De la polyphonie de la Renaissance aux créations contemporaines, le programme dont il est ici question réunissait des œuvres de plusieurs siècles autour d’une même réflexion : celle du temps qui passe, qui s’étire, se suspend et parfois semble s’arrêter. Le 7 novembre, à la Chapelle Notre-Dame-de-Bon-Secours, l’ensemble vocal Voces Boreales, sous la direction d’Andrew Gray, présentait ainsi Tempus Fugit, un concert consacré à notre perception du temps.
La diversité des époques et des langages musicaux avait pu donner lieu à la succession inepte d’œuvres indépendantes les unes des autres, c’est au contraire la cohérence de leur enchaînement qui s’est imposée comme l’une des principales réussites de la soirée.
Plus qu’une démonstration des qualités vocales de l’ensemble, Tempus Fugit se distinguait avant tout par l’intelligence de sa proposition artistique
Après Time is Endless de Vytautas Miškinis, Versa est in luctum d’Alonso Lobo nous ramenait à la polyphonie de la Renaissance espagnole. La diction aurait gagné à être plus intelligible par moments mais il convient toutefois de considérer l’acoustique de l’amphithéâtre religieux, dont la réverbération pouvait contribuer à brouiller la perception des consonnes et à atténuer la clarté du texte.
Cette attention portée à la précision se retrouvait au fil du programme, notamment dans Le temps a laissé son manteau de Roger Calmel. La transparence de la texture vocale, la netteté des articulations et la justesse du placement rythmique permettaient aux lignes mélodiques de s’épanouir avec une belle fluidité. L’œuvre offrait ainsi un moment de légèreté, où l’on pouvait pleinement apprécier la qualité du travail d’ensemble.
L’enchaînement avec Le jour m’étonne et la nuit me fait peur de Francis Poulenc, puis Comme une rose d’Anthony Sylvestre, témoignait également d’une réflexion attentive sur la progression expressive du concert. Cette dernière œuvre se distinguait par une belle homogénéité vocale, tout en prolongeant la réflexion sur le caractère éphémère de l’existence.
Les différentes compositions ne semblaient pas simplement réunies sous un thème commun : elles se répondaient, créant une continuité qui donnait tout son sens au titre de la soirée.
L’un des passages les plus marquants du concert reposait sur l’enchaînement de trois œuvres : Common Silence de Marie-Claire Saindon, le célèbre 4’33” de John Cage et Silence and Music de Ralph Vaughan Williams.
Avec Common Silence, l’écriture contemporaine apportait un contraste particulièrement intéressant. Les dissonances et les interventions vocales parfois espacées imposaient un langage plus audacieux, sans pour autant rompre avec la direction artistique du programme. Les chanteurs faisaient preuve d’un engagement perceptible, suivant avec attention les gestes d’Andrew Gray et participant pleinement à la construction de cette atmosphère singulière.
Puis venait 4’33”.
Composée en 1952, l’œuvre de John Cage demeure l’une des propositions les plus emblématiques de la musique expérimentale du XXe siècle. Pendant quatre minutes et trente-trois secondes, les interprètes ne produisent intentionnellement aucun son musical, laissant les bruits environnants devenir la matière de l’expérience.
Face au public, les chanteurs de Voces Boreales demeuraient immobiles, leurs partitions entre les mains. Dans la chapelle, le silence prenait alors une dimension toute particulière. Quelques raclements de gorge, des toux discrètes, les interventions d’un enfant et certains rires amusés venaient ponctuer ces minutes durant lesquelles l’attention semblait se déplacer de la scène vers l’ensemble de la salle.
Contrairement à ce que l’on pourrait imaginer, ces quatre minutes et trente-trois secondes ont semblé n’en durer qu’une. Une impression subjective, certes, mais qui illustre précisément l’une des questions soulevées par le programme : comment mesurer le temps lorsque nos repères musicaux habituels disparaissent ?
La pièce de Cage, pourtant largement connue pour son concept, conserve ainsi un intérêt particulier lorsqu’elle est expérimentée collectivement. Ce n’est plus nécessairement la surprise de découvrir une œuvre sans notes qui importe, mais la manière dont chacun réagit à cette absence volontaire de musique.
L’attention du public constituait d’ailleurs l’un des aspects les plus remarquables de la soirée. Les spectateurs suivaient avec un intérêt manifeste le déroulement du programme, consultant attentivement les notes accompagnant chaque œuvre, comme pour mieux saisir les différentes étapes de ce voyage musical. Les applaudissements, réservés aux moments suggérés, contribuaient à préserver la continuité du concert.
Cette implication ne reposait pas sur une interaction directe entre les chanteurs et la salle, mais plutôt sur une écoute collective particulièrement attentive. Dans un programme où le silence occupait une place aussi importante que la musique elle-même, cette disposition du public prenait tout son sens.
L’arrivée de Silence and Music de Vaughan Williams apparaissait alors comme une respiration naturelle, presque nécessaire. Après l’immobilité de Cage, le retour des voix prolongeait l’expérience sans en rompre la continuité. La transition comptait parmi les choix les plus convaincants de la programmation, donnant au silence une véritable fonction dramaturgique.
Sur le plan de l’exécution, quelques légers déséquilibres entre les pupitres et certaines imprécisions rythmiques rappelaient néanmoins les exigences particulières du chant choral, où la moindre fluctuation peut affecter la cohésion de l’ensemble. Ces réserves n’ont toutefois pas empêché le public de manifester sa satisfaction.
Parmi les propositions contemporaines de la soirée, Ke (ma) bi, création de Luis Ernesto Peña Laguna, constituait également un moment particulièrement réussi.
Écrite pour seize voix, l’œuvre puise son inspiration dans la cosmologie taïno et explore les relations entre le temps, la lumière, l’obscurité et l’éternité. Sa construction musicale repose notamment sur une mesure ternaire à 9/8 et sur un travail autour d’intervalles de seconde, de tierce et de quarte.
Au-delà de l’intérêt de cette écriture, c’est surtout la qualité de l’interprétation qui retenait l’attention. L’ensemble y démontrait une remarquable cohésion, aussi bien dans son engagement physique que dans sa réalisation musicale. La précision des interventions, l’homogénéité des voix et la puissance sonore donnaient à cette création une présence particulièrement convaincante.
Avec Tempus Fugit, Voces Boreales aura surtout convaincu par l’intelligence de sa proposition artistique.
Si quelques imprécisions rythmiques, certains déséquilibres entre les pupitres et une diction parfois moins intelligible ont ponctuellement limité la netteté de l’exécution, ces réserves n’ont pas compromis la cohérence de la soirée. La précision, l’homogénéité et l’engagement des chanteurs, particulièrement perceptibles dans la création mondiale Ke (ma) bi.
Mais c’est peut-être dans l’attention du public que cette proposition trouvait sa plus belle résonance. Loin d’une participation démonstrative, les spectateurs semblaient s’approprier le programme à travers une écoute respectueuse des silences et curieuse.
En faisant dialoguer des compositions séparées par plusieurs siècles, Andrew Gray et Voces Boreales sont parvenus à donner une véritable continuité à des langages musicaux pourtant très différents. Une soirée dont la réussite ne tenait pas tant à l’éclat de chaque interprétation qu’à la pertinence de leur rencontre.
Car si Tempus Fugit nous invitait à réfléchir au passage du temps, ce programme nous rappelait surtout que la musique possède cette faculté singulière de nous réunir, pour quelques instants, dans une même expérience d’écoute.
