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Une astrobiologiste, une géologue et une ingénieure sont les premiers êtres humains à mettre le pied sur Mars. Proches physiquement, mais distantes sur le plan émotionnel, elles doivent relever de nombreux défis. En effet, des défaillances mécaniques, des ressources limitées et l’arrivée de nouveaux colons terriens fragilisent les conditions de leur établissement. Au fil du temps, la colonie évolue bien au-delà du plan initial, transformant Mars et ses habitants. Située en 2040, 2041 et 2140, l’histoire voyage dans le temps à travers une narration fragmentée, c’est-à-dire complète, mais désordonnée. Le compositeur Tim Brady et le librettiste Alexis Diamond ont créé un opéra de chambre de 68 minutes à la fois intime et colossal. L’exploration spatiale, la colonisation de Mars et les effets des changements climatiques sur la société sont de vastes sujets. Or, le livret est un chef-d’œuvre de subtile réflexion personnelle et d’interaction, portée par une musique ample, mais nuancée. L’œuvre présente trois chanteuses dans le rôle des trois scientifiques, une danseuse incarnant Mars, une guitare électrique, un violon alto, des électroniques et de frappantes projections vidéo en lieu et place d’un décor traditionnel. L’opéra passe sans effort de lieux intimes où règne la vulnérabilité à de vastes espaces immersifs. Chaque tableau présente un moment décisif où l’un des personnages chancelle sur le fil du destin. D’intimes miniatures solos sont juxtaposées à des tours de force vocaux, dans une composition audacieuse, habitée d’un grand sentiment d’urgence qui pousse inexorablement le public vers l’avant. « MARS: Signs of Life » est le troisième opéra de la tétralogie d’opéras du compositeur Tim Brady intitulée « HOPE (and the dark matter of history) » [« L’ESPOIR (et la matière noire de l’histoire) »]. Ce cycle s’intéresse aux aspects problématiques de certaines pratiques sociales, culturelles, politiques, religieuses, économiques et industrielles, une invitation à nous interroger sur nos valeurs et nos croyances, tout en laissant une place à l’espoir.
En anglais, avec surtitres en anglais et français
An astrobiologist, a geologist and an engineer are the first human beings to ever set foot on Mars. Physically close but emotionally distant, they navigate many challenges. Equipment failures, limited resources and the arrival of new settlers from Earth all undermine the conditions of their settlement. Over time, the colony evolves far beyond the initial plan, transforming Mars and its inhabitants. Set in 2040, 2041 and 2140, the story travels through time across a fragmented narrative — out of order, yet complete. Composer Tim Brady and librettist Alexis Diamond have created a 68-minute chamber opera that is at once intimate and monumental. Space exploration, the colonization of Mars and the effects of climate change on society are vast subjects. And yet, the libretto is a masterpiece of subtle personal reflection and interaction, carried by music that is both expansive and nuanced. The work features three singers in the roles of the three scientists, a dancer embodying Mars, an electric guitar, a viola, electronics and striking video projections in place of a traditional set. The opera effortlessly between vulnerable, intimate spaces and vast, immersive spaces. Each scene presents a decisive moment in which one of the characters teeters on the edge of fate. Intimate solo miniatures juxtapose soaring, epic feats of choral mastery in an urgent and adventurous composition that propels the audience inexorably forward. Intimate solo miniatures juxtapose soaring, epic feats of choral mastery in an urgent and adventurous composition that propels the audience inexorably forward.
In English, with surtitles in English and French
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Le quatuor de saxophone Quasar présente Ondes Passerelles, un programme de dialogues interculturels mettant en relation la tradition musicale occidentale contemporaine et diverses pratiques musicales issues de cultures du monde. Cette rencontre artistique favorise la collaboration entre compositeur·trice·s et interprètes provenant de ces différents horizons, dans un esprit d’échange et de création partagée. Une nouvelle œuvre de Jesse Plessis, compositeur d’héritage métis, pour quatuor de saxophones, voix et piano, sera créée lors de ce concert. Le texte chanté est tiré de l’ouvrage Au vent de la piroguière – Tifaifai de Flora Aurima Devantine, dans lequel « le voyage de la vie se confond avec celui du langage, oscillant entre oralité et écriture ». Le programme comprendra également une œuvre pour quatuor et santour du compositeur Jimmie Le Blanc. Les artistes invité·e·s pour cette présentation seront la soprano Brittany Rae (soprano), le musicien Amir Amiri (santour) ainsi que Jesse Plessis au piano.
Ondes Passerelles offers a program of intercultural dialogues that brings contemporary Western musical traditions into conversation with diverse musical practices from around the world. This artistic encounter fosters collaboration between composers and performers from these different backgrounds, in a spirit of exchange and shared creation. A new work by Métis composer Jesse Plessis, for saxophone quartet, voice, and piano, will receive its world premiere as part of the concert. The sung text is drawn from Au vent de la piroguière – Tifaifai by Flora Aurima Devantine, in which “the journey of life merges with that of language, oscillating between orality and writing.” The program will also include a work for quartet and santour by composer Jimmie Le Blanc. Guest artists for this presentation will include soprano Brittany Rae, musician Amir Amiri on santour, and Jesse Plessis on piano.
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Squid in Chains est un trio de Vancouver mêlant improvisation, électronique et instruments acoustiques. Il réunit François Houle (clarinette et électronique), Douglas Schmidt (bandonéon et saxophone) et John Oliver (synthétiseurs, échantillonneurs et traitement sonore). En première partie: Adrianne Munden-Dixon et Raphaël Foisy, explorent en duo ou avec des invité-es (Karen NG, Ben Bennett, James Goddard, Andrew Furlong, Yves Charuest, Joni Void, Geneviève Gauthier, Mark Molnar, Susanna Hood…) une musique pour violon et guitare où les instruments se confondent mimétiquement et s’interrompent dans un territoire de textures, de timbres, de dynamiques, de contrastes, de bruits, de réflexes et d’accidents.
Squid in Chains is a Vancouver-based trio blending improvisation, electronics, and acoustic instruments. It brings together François Houle (clarinet and electronics), Douglas Schmidt (bandoneon and saxophone), and John Oliver (synthesizers, samplers, and sound processing). Opening the evening: Adrianne Munden-Dixon and Raphaël Foisy explore, as a duo or with guests (Karen NG, Ben Bennett, James Goddard, Andrew Furlong, Yves Charuest, Joni Void, Geneviève Gauthier, Mark Molnar, Susanna Hood…), a music for violin and guitar in which the instruments merge mimetically and interrupt one another within a territory of textures, timbres, dynamics, contrasts, noises, reflexes, and accidents.
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Caroline Davis
Caroline Davis est une saxophoniste, compositrice et activiste, basé à Brooklyn, dont la pratique est entrainé par un désir de connection, et une croyance dans la capacité de la musique à développer les oreilles, esprits et coeurs de ses auditeurs. Une étudiante en composition à Guggenheim en 2025, elle a aussi reçu le prix ‘Alto Saxophone Rising Star’ du sondage Downbeat Critics Poll, et est également boursière de NYFA, Jerome Foundation, Chamber Music America, et Foundation for Contemporary Arts. Elle a participée à des résidences artistiques telles que MacDowell, The Jazz Gallery, Civitella, et The Rockefeller Estate, et a servi de mentor pour le programme New Music USA’s Next Jazz Legacy. Son oeuvre s’étend sur une large gamme de différents contextes de création, enraciné dans l’improvisation et la réflection sociale. Elle a sorti huit albums en tant qu’artiste solo, et a aussi collaboré avec des artistes tel que Allison Miller, Lee Konitz, John Zorn, Angelica Sanchez, The Femme Jam, Miles Okazaki, Nicole Mitchell, Rajna Swaminathan, and Matt Mitchell. Sa parution la plus récente, Portals, explore les thêmes du deuil et de la mémoire, et elle a aussi contribué à ‘New Standards’ de Terri Lyne Carrington, une collection essentielle d’oeuvres Jazz par des compositrices variées.
Caroline Davis is a Brooklyn-based saxophonist, composer, and activist, whose work is driven by a desire for connection and a belief in music’s capacity to expand listeners’ ears, minds, and hearts. A 2025 Guggenheim Fellow in Composition, she is the recipient of the DownBeat Critics Poll Alto Saxophone Rising Star Award, as well as fellowships from NYFA, the Jerome Foundation, Chamber Music America, and the Foundation for Contemporary Arts. Her residencies include MacDowell, The Jazz Gallery, Civitella, and the Rockefeller Estate, and she has served as a mentor for New Music USA’s Next Jazz Legacy program. Davis’s work spans a wide range of creative contexts, rooted in improvisation and social inquiry. She has released eight albums as a leader and collaborated with artists such as Allison Miller, Lee Konitz, John Zorn, Angelica Sanchez, The Femme Jam, Miles Okazaki, Nicole Mitchell, Rajna Swaminathan, and Matt Mitchell. Her most recent release, Portals, explores themes of grief and memory, and she is also a contributor to Terri Lyne Carrington’s New Standards, a landmark collection of jazz compositions by female-identifying composers.
Helen Gillet
Helen Gillet est une compositrice-interprète, chanteuse et archéologue surréaliste qui explore les sonorités synthétiques, textures et rhytmes du violoncelle. Gillet a nottament reçu le prix Doris Duke Performance, New Orleans Best Contemporary Jazz et ‘Best Female Performer’ pour Gambit Best of The Beat et Offbeat Magazine’s Best « Other Instrumentalist » & « Mixed Bag », ainsi que deux fois pour Rising Star du Downbeat Magazine’s Critic Poll. Gillet est née en Belgique et a grandi à Singapour pendant 9 ans. Résidant en Nouvelle-Orléans depuis 24 ans, elle a performé avec des musiciens de tout genres, allant de Jazz avant-gardiste, au classique, pop, folk et funk – Gillet a developpé un style polyglotte et unique. Au coeur de sa pratique artistique est la performance live untilisant l’improvisation et la répitition / ‘looping’, qui combine son violoncelle et son chant. Des rhythmes émergent, des ostinatos joués à l’archet ou pizzicato, de la percussion joués avec des frottements et de claquements sur le corps même du violoncelle; le tout complimenté avec des mélodies jouées en voix lyrique du violoncelle ou chantées avec sa voix alto envoûtant. Elle a performé pour nombreux festivals à travers l’Europe, l’Australie et les États-Unis, en tant qu’artiste solo, collaboratrice et éducatrice d’improvisation, expression et bouclage fluide, humaine et sans raccord. Gillet a produit pour d’innombrables musiciens tout au long de sa carrière et a sorti 14 albums de sa propre musique, et genres variés allant de jazz, progressif, électronique, folk, rock, punk, avec des groupes ou en format solo. Sa parution la plus récente, « ReBelle », est un hommage au musicien et poet Belge, Julos Beaucarne; enregistré en collaboration avec une quintette de musiciens de la Nouvelle-Orléans.
Helen Gillet is a singer-songwriter and surrealist-archeologist exploring synthesized sounds, texture, and rhythm using an acoustic cello. Gillet is the recipient of the Doris Duke Performance Award, New Orleans Best Contemporary Jazz and best Female Performer from Gambit Best of The Beat awards and Offbeat Magazine’s Best “Other Instrumentalist” and “Mixed Bag” music and twice for Rising Star in Downbeat Magazine’s Critic Poll. Gillet was born in Belgium, raised in Singapore for 9 years as a child. Over the past 23 years, living in New Orleans she has played with musicians of all stripes, from avant-garde jazz and classical to pop and funk — Gillet has developed a singular polyglot style. The core of her work is solo performance with live looping, layering cello parts and vocal lines. Rhythmic figures emerge with bowed or plucked ostinatos or a variety of rubbing and slapping on the body of the cello, then enhanced with melodies played or sung in her haunting alto. Gillet’s solo performance with “My Pal Foot Foot” is known for its enigmatic quality as she fabricates each song with innovative use of the cello and true mastery of live looping technology. She has performing in festivals across Europe, Australia, and The United States as a solo musician, collaborator and educator. Gillet has recorded for countless musicians throughout her career and has self published 14 albums of her own original music ranging from progressive jazz, electro folk rock and punk bands and solo singer-songwriting albums. Her latest album is called “ReBelle” a Tribute to Belgian folk singer Julos Beaucarne and features a quintet of New Orleans musicians.
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Célébration de la virtuosité
Jean-Sébastien Bach déploie dans ses concertos une virtuosité instrumentale qui repousse les limites techniques tout en servant une expression musicale profonde. Ce concert rassemble certaines de ses pages les plus brillantes pour solistes et orchestre.
Le dialogue des instruments
Le Triple concerto en la mineur, BWV 1044 réunit flûte, violon et clavecin dans un dialogue complexe où chaque voix conserve son individualité. Le Concerto brandebourgeois n° 3 en sol majeur fait briller les cordes dans une architecture d’une clarté lumineuse, tandis que le Concerto pour trois violons en ré majeur, BWV 1064 permet à Pascale Giguère, Katya Poplyansky et Noëlla Bouchard de déployer leur complicité musicale.
Les transcriptions de Bach
Le Concerto pour hautbois d’amour en la majeur, BWV 1055a et le Concerto pour violon et hautbois en do mineur, BWV 1060 témoignent de la pratique bachienne de la transcription. Ces œuvres, probablement adaptées de concertos perdus, révèlent la capacité du compositeur à repenser sa musique pour différentes formations. Sasha Calin, membre de l’Orchestre du Mozarteum de Salzbourg, prête son hautbois à ces pages d’une beauté mélodique rare.
La joie pure
Sous la direction de Bernard Labadie, Les Violons du Roy et leurs solistes célèbrent le génie instrumental de Bach dans un concert qui allie profondeur et virtuosité festive. Chaque concerto scintille d’invention mélodique et de bonheur musical, offrant une conclusion radieuse à la saison.
A Celebration of Virtuosity
In his concertos, Johann Sebastian Bach displays instrumental virtuosity that pushes technical boundaries while serving a profound musical expression. This concert brings together some of his most brilliant works for soloists and orchestra.
The Dialogue of Instruments
The Triple Concerto in A minor, BWV 1044, brings together flute, violin, and harpsichord in a complex dialogue where each voice retains its individuality. The Brandenburg Concerto No. 3 in G major showcases the strings in a luminously clear architecture, while the Concerto for Three Violins in D major, BWV 1064, allows Pascale Giguère, Katya Poplyansky, and Noëlla Bouchard to display their musical synergy.
Bach’s Transcriptions
The Oboe Concerto in A major, BWV 1055a, and the Violin and Oboe Concerto in C minor, BWV 1060, demonstrate Bach’s practice of transcription. These works, likely adapted from lost concertos, reveal the composer’s ability to reimagine his music for different ensembles. Sasha Calin, a member of the Mozarteum Orchestra of Salzburg, lends her oboe to these pieces of rare melodic beauty.
Pure Joy
Under the direction of Bernard Labadie, Les Violons du Roy and their soloists celebrate Bach’s instrumental genius in a concert that combines profound depth with festive virtuosity. Each concerto sparkles with melodic invention and musical delight, offering a radiant conclusion to the season.
Programmation
Triple concerto en la mineur, BWV 1044
Concerto pour hautbois d’amour en la majeur, BWV 1055R
Concerto brandebourgeois n° 3 en sol majeur, BWV 1048
Concerto pour trois violons en ré majeur, BWV 1064R
Concerto pour violon et hautbois en do mineur, BWV 1060R
Program
Triple Concerto for Flute, Violin and Harpsichord in A Minor, BWV 1044
Concerto for Oboe d’amore in A Major, BWV 1055R
Brandenburg Concerto No. 3 in G Major, BWV 1048
Concerto for Three Violins in D Major, BWV 1064R
Concerto for Violin and Oboe in C Minor, BWV 1060R
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La Sécurité
La Sécurité (Montréal / Tiohtià:ke) est un collectif d’art punk alliant à parts égales: rythmes sautillants, spectre harmonique accidenté et phrasés mélodiques minimalistes; le tout passé dans un filtre insomniaque, le résultat d’une surexposition aux néons de la métropole québécoise. Sa musique, parfaitement à son aise lorsque dynamitée sur une piste de danse, prêche vivre dangereusement. Les paroles, elles, font écho au mouvement Riot Grrrl, et célèbrent entre autres l’autonomisation de femmes, les ami.e.s (gentil.le.s comme méchant.e.s) et la bienveillance. Depuis ses débuts au printemps 2022, le quintette hétéroclite a reçu des invitations de SXSW, End of the Road, The Great Escape, Reeperbahn, puis du FIJMl, ajoutant des tournées aux côtés de The Go! Team (2024) et The Rapture (2025). Après la sortie du premier album Stay Safe! (16 juin 2023), nommé sur la Longue Liste pour le Prix de musique Polaris 2024, ainsi que son joyeux rejeton Stay Safe! REMIXED (8 mars 2024), tous deux chez Mothland, le quintette a dévoilé les titres “Detour” (22 octobre 2024) et “Ketchup” (28 janvier 2025), préparant le terrain pour un nouvel afflux de joyaux sonores D.I.Y., cette fois-ci collaborant également avec l’étiquette britannique emblématique de Simon Raymonde: Bella Union. La bande se pose à nouveau sur les franges du punk, de la new wave et du krautrock, bafouant sournoisement les formules stylistiques à chaque occasion avec la parution de son deuxième disque Bingo!, prévu le 12 juin 2026 via Bella Union (Monde) et Mothland (Canada/États-Unis).
La Sécurité (Montréal/Tiohtià:ke) is a collective whose art punk is equal parts: jumpy beats, off-kilter arrangements and minimalistic melodic hooks; run through an insomniac filter, the result of excessive exposure to the city’s neon lights. The music is all about living dangerously, perfectly agreeable to being blasted onto dancefloors; while the lyrics share the ethos of the Riot Grrrl movement, and celebrate the autonomization of women, friends (mean and nice) as well as benevolence. Since coming together in the Spring of 2022, they have been invited to perform noteworthy events such as SXSW, End of the Road, The Great Escape, and Reeperbahn, also touring alongside The Go! Team (2024) and The Rapture (2025). Following the release of Polaris Music Prize 2024 long-listed debut Stay Safe!—as well as its joyous offspring Stay Safe! REMIXED—with Mothland, the five-piece offered singles “Detour” and “Ketchup”, setting the stage for a new influx of D.I.Y. sonic gems, this time also teaming up with Simon Raymonde’s seminal British imprint: Bella Union. Hence, the motley bunch continues to meander the fringes of punk, new wave and krautrock, mischievously flouting stylistic form every chance they get by way of sophomore long-player Bingo!, scheduled for release on June 12th, 2026 via Bella Union (World) and Mothland (Canada/United States).
Shunk
Le groupe montréalais Shunk fusionne avec brio une myriade d’influences musicales (post-punk, dreampop, shoegaze, indie pop, opéra) pour créer sa propre palette sonore. Leurs performances live excentriques et électrisantes reflètent la scène musicale montréalaise en constante évolution et audacieuse. La chanteuse Gabrielle incarne avec une grande capacité de nuances, tant physiquement que vocalement, passant de l’opéra aux cris quasi-hardcore en un instant. Le tout est soutenu par une section rythmique impeccable composée d’Adrian et Julia, et par les parties de guitare scintillantes et synthétiques de Peter.
Montreal’s Shunk seamlessly blend a myriad of musical influences (Post-Punk, Dreampop, Shoegaze, lndie Pop, Opera) to form their own specific sonic palette. Their eccentric and electrifying live performances reflect their city’s ever-evolving, boundary-pushing music scene. Vocalist Gabrielle is able to embody multiple personas physically and vocally, singing opera one minute and yelling in borderline hardcore moments the next. This is all grounded by a honed rhythm section consisting of Adrian and Julia, and shimmering, synth inspired guitar parts from Peter.
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Le Concours de la relève Jazz@Vue, dédié à la création et à la découverte de nouveaux talents (jeunes de moins de 30 ans), s’inscrit comme une initiative dynamique au cœur du milieu du jazz québécois. Il s’adresse aux musicien·ne·s en début de carrière, notamment aux étudiant·e·s universitaires et collégiaux·ales de la province, qui sont invité·e·s à prendre part à une expérience professionnelle d’envergure dans un cadre stimulant et formateur. Les candidatures seront évaluées par un jury de professionnels, figures phares du jazz au Québec. À l’issue d’une première sélection, six ensembles seront invités à présenter un mini-concert dans le cadre d’une demi-finale qui se tiendra en septembre 2026. Trois groupes seront ensuite retenus pour la finale, présentée au Théâtre Outremont le 1er novembre 2026, où ils interpréteront un programme de 30 minutes composé d’œuvres originales. Plusieurs prix seront remis aux lauréats par des partenaires associés au concours dont les Studios Piccolo, le Théâtre Outremont et Pianos Bolduc. Les finalistes profiteront d’un accompagnement professionnel offert par Effendi, incluant conseils et soutien au développement de carrière.
The Jazz@Vue Emerging Talent Competition, dedicated to the creation and discovery of new talents (young people under 30 years old), is a dynamic initiative at the heart of the Quebec jazz scene. It is intended for musicians at the beginning of their career, particularly university and college students from the province, who are invited to take part in a major professional experience in a stimulating and educational setting. The applications will be evaluated by a jury of professionals, leading figures in jazz in Quebec. Following an initial selection, six ensembles will be invited to present a mini-concert as part of a semi-final to be held in September 2026. Three groups will then be selected for the final, presented at the Théâtre Outremont on November 1, 2026, where they will perform a 30-minute program composed of original works. Several awards will be presented to the winners by partners associated with the competition, including Studios Piccolo, Théâtre Outremont and Pianos Bolduc. The finalists will benefit from professional support offered by Effendi, including advice and career development support.
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Odario Williams met le feu à la nuit avec l’émission « Afterdark » de CBC Music. Du lundi au vendredi soir, Odario vous propose une exploration de morceaux et de rythmes envoûtants pour apaiser l’âme et accompagner toutes vos émotions nocturnes. Diffusée aux quatre coins du pays, « Afterdark » favorise les liens et apporte un remède aux âmes solitaires. Le 25 septembre, Odario présentera son mélange musical éclectique à POP Montréal lors d’une édition spéciale en direct de l’émission. Venez vivre cette expérience en direct et vous imprégner de l’ambiance.
Odario Williams sets the night on fire with CBC Music’s Afterdark. From Monday to Friday evenings, Odario brings you an exploration of moody tunes and grooves to soothe the soul and soundtrack all your nighttime feels. Broadcasting to every corner of the country, Afterdark fuels connection and provides a cure for the lonely soul. On September 25th, Odario will bring his eclectic music mix to POP Montreal for a special live edition of the show. Drop in to connect to the live experience and feel the vibes.
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Ce projet est une étude sur la musicalité des langues et mettra en scène et en musique, six langues choisies pour leur musicalité distinctives : le japonais, l’arabe, le portugais, le wolof, l’arménien et le malgache. Un.e ou deux représentant.e.s de chacune de ces communautés formeront un ensemble vocal dont les solos et les chants d’ensemble s’articuleront autour de textes traduits dans chacune des langues en présences… À partir de cette configuration « chorale » et musicale, se mettra en place toute une suite de pièces vocales et musicales soutenus par un choix d’instruments liés à ces différentes cultures. Le shamisen, le oud, la kora, le valiha et une panoplie d’instruments de percussions. Des musiciens (violoncelle, hautbois, violon et percussions) ainsi qu’un quatuor de solistes issu de la musique actuelle et contemporaine insufflera à l’ensemble, par l’utilisation de phonèmes, des consonnances langagières dégagées de toutes références géographiques, historiques ou religieuses.
This project is a study on the musicality of languages, staging and setting to music six languages chosen for their distinctive musicality: Chinese, Arabic, Italian, Haitian Creole, Hebrew and Swahili. One or two representatives from each of these communities form a small vocal ensemble whose songs are built around a shared text translated into each of the languages present… From this choral and musical configuration unfolds a whole series of vocal and musical pieces, supported by a selection of instruments tied to these various cultures: the guzheng, the oud, the kora, the zumari and an array of wind and percussion instruments. A quartet of soloists from the worlds of musique actuelle and contemporary music infuses the ensemble, through the use of phonemes, with consonances freed from geographic or religious references.
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La série Jazz@Vue est présentée par le Théâtre Outremont en collaboration avec Effendi, l’une des étiquettes jazz les plus importantes au Canada, les Productions Yves Léveillé et les Productions Félix Stüssi, organismes voués à la production et la présentation de concerts de jazz contemporain. Du 29 octobre au 1er novembre, découvrez chaque soir un plateau double d’artistes.
Emie R Roussel Trio
Le Emie R Roussel Trio s’impose comme un incontournable de la scène jazz canadienne. Comptant à son actif cinq albums salués par le public et la critique tant nationale qu’internationale depuis sa fondation en 2010, le trio québécois a également eu la chance de rayonner à maintes reprises sur la scène internationale, présentant sa musique dans 12 pays, sur quatre continents. Après 15 ans de complicité, le Emie R Roussel Trio dévoile son sixième album et nouveau concert : TERR. Fruit d’une réflexion musicale profonde, sans compromis ni contraintes stylistiques. Entre instruments acoustiques et textures électriques, le trio navigue entre dynamisme entraînant et introspection intimiste.
Yves Léveillé invite Daniel Mille
Au printemps 2022, le pianiste et compositeur a invité l’accordéoniste français Daniel Mille à jouer à Montréal dans le cadre de sa série « Bourdonnements Jazz » présentée au petit Outremont. Une complicité musicale s’est installée naturellement entre les deux artistes par leur créativité réciproque et complémentaire. Lorsque s’ajoute à cela la participation de musiciens d’exception en la présence de Frank Lozano (saxophone), Guy Boisvert (contrebasse) et Pierre Tanguay (batterie), nous obtenons un ensemble totalement au diapason!
The Jazz@Vue series is presented by Théâtre Outremont in collaboration with Effendi, one of the most important jazz labels in Canada, Productions Yves Léveillé and Productions Félix Stüssi, organizations dedicated to the production and presentation of contemporary jazz concerts. From 29 October to 1 November, every evening discover a double platter of artists.
Emie R Roussel Trio
The Emie R Roussel Trio is a must-see on the Canadian jazz scene. With five albums to its credit, acclaimed by the public and both national and international critics since its foundation in 2010, the Quebec trio has also had the chance to shine on the international scene many times, presenting its music in 12 countries on four continents. After 15 years of complicity, the Emie R Roussel Trio unveils its sixth album and new concert: TERR. The result of a deep musical reflection, without compromise or stylistic constraints. Between acoustic instruments and electric textures, the trio navigates between dynamic driving and introspection.
Yves Léveillé invites Daniel Mille
In the spring of 2022, the pianist and composer invited the French accordionist Daniel Mille to play in Montreal as part of his « Bourdonnements Jazz » series presented at the Petit Outremont. A musical complicity naturally took place between the two artists through their mutual and complementary creativity. When added to this the participation of exceptional musicians in the presence of Frank Lozano (saxophone), Guy Boisvert (double bass) and Pierre Tanguay (drums), we get an ensemble totally in tune!
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