Montréal

électroacoustique / expérimental / musique contemporaine

Suoni Per Il Popolo : Lucas ‘Granpa’ Abela, Alex Motta/Aleida Perez et DEATH KNEEL à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

Les performances de Lucas « Granpa » Abela (anciennement Justice Yeldham) sur son instrument fétiche, des éclats de verre amplifiés, sont légendaires. Leur pratique singulière est née de la scène noise underground, où, en plus de vingt ans, le verre a évolué, passant d’un moyen de créer des cacophonies extatiques de free noise à un instrument marginal produisant une sorte d’électro organique. Abela fait vibrer le verre vocalement pour contrôler un patch modulaire qui n’utilise aucune technique de synthèse traditionnelle ; le verre sert à la fois de source sonore et de modulation. Le patch extrait des tensions de contrôle de la dynamique et de la fréquence du verre afin de se moduler en synchronisation avec la performance, façonnant six chaînes d’effets stéréo parallèles qui fusionnent en d’épaisses couches d’une musique atypique.
Alejandro Motta est un contrebassiste de formation classique, spécialisé dans la musique contemporaine, l’expérimentation sonore et la performance scénique. Cofondateur de l’ensemble d’improvisation libre Algo Cruje, il a collaboré avec divers orchestres nationaux, dont l’OFUNAM (Orchestre philharmonique de l’Université nationale autonome du Mexique). Il a récemment participé à la représentation de Memor I.A. dans le cadre de l’atelier de composition de l’UNAM et est actuellement membre de l’ensemble CEPROMUSIC. Son œuvre explore un répertoire allant du classique à des créations plus libres, intégrant le son et la présence.
Aleida Perez est une violoniste et improvisatrice qui s’intéresse à la musique contemporaine et aux formes expérimentales telles que l’improvisation libre. Elle collabore actuellement avec l’ensemble Liminar. Parmi ses prestations les plus récentes, on peut citer une résidence avec le collectif norvégien Verdensteatret, le concert Epiciclos dans le cadre du cycle Diferencial, et La escucha infinita.
Aleida est diplômée de violon classique de l’Escuela Superior de Música (INBA). Elle a débuté ses études musicales au sein du programme de base du Centre culturel Ollin Yoliztli et a poursuivi sa formation à l’ESM (École supérieure de musique), où elle a obtenu son diplôme sous la direction du maestro Cuauhtémoc Rivera. Elle a participé à divers festivals, notamment la Rencontre nationale du violon de l’Université de Zacatecas, le Festival des expressions contemporaines d’Aires Nacionales (FAM-UNAM) et le Festival international de musique de chambre de l’Université de Querétaro. Elle s’est produite dans des lieux prestigieux tels que l’Auditorium Blas Galindo, le Palacio de Bellas Artes, le Teatro de la Ciudad, le CCU-BUAP (Centre des Beaux-Arts), la Casa del Lago, l’Ex-Teresa et la Sala Silvestre Revueltas-CCOY. Elle a suivi des masterclasses avec Jorge Rici, Renata Knific, David Colwell, le Trio de l’Université du Kansas, Erika Dobociewicz, Ron Francois et Ryu Gotto, entre autres.
Aleida est une figure active de la scène musicale expérimentale de Mexico, participant à divers forums et festivals indépendants spécialisés dans les pratiques contemporaines, tels que Material Art Fair, Index, Arte Book Fair, le Museo Anahuacalli, Arte Alameda, la Galería Kurimanzutto, El Nicho Experimental et le Vernacular Institute.
DEATH KNEEL est le principal label de Max Klebanoff, musicien basé à Toronto. Sa musique se caractérise par une manipulation binaurale sans concession et une utilisation abusive et assumée de l’octatrack. Des sons fortuits et des dessins électroacoustiques automatiques sont déconstruits et réutilisés à l’infini. Depuis 2014, Klebanoff a collaboré avec des labels reconnus tels que Chondritic Sound, Total Black, White Centipede Noise et son propre label, Life Of Sensation. De nouvelles sorties sont à venir sur Students of Decay.

Lucas ‘Granpa’ Abela’s (fka Justice Yeldham) performances on their signature instrument; shards of amplified glass are the stuff of legend. Their singular practice spawned from the noise music underground, where over twenty years the glass evolved from a means to create ecstatic free-noise cacophonies into an outsider instrument that produces some kind of organic electronica. Abela vibrates the pane vocally to control a modular patch that uses no traditional syntheses techniques, instead the glass acts as both sound and modulation source. The patch extracting control voltages from the glass’s dynamics and frequency in order to modulate itself in synchronicity with the performance, shaping six parallel stereo effects chains that merge into dense layers of anomalous music.
Alejandro Motta is a classically trained double bassist with a focus on contemporary music, sound experimentation, and stage performance. He is the co-founder of the free improvisation ensemble Algo Cruje and has collaborated with various national orchestras, including the OFUNAM (National Autonomous University of Mexico Philharmonic Orchestra). He recently participated in the performance of Memor I.A. as part of the UNAM Composition Workshop and is currently a member of the CEPROMUSIC Ensemble. His work ranges from traditional repertoire to more free-flowing creation, integrating sound and presence.
Aleida Perez is a violinist and improviser interested in new music and experimental forms such as free improvisation. She currently collaborates with the Liminar ensemble. Her most recent performances include a residency with the Norwegian collective Verdensteatret, the Epiciclos concert as part of the Diferencial series, and La escucha infinita.
Aleida holds a degree in classical violin from the Escuela Superior de Música (INBA). She began her musical studies in the basic program at the Ollin Yoliztli Cultural Center and continued her training at the ESM (Educational School of Music), where she completed her degree under the guidance of maestro Cuauhtémoc Rivera. She has participated in various festivals such as the National Violin Encounter at the University of Zacatecas, the Contemporary Expressions Festival, Aires Nacionales (FAM-UNAM), and the International Chamber Music Festival at the University of Querétaro. She has performed at venues such as the Blas Galindo Auditorium, the Palacio de Bellas Artes, the Teatro de la Ciudad, the CCU-BUAP (Center for Fine Arts), the Casa del Lago, the Ex-Teresa, and the Sala Silvestre Revueltas-CCOY. She has taken master classes with Jorge Rici, Renata Knific, David Colwell, the University of Kansas Trio, Erika Dobociewicz, Ron Francois, and Ryu Gotto, among others.
Aleida is active in Mexico City’s experimental music scene, participating in various independent forums and festivals specializing in contemporary practices such as Material Art Fair, Index, Arte Book Fair, Museo Anahuacalli, Arte Alameda, Galería Kurimanzutto, El Nicho Experimental, and the Vernacular Institute.
DEATH KNEEL is the primary recording outlet of Toronto based musician Max Klebanoff. His output is characterized by unyielding binaural manipulation and unapologetic octatrack abuse. Incidental sound and electroacoustic automatic drawings dismantled and deconstructed to be recycled, again and again. Since 2014, Klebanoff has been featured on notable labels Chondritic Sound, Total Black, White Centipede Noise and his own imprint Life Of Sensation, with new releases forthcoming on Students of Decay.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de Suoni Per Il Popolo et est adapté par PAN M 360

haïtien / konpa / reggae

Festival international Nuits d’Afrique : WESLI présente Stanley Toussaint et Kabysh au Club Balattou

par Rédaction PAN M 360

Ses débuts, Wesli les a fait il y a plus de 20 ans sur la scène du Balattou, à Nuits d’Afrique. Depuis, sa carrière s’est envolée, ici comme ailleurs, faisant la fierté de tous. Sa présence pour ce 40e anniversaire est une inspiration pour tous les artistes de la relève. Au sujet de son récent album, Makaya (2025), classé parmi les meilleurs albums musiques du monde, La Presse a dit: « Wesli voyage beaucoup sur le plan des sonorités, passant des pulsations électroniques à des styles plus dépouillés, empruntant ici des inflexions de reggae, dansant là sur des rythmes konpa, c’est une entraînante mosaïque musicale qu’il construit morceau par morceau pour former un ensemble convaincant et évocateur ». Lauréat d’un Juno, d’un Félix et du Prix Charles-Cros, figure de proue de la musique haïtienne, ce chanteur et multi-instrumentiste hisse bien haut les couleurs des traditions rasin et twoubadou, orchestrant ses rythmiques banda, rara, petro, nago tantôt de manière acoustique, tantôt de manière électrique, avec des intonations afrobeat et reggae. Pour cette série, il s’invite sur scène avec des artistes emblématiques de la Perle des Antilles.
La voix signature de Stanley « Tantann » Toussaint fait les beaux jours des radios haïtiennes depuis les années 80. Ex-membre du groupe Lakòl, ce multi-instrumentiste hyperactif fusionne allègrement acoustique, pop et rythmes du terroir.

It’s been over 20 years since Wesli made his Nuits d’Afrique debut on the Club Balattou stage. Since then, his career has soared at home and abroad, making us all very proud. His presence at the 40th anniversary will definitely serve as an inspiration to up-and-coming artists. Regarding his latest album, Makaya (2025), rated among the Top 10 World Music Albums, La Presse noted that “Wesli explores a wide range of sounds, shifting from electronic beats to more stripped-down styles, drawing on reggae influences here, dancing to konpa rhythms there; the result is a lively musical mosaic that he builds piece by piece to create a compelling and evocative whole.” Winner of a Juno, a Félix, and the Prix Charles-Cros, and a leading light in Haitian music, this singer and multi-instrumentalist proudly carries the torch for rasin and twoubadou traditions, combining their banda, rara, petro and nago rhythms, both acoustically and electrically, with Afrobeat and reggae elements. For this series, he invites some of the most iconic artists from the Pearl of the Antilles to join him on stage.
Stanley “Tantan’n” Toussaint’s distinctive voice has graced Haitian radio stations since the 1980s. A former member of the band Lakòl, this hyperactive multi-instrumentalist joyfully blends acoustic, pop and Haitian rhythms.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient du Festival international Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360

classique / post-romantique / violon

Mayumi Seiler & Kyoko Hashimoto à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Ce concert se veut à l’image de ses interprètes, en faisant écho à leurs racines japonaises et européennes. De beaux liens qui se retrouvent aussi dans l’œuvre de l’éminent compositeur japonais Tōru Takemitsu qui fut lui-même inspiré de Debussy. Les sonates de Mozart et de Brahms, pleines de vitalité et de lyrisme, viennent compléter parfaitement ce programme.

This concert echoes the performers’ Japanese and European roots—a blend of influences also found in the music of Tōru Takemitsu, an illustrious Japanese composer who was profoundly influenced by Debussy. Spirited and lyrical sonatas by Mozart and Brahms perfectly round out this programme.

Programme

MOZART Sonate pour violon et piano no 35 en la majeur, K. 526
DEBUSSY Sonate pour violon et piano en sol mineur, L. 140
TAKEMITSU Hika [Élégie], pour violon et piano
BRAHMS Sonate pour violon et piano no 1 en sol majeur, op. 78

Program

MOZART Violin Sonata No. 35 in A major, K. 526
DEBUSSY Violin Sonata in G minor, L. 140
TAKEMITSU Hika [Elegy], for violin and piano
BRAHMS Violin Sonata No. 1 in G major, Op. 78

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360

avant-garde / musique contemporaine / saxophone

Le Vivier / Semaine du Neuf | Quatuor Quasar : Montréal-Monterrey, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

Après le succès du projet Montréal-Mexico en 2023, Quasar – quatuor de saxophones est fier d’annoncer le renouvellement de sa collaboration avec la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey (ESMDM).

Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf, nous fait ici l’introduction:

« Ce projet a été en incubation à Monterrey,  ce projet inclut des commandes de compositeurs-compositrices mexicains et canadiens, impliquant aussi des chorégraphes mexicains et canadiens. L’entièreté  du programme, en fait, sera constitué des créations et des partenariats et des collaborations entre artistes canadiens et mexicains. Ce projet a été mené de concert avec l’École supérieure de musique et de danse à Monterrey.  C’est vraiment un bel échange. De toute façon, il y a de plus en plus de trucs au Mexique et en Colombie. Il y a beaucoup d’affaires en musique contemporaine aussi, en musique de création.  Quasar cultive cette relation depuis un bon moment, c’est leur deuxième grande collaboration mexicaine.  Je dirais que c’est dans la poursuite de leur démarche amorcée précédemment ».

Cette nouvelle initiative transculturelle fera dialoguer les univers de la musique et de la danse contemporaine du Québec et du Mexique à travers une production ambitieuse. Le projet réunira cinq compositeurs.trice.s et chorégraphes issus des deux communautés, qui créeront en tandem cinq œuvres originales interprétées par dix danseurs et danseuses de l’ESMDM et par les musiciens de Quasar. En conjuguant recherche chorégraphique et composition musicale contemporaine, cette collaboration explore de nouvelles formes de dialogue entre les corps et les sons, tout en favorisant un échange artistique et culturel profond.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

After the success of the Montréal-Mexico project in 2023, Quasar – saxophone quartet is proud to announce the renewal of its collaboration with the Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey (ESMDM).

Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, introduces the project:

« This project was incubated in Monterrey and includes commissions from Mexican and Canadian composers, as well as Mexican and Canadian choreographers. The entire program will consist of creations, partnerships, and collaborations between Canadian and Mexican artists. This project was carried out in collaboration with the Escuela Superior de Música y Danza in Monterrey. It’s a really wonderful exchange. In any case, there are more and more things happening in Mexico and Colombia. There’s a lot going on in contemporary music too, in creative music. Quasar has been cultivating this relationship for quite some time; this is their second major Mexican collaboration. I would say that it’s a continuation of the process they started previously.

This new transcultural initiative will bring together the worlds of contemporary music and dance from Quebec and Mexico through an ambitious production. The project will unite five composers and choreographers from both communities, who will work in tandem to create five original works performed by ten dancers from ESMDM and the musicians of Quasar. By combining choreographic research with contemporary musical composition, this collaboration explores new forms of dialogue between bodies and sounds while fostering a deep artistic and cultural exchange.

Ce contenu provient du Quatuor Quasar et est adapté par PAN M 360

dancehall / gwo-ka / reggae

Festival international Nuits d’Afrique : Admiral T au parterre du Quartier des spectacle

par Rédaction PAN M 360

Depuis 2014, il s’est produit à plusieurs reprises dans le cadre du Festival international Nuits d’Afrique, chaque fois émerveillé par la réceptivité, l’amour et la diversité du public de l’événement, dont il est devenu un des chouchous. Sa présence pour célébrer le 40è anniversaire allait donc de soi ! En trois décennies, Admiral T est devenu le porte-étendard du reggae-dancehall antillais. Comprenons-nous bien: il s’agit ici d’un artiste capable de remplir des salles de 20 000 personnes, comme il l’a déjà fait à l’Accor Arena de Paris-Bercy. Marqué par les sound systems et inspiré par des légendes comme Bob Marley, Buju Banton ou Peter Tosh, Admiral T mélange gwo ka, biguine, salsa, R&B, hip-hop et électro, le tout largement poudré de paillettes et de lumière. « Un véritable phénomène de culture populaire (…) une des rares superstars issues de la « créolophonie » » (La Presse, 2014).

Since 2014, he has performed on several occasions at the Festival International Nuits d’Afrique, each time amazed by the receptiveness, appreciation and diversity of the festival’s audience, of whom he has become a crowd favorite. His presence to celebrate the 40th anniversary was only natural! In three decades, Admiral T has become the king of the Caribbean reggae-dancehall sound. That’s no exaggeration for an artist who’s able to fill the 20,000 seats at the Paris-Bercy Accor Arena. Influenced by sound systems and inspired by legends like Bob Marley and Peter Tosh, Admiral T blends gwoka, biguine, salsa, R&B, hip-hop and electro, all generously sprinkled with glitter and light. “A true pop cultural phenomenon … one of the rare superstars to emerge from the Creole-speaking community,” (La Presse, 2014).

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

Ce contenu provient du Festival international Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360

afrobeat / rumba congolaise / techno

Festival international Nuits d’Afrique : Fulu Miziki au parterre du Quartier des spectacle

par Rédaction PAN M 360

« Kinshasa crache des étoiles et Fulu Miziki en est l’éruption la plus folle » (RFI, 2025). Fulu Miziki Kolektiv, littéralement « le son des poubelles » en lingala, fait sa marque en transposant les bruits des rues de Kinshasa en une transe techno-punk afro-futuriste imprimée de rumba congolaise et de coupé-décalé qu’ils nomment twerkanda. Des objets recyclés convertis en percussions artisanales, sur lesquels ils frappent comme si leur vie en dépendait, exulte une énergie furieuse et l’urgence d’agir pour préserver l’environnement, renforcées par des voix rauques et puissantes sorties du plus creux de leur âme et par des costumes cyber-DIY qui traduisent leur engagement. Zéro déchet, 100 % impact !

“Kinshasa is bursting with stars, and Fulu Miziki Kolektiv is the wildest of them all,” (RFI, 2025). Fulu Miziki, literally “music from garbage” in Lingala, has made a splash by transporting the sounds of Kinshasa’s streets into an Afro-futuristic, techno-punk trance sound stamped with Congolese rumba and coupé-décalé that they call “twerkanda.” Once discarded objects are recycled into hand-made instruments, which the percussionists beat as if their life depended on it, releasing furious energy with urgency to take action to save the planet, amplified by their raw, powerful voices rising from the depths of their souls and through DIY cyber-costumes that reflect their commitment. Zero waste, 100% impact!

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

Ce contenu provient du Festival international Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360

classique rock / metal symphonique

The Rock Orchestra à la salle Wilfrid-Pelletier

par Rédaction PAN M 360

Après une tournée mondiale à guichets fermés, l’Orchestre de rock aux chandelles revient avec un tout nouveau concert épique, mêlant l’intensité du rock et du métal légendaires à une énergie sombre et envoûtante.
Dans un décor féérique illuminé par des centaines de bougies, 14 musiciens classiques livrent des mélodies enivrantes qui se fondent dans de puissants murs de distorsion. Vivez la rencontre inattendue entre la musique classique et du métal.
Au programme : Metallica, AC/DC, The Rolling Stones, Rage Against The Machine, My Chemical Romance, Linkin Park, System Of A Down, Guns N’ Roses, Evanescence, Papa Roach, The Cranberries… et bien plus encore!
Le Rock Orchestra est un collectif tournant de musiciens classiques, composé de certains des plus grands instrumentistes et chanteurs au monde.

After entertaining 700,000 guests across the UK, USA and Europe, The Rock Orchestra by Candlelight is kicking off the first expansive tour of Canada.
Prepare for a spellbinding spectacle that infuses iconic Rock & Metal anthems with a hauntingly beautiful energy.
In ethereal candlelit settings, this band of 14 classical musicians unleash effortlessly enchanting melodies alongside powerful walls of distortion. Witness the unexpected union of Classical music and Metal.
Performing the music of iconic bands including: Metallica, AC/DC, Rolling Stones, Rage Against The Machine, My Chemical Romance, Linkin’ Park, System Of A Down, Guns N Roses, Evanescence, Papa Roach, The Cranberries & MORE!
The Rock Orchestra is a rotating collective of classical musicians, featuring some of the world’s greatest instrumentalists and vocalists.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de la Place des Arts et est adapté par PAN M 360

Afrique / classique / kora

Zal Sissokho & Laurent Perrault-Jolicoeur – Racines à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Racines, c’est le dialogue entre le jazz et la musique mandingue; la rencontre entre les quatre cordes de la contrebasse occidentale et les vingt-et-une que possède la kora africaine. Laurent Perrault-Jolicoeur et Zal Sissokho cherchent à retisser les liens entre ces deux traditions musicales grâce à leurs compositions qui mêlent rythme, harmonie et improvisation.

Roots is the dialogue between jazz and Mandinka music—the place where the Western double bass with its four strings meets the African kora with its twenty-one. Laurent Perrault-Jolicoeur and Zal Sissokho work to forge new ties between their musical traditions, using captivating rhythms, harmonies, and improvisation in each of their compositions.

Programme/program

Laurent PERRAULT-JOLICOEUR
Farka
À petit feu
Racines
Après la fin
Zal SISSOKHO
Miniamba
Sila
Nadiara
Traditional Mandinka
Bara
Kéléfa
Traditional
Jarabi

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360

expérimental / contemporain / improvisation libre

Le Vivier / Semaine du Neuf | Du Vivant + Frying Pan & Nous perçons les oreilles, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

On présente ce concert comme un double plateau de musique improvisée des deux bords du fleuve.

Directeur artistique de la Semaine du Neuf, Jeffrey Stonehouse introduit le concept:

« Alors nous nous retrouvons avec Joane Hétu et son concept Nous perçons les oreilles  qui existe depuis très longtemps, mais qui revient sporadiquement. Cette fois, ii s’agit d’une  soirée dédiée aux improvisateurs. trices. Le groupe se fonde sur Jean-François Laporte et ses instruments inventés, Éric Normand, Philippe Lauzier, Annie Saint-Jean. Il y aura une trame évoquant un territoire mi-fantastique, mi-glauque, cette  performance propose une lecture poétique du tout. Donc avec Jean-François Laporte, bien sûr, on a la présence des instruments de Jean-François, donc de lutherie sauvage. La direction sera tantôt assumée par Joane Hétu, tantôt par Jean Derome. Ce sera aussi une rencontre entre SuperMusique , la communauté Tour de bras et Éric Normand (Rimousk)  et Totem contemporain de Jean-François Laporte. »

Plus précisément:


Du vivant – Tour de Bras & Totem Contemporain
Avec sa lutherie sauvage, son aspect méditatif et son intensité sonore, Du vivant est une performance cinétique et instrumentale qui recrée l’univers sombre du film créé par les artistes en 2020 sur un immense rouleau de papier géant tel un ruban de photo. Si le film évoquait un territoire mi-fantastique mi-glauque, la performance propose une autre lecture: une performance poétique, musicale, et cinétique (sans écran) qui balance entre photographie, film, performance, sténopé et musique improvisée.
Au confluent des âmes – Nous perçons les oreilles & Frying Pan
Ce concert réunit quatre artistes visionnaires qui partagent une même compréhension du geste, qu’il soit musical ou physique. Le duo Frying Pan, constitué des deux grandes danseuses Sarah Bild et Susanna Hood, se joint au duo Nous perçons les oreilles, formé des ébouriffants Jean Derome et Joane Hétu, connu pour sa musique improvisée et expérimentale.


POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

This concert is presented as a double bill of improvised music from both sides of the St.Lawrence river.

Artistic director of Semaine du Neuf, Jeffrey Stonehouse introduces the concept:

« So here we are with Joane Hétu and her concept Nous perçons les oreilles (We pierce ears), which has been around for a long time but comes back sporadically. This time, it’s an evening dedicated to improvisers. The group is based on Jean-François Laporte and his invented instruments, Éric Normand, Philippe Lauzier, and Annie Saint-Jean. There will be a storyline evoking a territory that is half-fantastic, half-gloomy, and this performance offers a poetic interpretation of the whole. So with Jean-François Laporte, of course, we have the presence of Jean-François’ instruments, and therefore wild lutherie. The direction will be taken on by Joane Hétu at times and Jean Derome at others. It will also be a meeting between SuperMusique, the Tour de bras community and Éric Normand (Rimousk), and Jean-François Laporte’s Totem contemporain. »

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

A double bill of improvised music from both sides of the river

Du vivant – Tour de Bras & Totem Contemporain
With its wild instrumentarium, meditative aspect, and sonic intensity, Du vivant is a kinetic and instrumental performance that recreates the dark universe of the film created by the artists in 2020 on an immense giant roll of paper like a photo ribbon. While the film evoked a half-fantastical, half-murky territory, the performance offers another reading: a poetic, musical, and kinetic performance (without a screen) that oscillates between photography, film, performance, pinhole camera, and improvised music.
Au confluent des âmes – Nous perçons les oreilles & Frying Pan
This concert brings together four visionary artists who share the same understanding of gesture, whether musical or physical. The duo Frying Pan, consisting of two great dancers Sarah Bild and Susanna Hood, joins the duo Nous perçons les oreilles, formed by the electrifying Jean Derome and Joane Hétu, known for their improvised and experimental music.

danse / Experimental / musique contemporaine

Le Vivier / Semaine du Neuf | Ictus & Ula sickle – Holding Present, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

Holding Present, collaboration entre la chorégraphe Ula Sickle et l’ensemble de musique contemporaine bruxellois Ictus, est une performance où musique et danse se fondent en un geste collectif puissant. Sur scène, sept interprètes – trois musiciens et quatre danseurs – partagent le même espace, brouillant les frontières entre corps et instruments. La pièce explore comment un mouvement individuel peut devenir un acte commun. Inspiré par les mouvements de protestation passés et présents, Holding Present devient ainsi une réflexion scénique sur la communauté : un espace où la présence partagée, le rythme commun et l’écoute mutuelle dessinent une forme d’action collective. Entrelaçant des œuvres existantes et nouvellement commandées d’Alvin Lucier, Pauline Oliveros, Didem Coskunseven et Stellan Veloce, l’œuvre propose une autre manière d’habiter ensemble le présent, dans une intensité physique et symbolique rare.

Voici ce qu’en pense Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf:

“Co-présentée par L’Agora de la danse et Le Vivier, Holding Present est une proposition où, sur scène, on a trois musiciens et quatre danseurs, mais les interprètes partagent le même espace et les frontières entre les disciplines disparaissent. Les danseurs deviennent musiciens, les musiciens deviennent danseurs et interprètent des œuvres d’artistes renommés comme Alvin Lucier ou  Pauline Oliveros. J’ai vu ce spectacle  pour la première fois à Paris, et ça m’a bouleversé. J’ai trouvé super poétique cette façon de travailler est très loin de ce qu’on fait présentement ici à Montréal. Ici, on va plutôt travailler avec une chorégraphe, mais il va y avoir quand même une distinction entre ce qui est fait musicalement  et ce qui est accompli par le ou la chorégraphe.  On sort de ce show, d’ailleurs, en se demandant si c’était de la musique ou de la danse. Je ne le sais toujours pas, et ce n’est pas grave parce que ce à quoi j’ai assisté était fantastique. Quand on n’a pas l’impression qu’un médium domine l’autre, on ne se pose pas la question, c’est tout.”

Programme

-Alvin Lucier: Silver Street Car for the Orchestra , 1988 pour pour triangle amplifié0
-Gert Aertsen: On to somewhere near , 2017 – 2019 pour pour 5 tubes d’aluminum
-Stellan Veloce: A giant blowing machine or a pocket tin sandwich , 2021 pour pour 5 musiciens avec harmonicas diatoniques et mégaphones
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 1 , 2023 pour improvisation pour synthétiseur modulaire, timbales amplifiées, flûte basse et électronique
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 2 , 2023 (commande de Ictus et Ircam-Centre Pompidou) pour pour synthétiseur modulaire et guitare électrique
-Pauline Oliveros: Rock piece , 1979
-Pauline Oliveros: Teen age piece , 1980
-Pauline Oliveros: Environmental dialogue , 1975 – 1996
-Gert Aertsen: On to somewhere near , 2017 – 2019 pour pour 1 tube d’aluminium
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 3 , 2023 pour Pour des sons fixes, flûte basse, timbales, guitare électrique et clavier, improvisation avec rhombe

Publicité panam

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Holding Present, a collaboration between choreographer Ula Sickle and the Brussels contemporary music ensemble Ictus, is a performance where music and dance merge into a powerful collective gesture. On stage, three musicians and four dancers share the same space, blurring the boundaries between bodies and instruments. The piece explores how an individual movement can become a common act. Inspired by past and present protest movements, Holding Present thus becomes a stage reflection on community: a space where shared presence, common rhythm, and mutual listening sketch out a form of collective action. Interweaving existing and newly commissioned works by Alvin Lucier, Pauline Oliveros, Didem Coskunseven, and Stellan Veloce, the work proposes another way of inhabiting the present together, in a rare physical and symbolic intensity.

Here is what Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, has to say about it:

“Co-presented by L’Agora de la danse and Le Vivier, Holding Present is a production featuring three musicians and four dancers on stage, but the performers share the same space and the boundaries between disciplines disappear. The dancers become musicians, the musicians become dancers, and they perform works by renowned artists such as Alvin Lucier and Pauline Oliveros. I saw this show for the first time in Paris, and it moved me deeply. I found this way of working to be incredibly poetic, very different from what we currently do here in Montreal. Here, we tend to work with a choreographer, but there is still a distinction between what is done musically and what is accomplished by the choreographer. You leave the show wondering whether it was music or dance. I still don’t know, and that’s okay because what I saw was fantastic. When you don’t feel that one medium dominates the other, you don’t ask yourself the question, that’s all. »

Program

-Alvin Lucier: Silver Street Car for the Orchestra , 1988 for for amplified triangle
-Gert Aertsen: On to somewhere near , 2017 – 2019 for for 5 aluminum tubes
-Stellan Veloce: A giant blowing machine or a pocket tin sandwich , 2021 for for 5 players with diatonic harmonicas and megaphones
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 1 , 2023 for for modular synthesizer Improvisation for amplified timpani with bass flute and electronics
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 2 , 2023 (commission of Ictus and Ircam-Centre Pompidou) for for modular synthesizer and electric guitar
-Pauline Oliveros: Rock piece , 1979
-Pauline Oliveros: Teen age piece , 1980
-Pauline Oliveros: Environmental dialogue , 1975 – 1996
-Gert Aertsen: On to somewhere near , 2017 – 2019 for for 1 aluminum tube
-Didem Coşkunseven: Music for Holding Present, Intervention 3 , 2023 for for fixed sounds, bass flute, timpani, electric guitar and keyboard, improvisation with bullroarer

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

expérimental / contemporain / improvisation libre

Le Vivier / Semaine du Neuf | Limules + No Hay Banda & Ana María Romano, les mots de la direction artistique

par Rédaction PAN M 360

Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf, nous emmène au programme de l’ultime concert au programme:

« Le Festival se conclut  avec un programme double qui met en vedette le groupe d’improvisation Limul avec No Hay Banda qui invite Anna Maria Romano. Donc, c’est une rencontre des corps, des souvenirs, des rêves qui s’entrelacent à travers une écoute curieuse, on pourrait dire. Une œuvre qui  dialogue avec des univers sonores qui sont à la fois nourris d’histoires personnelles, mais aussi qui sont en lien avec les instruments. J’ai très hâte d’assister à cette rencontre entre No Hay  Banda et la compositrice colombienne  Anna-Maria Romano qui sera sur place. »

Un programme double mettant en vedette le groupe d’improvisation Limules aux côtés de No Hay Banda et Ana María Romano.
No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado (personne ne peut enlever ce que nous avons dansé)
Une rencontre des corps, des souvenirs, des rêves et des sensibilités qui s’entrelacent à travers l’écoute et la curiosité. Cette œuvre fait dialoguer des univers sonores nourris d’histoires personnelles, de liens avec les instruments, d’affects, de confiance et d’échanges culturels. Elle est une invitation à respirer, imaginer, créer, transformer. Un espace où se croisent la conversation, la minutie, la subtilité, la vulnérabilité, le petit, le fragile. Un pari sur les présents, les passés et les futurs qui nous relient et nous parlent.
Limules
Réunissant des improvisateurs férus de langages contemporains, le groupe explore les formes de l’improvisation libre en travaillant sur la permanence et la transformation, le stable et l’imprévisible. Comme la musique, la limule présente un conservatisme morphologique exceptionnel. Cependant, les études biochimiques montrent qu’un grand nombre de caractères moléculaires distinguent les organismes actuels des espèces éteintes, même morphologiquement proches. Si l’animal remonte à plus de 50 millions d’années, l’ensemble est né en 2022, d’un simple désir d’improvisation outre-frontière.

…

+

Programme

  • Ana María Romano: No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado , 2025 – 2026  – création
  • Limules , 2026  – création

Artistes

Publicité panam

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf, takes us through the program for the final concert:

« The Festival concludes with a double bill featuring the improvisational group Limul with No Hay Banda, who invite Anna-Maria Romano. So, it’s an encounter of bodies, memories, and dreams that intertwine through what you might call curious listening. A work that engages in dialogue with soundscapes that are both nourished by personal stories and connected to the instruments. I am very much looking forward to attending this encounter between No Hay Banda and Colombian composer Anna-Maria Romano, who will be there.

A double bill featuring the improvisation group Limules alongside No Hay Banda and Ana María Romano.
No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado (no one can take away what we have danced)
A meeting of bodies, memories, dreams, and sensibilities that intertwine through listening and curiosity. This work creates a dialogue between sonic universes nourished by personal stories, connections with instruments, affects, trust, and cultural exchanges. It is an invitation to breathe, imagine, create, transform. A space where conversation, meticulousness, subtlety, vulnerability, the small, the fragile intersect. A wager on the presents, pasts, and futures that connect us and speak to us.
Limules
Bringing together improvisers passionate about contemporary languages, the group explores forms of free improvisation by working on permanence and transformation, the stable and the unpredictable. Like music, the horseshoe crab (limule in french) exhibits exceptional morphological conservatism. However, biochemical studies show that a large number of molecular characteristics distinguish current organisms from extinct species, even those that are morphologically similar. While the animal dates back more than 50 million years, the ensemble was born in 2022, from a simple desire for cross-border improvisation..

+

Program

  • Ana María Romano: No Hay Banda: nadie nos quita lo bailado , 2025 – 2026  – premiere
  • Limules , 2026  – premiere

Artists

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

afro-latin / Europe de l'Est / klezmer

Syli d’Or : Thaynara Peri & Red Hot Chili Schleppers au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Thaynara Peri est une chanteuse, compositrice et percussionniste brésilienne basée à Montréal. Son parcours artistique se développe à la croisée des racines afro-brésiliennes et d’influences variées telles que le jazz, le rock et la bossa nova. Parallèlement à son travail personnel, Thaynara fait partie du groupe Tamboreal Samba Bloco, où elle se produit comme chanteuse et percussionniste. Avec le groupe, elle a participé au Festival International Nuits d’Afrique, une expérience marquante qui a nourri son rapport au groove, à l’énergie collective et à l’improvisation. Ses projets personnels reflètent cette richesse d’influences, mêlant ijexá, samba de coco et percussions traditionnelles à des harmonies contemporaines et une interprétation vocale à la fois puissante et sensible. Sur scène, Thaynara propose des performances immersives, ancrées dans le rythme, le mouvement et la présence.
Les Red Hot Chili Schleppers, c’est pas le klezmer de ta Bubbe ! Ce groupe montréalais revisite avec fougue et humour les airs traditionnels juifs dans un style qu’il décrit comme du « klezmer pour le club » : une fusion festive et débridée entre tradition et modernité. Leur musique fait tour à tour rire, pleurer et danser le public jusqu’au bout de la nuit. Depuis trois ans, les Red Hot Chili Schleppers enflamment les scènes à Montréal, au Québec et à travers le Canada, avec un sens du rythme contagieux et une joie de jouer irrésistible.

Thaynara Peri is a Brazilian singer, songwriter, and percussionist based in Montreal. Her artistic journey unfolds at the crossroads of Afro-Brazilian roots and diverse influences such as jazz, rock, and bossa nova. Alongside her solo work, Thaynara is a member of the group Tamboreal Samba Bloco, where she performs as both singer and percussionist. With the group, she took part in the Festival International Nuits d’Afrique, a defining experience that deepened her connection to groove, collective energy, and improvisation. Her personal projects reflect this wealth of influences, blending ijexá, samba de coco, and traditional percussion with contemporary harmonies and a vocal style that is both powerful and sensitive. On stage, Thaynara offers immersive performances rooted in rhythm, movement, and presence.
The Red Hot Chili Schleppers, this ain’t your Bubbe’s klezmer! This Montreal-based band brings new life to traditional Jewish tunes with infectious energy and humor, in a style they like to call “klezmer for the club.” A vibrant mix of old-world soul and modern groove. Their music will make you laugh, cry, and dance all night long. For the past three years, the Red Hot Chili Schleppers have been lighting up stages across Montreal, Quebec, and Canada, sharing their unmistakable energy and love of music wherever they go.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

Ce contenu provient du Club Balattou et est adapté par PAN M 360

Inscrivez-vous à l'infolettre

Inscription
Infolettre

« * » indique les champs nécessaires

Type d'abonné