Critique de concert

hardcore / power-electronics

Palomosa | La jeunesse paranoïaque de Nettspend

par Loic Minty

Early Life Crisis s’afficha à l’écran. Un mélange frénétique de désordre et d’admiration s’empara de la foule. Des dizaines de personnes avaient déjà pratiquement quitté la salle en courant. Les fans inconditionnels, guidés par une « équipe technique », avaient déjà formé un cercle de pogotage. À ce stade, à peine une minute après le début du concert, la soirée appartenait à Nettspend.

Il s’est précipité sur une plateforme surélevée, animé par la rage et l’euphorie, tandis que la foule perdait la tête. La fosse s’est refermée, Nettspend a crié dans le micro, la longue attente était terminée.

« Je viens de vomir. »

Personne n’entendait rien, c’était le chaos total à cause du rap déformé de Cloud. Après un moment, il s’est repris et sa présence scénique erratique est devenue plus grande que nature au fur et à mesure que la soirée avançait. Ses mouvements étaient imprévisibles, comme s’il était dans un état second et que sa vie défilait devant ses yeux. Un instant, il pliait calmement l’air avec sa main, l’instant d’après, il courait à travers la scène en criant. La performance physique primait sur toute musicalité et personne ne s’en souciait, il ne s’agissait plus de suivre la chanson, mais plutôt de nourrir une aura. 

À seulement 18 ans, sa personnalité suffit à capter l’attention du public. En tant que célébrité Internet à la pointe de la mode, Nettspend a rassemblé un public intéressant. Certains étaient venus pour les mêmes raisons qu’ils iraient à un concert de Travis Scott, l’expression cathartique de la violence, tandis que d’autres, à l’arrière, semblaient apprécier le personnage plus grand que nature qu’il s’est créé, similaire au charisme magnétique de Yung Lean.

Les chansons se sont enchaînées à un rythme effréné, comme un gros nuage d’orage qui laisse place à un ciel bleu après son passage. Si sa musique avait des sonorités agressives similaires à celles de l’album Red de Carti, il y avait tout de même une certaine euphorie dans cet excès sonore presque humoristique. Lorsque la foule s’est dispersée, tout le monde souriait. C’était un set énergisant.

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Asie du Sud / Électronique

Palomosa | M.I.A., autorité sur scène et… confusion dans le propos

par Loic Minty

30 minutes avant même le début du spectacle, les gens se pressaient déjà devant la scène, et je me demandais comment une personnalité aussi controversée allait pouvoir être à la hauteur du battage médiatique. Soudain, tout est devenu noir et M.I.A. est apparue, audacieuse et naturelle, le regard sévère, comme si elle s’apprêtait à déclencher une révolution. Ma question avait trouvé sa réponse.

Les machines à fumée ont explosé au rythme de Boyz et elle s’est mise à rapper avec son ton classique, un léger sourire aux lèvres. Sa performance était comme si vous l’aviez sortie tout droit de ses vidéo clips de 2005. Elle dansait avec assurance, une sensualité sans complexe et une présence provocante qui nous ont fait réaliser à quel point elle croyait en ce qu’elle disait.

Il n’y a pas eu un seul moment d’ennui. En interprétant ses premiers classiques, elle a fait chanter toute la foule sur ses paroles, telle une superstar. De ses albums Arular et Kala à la chanson plus audacieuse Born Free , samplée à partir de Suicide’s Ghost Rider.

Elle a repris chronologiquement l’intégralité de sa discographie initiale, *jouant même une version alternative de Galang tirée de la cassette Piracy Funds Terrorism. Cela a rafraîchi le public et démontré l’actualité de son travail, alors qu’elle interprétait avec passion des chansons d’un album datant d’il y a 20 ans.

Entre cela, les chorégraphes, la fumée et les tenues argentées, c’était le « pop » à son meilleur, à mille lieues de tout ce que nous venions de voir. Alors que les numéros précédents, comme The Hellp et Mgna Crrrta , faisaient référence à la musique pop américaine des années 2000 dans un style hyperpop, M.I.A. était la vraie référence. C’était comme un retour aux sources, qui confirmait l’idée que sa carrière avait en fait été un cataclysme nous menant tous à ce point.

En tant que fille de réfugiés sri-lankais au franc-parler, son identité remettait intrinsèquement en question les stéréotypes et les conventions qui prévalaient aux États-Unis après le 11 septembre. Elle était une outsider, une rebelle et une source d’inspiration pour les jeunes comme moi qui aspiraient à un changement culturel. C’est pourquoi son intervention en fin de programme a résonné fortement et suscité des discussions animées… mais pas de la manière dont nous l’aurions imaginé.

Alors que la plupart des autres artistes gardaient le silence sur les questions mondiales, les controverses entourant M.I.A. sont trop flagrantes pour être ignorées et la foule l’a pressée de questions sur le génocide qui se déroule en Palestine. Si quelqu’un devait aborder cette crise actuelle, c’était bien elle.

Lorsque la musique s’est brièvement arrêtée, elle s’est immiscée dans la conversation et a demandé au DJ de faire une pause : « J’ai été annulée 5 fois », a-t-elle répondu. Nous étions sur le bord de nos sièges.

« L’année dernière, ils m’ont annulée parce que je soutenais Trump ».

Quoi ?

Cela a déclenché un débat confus avec la foule, et après des slogans scandant « Fuck Donald Trump », elle est revenue sur ses propos en affirmant qu’elle n’avait jamais soutenu aucun politicien. Bizarre…

Perplexes, nous l’avons écoutée et elle a interprété la chanson suivante en portant un keffieh en signe de solidarité avec la cause palestinienne.

Au final, son message était positif, expliquant qu’imaginer un avenir libéré était la première étape pour y parvenir. Mais dans les conversations qui ont suivi l’émission, une confusion générale régnait encore quant à sa position, et son discours vague sur des questions sérieuses n’a fait qu’alimenter les soupçons et les débats, ce qui était peut-être justement son objectif. Qui sait ?

Mais la vraie question est : qu’est-il arrivé à M.I.A. ?

Tout au long du spectacle, elle a elle-même fait allusion à ce changement. « Je ne suis plus la même M.I.A. que vous connaissiez » et « Il est plus difficile pour une mauvaise fille d’être bonne que pour une bonne fille d’être mauvaise ». 

Elle a mentionné que parler de certaines choses était « dangereux », faisant allusion à une forme de censure à laquelle elle a été largement confrontée dans le passé, ayant été accusée de soutenir des terroristes lorsqu’elle parlait de la lutte du peuple tamoul au Sri Lanka.

En raison de cette controverse et d’autres, ses comptes sur les réseaux sociaux ont été bloqués, ses albums n’ont pas été commercialisés pendant des années et elle s’est vue refuser l’accès aux États-Unis pour voir son enfant, ce qu’elle attribue à son appel à un cessez-le-feu en 2024.

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Palomosa | Double dose de MCR-T

par Julius Cesaratto

Les Ultras, comme MCR-T appelle affectueusement ses fans, étaient prêts pour une double dose de débauche : un concert exceptionnel au Parc Jean-Drapeau suivi d’une soirée tardive à la Société des Arts Technologiques. Serrés les uns contre les autres autour de la scène à 360 degrés du Jardin, à deux pas de la célèbre statue de Calder, Place de l’Homme, vêtus de leurs plus beaux costumes de rave, dans un style Y2K et indie-sleaze, les jeunes étaient impatients que la soirée commence. Derrière les CDJ, c’était une véritable réunion de famille Live From Earth, avec la présence des autres membres du collectif venus apporter leur soutien.

Né et élevé à Berlin-Ouest, MCR-T s’est forgé une réputation de rappeur, chanteur, producteur et DJ hors pair. Son approche peu orthodoxe de la techno lui a permis de se démarquer, car il est devenu assez connu pour chanter et rapper en direct pendant ses sets. Du début à la fin, il a enchaîné sans interruption des tubes de club, avec son son ghetto tech caractéristique : des samples caricaturaux, des voix effrontées et un rythme entraînant qui a mis le feu à la piste.

Des hymnes tels que My Boo , My Bae, My Baddie et My Barn, My Rules, très appréciés des fans, ont été repris en chœur par le public, tandis que sa reprise du célèbre morceau dance Better Off Alone a enflammé la piste de danse. Jouant lui-même le rôle de son propre animateur, il a manié le micro avec charisme, animant la foule et plaisantant entre deux verres d’alcool, qu’il a partagés avec la famille LFE et les ultras.

À un moment donné, il a sauté sur les enceintes pour chanter Up and Down, déchaînant la foule. Des nuages de fumée se sont échappés de la cabine, le faisant disparaître juste avant qu’il n’entame les interprétations vocales en direct de ses titres phares Careless Whisper et de son dernier album Not The Same. Il a ensuite conclu son concert en plein air en se lançant littéralement dans la folie gabber de son single collaboratif Buurman uit Berlin, sautant dans une fosse qu’il avait lui-même provoquée.

Si la scène Jardin était un carnaval aux couleurs acidulées, la salle principale du SAT nous plongeait dans une ambiance totalement différente : sombre, moite et implacable. Avec le soutien de ses collègues de Live From Earth Avec le soutien de ses collègues artistes de Live From Earth, MRD et TDJ, MCR-T a enchaîné avec MRD, faisant monter le BPM jusqu’à atteindre un niveau de trance hard et des lignes de basse industrielles, ponctuées par moments d’interludes jungle. MRD a pris le micro pour chanter en live, proposant des mashups impertinents comme Meet Her at the Love Parade mélangé à My Humps de Fergie. TDJ a ajouté sa touche à la performance avec sa voix angélique. Entre les kicks percutants et les sélections ludiques (We Like to Party des Vengaboys & MCR-T rappant sur Scatman), la soirée est devenue un mélange ludique de nostalgie, de collaboration improvisée et de pur plaisir à l’ancienne.

Lorsque la foule en sueur a envahi les lieux, il n’y avait plus aucun doute : MCR-T était l’homme de la soirée. Soutenu par MRD et TDJ, il a transformé la cabine en une affaire de famille, canalisant l’énergie rave de Berlin vers un public montréalais plus jeune qui lui a rendu la pareille — un set à la fois effronté, chaotique et euphorique.

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électronique

Palomosa | Arca, point culminant

par Alain Brunet

Pourquoi donc consacrer un samedi soir montréalais à Arca, soit le point culminant du festival Palomosa? Parce qu’Alejandra Ghersi Rodriguez n’était jamais venue à Montréal et que cette artiste transgenre est à mon sens la plus importante game changer de la musique électronique à une aussi grande échelle. Depuis son émergence en 2012, époque où elle joignait la famille élargie de Björk et amorçait sa transition vers la non binarité, on se pâme.

Ce qu’on a fait samedi!

Amorcée par un retentissant TABARNAK!, blasphème appris sur place, la performance de samedi n’était pas un résumé succinct de l’œuvre d’Arca, mais bien une décharge majeure de ses munitions. Cela étant, il y avait sur la table bien assez de séquences idiosyncrasiques pour s’y régaler et contempler la musique de cette surdouée, musique servie par une sonorisation exemplaire mettant en relief l’excellence de ses mixes imaginés ici et maintenant.

Très percussif, enchaînement infernal de breakbeats, polyrythmes afro-latins incluant une volée de samba brésilienne, ce set de 60 minutes fut aussi traversé de citations pop judicieusement filtrées, harangues vocales, psalmodies de mots ou carrément rap, et  aussi de ces points d’orgue ponctués de violentes déflagrations, éructations de noise n’ayant normalement rien à voir avec les codes admis de la pop culture. 

Contrairement à la la plupart des artistes de même rayonnement, Arca ne construit pas sa musique autour de formes proche de la la chanson (intro, chorus, pont, chorus), les éléments mélodiques y sont émaillés ça et là, soit à titre de matériaux parmi les autres, sans dominer la proposition. 

Même si plus accessible devant public qu’en studio, Arca ne souscrit pas non plus aux codes du plancher de danse, elle exclut ces reprises coiffées d’un retour au big beat. Arca est plutôt une créature hybride en tous points, elle fait danser un tantinet mais impose l’écoute attentive, ce qui n’est pas évident pour cette génération venue à sa rencontre. On parle ici d’un véritable exploit conceptuel, rien de moins.

Les albums solos de la Vénézuélienne (transplantée en Europe depuis ses débuts professionnels) ont marqué les esprits, bien au-delà des cercles d’initiés qui se pointent aux festivals plus pointus de types Mutek ou Akousma et qui repoussent la presse grand public.

Très rares, en fait, sont les créateurs aussi innovants capables de fasciner des auditoires de masse, normalement férus de musiques plus convenues et très difficiles à convaincre.

La musique électronique ne fait pas exception à la redondance et à la prévisibilité mais, fort heureusement, il y a parfois une Arca qui surgit pour séduire un vaste public tout en le secouant à qui mieux mieux. Et, surtout, en l’élevant de sa créativité innovante.

Photo: Stéphan Boissonneault

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dance-pop / électro

Palomosa I Fcukers, cool pour le plaisir d’être cool

par Lyle Hendriks

Il y a quelque chose à dire sur la musique qui vous fait vibrer. Quand la combinaison parfaite entre une basse endiablée, des percussions dignes d’une piste de danse et des voix haletantes se met en place, vous pouvez presque fermer les yeux et imaginer que vous venez d’être admis au Berghain ou que vous avez trouvé le chemin du bar clandestin le plus exclusif de New York. 

C’est le cas du groupe électronique new-yorkais Fcukers qui, malgré un succès fulgurant qui ne peut être que le résultat d’un népotisme musical intense, mérite également chaque piste de danse bondée devant laquelle il se produit. Le groupe, mené par la chanteuse Shannon Wise et désormais composé de quatre membres avec batterie, basse et scratchs en live, a ouvert son concert au Palomosa avec le classique moderne Homie Don’t Shake, qui a suscité les acclamations bruyantes d’une foule de plus en plus nombreuse au coucher du soleil. 

Au départ, je voulais être près de la scène pour ce concert, mais mes amis et moi avons rapidement été relégués au fond du site à cause d’une sonorisation vraiment horrible. Mais une fois que nous nous sommes rapprochés de la table de mixage et que nous avons pu entendre autre chose que la grosse caisse qui nous crevait les tympans, ce fut un plaisir, comme toujours, de voir ce groupe louche et sensuel se pavaner sur scène.

Même si le répertoire n’a pas beaucoup changé depuis que je les ai découverts à Osheaga l’année dernière, il était difficile de ne pas danser sur des morceaux comme Bon Bon, Tommy et le tout nouveau Play Me. Franchement, chacune de ces chansons est une ode insipide et droguée à rien, mais l’énergie brute et le côté indéniablement cool des Fcukers font qu’ils resteront l’un de mes premiers choix lorsque je m’emparerai de la sono lors d’une fête.

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électro-pop / électro-punk / électronique / indie

Palomosa I The Hellp est l’incarnation même de l’indie sleeze

par Stephan Boissonneault

The Hellp, un duo électro hyperpunk de Los Angeles composé de Noah Dillon et Chandler Lucy, vêtu de vestes en cuir moulantes, les cheveux courts et gras et portant des lunettes de soleil Oakley, semblait prêt à rendre hommage à un Oasis sordide ou à Julian Casablancas, lorsqu’il est monté sur la scène principale Fizz. L’un d’eux s’occupait du synthé et du sampler, vêtu d’un t-shirt Blink 182, tandis que l’autre s’appuyait sur le pied du micro et tournait quelques boutons sur sa pédale d’effets vocaux, laissant échapper un « WOOOO » chaotique.

La présence scénique des Hellp était empreinte d’une indifférence indie sleaze, comme s’ils étaient trop cool pour être là, et ça leur va bien. Alors qu’ils se lancent dans un hyper pop punk brumeux (un peu dans la veine de Suicide, mais version génération Z), la foule perd complètement la tête. J’ai adoré la façon dont Lucy enfournait sans cesse des cigarettes dans sa bouche tout en jouant avec le sampler, oubliant de les allumer. Ils n’ont joué qu’une heure, mais il a dû en fumer trois, car les nuages de fumée se dissipaient sous les machines à fumée. La seule chanson que j’ai reconnue était Colorado, un morceau absolument entraînant en live avec son sample de guitare rock slacker, et ils l’ont joué à mi-parcours.

Plus tard dans le set, ils ont enchaîné avec un morceau plus récent, qui s’appelait, je crois, Riviera (comme l’indiquaient la toile de fond orange et le mot écrit en Helvetica), à deux reprises. La première fois, le tempo n’était apparemment pas bon, et Dillon n’était pas disposé à l’accepter. J’ai un ami qui adore The Hellp et qui écoute très souvent leur dernier album, LL, qui est très bon, mais avant de les voir en concert, je ne comprenais pas vraiment leur attrait. Maintenant, je peux dire que moi aussi, je « ressens le Colorado ».

Plus tard dans le set, ils se sont lancés dans un morceau plus récent, qui s’appelait, je crois, Riviera (comme l’indiquaient la toile de fond orange et le mot écrit en Helvetica), qu’ils ont joué deux fois. La première fois, ils n’étaient apparemment pas en rythme, et Dillon n’était pas disposé à l’accepter. J’ai un ami qui adore The Hellp et qui écoute très souvent leur dernier album, LL, qui est très bon, mais avant de les voir en concert, je ne comprenais pas vraiment leur attrait. Maintenant, je peux dire que moi aussi, je « ressens le Colorado ».

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électro / électro-pop / électronique

Palomosa I MGNA Crrrta éclot à MTL sur la scène principale

par Stephan Boissonneault

Nous avons été transportés dans les années loufoques des années 2010 lorsque MGNA Crrrta, un duo électro-girl-dance-pop-trash de New York, est monté sur scène pour lancer les activités sur la scène principale de Palomosa. Le technicien du son eut un peu de mal avec le mixage, car les voix étaient extrêmement faibles, rivalisant avec un mur de basses. Injustifiable…

Cela a duré pendant la moitié du set. Mais les deux chanteuses/DJ, Farheen Khan et Ginger Scott, ne semblaient pas perturbées et ont enchaîné les morceaux comme I.C.F.U.H , un acronyme qui apparaissait à plusieurs reprises sur le fond visuel. En écoutant les paroles, on comprend qu’il signifie I Can Fuck You Hard (Je peux te baiser sauvagement), qui est également le nom du site web du duo.

Cette énergie trash et sordide imprégnait le set de MGNA Crrrta, et les visuels, avec leurs flashs sporadiques épileptiques montrant des manoirs tape-à-l’œil ou le duo fumant de l’herbe sur des ponts, correspondaient bien au ton. À mon goût personnel, beaucoup de chansons étaient assez monotones, mais elles dégageaient beaucoup d’énergie et, pour les dernières chansons, des pistolets à bulles. Ils ont bien ouvert le bal pour les pitreries de Palomosa sur la scène principale.

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Palomosa | Y2K, afrobeats et pluie battante : la transe signée Tallandskiinny

par Félicité Couëlle-Brunet

C’est toujours excitant de se promener dans le métro et de repérer, du coin de l’œil, les silhouettes pressées qui prennent la même direction, la ligne jaune en route vers le parc Jean-Drapeau. Tu sens déjà l’adrénaline monter : ce soir, ça se passe pour vrai. Le Palomosa, c’est cet autre moment suspendu où la ville se transforme en piste de danse à ciel ouvert. 

Jeudi soir, c’etait plutôt à ciel couvert… la pluie a fait son retour comme invitée spéciale. Loin de freiner la foule, elle a rendu l’expérience encore plus vibrante. Sous ces cordes de pluie, Tallandskiinny  a enchaîné les beats house, afrobeats, hip-hop, baile funk et autres dancehall, guidant la foule vers la scène où se déchaînait son univers.

Son set était une traversée. Entre la nostalgie Y2K et les grooves brûlants d’afrobeats, SKIINNY a imposé sa présence avec une énergie contagieuse. Elle mixe comme si elle était parmi nous, sur le dancefloor en gazon artificiel, à danser sans retenue. 

Chaque morceau devient un pont vers un souvenir, une époque, une communauté. Plus qu’un style, sa musique respire un mouvement, une manière de vivre. Quand Rihanna a résonné, puis System of a Down, l’effet était saisissant : comme un saut arrière dans le temps, mais réinventé dans le présent. Une mémoire partagée, remixée avec fougue et audace.

Dans l’intimité partagée avec le public, on sent son intention claire : faire danser, toujours. Et ce soir-là, la mission était accomplie. Sous la pluie battante, les corps se sont rapprochés, les sourires se sont allumés, et l’espace s’est transformé en une fête collective, électrisée par les sélections audacieuses de Tallandskiinny.

Palomosa amorçait ainsi son premier anniversaire. Avec elle derrière les platines, on avait l’impression d’assister à une naissance, celle d’un mouvement prêt à grandir.

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Afrique / kora / musique traditionnelle ouest-africaine / saxophone

Les Frères Cissoko, un trio à découvrir sans modération

par Sandra Gasana

On m’avait dit que les concerts des Frères Cissoko étaient toute une expérience et que c’était un MUST de les voir sur scène ! Et bien, c’est maintenant chose faite et je n’ai pas été déçue. Même si certains concerts avec kora peuvent être doux et calmes, cela n’était pas du tout le cas avec cette fratrie originaire du Sénégal. En effet, pour l’occasion, les Frères Cissoko étaient munis de deux koras, jouées par Noumoucounda et Sadio, alors que Fa était aux percussions. Avec eux, il y avait Raphaël Ojo à la batterie, Dauphin Mbuyi à la basse et David Mobio aux claviers.

C’est devant un Balattou quasi rempli que la formation s’est déployée, au grand plaisir des mélomanes qui semblaient être des habitués du trio. Débutant avec deux morceaux énergiques dont Mama Africa, ils ont poursuivi avec un morceau plus calme, au grand bonheur de ceux qui apprécient la kora jouée avec douceur.

« Vous pouvez danser, on est en famille ici ! », nous rappelle Sadio, entre deux chansons. Cela n’est pas entré dans l’oreille d’un sourd puisque plusieurs danseurs se sont succédé sur la piste de danse, entre autres Ginola, un artiste guinéen et deux danseurs professionnels qui faisaient des acrobaties durant le spectacle.

Nous avons également savouré les talents de chanteur de Noumoucounda, celui que tout le monde s’arrache, et qui figure notamment dans le plus récent vidéoclip du rappeur sénégalais Nix. Sa voix qui porte a rempli le Balattou, le faisant vibrer alors qu’il improvisait sous forme de dialogue avec son frère Sadio.

J’ai aperçu plusieurs artistes africains dans la salle, notamment Dicko Fils, du Burkina Faso et Carine au Micro, du Togo. Certains collègues de travail de Fa étaient également venus l’encourager, dansant sur la piste durant le spectacle.

Mon moment coup de cœur de la soirée était bien entendu lorsque le saxophoniste Alain Oyono, qui est dans notre métropole depuis quelques semaines, est monté sur scène à l’invitation des Frères Cissoko. « Je les connais tous très bien » m’a-t-il confessé avant de monter, muni de son instrument. Le mélange entre le saxophone et la kora est tout simplement magique. Ces deux instruments se complètent parfaitement et Alain a ainsi réussi à rajouter sa touche unique au spectacle. Malheureusement, cette magie n’a duré que le temps d’un morceau mais cela nous encouragera à aller suivre cet artiste qui se fait de plus en plus remarquer sur la scène artistique montréalaise. Un choix très judicieux de la part des Frères Cissoko.

Crédit photo: Les Production DO-LA

acid-techno / deep house / électronique

Misstress Barbara, une légende au crépuscule

par Julius Cesaratto

Alors que le soleil teintait le ciel d’une couleur orange vif au-dessus du parc Jean-Drapeau, Misstress Barbara est montée sur la scène principale du Piknic Électronique pour un délicieux set au coucher du soleil. Prenant le contrôle de l’énorme système de son, la légende locale a livré un set hard house et techno percutant qui a duré quatre heures. Dès les premières notes, les percussions roulantes, les scratches et les 808 percutants annonçaient la frénésie à venir.

N’hésitant pas à laisser l’énergie de la piste de danse monter, elle a patiemment fait croître la tension, provoquant des ruptures et des arrêts soudains avant de revenir à un rythme régulier et retentissant. Des voix minimalistes de deep house ont ponctué son set, tandis que l’accent restait fermement mis sur le rythme. Des percussions profondes et des rythmes de samba, ponctués de sifflets et d’intermèdes acid-techo, ont maintenu la musique vivante alors que l’ambiance s’assombrissait avec le coucher du soleil.

Ses gestes chaleureux envers la foule compacte baignée de lumières rouges et bleues témoignaient de son dévouement à ses fans. Fidèle à ses racines, elle a livré toute sa performance sur vinyle, passant d’un morceau à l’autre à un rythme effréné, sans jamais perdre de vue l’ensemble. Le mélange de jeunes ravers et de clubbers expérimentés se reflétait dans sa sélection : une techno audacieuse, équilibrée par des clins d’œil aux sons emblématiques.

Au point culminant de la soirée, Misstress a livré une reprise audacieuse de l’iconique You Spin Me Round de Dead or Alive, soufflant des bisous à la foule qui reprenait les paroles en chœur. Alors que le set touchait à sa fin, elle a continué à mettre le feu : les lumières de la scène scintillaient sur une finale riche en basses acid house.

Misstress Barbara n’a pas seulement tenu ses promesses : elle a rappelé au public pourquoi elle demeure un pilier de la scène dance montréalaise, réunissant les générations sur la piste grâce à sa maîtrise du mixage au vinyle, son énergie débordante et sa présence scénique chaleureuse et désarmante

Photo: Emmanuelle Laurin

americana / country-folk / folk

FME 2025 : Ada Lea profite pleinement de l’été

par Jake Friesen

Dans un café animé reconverti en salle de spectacle, la chanteuse et compositrice montréalaise Ada Lea et son groupe attirent un public calme et attentif. Sa musique est celle d’une douce chanteuse-autrice-compositrice, avec une guitare scintillante, une basse chaleureuse et des percussions terre-à-terre. La voix d’Ada Lea, avec une légère touche western, est aussi chaude et haletante que les derniers soupirs de l’été. 

Pendant le concert, le groupe de la chanteuse reste extrêmement stoïque tandis qu’elle tente nerveusement de faire la conversation avec le public. Cependant, son trac ne se ressent en aucun cas dans sa performance. Elle retrouve facilement ses marques dès que la musique reprend, après une brève interruption dans son paysage sonore.

Elle nous entraîne dans des vignettes de soleil tamisé et de routes poussiéreuses avec des chansons comme Diner. À bien des égards, la performance d’Ada Lea semblait hors norme par rapport à l’exposition de curiosités qu’est le FME. Cela dit, le public qui s’était rassemblé pour elle était unanimement captivé par sa performance sobre et accomplie.

Ada Lea vous invite à prendre place et à profiter des derniers moments précieux de l’été, loin de la cacophonie du festival.

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période romantique / pop

Fête de la Musique 2025 | Le gros party italien de Marc Hervieux

par Frédéric Cardin

Angèle Dubeau le répète souvent : elle écoute le public. Vous pouvez d’ailleurs l’écouter raconter l’anecdote concernant ce concert de Marc Hervieux, donné sur la scène Québécor, ce dimanche soir à Tremblant. Les gens n’avaient pas eu assez du ténor l’an dernier, alors qu’il était venu présenter la pièce Une voix pour être aimée : Maria Callas, avec Sophie Faucher. C’est vrai qu’il n’y chante que très peu. Et Angèle, toujours sur les lieux et prête à recevoir les commentaires des spectateurs, a bien entendu les nombreuses personnes qui lui ont dit : ‘’c’était très beau, mais on espérait entendre Marc chanter plus souvent!’’. C’était l’an dernier. Cette année, Marc est revenu, avec le mandat de rassasier les festivaliers. Rassasier comme dans ‘’festin’’, et un vrai festin ce fût! Un buffet copieux dans un gros party italien, avec chansons napolitaines (et italiennes et siciliennes, précisons) à profusion, entonnées par un maître de cérémonie dans une forme redoutable. Dès son entrée sur scène, Hervieux a galvanisé la foule, tel un Sinatra à la belle époque du Live at the Sands. Et puis les titres impérissables se sont succédés, Volare, Torna a Surriento, Arrivederci Roma, Parla Piu Piano, Core’n’grato, etc., colorés et délivrés avec la maestria d’un connaisseur. Hervieux est totalement dans son élément ici. Pour chaque pièce, une présentation, simple et agrémentée de traits d’humour qui font mouche. Une heure et demie comme ça, et le public en aurait pris le double, je pense bien. Vous me connaissez peut-être : j’aime les musiques copieuses et complexes, voire exigeantes et même expérimentales. Du coup, vous penserez probablement qu’il s’agissait d’un plateau assez ‘’léger’’ pour mon palais sonore habituel. Je vous répondrai que personne, même pas un drôle d’insecte mélomane dans mon genre, ne peut bouder son plaisir et que, qui plus est, il faudrait être d’une monumentale mauvaise foi pour ne pas reconnaître la perfection absolue de ce genre d’entertainment. Quand c’est fait avec tellement de sincérité, d’authenticité et de générosité, on ne peut que s’incliner devant cette réussite sans faille. 

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