Montreal

cumbia / latino / ranchera

Nuits d’Afrique 2026 | Somos Más : Célébration de mémoire, de communauté et de résistance

par Juliana Cortes

Jeudi 16 juillet, le collectif musical Somos Más a investi la Scène Loto-Québec au Festival International Nuits d’Afrique. Tour à tour, les chanteuses ont investi la scène, exécutant des percussions corporelles et harmonisant leurs voix. Venues du Pérou, du Chili, de Bolivie, de République dominicaine, du Salvador, du Brésil et du Maroc, elles ont partagé leur talent, nous laissant sans voix devant la suite.

Elles ont interprété des chansons de genres musicaux variés, dont des rancheras, des cumbias, du festejo et des musiques folkloriques chiliennes et boliviennes. Certaines étaient des compositions originales des membres du groupe, tandis que d’autres étaient des chansons que beaucoup de Latino-Américains reconnaîtraient de leur enfance. Pour moi, ces genres musicaux étaient la bande-son des fêtes, des voyages en voiture, des réunions de famille et du rituel le plus important de ma famille, qui avait lieu chaque week-end : le ménage. Somos Más m’a replongée dans ces moments du quotidien qui, maintenant que je vis si loin de chez moi, sont devenus des souvenirs précieux.

Crédit photo: Ivan Arturo Escobar M

J’ai été profondément touchée de voir ces femmes qui, pour différentes raisons, se sont retrouvées à Montréal et ont créé ensemble ce magnifique projet. Elles m’ont rappelé que, même si l’Amérique latine est une région vaste et diverse, nous pouvons créer des liens en nous reconnaissant dans les réalités des unes et des autres.

Somos Más a offert une performance intimiste. On pouvait ressentir la complicité, la sororité, la vulnérabilité et la solidarité dont elles parlaient dans leur interview. Chaque fois qu’une membre prenait la parole, les autres la soutenaient de leurs voix et de leurs instruments, et l’on pouvait aussi voir leur fierté envers celle qui menait le groupe ou interprétait un solo. La percussionniste, récemment arrivée dans le groupe et d’origine marocaine, m’a captivée par son talent et son incroyable polyvalence, suivant avec aisance l’exploration par le groupe de multiples traditions musicales.

Crédit photo: Ivan Arturo Escobar M

Au fil du spectacle, je ne savais jamais à quoi m’attendre. J’ai ressenti une chaleur réconfortante, comme si j’étais à une fête entre amis, mêlée à une profonde admiration pour l’authenticité de chaque artiste et à un émerveillement constant face à chaque surprise qu’ils réservaient sur scène.

Somos Más a collaboré avec les danseuses Carmen et Paula de Girovago Productions, qui ont accompagné le groupe avec de la cumbia et de la danse contemporaine avant d’animer un moment interactif invitant le public à danser. La grâce des mouvements et la chaleur de leur présence ont permis au public de se connecter encore plus profondément à la musique de Somos Más. Le groupe a également collaboré avec le Centro Cultural Kusiy, dont les artistes ont présenté les danses boliviennes saya et tinku. En frappant du pied à l’unisson, les danseurs de Kusiy ont ancré la musique dans la terre et les racines indigènes d’Amérique latine.

Crédit photo: Ivan Arturo Escobar M

Pour le final, tous les danseurs ont rejoint Somos Más pour interpréter un medley de trois chansons latino-américaines emblématiques : Cariñito, Canción y Huayno et Adiós Pueblo de Ayacucho, dont une partie des paroles était chantée en quechua. Une danseuse Kusiy a traversé la scène en portant le drapeau Wiphala, symbole des peuples autochtones des Andes. Ce fut une conclusion poignante, réunissant musiciens, danseurs et chanteurs pour célébrer les peuples autochtones, dont les cultures sont essentielles non seulement à l’histoire de l’Amérique latine, mais aussi à l’essence même de son identité contemporaine.

J’ai perçu ce spectacle comme une invitation à explorer ces liens. Que ce soit par un amour partagé de la musique ou un attachement commun à l’Amérique latine, nous pouvons nous soutenir mutuellement grâce à la solidarité, la communauté et l’art.

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autochtone / Brésil

Nuits d’Afrique 2026 | Suraras dos Tapajós : Connection à la forêt amazonienne par la musique

par Juliana Cortes

Pour le 40e anniversaire du Festival Nuits d’Afrique, les organisateurs ont décidé de consacrer le spectacle de 19 h aux artistes féminines. Cette année, la série a débuté avec Suraras dos Tapajós, un groupe musical féminin autochtone de la région de Pará, au Brésil. Accueillir ce groupe a été un véritable privilège pour les Montréalais. Il est rare d’avoir l’occasion d’écouter de la musique traditionnelle amazonienne, une région que beaucoup d’entre nous n’ont jamais visitée. Pourtant, nous reconnaissons qu’il s’agit de l’une des forêts tropicales les plus importantes de la planète, aujourd’hui menacée de déforestation, ce qui a de graves conséquences pour les communautés autochtones, la biodiversité et le climat mondial.

Le groupe est monté sur scène vêtu de ses vêtements et coiffes traditionnels. L’une des membres jouait d’un petit instrument à vent en céramique appelé « ocarina », qui imite le chant des oiseaux. Tandis que chaque femme prenait place et son instrument, je ne pouvais m’empêcher d’imaginer ce que serait ce concert sur leurs terres, au cœur de la forêt. Chacune se donnait corps et âme. Leur musique portait en elle leurs racines et leur engagement à défendre les droits et le territoire des femmes autochtones. Le groupe a rapidement instauré une ambiance festive. Elles ont invité le public à former une roda, un cercle de danse, où chacun pouvait se joindre à la danse. La communauté brésilienne rayonnait de joie ; les danseurs se reconnaissaient, s’enlaçaient et partageaient un moment de communion.

Au beau milieu de leur prestation, le ciel s’est couvert et le vent s’est levé. Plus tôt dans la journée, la fumée des feux de forêt au Québec et en Ontario masquait presque le soleil. Le concert de Suraras dos Tapajós avait été annulé à cause des risques de foudre. La pluie s’est mise à tomber, apportant un soulagement bienvenu à la chaleur, mais nous laissant déçus de ne pas avoir pu assister à la fin du concert. Face à ce revirement soudain, je suis retournée à l’Amazonie que j’avais imaginée. Chaque été, les feux de forêt semblent se multiplier ici au Canada, touchant malheureusement les communautés autochtones. À l’instar des communautés amazoniennes confrontées à la dévastation environnementale, de nombreuses nations autochtones du Canada sont également touchées de manière disproportionnée par des feux de forêt de plus en plus violents, devant faire face à des évacuations, à des menaces sur leurs territoires et à des perturbations de leur vie culturelle et quotidienne. À cet instant, la distance entre l’Amazonie et le Canada me paraissait bien plus faible.

Heureusement, le lendemain, Suraras dos Tapajós a animé un atelier où elles ont expliqué que le groupe était issu d’une organisation communautaire. Le groupe musical est leur projet principal ; cependant, elles mènent également des projets bioéconomiques et de production textile. Le groupe est spécialisé dans le carimbó, principale manifestation culturelle de la région : une danse ancestrale centrée sur le tambour du même nom, qui mêle traditions indigènes et africaines. Pratiqué en cercle, réunissant musiciens et membres de la communauté, le carimbó contribue à perpétuer la culture à travers des chants évoquant la vie quotidienne, la nature et la spiritualité.

Le groupe a pu se produire à nouveau, cette fois-ci au sol, où la distance entre la scène et le public s’estompait, ne laissant place qu’à un cercle partagé de musique et de mouvements. Nous avons tous formé un cercle et avons été invités à rejoindre la roda, à revêtir leurs jupes et à danser ensemble, guidés par l’un des membres. J’ai beaucoup apprécié ce moment plus intime avec le groupe, car il nous a permis d’établir un lien plus direct et de vivre cette tradition de plus près. J’aurais seulement souhaité avoir plus de temps pour parler de la situation sur leur territoire, de la manière dont nous pourrions amplifier leur engagement envers la protection de la forêt amazonienne et de la façon dont leurs luttes font écho à ce qui se passe ici, au Canada. Alors que les feux de forêt continuent de nous rappeler que les forêts canadiennes sont elles aussi menacées, j’espère que nous aurons davantage d’occasions de tisser ces liens, car c’est là que commencent la compréhension – et l’action.

Photo Credit: André Rival

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danse / poésie

Immersion dans le « Speakeasy » de Myth

par Juliana Cortes

Triomphante, élégante et sereine, Myth est assise sur un divan, scrutant le public un à un de ses yeux perçants tandis que nous entrons dans la pièce. Elle semble à la fois détendue et prête. L’atmosphère est mystérieuse, créant un sentiment d’exclusivité réservé à quelques privilégiés. Le décor et sa tenue évoquent clairement l’époque des bars clandestins. Dans cette ambiance de fête clandestine en sous-sol, on pouvait boire, faire de la musique et oublier, ou peut-être transmuter, le monde extérieur. Mon premier réflexe fut d’entrer avec précaution, attentif à ce qui allait se produire sur scène. Myth se lève lentement, regarde le public et, par sa respiration, s’empare de l’espace. Dans le silence, nous la voyons passer d’un engagement total à une aisance naturelle. La précision de ses mouvements m’a immédiatement touché ; je ressentais la force nécessaire pour rester pleinement connectée à sa respiration et à son corps.

Myth rend hommage à la scène montréalaise de danse et de musique, notamment à la manière dont le jazz et la house, passés et présents, s’alimentent mutuellement. La présence de Samantha « Sam I Am » Hinds, avec son chant et ses sets de DJ, et celle de Jason « Blackbird » Selman, à travers la poésie et la trompette, en témoignent. Les trois artistes dialoguent entre poésie, chant, mouvement, rythmes et trompette. Leur échange est fluide, chacun ayant l’occasion de briller. En tant que spectatrice, j’étais happée par la performance, hochant instinctivement la tête au rythme de la musique. Le corps de Myth devient un catalyseur au sein de la scène ; sa performance nous transporte dans son univers intérieur. On découvre son parcours de danseuse qui ne souhaite pas simplement divertir, mais transmettre un message. J’ai eu du mal à retenir mes larmes en comprenant que Myth nous rappelait que, dans les moments difficiles, la danse peut être le remède qui la soutient – ​​et nous soutient tous – à travers les hauts et les bas de la vie. J’ai pris conscience du caractère sacré de la danse et de la façon dont, pour moi, elle est devenue un moyen de mieux me connaître, de comprendre mes propres racines et de commencer à construire une réalité qui englobe toutes les facettes de mon être.

Speakeasy est aussi un hommage à la scène de danse montréalaise : « une ville qu’elle aime, mais qui ne le lui rend pas toujours », une ville loin d’être facile à appréhender ou pleinement inclusive. Le thème du speakeasy m’a fait réfléchir au fait que les danses de rue et underground n’ont toujours pas la place qu’elles méritent. Pourtant, elles continuent de croître, d’évoluer et d’accueillir celles et ceux qui cherchent un foyer. Parfois, ces danses bénéficient d’une visibilité difficilement partageable avec tous. Cependant, la danse est omniprésente – dans les sous-sols d’églises, les centres communautaires, les écoles, les maisons, les réunions de famille et dans les rues – comme le suggère l’un des poèmes. En tant que personne qui cherche encore sa place dans cette communauté, je me suis surprise à repenser aux lieux où j’ai dansé et aux personnes qui ont fait de ces lieux un véritable foyer.

En tant que danseuse, je ne peux que te remercier, Myth. Merci de nous avoir ouvert les portes de ton univers, de partager ta force et d’avoir été si honnête quant aux difficultés liées à la création artistique. Le message était clair : nous n’avons plus besoin de « parler à voix basse ». Nous devons nous faire entendre, prendre notre place et créer une réalité où nos histoires et nos identités sont pleinement acceptées.

Photo Credit: Renata Carmo

Afrique / électronique

Singeli : le son du futur de la Tanzanie est là

par Loic Minty

Sisso & Maiko ont offert à la S.A.T. un spectacle inédit dans l’univers de la musique électronique. Initiateurs du nouveau son Singeli, les producteurs tanzaniens ont non seulement inventé un genre entièrement nouveau, mais aussi une nouvelle façon d’appréhender la musique électronique, du moins ici en Amérique du Nord. Son originalité est comparable à celle du Baile Funk, mais Singeli est encore plus éloigné culturellement, créant son propre univers sonore insulaire. Soutenus par le label de musique expérimentale ougandais Nyege Nyege, Sisso & Maiko incarnent cette nouvelle vague musicale qui rompt avec les stéréotypes musicaux africains. Leur son est une incarnation technologique de la danse elle-même, où le corps est l’instrument final d’une chaîne de création numérique.

À la première écoute, les rythmes peuvent paraître écrasants et répétitifs, mais c’est là tout l’intérêt, et avec le temps, cette impression s’estompe pour laisser place à une joie extatique. À travers la danse, le corps se fond dans l’étrange géométrie des rythmes inspirés du Mchiriku, les oreilles apprivoisent les sirènes percussives des claviers Casio vintage, comme une sorte d’embellissement caricatural. Le son de Singeli est riche, mais aussi peu sérieux. Après deux chansons, nous étions conquis, non seulement par la singularité du son, mais aussi par le sens du spectacle qui a progressivement transformé la foule initialement éblouie en fans.

Que ce soit les yeux bandés, jouant du clavier avec les pieds ou enlevant leur torse pour danser une Chura dans la foule, Sisso et Maiko ne se privaient pas une seconde de s’amuser. C’était contagieux. Ils auraient pu jouer toute la nuit sans que nous ayons vu le temps passer. Et à force de danser, de sauter et de courir, notre fatigue était transcendée. Mes recherches m’ont rappelé l’origine du son Singeli, qui se trouvait dans les soirées Kigodoro, Kigodoro signifiant « petit matelas de mousse », car les danseurs s’effondraient après des nuits blanches. Si le spectacle n’avait pas été interrompu à 1 heure du matin, on imagine aisément à quel point même un morceau de carton aurait semblé confortable à 7 heures.

dance-pop / électro

Palomosa I Fcukers, cool pour le plaisir d’être cool

par Lyle Hendriks

Il y a quelque chose à dire sur la musique qui vous fait vibrer. Quand la combinaison parfaite entre une basse endiablée, des percussions dignes d’une piste de danse et des voix haletantes se met en place, vous pouvez presque fermer les yeux et imaginer que vous venez d’être admis au Berghain ou que vous avez trouvé le chemin du bar clandestin le plus exclusif de New York. 

C’est le cas du groupe électronique new-yorkais Fcukers qui, malgré un succès fulgurant qui ne peut être que le résultat d’un népotisme musical intense, mérite également chaque piste de danse bondée devant laquelle il se produit. Le groupe, mené par la chanteuse Shannon Wise et désormais composé de quatre membres avec batterie, basse et scratchs en live, a ouvert son concert au Palomosa avec le classique moderne Homie Don’t Shake, qui a suscité les acclamations bruyantes d’une foule de plus en plus nombreuse au coucher du soleil. 

Au départ, je voulais être près de la scène pour ce concert, mais mes amis et moi avons rapidement été relégués au fond du site à cause d’une sonorisation vraiment horrible. Mais une fois que nous nous sommes rapprochés de la table de mixage et que nous avons pu entendre autre chose que la grosse caisse qui nous crevait les tympans, ce fut un plaisir, comme toujours, de voir ce groupe louche et sensuel se pavaner sur scène.

Même si le répertoire n’a pas beaucoup changé depuis que je les ai découverts à Osheaga l’année dernière, il était difficile de ne pas danser sur des morceaux comme Bon Bon, Tommy et le tout nouveau Play Me. Franchement, chacune de ces chansons est une ode insipide et droguée à rien, mais l’énergie brute et le côté indéniablement cool des Fcukers font qu’ils resteront l’un de mes premiers choix lorsque je m’emparerai de la sono lors d’une fête.

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électro-pop / électro-punk / électronique / indie

Palomosa I The Hellp est l’incarnation même de l’indie sleeze

par Stephan Boissonneault

The Hellp, un duo électro hyperpunk de Los Angeles composé de Noah Dillon et Chandler Lucy, vêtu de vestes en cuir moulantes, les cheveux courts et gras et portant des lunettes de soleil Oakley, semblait prêt à rendre hommage à un Oasis sordide ou à Julian Casablancas, lorsqu’il est monté sur la scène principale Fizz. L’un d’eux s’occupait du synthé et du sampler, vêtu d’un t-shirt Blink 182, tandis que l’autre s’appuyait sur le pied du micro et tournait quelques boutons sur sa pédale d’effets vocaux, laissant échapper un « WOOOO » chaotique.

La présence scénique des Hellp était empreinte d’une indifférence indie sleaze, comme s’ils étaient trop cool pour être là, et ça leur va bien. Alors qu’ils se lancent dans un hyper pop punk brumeux (un peu dans la veine de Suicide, mais version génération Z), la foule perd complètement la tête. J’ai adoré la façon dont Lucy enfournait sans cesse des cigarettes dans sa bouche tout en jouant avec le sampler, oubliant de les allumer. Ils n’ont joué qu’une heure, mais il a dû en fumer trois, car les nuages de fumée se dissipaient sous les machines à fumée. La seule chanson que j’ai reconnue était Colorado, un morceau absolument entraînant en live avec son sample de guitare rock slacker, et ils l’ont joué à mi-parcours.

Plus tard dans le set, ils ont enchaîné avec un morceau plus récent, qui s’appelait, je crois, Riviera (comme l’indiquaient la toile de fond orange et le mot écrit en Helvetica), à deux reprises. La première fois, le tempo n’était apparemment pas bon, et Dillon n’était pas disposé à l’accepter. J’ai un ami qui adore The Hellp et qui écoute très souvent leur dernier album, LL, qui est très bon, mais avant de les voir en concert, je ne comprenais pas vraiment leur attrait. Maintenant, je peux dire que moi aussi, je « ressens le Colorado ».

Plus tard dans le set, ils se sont lancés dans un morceau plus récent, qui s’appelait, je crois, Riviera (comme l’indiquaient la toile de fond orange et le mot écrit en Helvetica), qu’ils ont joué deux fois. La première fois, ils n’étaient apparemment pas en rythme, et Dillon n’était pas disposé à l’accepter. J’ai un ami qui adore The Hellp et qui écoute très souvent leur dernier album, LL, qui est très bon, mais avant de les voir en concert, je ne comprenais pas vraiment leur attrait. Maintenant, je peux dire que moi aussi, je « ressens le Colorado ».

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électro / électro-pop / électronique

Palomosa I MGNA Crrrta éclot à MTL sur la scène principale

par Stephan Boissonneault

Nous avons été transportés dans les années loufoques des années 2010 lorsque MGNA Crrrta, un duo électro-girl-dance-pop-trash de New York, est monté sur scène pour lancer les activités sur la scène principale de Palomosa. Le technicien du son eut un peu de mal avec le mixage, car les voix étaient extrêmement faibles, rivalisant avec un mur de basses. Injustifiable…

Cela a duré pendant la moitié du set. Mais les deux chanteuses/DJ, Farheen Khan et Ginger Scott, ne semblaient pas perturbées et ont enchaîné les morceaux comme I.C.F.U.H , un acronyme qui apparaissait à plusieurs reprises sur le fond visuel. En écoutant les paroles, on comprend qu’il signifie I Can Fuck You Hard (Je peux te baiser sauvagement), qui est également le nom du site web du duo.

Cette énergie trash et sordide imprégnait le set de MGNA Crrrta, et les visuels, avec leurs flashs sporadiques épileptiques montrant des manoirs tape-à-l’œil ou le duo fumant de l’herbe sur des ponts, correspondaient bien au ton. À mon goût personnel, beaucoup de chansons étaient assez monotones, mais elles dégageaient beaucoup d’énergie et, pour les dernières chansons, des pistolets à bulles. Ils ont bien ouvert le bal pour les pitreries de Palomosa sur la scène principale.

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électronique / techno

Ambiance d’entrepôt nocturne pour la nuit blanche de Juan Atkins à la SAT

par Julius Cesaratto

Juan Atkins, parrain de la techno et membre du duo pionnier Cybotron, s’est rendu à la Société des Arts Technologiques pour offrir une performance incontournable aux puristes de la techno. Considéré comme l’un des fondateurs du son né à Detroit dans les années 1980, Atkins a livré avec grâce un set techno classique, agrémenté de ses mélodies signature, de son chant robotique distordu et d’une utilisation inimitable de la Roland TR-909, la boîte à rythmes qui a posé les bases de la techno elle-même.

Il a commencé la soirée en douceur, superposant des sons mécaniques qui gagnaient progressivement en intensité, jouant avec les fréquences à mesure que la piste de danse s’échauffait. Les piliers de béton brut de la SAT s’élevaient au-dessus de la foule tels les vestiges squelettiques d’une usine désaffectée, offrant un arrière-plan idéal à la pulsation industrielle du son d’Atkins, parfois rauque, mais toujours mélodique.

Il suffit de cligner des yeux et vous pourriez vous retrouver soudainement transporté dans un entrepôt animé de Motor City aux premières heures du matin.

Alors que la saturation sonore cédait et que les lumières scintillaient dans des tons verts profonds, des coups de batterie minimalistes cédaient la place aux mélodies groovy et synthétisées qui ont marqué la carrière illustre d’Atkins en tant que producteur et DJ. Le public multigénérationnel de ravers présent a été transporté dans un véritable voyage sonore : Atkins mêlait son son techno-futuriste à des synthés et des lignes de basse funk entraînantes, clin d’œil à ses premières influences.

Fort de plus de 40 ans d’expérience en tant que sélecteur, il a fait monter le tempo, mélangeant une riche palette de styles – des débuts de la synthé à l’italo-disco – sans jamais perdre l’essence même de son son. Le point culminant de la soirée a été atteint avec « Chase » de Giorgio Moroder, qui a suscité les acclamations du public. Brève étincelle de nostalgie, elle s’est parfaitement adaptée au groove de la soirée, faisant écho aux racines de la techno sans jamais paraître rétro.

En guise de cadeau d’adieu à la piste de danse, Atkins a clôturé son set de deux heures avec une touche de jungle de bon goût, une fin rapide qui a laissé la foule en redemander.

Les sons étaient industriels mais mélodiques ; la superposition de batterie, de basse et de synthés était funky, fluide et impeccablement synchronisée. Un véritable artiste derrière les platines.

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ambient / house / techno / techno expérimentale

Vendredi soir au Dômesicle – Toute la nuit avec Jump Source

par Rédaction PAN M 360

Vibrant et infatigable – Jump source, duo montréalais composé de Priori et Patrick Holland, ne manque pas de garder la nuit sur le rythme et le dôme avec des pieds sauteurs – un set exaltant de 5 heures de techno, house à expérimental et ambiant, avec un parfum d’éthéré et de nostalgie par moments.

Apparemment mécanique, le mélange d’états et de grooves organiques dégage une satisfaction et une fluidité sur la piste de danse, transformant l’ambiance en atmosphère, le sensoriel en émotion. Aussi captivant soit-il, le duo maîtrise l’art de la maintenir – grandir, suspendre, tendre, relâcher – comme des vagues qui se forment et se brisent, l’une après l’autre. Un set de JS, c’est comme un voyage dans plusieurs directions, à travers plusieurs paysages, sans jamais perdre le nord ni la raison qui nous a poussés à le faire – ils nous transportent sans effort toute la nuit sur un rythme constant, ni trop rapide, ni trop lent ; les virages sont fluides et savoureux, on refait surface pour reprendre son souffle et retrouver le rythme des lignes de basse. Il s’agit de sculpter l’élan sur la piste de danse, toute la nuit.

En plus de leurs projets solo prolifiques, Francis Latreille et Patrick Holland collaborent en duo depuis près d’une décennie, à la fois en studio en tant que producteurs et en club derrière les platines, ayant récemment sorti leur 6e EP en avril de cette année.

Le collectif Mostly Noise et Jonahvision ont guidé notre voyage dans le dôme semblable à un sauna en sueur dans des visuels trippants immersifs et des espaces virtuels, faisant résonner l’esthétique groovy proposée par Priori et Holland aux platines.


jazz

FIJM | Le roi Makaya triomphe encore

par Frédéric Cardin

Une intensité totale et irrépressible, une force de caractère qui impose sa vision, laissant les acolytes soutenir (génialement, bien sûr), jamais faire dévier, le roi dans ses velléités musicales. Ça, c’est un concert du batteur Makaya McCraven, icône moderne de la batterie jazz.

La puissance propulsive de l’États-Unien est tout simplement remarquable, son génie des formes, des métamorphoses rythmiques et du discours d’ensemble force l’admiration. Rien de bien bien nouveau cela dit. Le collègue Alain Brunet, aussi présent sur les lieux, remarquait que ça ressemblait au show de l’an dernier -sauf la fin du set. Il faut dire que cela fait trois ans que McCraven n’a pas sorti d’album. Je cite Alain : ‘’Makaya, c’est vraiment top, mais on est dûs pour un nouvel album’’. Ce qui sera apparemment le cas en septembre, ceci dit sous toutes réserves. D’ailleurs, dans les quelque dix dernières minutes, n’étaient-ce pas du nouveau matériel qu’on entendait? M’enfin, peu importe car j’avais raté la perfo de l’an dernier, ce qui m’a permis de conserver une écoute un peu plus  »fraîche ». Et de toutes façons, une telle personnalité expressive peut soutenir la répétition, tellement elle est viscérale et supérieure.

Un saxo rythmique, parfois atmosphérique, jamais lyrique, un vibraphone coloristique, une basse volubile mais respectueuse. C’est ce qui entoure le maître sans lui prendre d’espace. C’est comme ça, et on aime ça.

En première partie, le groove dodu et remarquablement véloce d’un tuba porté par Theon Cross (Sons of Kemet) a contribué à enflammer le Club Soda. Ce type est un virtuose étonnant. La profondeur du son de cet instrument ne facilite habituellement pas la compréhension de ce qui se passe, mais Cross réussit apparemment l’impossible, et ce en faisant virevolter des notes plus nombreuses qu’on croirait humainement possible. Un nouvel album s’annonce pour juillet, très bientôt donc. Vous ne voudrez pas manquer ça.

photo: Frédérique Ménard-Aubin

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Afrique / dance

C la vie : L’interminable danse des tambours pour clôturer le FTA

par Stephan Boissonneault

Pendant 30 minutes ininterrompues, le Théâtre de Verdure du Parc La Fontaine est un organisme vivant. Son cœur bat au rythme de la peau sur la peau, des mains qui frappent la peau, des pieds qui frappent la terre. C la vie, interprété par une troupe de danse fascinante issue du légendaire Faso Danse Théâtre en Belgique, est moins un spectacle qu’une force de la nature : un barrage ininterrompu de rythmes, de mouvements et de volonté humaine. Les danseurs émergent dans un tourbillon de mouvement, semblant naître du son même du batteur qui les propulse. Il n’y a pas d’entrées formelles, pas de moments de repos ou d’immobilité. Au lieu de cela, la performance se déroule comme une seule et même respiration, en expansion, en contraction, tremblante d’effort. L’endurance déployée est stupéfiante. Chaque interprète s’engage avec une férocité qui frise la transe, leurs corps étant enfermés dans une chorégraphie qui exige une dextérité implacable.

Les mouvements tournent en boucle, se fracturent, puis évoluent : les épaules tournent en rafales, les hanches se balancent en arcs de cercle précis, les genoux pompent comme des pistons. Et d’une manière ou d’une autre, rien ne faiblit. Des moments de chant émergent comme des éclairs dans l’obscurité – des cris bruts et résonnants qui tranchent l’assaut polyrythmique. Ces brèves éruptions vocales, tantôt solistes, tantôt chorales, laissent entrevoir un récit plus profond, intentionnellement fragmenté. On y entend des murmures de rituel, de défi, de désir, de joie. Une femme en robe dorée, Niako Sacko, fissurée par l’émotion, s’élève au-dessus du rythme avec une voix planante et parfois maligne, tandis qu’une autre danseuse s’effondre à genoux. Elle semble contrôler les danseurs, qui se déshabillent lentement, ruisselants de sueur.
Développé par Serge Aimé Coulibaly, chorégraphe burkinabé et figure emblématique des arts de la scène africains, C la vie « s’inspire des traditions Wara et Senufo, des carnavals occidentaux » et d’une insatiable soif de vivre. Le spectacle, qui ne comporte que quelques secondes de répit entre les danses, a été un peu trop éprouvant pour certains spectateurs. Peut-être avaient-ils besoin d’une histoire facile à digérer, mais C la vie exige que le public ressente la douleur dans les mollets des danseurs, la brûlure dans leurs poumons, la poigne de fer de la discipline sous chaque spirale fluide. C’est épuisant d’en être témoin, et c’est précisément le but recherché. Une façon intéressante de clôturer le FTA.

hip-hop / rap keb

Shreez au Club Soda

par Alain Brunet

Le rappeur lavallois Shreez a récemment lancé On Frap II sous étiquette 7ième Ciel, soit la suite du premier de ses trois albums studio lancé en 2020. Il s’amène au Club Soda le vendredi 2 mai, 20h, avec ses meilleurs potes et invités spéciaux. Lisez la critique de Jacob Langlois-Pelletier et visionnez l’interview vidéo d’Alain Brunet.

Laval rapper Shreez recently released On Frap II on the 7ième Ciel label, the follow-up to the first of his three studio albums released in 2020. He comes to Club Soda on Friday, May 2, 8 p.m., with his best buddies and special guests. Read Jacob Langlois-Pelletier’s review and watch Alain Brunet’s video interview.

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