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Présenté la Sala Rossa ce mardi 26 octobre, Re:Configuré est le premier programme de Codes d’Accès, un organisme se consacrant depuis les années 80 à la promotion et à la professionnalisation des artistes émergent[e]s du Québec en musique nouvelle (contemporaine classique, électroacoustique et expérimentale).
Nous avons ici recueilli les propos du saxophoniste et pédagogue montréalais Kirby Leitz, interprète et concepteur de cette partie du programme Re:Configuré: Music for the Silenced and Introspective Soul est un programme conçu par Kirby Leitz en réponse à un cœur brisé et en deuil. Alors que l’artiste traverse ce qui est sans doute le moment le plus sombre de sa vie, ces œuvres semblent l’avoir choisi, plutôt que l’inverse.”
Les oeuvres jouées sont:
Urška Pompe, žilj za alt saksofon, pour saxophone solo, 9′, 2015 (rev. 2020).
John Anthony Lennon, Distances Within Me, saxophone alto et piano, 10′, 1979.
PAN M 360: De quelle manière le deuil et la tristesse se sont-ils transformés en musique?
Kirby Leitz : È Žilj est plus étroitement lié, d’un point de vue conceptuel, au deuil que Distances Within Me, car le titre fait référence au mot slovène signifiant « mauvaises herbes » (espèces végétales non indigènes) en français. Grâce à des recherches étymologiques, Pompe a découvert qu’il existe en Croatie une espèce de lys menacée d’extinction appelée primorski żilj.
En substance, j’ai choisi cette pièce pour son exploration des espèces envahissantes et de la double signification du terme « mauvaise herbe ». En extrapolant à partir du trope classique du « prédateur et de la proie » dans la nature, chaque organisme menace la prospérité de l’espèce dont il se nourrit. Cependant, chaque organisme est simultanément la proie d’un autre organisme.
Pompe semble utiliser des multiphoniques tout au long de la pièce pour explorer l’« épanouissement » et la « décomposition » des plantes prédatrices et de leurs proies. Les multiphoniques deviennent en substance une « plante » tonale en pleine floraison, tandis que le matériau qui les entoure fragmente l’ensemble sur le plan tonal et rythmique. Pour moi, cette idée de prédateur et de proie renvoie au processus de deuil d’une manière singulière. C’est presque comme si les multiphoniques eux-mêmes incarnaient tout le poids de la tristesse et du deuil, tandis que le parcours entre ces points dépressifs équivaut à naviguer dans la vie avec une maladie mentale.
PAN M 360: Quelles sont les références musicales qui vous inspirent dans ce contexte où vous avez choisi un seul saxophone dont vous êtes l’unique interprète ?
Kirby Leitz: Le choix d’un morceau a cappella, suivi d’un morceau accompagné, était tout à fait délibéré de ma part. Cela reflète bien la réalité du deuil, qui est malheureusement, au début, un parcours solitaire. Face à tout événement traumatisant, on est le premier à subir le choc écrasant qui secoue tout notre être. On a parfois besoin de temps avant même de pouvoir en parler. Vous êtes peut-être trop jeune pour l’assimiler correctement, et votre cerveau enfouit naturellement ce souvenir.
Il y a plusieurs événements traumatisants que j’ai vécus et que je n’ai redécouverts que récemment, après des décennies de refoulement. C’est fou de voir comment le cerveau nous protège, tandis que notre système nerveux laisse transparaître le traumatisme d’une manière qui altère la perception que l’on a de soi-même.
En jouant sans accompagnement, je trouve que j’ai l’espace nécessaire pour ruminer pleinement et explorer mon identité musicale afin d’identifier les façons dont le traumatisme m’affecte. Ensuite, passer à un morceau accompagné me rappelle essentiellement que je ne suis pas seul (et qu’aucune autre personne aux prises avec des difficultés de santé mentale ne l’est non plus) dans mon processus de guérison. Je ne l’ai jamais été.
PAN M 360: Comment cette œuvre est-elle structurée ?
Kirby Leitz: Žilj est structurée comme un long monologue, composé de trois parties très distinctes. Elle s’ouvre sur une introspection, une tentative de mettre en lumière toutes les émotions que l’on peut ressentir tout au long du processus de deuil. Bien que le spectre émotionnel soit très large, les moments les plus « colériques » sont de courte durée — souvent suivis d’un regret de cette explosion de colère.
C’est presque comme si la colère était immédiatement remplacée par une mélancolie tranquille. Ce désespoir se transforme en un vague sentiment de perte dans la partie centrale, puis explose en colère dans la dernière partie. Malgré le caractère agressif de la partie finale, la pièce se termine tout de même dans une mélancolie tranquille — comme si l’épuisement lié au fait de vivre avec le deuil imprégnait davantage l’œuvre que toute autre émotion.
PAN M 360: Comment ce programme a-t-il été conçu ?
Kirby Leitz: J’ai créé un programme thématique qui regroupe deux œuvres qui, selon moi, traitent de l’introspection et du deuil.
Distances Within Me explore ce reflet troublant entre le silence extérieur et le chagrin intérieur. À l’inverse, žilj évoque un point de vue plus sombre et blasé sur le travail émotionnel. Ensemble, ces œuvres cherchent à libérer la tension que représente le traumatisme.
PAN M 360: Expliquez-nous les fondements de ces deux œuvres et comment le silence intérieur, le chagrin intérieur se transforment en musique à travers vous, tout comme ce « point de vue plus sombre et blasé sur le travail émotionnel ».
Kirby Leitz: Pour moi, Distances Within Me explore l’ensemble du processus de deuil et de traumatisme. Tout au long de la pièce, on observe non seulement une gamme dynamique incroyablement large, allant du son à peine audible aux cris d’angoisse, mais aussi une attention beaucoup plus grande portée aux changements de couleur. Par exemple, la partie de José lui demande souvent de tenir plusieurs longues phrases, créant ainsi un effet de flou dans la texture harmonique.
Souvent, la mélodie est présentée de manière fragmentée, voire pratiquement brisée au point de devenir obscure. Pourtant, il y a toujours un fil conducteur tonal qui fait avancer le récit. Cet aspect de la pièce m’a rappelé les dernières années de ma propre vie, passées à faire face à la perte de ma mère adoptive. Vous savez, on va en thérapie pour surmonter son deuil et on finit par débloquer des années et des années de souvenirs refoulés, révélant que notre enfance a été marquée par des agressions sexuelles, des violences physiques et verbales à la maison, et tout un tas d’autres traumatismes qui affectent notre capacité à aller de l’avant.
Tout comme dans Distances Within Me, la guérison est un parcours qui brouille souvent la frontière entre progrès et régression, car une grande partie du processus de guérison se déroule à l’intérieur de soi, tandis que la vie extérieure doit continuer à avancer. Il suffit simplement de se faire suffisamment confiance pour franchir mentalement la prochaine étape vers un avenir meilleur.
Sur le plan musical, José et moi explorons ensemble les subtilités rythmiques et tonales complexes de cette pièce. À la fin de l’œuvre, tout semble si calme et intime — même si une pointe d’ambiguïté subsiste quant à la question « avons-nous surmonté nos épreuves ? », même à la fin de la pièce.
PAN M 360 : Comment Distances Within Me est-elle structurée ? Quelles en sont les références ? Dans quelle esthétique s’inscrit-elle ?
Kirby Leitz: Distances Within Me est une véritable pièce pour duo au sein du répertoire pour saxophone. Elle exige un engagement égal de la part du pianiste et du saxophoniste, car les parties vocales constituent essentiellement les deux moitiés d’un tout.
Sur le plan esthétique, elle s’inscrit davantage dans les traditions tonales et rythmiques classiques que Žilj, permettant ainsi aux sons purs des instruments de se fondre ensemble de la manière la plus naturelle qui soit. J’entends par là qu’il n’y a pas de techniques étendues en dehors du registre altissimo dans la partie de saxophone, ni de préparations ou de techniques spécifiques pour le pianiste.
En ce sens, Distances Within Me est essentiellement un dialogue intérieur. En réfléchissant à mon propre processus de deuil, j’ai constaté qu’il y a toujours deux parties de moi en conflit : l’une qui se bat pour un avenir plus serein, et l’autre qui est bien trop épuisée pour continuer à se battre. Je lutte contre des idées suicidaires et l’automutilation depuis douze ans, et je constate sans cesse que ce combat intérieur influence ma façon de percevoir l’avenir.
Distances Within Me me permet d’exprimer ce processus fluctuant de réécriture des pensées intrusives profondément ancrées. Il y a des moments de véritable brouillard, tant dans la pièce que dans la vie, où la voie à suivre n’est pas très claire. Là encore, nous devons continuer à avancer (que nous voyions le chemin ou non).
PAN M 360 : Expliquez-nous le choix des oeuvres:
Kirby Leitz : Je les ai choisies pour qu’elles s’intègrent dans le récit de mon programme, car ces deux pièces font référence au processus de deuil et à la manière de naviguer dans la vie avec un traumatisme. José et moi avons travaillé ensemble sur Distances Within Me pour un précédent concert, et nous avons développé une relation musicale solide. Lui et moi partageons une vision commune de cette pièce, et travailler avec lui a contribué à donner vie à ce récit.
PAN M 360 : Quels sont les enjeux de l’interprétation ?
Kirby Leitz : Je pense que, dans toute interprétation, il existe un équilibre entre la vision artistique et la fidélité à l’écriture du compositeur. Je tire de nombreuses conclusions sans avoir reçu de confirmation de la part du compositeur quant à la véritable signification de ses œuvres. Cela pose certes un problème inhérent à toute interprétation, mais cela permet également à l’identité de s’épanouir. Cette ambiguïté met les interprètes au défi de prendre position sur leur interprétation et de la défendre.
Pour moi, c’est là notre privilège en tant qu’artistes : nous pouvons nous forger des opinions fondées sur nos propres expériences vécues, puis présenter la musique que nous souhaitons jouer à travers le prisme unique de notre existence. Ces deux pièces offrent une grande richesse sur le papier… ce qui peut être à la fois une bénédiction et une malédiction. La difficulté à laquelle José et moi avons souvent été confrontés consistait à trouver comment aller au-delà du simple fait de « jouer le rôle » et insuffler de la vie à l’œuvre. Il est facile de perdre l’élan et de briser le paysage sonore créé par ces pièces.
