Montreal

Afrique / électronique

Singeli : le son du futur de la Tanzanie est là

par Loic Minty

Sisso & Maiko ont offert à la S.A.T. un spectacle inédit dans l’univers de la musique électronique. Initiateurs du nouveau son Singeli, les producteurs tanzaniens ont non seulement inventé un genre entièrement nouveau, mais aussi une nouvelle façon d’appréhender la musique électronique, du moins ici en Amérique du Nord. Son originalité est comparable à celle du Baile Funk, mais Singeli est encore plus éloigné culturellement, créant son propre univers sonore insulaire. Soutenus par le label de musique expérimentale ougandais Nyege Nyege, Sisso & Maiko incarnent cette nouvelle vague musicale qui rompt avec les stéréotypes musicaux africains. Leur son est une incarnation technologique de la danse elle-même, où le corps est l’instrument final d’une chaîne de création numérique.

À la première écoute, les rythmes peuvent paraître écrasants et répétitifs, mais c’est là tout l’intérêt, et avec le temps, cette impression s’estompe pour laisser place à une joie extatique. À travers la danse, le corps se fond dans l’étrange géométrie des rythmes inspirés du Mchiriku, les oreilles apprivoisent les sirènes percussives des claviers Casio vintage, comme une sorte d’embellissement caricatural. Le son de Singeli est riche, mais aussi peu sérieux. Après deux chansons, nous étions conquis, non seulement par la singularité du son, mais aussi par le sens du spectacle qui a progressivement transformé la foule initialement éblouie en fans.

Que ce soit les yeux bandés, jouant du clavier avec les pieds ou enlevant leur torse pour danser une Chura dans la foule, Sisso et Maiko ne se privaient pas une seconde de s’amuser. C’était contagieux. Ils auraient pu jouer toute la nuit sans que nous ayons vu le temps passer. Et à force de danser, de sauter et de courir, notre fatigue était transcendée. Mes recherches m’ont rappelé l’origine du son Singeli, qui se trouvait dans les soirées Kigodoro, Kigodoro signifiant « petit matelas de mousse », car les danseurs s’effondraient après des nuits blanches. Si le spectacle n’avait pas été interrompu à 1 heure du matin, on imagine aisément à quel point même un morceau de carton aurait semblé confortable à 7 heures.

dance-pop / électro

Palomosa I Fcukers, cool pour le plaisir d’être cool

par Lyle Hendriks

Il y a quelque chose à dire sur la musique qui vous fait vibrer. Quand la combinaison parfaite entre une basse endiablée, des percussions dignes d’une piste de danse et des voix haletantes se met en place, vous pouvez presque fermer les yeux et imaginer que vous venez d’être admis au Berghain ou que vous avez trouvé le chemin du bar clandestin le plus exclusif de New York. 

C’est le cas du groupe électronique new-yorkais Fcukers qui, malgré un succès fulgurant qui ne peut être que le résultat d’un népotisme musical intense, mérite également chaque piste de danse bondée devant laquelle il se produit. Le groupe, mené par la chanteuse Shannon Wise et désormais composé de quatre membres avec batterie, basse et scratchs en live, a ouvert son concert au Palomosa avec le classique moderne Homie Don’t Shake, qui a suscité les acclamations bruyantes d’une foule de plus en plus nombreuse au coucher du soleil. 

Au départ, je voulais être près de la scène pour ce concert, mais mes amis et moi avons rapidement été relégués au fond du site à cause d’une sonorisation vraiment horrible. Mais une fois que nous nous sommes rapprochés de la table de mixage et que nous avons pu entendre autre chose que la grosse caisse qui nous crevait les tympans, ce fut un plaisir, comme toujours, de voir ce groupe louche et sensuel se pavaner sur scène.

Même si le répertoire n’a pas beaucoup changé depuis que je les ai découverts à Osheaga l’année dernière, il était difficile de ne pas danser sur des morceaux comme Bon Bon, Tommy et le tout nouveau Play Me. Franchement, chacune de ces chansons est une ode insipide et droguée à rien, mais l’énergie brute et le côté indéniablement cool des Fcukers font qu’ils resteront l’un de mes premiers choix lorsque je m’emparerai de la sono lors d’une fête.

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électro-pop / électro-punk / électronique / indie

Palomosa I The Hellp est l’incarnation même de l’indie sleeze

par Stephan Boissonneault

The Hellp, un duo électro hyperpunk de Los Angeles composé de Noah Dillon et Chandler Lucy, vêtu de vestes en cuir moulantes, les cheveux courts et gras et portant des lunettes de soleil Oakley, semblait prêt à rendre hommage à un Oasis sordide ou à Julian Casablancas, lorsqu’il est monté sur la scène principale Fizz. L’un d’eux s’occupait du synthé et du sampler, vêtu d’un t-shirt Blink 182, tandis que l’autre s’appuyait sur le pied du micro et tournait quelques boutons sur sa pédale d’effets vocaux, laissant échapper un « WOOOO » chaotique.

La présence scénique des Hellp était empreinte d’une indifférence indie sleaze, comme s’ils étaient trop cool pour être là, et ça leur va bien. Alors qu’ils se lancent dans un hyper pop punk brumeux (un peu dans la veine de Suicide, mais version génération Z), la foule perd complètement la tête. J’ai adoré la façon dont Lucy enfournait sans cesse des cigarettes dans sa bouche tout en jouant avec le sampler, oubliant de les allumer. Ils n’ont joué qu’une heure, mais il a dû en fumer trois, car les nuages de fumée se dissipaient sous les machines à fumée. La seule chanson que j’ai reconnue était Colorado, un morceau absolument entraînant en live avec son sample de guitare rock slacker, et ils l’ont joué à mi-parcours.

Plus tard dans le set, ils ont enchaîné avec un morceau plus récent, qui s’appelait, je crois, Riviera (comme l’indiquaient la toile de fond orange et le mot écrit en Helvetica), à deux reprises. La première fois, le tempo n’était apparemment pas bon, et Dillon n’était pas disposé à l’accepter. J’ai un ami qui adore The Hellp et qui écoute très souvent leur dernier album, LL, qui est très bon, mais avant de les voir en concert, je ne comprenais pas vraiment leur attrait. Maintenant, je peux dire que moi aussi, je « ressens le Colorado ».

Plus tard dans le set, ils se sont lancés dans un morceau plus récent, qui s’appelait, je crois, Riviera (comme l’indiquaient la toile de fond orange et le mot écrit en Helvetica), qu’ils ont joué deux fois. La première fois, ils n’étaient apparemment pas en rythme, et Dillon n’était pas disposé à l’accepter. J’ai un ami qui adore The Hellp et qui écoute très souvent leur dernier album, LL, qui est très bon, mais avant de les voir en concert, je ne comprenais pas vraiment leur attrait. Maintenant, je peux dire que moi aussi, je « ressens le Colorado ».

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électro / électro-pop / électronique

Palomosa I MGNA Crrrta éclot à MTL sur la scène principale

par Stephan Boissonneault

Nous avons été transportés dans les années loufoques des années 2010 lorsque MGNA Crrrta, un duo électro-girl-dance-pop-trash de New York, est monté sur scène pour lancer les activités sur la scène principale de Palomosa. Le technicien du son eut un peu de mal avec le mixage, car les voix étaient extrêmement faibles, rivalisant avec un mur de basses. Injustifiable…

Cela a duré pendant la moitié du set. Mais les deux chanteuses/DJ, Farheen Khan et Ginger Scott, ne semblaient pas perturbées et ont enchaîné les morceaux comme I.C.F.U.H , un acronyme qui apparaissait à plusieurs reprises sur le fond visuel. En écoutant les paroles, on comprend qu’il signifie I Can Fuck You Hard (Je peux te baiser sauvagement), qui est également le nom du site web du duo.

Cette énergie trash et sordide imprégnait le set de MGNA Crrrta, et les visuels, avec leurs flashs sporadiques épileptiques montrant des manoirs tape-à-l’œil ou le duo fumant de l’herbe sur des ponts, correspondaient bien au ton. À mon goût personnel, beaucoup de chansons étaient assez monotones, mais elles dégageaient beaucoup d’énergie et, pour les dernières chansons, des pistolets à bulles. Ils ont bien ouvert le bal pour les pitreries de Palomosa sur la scène principale.

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électronique / techno

Ambiance d’entrepôt nocturne pour la nuit blanche de Juan Atkins à la SAT

par Julius Cesaratto

Juan Atkins, parrain de la techno et membre du duo pionnier Cybotron, s’est rendu à la Société des Arts Technologiques pour offrir une performance incontournable aux puristes de la techno. Considéré comme l’un des fondateurs du son né à Detroit dans les années 1980, Atkins a livré avec grâce un set techno classique, agrémenté de ses mélodies signature, de son chant robotique distordu et d’une utilisation inimitable de la Roland TR-909, la boîte à rythmes qui a posé les bases de la techno elle-même.

Il a commencé la soirée en douceur, superposant des sons mécaniques qui gagnaient progressivement en intensité, jouant avec les fréquences à mesure que la piste de danse s’échauffait. Les piliers de béton brut de la SAT s’élevaient au-dessus de la foule tels les vestiges squelettiques d’une usine désaffectée, offrant un arrière-plan idéal à la pulsation industrielle du son d’Atkins, parfois rauque, mais toujours mélodique.

Il suffit de cligner des yeux et vous pourriez vous retrouver soudainement transporté dans un entrepôt animé de Motor City aux premières heures du matin.

Alors que la saturation sonore cédait et que les lumières scintillaient dans des tons verts profonds, des coups de batterie minimalistes cédaient la place aux mélodies groovy et synthétisées qui ont marqué la carrière illustre d’Atkins en tant que producteur et DJ. Le public multigénérationnel de ravers présent a été transporté dans un véritable voyage sonore : Atkins mêlait son son techno-futuriste à des synthés et des lignes de basse funk entraînantes, clin d’œil à ses premières influences.

Fort de plus de 40 ans d’expérience en tant que sélecteur, il a fait monter le tempo, mélangeant une riche palette de styles – des débuts de la synthé à l’italo-disco – sans jamais perdre l’essence même de son son. Le point culminant de la soirée a été atteint avec « Chase » de Giorgio Moroder, qui a suscité les acclamations du public. Brève étincelle de nostalgie, elle s’est parfaitement adaptée au groove de la soirée, faisant écho aux racines de la techno sans jamais paraître rétro.

En guise de cadeau d’adieu à la piste de danse, Atkins a clôturé son set de deux heures avec une touche de jungle de bon goût, une fin rapide qui a laissé la foule en redemander.

Les sons étaient industriels mais mélodiques ; la superposition de batterie, de basse et de synthés était funky, fluide et impeccablement synchronisée. Un véritable artiste derrière les platines.

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ambient / house / techno / techno expérimentale

Vendredi soir au Dômesicle – Toute la nuit avec Jump Source

par Rédaction PAN M 360

Vibrant et infatigable – Jump source, duo montréalais composé de Priori et Patrick Holland, ne manque pas de garder la nuit sur le rythme et le dôme avec des pieds sauteurs – un set exaltant de 5 heures de techno, house à expérimental et ambiant, avec un parfum d’éthéré et de nostalgie par moments.

Apparemment mécanique, le mélange d’états et de grooves organiques dégage une satisfaction et une fluidité sur la piste de danse, transformant l’ambiance en atmosphère, le sensoriel en émotion. Aussi captivant soit-il, le duo maîtrise l’art de la maintenir – grandir, suspendre, tendre, relâcher – comme des vagues qui se forment et se brisent, l’une après l’autre. Un set de JS, c’est comme un voyage dans plusieurs directions, à travers plusieurs paysages, sans jamais perdre le nord ni la raison qui nous a poussés à le faire – ils nous transportent sans effort toute la nuit sur un rythme constant, ni trop rapide, ni trop lent ; les virages sont fluides et savoureux, on refait surface pour reprendre son souffle et retrouver le rythme des lignes de basse. Il s’agit de sculpter l’élan sur la piste de danse, toute la nuit.

En plus de leurs projets solo prolifiques, Francis Latreille et Patrick Holland collaborent en duo depuis près d’une décennie, à la fois en studio en tant que producteurs et en club derrière les platines, ayant récemment sorti leur 6e EP en avril de cette année.

Le collectif Mostly Noise et Jonahvision ont guidé notre voyage dans le dôme semblable à un sauna en sueur dans des visuels trippants immersifs et des espaces virtuels, faisant résonner l’esthétique groovy proposée par Priori et Holland aux platines.


jazz

FIJM | Le roi Makaya triomphe encore

par Frédéric Cardin

Une intensité totale et irrépressible, une force de caractère qui impose sa vision, laissant les acolytes soutenir (génialement, bien sûr), jamais faire dévier, le roi dans ses velléités musicales. Ça, c’est un concert du batteur Makaya McCraven, icône moderne de la batterie jazz.

La puissance propulsive de l’États-Unien est tout simplement remarquable, son génie des formes, des métamorphoses rythmiques et du discours d’ensemble force l’admiration. Rien de bien bien nouveau cela dit. Le collègue Alain Brunet, aussi présent sur les lieux, remarquait que ça ressemblait au show de l’an dernier -sauf la fin du set. Il faut dire que cela fait trois ans que McCraven n’a pas sorti d’album. Je cite Alain : ‘’Makaya, c’est vraiment top, mais on est dûs pour un nouvel album’’. Ce qui sera apparemment le cas en septembre, ceci dit sous toutes réserves. D’ailleurs, dans les quelque dix dernières minutes, n’étaient-ce pas du nouveau matériel qu’on entendait? M’enfin, peu importe car j’avais raté la perfo de l’an dernier, ce qui m’a permis de conserver une écoute un peu plus  »fraîche ». Et de toutes façons, une telle personnalité expressive peut soutenir la répétition, tellement elle est viscérale et supérieure.

Un saxo rythmique, parfois atmosphérique, jamais lyrique, un vibraphone coloristique, une basse volubile mais respectueuse. C’est ce qui entoure le maître sans lui prendre d’espace. C’est comme ça, et on aime ça.

En première partie, le groove dodu et remarquablement véloce d’un tuba porté par Theon Cross (Sons of Kemet) a contribué à enflammer le Club Soda. Ce type est un virtuose étonnant. La profondeur du son de cet instrument ne facilite habituellement pas la compréhension de ce qui se passe, mais Cross réussit apparemment l’impossible, et ce en faisant virevolter des notes plus nombreuses qu’on croirait humainement possible. Un nouvel album s’annonce pour juillet, très bientôt donc. Vous ne voudrez pas manquer ça.

photo: Frédérique Ménard-Aubin

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Afrique / dance

C la vie : L’interminable danse des tambours pour clôturer le FTA

par Stephan Boissonneault

Pendant 30 minutes ininterrompues, le Théâtre de Verdure du Parc La Fontaine est un organisme vivant. Son cœur bat au rythme de la peau sur la peau, des mains qui frappent la peau, des pieds qui frappent la terre. C la vie, interprété par une troupe de danse fascinante issue du légendaire Faso Danse Théâtre en Belgique, est moins un spectacle qu’une force de la nature : un barrage ininterrompu de rythmes, de mouvements et de volonté humaine. Les danseurs émergent dans un tourbillon de mouvement, semblant naître du son même du batteur qui les propulse. Il n’y a pas d’entrées formelles, pas de moments de repos ou d’immobilité. Au lieu de cela, la performance se déroule comme une seule et même respiration, en expansion, en contraction, tremblante d’effort. L’endurance déployée est stupéfiante. Chaque interprète s’engage avec une férocité qui frise la transe, leurs corps étant enfermés dans une chorégraphie qui exige une dextérité implacable.

Les mouvements tournent en boucle, se fracturent, puis évoluent : les épaules tournent en rafales, les hanches se balancent en arcs de cercle précis, les genoux pompent comme des pistons. Et d’une manière ou d’une autre, rien ne faiblit. Des moments de chant émergent comme des éclairs dans l’obscurité – des cris bruts et résonnants qui tranchent l’assaut polyrythmique. Ces brèves éruptions vocales, tantôt solistes, tantôt chorales, laissent entrevoir un récit plus profond, intentionnellement fragmenté. On y entend des murmures de rituel, de défi, de désir, de joie. Une femme en robe dorée, Niako Sacko, fissurée par l’émotion, s’élève au-dessus du rythme avec une voix planante et parfois maligne, tandis qu’une autre danseuse s’effondre à genoux. Elle semble contrôler les danseurs, qui se déshabillent lentement, ruisselants de sueur.
Développé par Serge Aimé Coulibaly, chorégraphe burkinabé et figure emblématique des arts de la scène africains, C la vie « s’inspire des traditions Wara et Senufo, des carnavals occidentaux » et d’une insatiable soif de vivre. Le spectacle, qui ne comporte que quelques secondes de répit entre les danses, a été un peu trop éprouvant pour certains spectateurs. Peut-être avaient-ils besoin d’une histoire facile à digérer, mais C la vie exige que le public ressente la douleur dans les mollets des danseurs, la brûlure dans leurs poumons, la poigne de fer de la discipline sous chaque spirale fluide. C’est épuisant d’en être témoin, et c’est précisément le but recherché. Une façon intéressante de clôturer le FTA.

hip-hop / rap keb

Shreez au Club Soda

par Alain Brunet

Le rappeur lavallois Shreez a récemment lancé On Frap II sous étiquette 7ième Ciel, soit la suite du premier de ses trois albums studio lancé en 2020. Il s’amène au Club Soda le vendredi 2 mai, 20h, avec ses meilleurs potes et invités spéciaux. Lisez la critique de Jacob Langlois-Pelletier et visionnez l’interview vidéo d’Alain Brunet.

Laval rapper Shreez recently released On Frap II on the 7ième Ciel label, the follow-up to the first of his three studio albums released in 2020. He comes to Club Soda on Friday, May 2, 8 p.m., with his best buddies and special guests. Read Jacob Langlois-Pelletier’s review and watch Alain Brunet’s video interview.

BILLETS ET INFOS ICI

électroacoustique / Électronique / expérimental / hip-hop instrumental / jazz contemporain

African American Sound Recordings à la SAT : merveilleux bruit de fond

par Loic Minty

Dans un monde de mouvements impossibles à retracer, cette forme de musique à l’état liquide est à peine contenue par le terme « expérimental ». Ce post-hip-hop n’existe alors qu’ici et maintenant, là où le hip-hop est devenu plus ce que l’on ressent que ce que l’on entend.

Et pourtant, c’est encore tout ce qui l’a constitué, plus bruyant et plus éloigné, comme un signal passant à travers de vieux fils. African American Sound Recordings semble regarder d’en haut ce réseau infini et trouver les voix subtiles, comme Morphée observant la matrice du cœur humain.

D’où vient ce bruit ? Au bout de 20 minutes, on commence à oublier, au bout de 30 minutes, on est aspiré, et au bout de 45 minutes, on en fait partie.

Démontant toutes les attentes, A.A.S.R. a sculpté une forme au-delà de la musique, une anthropologie de la culture noire : du punk à la soul des années 70, en passant par un saxophone hurlant comme s’il avait été maudit par Pharoah (Sanders) lui-même. Il y a une authenticité et une originalité dans son approche qui semble avoir été le fil conducteur de cette soirée.

L’approche platiniste de Slow Pitch Sound a plongé la foule dans une zone crépusculaire. Mixant comme s’il était en voyage cosmique avec Lee Scratch Perry au Studio One, son approche chopped and screwed rappelait les classiques du scratch tel DJ Screw, tout en les renouvelant complètement dans le choix de ses samples. Trouvant des boucles dans des sons accidentels, Slow Pitch Sound a créé ses rythmes sur place et a fait en sorte que la foule soit suspendue à chacun de ses mouvements. L’art (en voie d’être) oublié du platinisme a montré son potentiel inexploité en tant qu’instrument et, combiné à des outils numériques, a construit un son chaud et distinct, transformé en art par la maîtrise gracieuse de ses outils.

Mais la surprise la plus inattendue de la soirée a été la première prestation de Dumb Chamber, qui a montré à Montréal des contours de la musique électronique à venir. Toujours en quête de nouveauté, le dense patchwork de séquences taquine le rythme et se construit en houles d’orchestrations émotives. Quelque part entre Luc Ferrari, Dean Blunt ou Replica de Oneohtrix Point Never, ce son se distingue par un mélange apaisant de enregistrements sur le terrain et de mélodies sensibles empruntant à l’orchestration classique.

Dumb Chamber arborait un large sourire alors qu’il passait sans effort d’un genre à l’autre ; même sa version de la house classique avait un style distinctif, alors que des bruits prononçaient des contre-rythmes en arrière-plan. La foule, qui aurait pu être une fête du personnel de Ssense, n’était peut-être pas aussi chaude pour la danse, mais on sentait qu’elle écoutait profondément et appréciait les expériences sonores passionnément recherchées auxquelles elle assistait.

C’était l’une de ces expériences dont on sort en ne se sentant pas tout à fait le même qu’à l’entrée. Peut-être était-ce le mur de basses fréquences qui vous a pénétré les os, peut-être était-ce le fait d’être assis sur le béton froid, mais j’ai eu l’impression qu’un nouvel espace s’ouvrait pour imaginer la musique en tant que performance, et j’ai hâte de l’explorer.

Des nouveautés au Bar Le Ritz

par Vanessa Barron

Samedi dernier, je me suis retrouvée au Bar le Ritz pour assister à un concert de cinq groupes locaux, allant du power-pop au jazz-punk en passant par l’emo et le noise. Tout au long de la soirée, j’ai retrouvé des amis, des visages familiers et, surtout, de nouveaux groupes favoris. En voici les grandes lignes.

Photos de Amir Bakarov

Fresh Wax

Le groupe le plus marquant de la soirée était Fresh Wax, un duo basse-guitare-batterie qui a débarqué avec des lunettes de soleil de malade et une énergie détonante qui a fait trembler la peinture des planches de couleur primaire sur les murs du Ritz. Ils ont déchiré les riffs les plus fous dans des signatures temporelles hors du commun et se sont relayés au chant, hurlant des lignes percutantes que je n’ai pas comprises et qui, honnêtement, n’avaient pas besoin de l’être. La technique et la ferveur de ces deux gars étaient dignes d’un musicien de jazz professionnel. J’ai entendu dire que leurs concerts étaient encore plus fous dans les petites salles, alors je les reverrai à coup sûr.

Gondola

Gondola a été un plaisir comme toujours, car je dois avouer que je les ai vus au moins cinq autres fois cette année. Ce groupe indie-pop de quatre membres a offert une gamme complète de dynamiques et de solos complémentaires, en maintenant une cohésion serrée équilibrée par des moments d’improvisation débridée. Lyle, au chant, était vraiment à fond ce soir-là. Sa voix de baryton a porté des paroles mélancoliques avec force, évoquant l’amertume d’un chagrin d’amour avec une pointe de défi. Mon morceau préféré de la soirée était une chanson plus récente inspirée de l’émission de télé-réalité MILF Manor, intitulée « Moment I’d Like to Forget ». Je n’ai pas encore analysé ces paroles d’un point de vue freudien, mais la mélodie est accrocheuse!

Wakelee

J’ai été agréablement surpris de constater que j’ai vraiment vibré avec le set de Wakelee. En général, je suis sceptique à l’égard de la musique emo produite à Brooklyn en l’an 2024 (s’ils venaient d’un foyer culturel comme la Pennsylvanie centrale ou l’Ohio, j’aurais peut-être moins de préjugés…), mais ce set était serré, bien équilibré, et m’a totalement conquis. J’ai particulièrement aimé la façon dont les chœurs du guitariste basse s’intègrent à la mélodie principale. Ces voix en deux parties et l’affectation emo incomparable du chanteur m’ont rappelé la ballade classique de Blink-182 « I Miss You ». J’ai depuis réécouté leur single « mildlyinteresting », qui capture succinctement le pathos des demandes de conseils sur Reddit, confessant dans son refrain accrocheur que « chaque question que j’ai, je la poste sur Internet ».

Room

J’aurais aimé voir davantage le groupe d’ouverture, Room, qui avait le chant puissant et l’énergie rayonnante du bubblegum rock de groupes comme Beach Bunny et Remember Sports. J’ai attrapé deux de leurs chansons, probablement la musique la plus joyeuse d’un groupe qui avait par ailleurs un ton doomer.

Enfin, je me dois de féliciter la tête d’affiche Evergreen. Le noise-punk n’est pas ma spécialité, et mes oreilles n’ont pas réussi à trouver des accords, des mélodies ou des paroles à commenter. Par contre, j’ai vu des moshers à l’avant s’amuser comme des fous, et c’est ce qui compte.

baroque / classique

Arion Orchestre Baroque et le SMAM autour de Handel et Fastes royaux d’Angleterre

par Alain Brunet
DESCRIPTIF:

En ouverture de saison, et pour une première fois à la Maison symphonique, Arion Orchestre Baroque se joint de nouveau au Studio de musique ancienne de Montréal afin d’offrir un programme fastueux ! Andrew McAnerney et Mathieu Lussier vous présenteront la rutilante Music for the Royal Fireworks de Handel, dont on retrouvera les cuivres dans les magnifiques anthems du même pour le couronnement de George II ainsi que dans celui de William Boyce pour le couronnement de George III.

BILLETS ET INFOS ICI

PROGRAMME:


William Boyce (1711-1779)
The King Shall Rejoice
William Byrd (1540/43-1623)
O Lord, make Thy servant Elizabeth our Queen 
Thomas Weelkes (1576-1623)
O Lord, grant the King a long life 
George Frideric Handel (1685-1759)
Musique pour les feux d’artifice royaux, HWV 351 Zadok the Priest, HWV 258 Let Thy Hand be strengthened, HWV 259 The King Shall Rejoice, HWV 260 My Heart is Inditing, HWV 261

ARTISTES:
ANDREW McANERNEY

Direction

MATHIEU LUSSIER

Direction

STUDIO DE MUSIQUE ANCIENNE DE MONTRÉAL
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