For the creation of the electroacoustic track of Tallado en el aire, Áñez and Geneviève Liboiron dug into the sonic archives of the Suoni Per Il Popolo Festival, and includes excerpts of concerts from the 2009, 2017 and 2018 editions, all happening at Sala Rossa. Tallado en el aire features Adrianne Munden-Dixon (violon), Daniel Áñez (piano) and Daniel Leguizamón (composition).

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avant-garde / musique contemporaine / théâtre musical

Code d’accès : Constellations corporelles à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

« Constellations corporelles » regroupe quatre pièces hautement ambitieuses d’artistes maniant la musique, le corps et des aspects de mise en scène hors du commun.
Alexis Blais présentera une pièce pour violon alto et enceintes posées sur les genoux du public inspirée des interactions observées entre un humoriste et son audience. 
Gabo Champagne et Rebecca Gray présenteront une pièce de théâtre musical repoussant les limites émotionnelles du public, et physiques de la chanteuse, en fusionnant le chant classique avec l’art de la performance. 
Jean-Philippe Jullin collabore avec la danseuse Ariane Levasseur pour présenter une performance audio-visuelle qui explore divers paradigmes relationnels où la frontière entre l’artiste et la machine devient floue. 
Le duo Gabriela Tomé et Christophe Lengelé offriront une performance de musique électronique, guitare, visuels et voix, inspirée de la théorie des trous noirs et des forces cosmiques.
À la fin de chaque concert, les discussions post-spectacle permettent aux spectateur[trice]s de poser leurs questions aux artistes. Ceci permet au public de mieux comprendre les œuvres présentées et les démarches artistiques des artistes programmé[e]s dans une perspective d’échange, de partage et de démocratisation des œuvres musicales contemporaines.

“Constellations corporelles” brings together four highly ambitious pieces by artists wielding music, the body and unusual aspects of staging.
Alexis Blais presents a piece for violin viola and speakers placed on the audience’s lap, inspired by the interactions observed between a comedian and his audience.
Gabo Champagne and Rebecca Gray present a piece of musical theater that pushes the emotional limits of the audience, and the physical limits of the singer, by fusing classical singing with performance art.
Jean-Philippe Jullin collaborates with dancer Ariane Levasseur to present an audio-visual performance that explores various relational paradigms where the boundary between artist and machine becomes blurred.
The duo Gabriela Tomé and Christophe Lengelé offer a performance of electronic music, guitar, visuals and voice, inspired by the theory of black holes and cosmic forces.
At the end of each concert, post-show discussions allow spectators to ask the artists their questions. This allows the public a better understanding of the works presented and the artistic approaches of the artists programmed with a perspective of exchange, sharing and democratization of contemporary musical works.

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expérimental / contemporain / improvisation libre

Le Vivier / Semaine du Neuf | Limules + No Hay Banda & Ana María Romano, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf, nous emmène au programme de l’ultime concert au programme:

« Le Festival se conclut  avec un programme double qui met en vedette le groupe d’improvisation Limul avec No Hay Banda qui invite Anna Maria Romano. Donc, c’est une rencontre des corps, des souvenirs, des rêves qui s’entrelacent à travers une écoute curieuse, on pourrait dire. Une œuvre qui  dialogue avec des univers sonores qui sont à la fois nourris d’histoires personnelles, mais aussi qui sont en lien avec les instruments. J’ai très hâte d’assister à cette rencontre entre No Hay  Banda et la compositrice colombienne  Anna-Maria Romano qui sera sur place. »

Un programme double mettant en vedette le groupe d’improvisation Limules aux côtés de No Hay Banda et Ana María Romano.
No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado (personne ne peut enlever ce que nous avons dansé)
Une rencontre des corps, des souvenirs, des rêves et des sensibilités qui s’entrelacent à travers l’écoute et la curiosité. Cette œuvre fait dialoguer des univers sonores nourris d’histoires personnelles, de liens avec les instruments, d’affects, de confiance et d’échanges culturels. Elle est une invitation à respirer, imaginer, créer, transformer. Un espace où se croisent la conversation, la minutie, la subtilité, la vulnérabilité, le petit, le fragile. Un pari sur les présents, les passés et les futurs qui nous relient et nous parlent.
Limules
Réunissant des improvisateurs férus de langages contemporains, le groupe explore les formes de l’improvisation libre en travaillant sur la permanence et la transformation, le stable et l’imprévisible. Comme la musique, la limule présente un conservatisme morphologique exceptionnel. Cependant, les études biochimiques montrent qu’un grand nombre de caractères moléculaires distinguent les organismes actuels des espèces éteintes, même morphologiquement proches. Si l’animal remonte à plus de 50 millions d’années, l’ensemble est né en 2022, d’un simple désir d’improvisation outre-frontière.

…

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Programme

  • Ana María Romano: No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado , 2025 – 2026  – création
  • Limules , 2026  – création

Artistes

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Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, takes us through the program for the final concert:

« The Festival concludes with a double bill featuring the improvisational group Limul with No Hay Banda, who invite Anna-Maria Romano. So, it’s an encounter of bodies, memories, and dreams that intertwine through what you might call curious listening. A work that engages in dialogue with soundscapes that are both nourished by personal stories and connected to the instruments. I am very much looking forward to attending this encounter between No Hay Banda and Colombian composer Anna-Maria Romano, who will be there.

A double bill featuring the improvisation group Limules alongside No Hay Banda and Ana María Romano.
No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado (no one can take away what we have danced)
A meeting of bodies, memories, dreams, and sensibilities that intertwine through listening and curiosity. This work creates a dialogue between sonic universes nourished by personal stories, connections with instruments, affects, trust, and cultural exchanges. It is an invitation to breathe, imagine, create, transform. A space where conversation, meticulousness, subtlety, vulnerability, the small, the fragile intersect. A wager on the presents, pasts, and futures that connect us and speak to us.
Limules
Bringing together improvisers passionate about contemporary languages, the group explores forms of free improvisation by working on permanence and transformation, the stable and the unpredictable. Like music, the horseshoe crab (limule in french) exhibits exceptional morphological conservatism. However, biochemical studies show that a large number of molecular characteristics distinguish current organisms from extinct species, even those that are morphologically similar. While the animal dates back more than 50 million years, the ensemble was born in 2022, from a simple desire for cross-border improvisation..

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Program

  • Ana María Romano: No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado , 2025 – 2026  – premiere
  • Limules , 2026  – premiere

Artists

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art rock / expérimental / contemporain / noise-rock

Suoni Per Il Popolo : Bill Orcutt & Wendy Eisenberg Duo, Setting + Drainolith à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Bill Orcutt est l’un des guitaristes les plus influents de la musique expérimentale contemporaine. Son jeu, immédiatement reconnaissable, mêle boucles mélodiques, attaques anguleuses et dissonances dans un paysage sonore situé entre primitivisme américain, jazz outsider et déconstruction radicale de la guitare. Jouant des instruments modifiés à deux cordes, Orcutt développe un langage sonore brut et tendu, souvent comparé autant aux compositeur·rice·s d’avant‑garde qu’aux figures du blues rural.
Cofondateur du groupe culte Harry Pussy, formation phare du noise‑rock des années 1990, Orcutt poursuit depuis une carrière solo largement saluée par la critique. Ses albums ont été distingués par WIRE, NPR, The Guardian et Rolling Stone. Toujours très actif sur scène, il se produit à l’international et collabore régulièrement avec des musicien·ne·s issu·e·s des scènes improvisées et expérimentales, poursuivant une exploration sans compromis des limites de son instrument.
Wendy Eisenberg est une figure incontournable de la musique indépendante contemporaine, reconnue pour la multiplicité et la fluidité de sa pratique. Chanteuse, improvisatrice·rice et guitariste virtuose, elle navigue librement entre art‑rock, jazz, folk et improvisation radicale, brouillant sans cesse les frontières entre les formes.
Des albums marquants tels que Auto (2020) et Viewfinder (2024) témoignent d’une démarche profondément engagée dans le risque et l’expérimentation. Refusant toute spécialisation, Wendy Eisenberg revendique une pratique simultanée des musiques punk, improvisées et composées, faisant de l’éclectisme non pas un choix esthétique, mais une nécessité artistique.
Setting est un trio basé dans le Piedmont de la Caroline du Nord, réunissant Jaime Fennelly, Nathan Bowles et Joe Westerlund, musiciens actifs au sein de projets tels que Mind Over Mirrors, Califone, Black Twig Pickers, Pelt, Sylvan Esso et Jake Xerxes Fussell. Ancré dans une pratique profondément collaborative, le groupe développe des improvisations riches et inventives, portées par une écoute attentive et un sens du jeu partagé.
Mêlant synthétiseurs, boucles cassette, banjo, claviers, zithers, électronique et percussions, Setting façonne un paysage sonore tactile où se rencontrent pulsations terrestres et élans célestes. Leur album éponyme (Thrill Jockey) incarne cette rencontre entre rigueur compositionnelle et liberté improvisée, une célébration de l’euphorie de la création collective.
Peut-être mieux connu pour son jeu de guitare dans le groupe de noise rock montréalais AIDS Wolf, Alex Moskos produit des disques sous le nom de Drainolith depuis 1999. Il a sorti d’innombrables cassettes, CDR et disques 7 pouces sur divers labels, aboutissant à deux albums complets : « Fighting » (2012) sur Spectrum Spools et « Hysteria » (2015) sur NNA Tapes.
Plus récemment, Moskos a joué et enregistré aux côtés de Max Eilbacher (Horse Lords) et Duncan Moore sous le nom de SEF III, ainsi qu’avec Nate Young, John Olson et le compositeur Raven Chacon, lauréat du prix Pulitzer, sous le nom de The Difficult Messages Band. Il a également joué aux côtés de Neil Hagerty (Royal Trux), Charles Balas et Nate Young dans Dan’l Boon (Drag City). Moskos est un historien amateur et travaille à la radio communautaire CKUT 90.3FM, la plus ancienne station de radio libre de Montréal. Il vit à Hochelaga, un quartier de l’est de Montréal, avec l’artiste Jessica Mensch et Boots The Cat. 2026 Drainolith met également en vedette les talents incroyables de la batteuse Destiny et de la déesse de la guitare Rián Adamian.
Negative Capabilities lancera son premier fanzine, une nouvelle publication dédiée à la guitare alternative et aux sonorités acoustiques expérimentales. Des exemplaires seront disponibles sur place. Ce premier numéro contient un entretien entre Wendy Eisenberg et Alex Pelchat.

A co‑founder of the cult noise‑rock group Harry Pussy, Orcutt has since built a widely acclaimed solo career. His work has been recognized by WIRE, NPR, The Guardian, and Rolling Stone. Maintaining an active international touring schedule and frequent collaborations with leading improvisers and experimental musicians, Bill Orcutt continues to push the expressive limits of the guitar with uncompromising intensity.
Wendy Eisenberg is a key figure in contemporary independent music, renowned for the multiplicity and fluidity of her practice. A singer, improviser, and virtuoso guitarist, she navigates freely between art-rock, jazz, folk, and radical improvisation, constantly blurring the lines between forms.
Significant albums such as Auto (2020) and Viewfinder (2024) attest to an approach deeply committed to risk and experimentation. Rejecting any specialization, Wendy Eisenberg champions a simultaneous practice of punk, improvised, and composed music, making eclecticism not an aesthetic choice, but an artistic necessity.
Setting is a North Carolina Piedmont–based trio featuring Jaime Fennelly, Nathan Bowles and Joe Westerlund, musicians known for their work with projects including Mind Over Mirrors, Califone, Black Twig Pickers, Pelt, Sylvan Esso and Jake Xerxes Fussell. Grounded in a deeply collaborative approach, the group creates inventive, richly textured improvisations shaped by shared intuition and flow.
Combining synthesizers, cassette loops, banjo, keyboards, zithers, electronics and percussion, Setting builds tactile sound worlds where earthy rhythms meet moments of celestial lift. Their self‑titled album on Thrill Jockey stands as a defining statement of improvisational fluency paired with compositional focus, harnessing the euphoria of communal creation.
Perhaps best known for his guitar playing in the Montreal noise-rock band AIDS Wolf, Alex Moskos has been producing records under the name Drainolith since 1999. He has released countless cassettes, CDRs & 7″ records on various labels culminating in two full length albums: ‘Fighting’ (2012) on Spectrum Spools and ‘Hysteria’ (2015) on NNA Tapes.
More recently Moskos has performed and recorded alongside Max Eilbacher (Horse Lords) and Duncan Moore as SEF III, and with Nate Young, John Olson and Pulitzer Prize winning composer Raven Chacon as The Difficult Messages Band. He has also played alongside Neil Hagerty (Royal Trux), Charles Balas and Nate Young in Dan’l Boon (Drag City). Moskos is an amateur historian and works in community radio at CKUT 90.3FM – Montreal’s oldest freeform radio station. He lives in Hochelaga, an east end neighbourhood of Montreal with artist Jessica Mensch and Boots The Cat. 2026 Drainolith also features the amazing talents of drummer Destiny and guitar goddess Rián Adamian.
Negative Capabilities will be launching their first zine—a new print venture dedicated to outsider guitar and left-field acoustic sounds. Copies will be available at the venue. An interview with Wendy Eisenberg in conversation with Alex Pelchat is in this premier issue.

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Ce contenu provient de Suoni Per Il Popolo et est adapté par PAN M 360

new wave / no-wave / rock industriel

Taverne Tour | Entre hommage et réinvention 

par Laurent Pellerin

Mes attentes pour ce spectacle étaient fondées sur ce que je pouvais lire sur la page web du Taverne Tour: un hommage à Alan Vega et Suicide, un groupe dans lequel je me suis plongé avec plus de sérieux dans les derniers mois. Je m’étais toutefois volontairement abstenu d’aller me renseigner sur le sujet des deux artistes, Lydia Lunch et Marc Hurtado, dans le but de me réserver une surprise, et sur ce dernier point, je fus loin d’être déçu.

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J’entre en salle en vivant immédiatement un choc, c’était comme se faire couper le souffle en s’immergeant dans l’eau froide. Pour décrire ma perception initiale de la musique jouée, parler d’abrasif serait m’exprimer en euphémisme. Disons que les premiers sons m’ayant percé les tympans étaient antipodes de la douceur, de la tendresse, de la chaleur et du réconfort. C’était à ce point dissonant avec mon idée préconçue que je me suis momentanément demandé si je me retrouvais bien dans la bonne salle. J’ai ensuite aperçu Lydia Lunch devant ses microphones, sans toutefois rien entendre de sa voix. J’étais plutôt frappé par ces nappes sonores tonitruantes, qui en bien peu de temps ont javellisé mes oreilles et mes attentes. Sans perdre un moment, je me dirige vers l’avant-scène, contournant des dizaines de visages ravis d’être là.

À partir de mon nouveau point d’observation, je parviens à distinguer les sources sonores responsables de ce splendide fracas. Marc Hurtado est placé derrière une table où il déclenche des séquences rythmiques et les annihile aussitôt par une multitude d’effets de désintégration de signal. Il est muni d’un micro dans lequel il lâche des cris sporadiques qui se combinent à merveille avec la décapante trame musicale. Ses cris sont envoyés à travers une chaîne de lents délais qui leur accorde une certaine valeur de claustration, comme si le signal ajouté en temps réel ne pouvait lui-même s’échapper de cette musique de tonnerre. Marc Hurtado est solidement planté, sa veste en cuir et ses verres fumés contribuant à la prestance dans son rôle de DJ industriel.

Devant lui, Lydia Lunch, appuyée sur ses deux microphones. Je constate que l’un d’entre-eux envoie un signal dry, sans effet notable, tandis que l’autre envoie un signal radicalement opposé, une sorte de piscine de réverbération et de modulation, me rappelant le genre d’effets utilisés sur la voix d’Alan Vega avec Suicide. Dans mon imagination, ils furent baptisés microphone narratif (sans effets) et microphone prophétique (avec effets). Le microphone narratif semble être celui qui accueille le plus de mots, une prose plus constante, alors que le microphone prophétique est utilisé pour des effets d’insistance, de répétition ; les effets appliqués à ce dernier parviennent à extirper le signal vocal de la masse sonore opaque, certains mots sont ainsi plus facilement décelables. Quand elle n’est pas aux microphones, Lydia Lunch s’assoit à une table ronde, en bordure de scène, sur laquelle on retrouve une bouteille de Hennesy (qui était consommée au trois-quarts avant même que débute le spectacle), son verre jamais tout à fait vide, des feuilles vierges pêle-mêle qu’elle feuillette frénétiquement, une sacoche ainsi qu’un vaillant éventail qu’elle utilise fréquemment, au grand bonheur de certain/es spectateurs/trices.

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Chaque pièce suit une formule similaire: Hurtado débute en déclenchant un capharnaüm industriel pour battre la mesure, Lydia Lunch se lève de table et se dirige vers les microphones pour nous lancer gestes et paroles prophétiques, poésies improvisées et commentaires socio-politiques. Son compagnon ponctue ce narratif de hurlements qui épaississent une trame sonore déjà saturée, jusqu’à ce que Lunch retourne s’asseoir à table et que l’on soit laissé avec le retentissant DJ pour ses derniers élans de violence musicale. 

Somme toute, j’ai été charmé par ces propositions musicales et conceptuelles. Les deux artistes, qui sans aucun doute éprouvent un profond respect pour la carrière musicale d’Alan Vega (et de Martin Rev, second génie créatif de Suicide), choisissent d’utiliser la plateforme de « l’hommage » comme tremplin, afin de véhiculer de nouveaux messages, de réactualiser l’art dans un esprit foncièrement punk. En d’autres termes, je comprends qu’en faisant revivre un groupe et sa musique, il faut parfois l’adapter pour éviter une accumulation de poussière et de moisissure, la remanier pour garder la proposition fraîche, exaltante, même près de cinquante ans plus tard.

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art-punk / hommage / techno

Taverne Tour : Lydia Lunch & Marc Hurtado (Resurrect the music of Alan Vega & Suicide) + Nuha Ruby Ra + Belly Hatcher à La Sala Rossa

par Rédaction PAN M 360

Belly Hatcher (20h30)

[pas de description disponible]

[no description available]

Nuha Ruby Ra (21h30)

En 2022, Nuha Ruby Ra a sorti ses nouveaux singles My Voice et Self Portraiture sur Brace Yourself Records. Ces morceaux font suite à l’EP How To Move de 2021, acclamé par la critique, qui a confirmé Nuha comme l’une des nouvelles artistes les plus excitantes et provocantes du pays. Son nouvel EP, Machine Like Me, sortira en mars 2023 et constitue son projet le plus ambitieux à ce jour. Elle partira en tournée avec Self Esteem pour soutenir la sortie et a déjà tourné avec des groupes tels que Yard Act, Warmduscher, Viagra Boys, King Gizzard & The Lizard Wizard et Bambara, et s’est produite dans des festivals comme SXSW, Glastonbury, The Great Escape, Bluedot, Latitude, Boardmasters, Grauzone, Reeperbahn, et bien d’autres.

2022 saw Nuha Ruby Ra release her new singles ‘My Voice’ and ‘Self Portraiture’ on Brace Yourself Records. The singles follow 2021’s ‘How To Move’ EP, released to critical acclaim cementing Nuha as one of the most exciting and provocative new acts in the country. Her new EP ‘Machine Like Me’ arrives in March 2023 and is her most ambitious body of work to date. She is heading out on tour with Self Esteem in support of the release, and has previously toured with the likes of Yard Act, Warmduscher, Viagra Boys, King Gizzard and The Wizard Lizard and Bambara and has appeared at festivals such as SXSW, Glastonbury, The Great Escape, Bluedot, Latitude, Boardmasters, Grauzone, Reeperbahn and more.

Lydia Lunch & Marc Hurtado (22h30)

Marc Hurtado et Lydia Lunch tournent en Europe depuis plusieurs années avec leur hommage à la musique d’Alan Vega et de Suicide, et sont ravis de le présenter pour la première fois au Canada en février 2025.

Marc Hurtado and Lydia Lunch have been touring Europe with their tribute to the music of Alan Vega & Suicide for the past few years and are thrilled to bring it to Canada for the first time in Feb 2025.

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Ce contenu provient du Taverne Tour et est adapté par PAN M 360

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