OM : Le monde symphonique du cinéma anglais à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

D’Hercule Poirot à Harry Potter, ce concert redonne vie aux personnages anglais qui ont inspiré les plus grandes musiques de film.
Les trames sonores les plus marquantes sont celles qui peuvent vivre par elles-mêmes, sans même avoir besoin du soutien d’une image. Elles prennent vie, deviennent un personnage essentiel du film qu’elles accompagnent, nous replongent directement dans une scène qui nous a marqués.
On y redécouvre les tragédies indémodables de Shakespeare, le thème sinueux de Harry Potter composé par John Williams, les romances de Jane Austen et les aventures de James Bond.

From Hercule Poirot to Harry Potter, this concert brings to life the iconic British characters who inspired some of the greatest film scores.
The most powerful soundtracks can stand alone without any visual support. They come alive, becoming characters in their own right, and hearing a few bars can instantly transport us back to a favourite scene.
Experience timeless Shakespearean tragedies, the world of Harry Potter through John Williams’s evocative theme, the romance of Jane Austen and the high-stakes world of James Bond.

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Blues / Bossa Nova / Brazilian / Jazz

FIJM | Dianne Reeves and Romero Lubambo: An Intimate Duo of Virtuosos

by Michel Labrecque

Dianne Reeves is no longer the jazz flavour of the month. Her last solo album dates back to 2014. This year, all the talk is about Samara Joy, and rightly so. But the Grammy-winning singer of the ’90s and ’00s still has plenty to sing about. She gave us a convincing demonstration of this in a duet with Brazilian-born guitarist Romero Lubambo.

By sheer coincidence, over the past two weeks I’ve been attending a succession of intimate concerts in the immense Place des Arts: Alain Souchon and his sons, Mexican soloist Natalia Lafourcade and now this American-Brazilian duo. It’s like being in a living room … even though it’s huge, but in each case, it’s hit the spot with me.

Dianne Reeves and her classical guitar accomplice began with a total reinterpretation of Fleetwood Mac’s rock fetish “Dreams.” We soon realized that these two people complement each other perfectly. This voice, which climbs three octaves, skating, meditating, whispering and shouting, intertwines with the guitar notes, inspired as much by jazz as bossa nova or blues.

A great admirer of Dianne Reeves, whom I met by chance, confided to me that she never sings a song identically. As for this Romero Lubambo, he’s an outstanding and inventive guitarist.

This concert was undoubtedly marked by Brazil, as we heard versions of Egberto Gismonti, Carlos Lyra, Antonio Carlos Jobim and …Minuano by Pat Metheny. As for the rest, it was Miles Davis and McCoy Tyner, seasoned with two compositions by Madame Reeves: “Tango” and “Nine.”

Dianne Reeves also shared personal slices of life and ended on a political note, sharing her concern about the situation in her country as well as her love for Canada and Canadians. By the end, the vast majority of the 800-strong audience were humming the blues with her, clearly happy.

Now approaching 69, the singer shows no sign of letting up. She will soon be releasing an album with Romero Lubambo and participating in an album with Branford Marsalis, to commemorate the centenary of John Coltrane’s birth.

Please don’t tell me that 69 is old. I’ll reach that age in a few days…

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Blues Rock / boogie-rock / rock n’ roll

Festival International de Jazz de Montréal : George Thorogood & the Destroyers au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Guitariste de blues-rock inspiré par Elmore James, Hound Dog Taylor et Chuck Berry, George Thorogood n’a jamais gagné beaucoup de respect de la part des puristes du blues, mais il est devenu un favori populaire au début des années 80 grâce à une exposition répétée à la radio FM et sur le circuit du rock de stade. La musique de Thorogood était toujours bruyante, simple et directe — ses riffs et ses licks étaient tirés directement du blues de Chicago des années 50 et du rock & roll — mais son approche formule lui a permis de se constituer un large public dans les années 80, période où ses albums atteignaient régulièrement le statut d’or.

A blues-rock guitarist who draws his inspiration from Elmore James, Hound Dog Taylor, and Chuck Berry, George Thorogood never earned much respect from blues purists, but he became a popular favorite in the early ’80s through repeated exposure on FM radio and the arena rock circuit. Thorogood’s music was always loud, simple, and direct — his riffs and licks were taken straight out of ’50s Chicago blues and rock & roll — but his formulaic approach helped him gain a rather large audience in the ’80s, when his albums regularly went gold.

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Bluegrass / boogie-rock / Folk

Festival International de Jazz de Montréal : Tommy Emmanuel au Théâtre Maisonneuve

by Rédaction PAN M 360

Auteur-compositeur et interprète, Tommy Emmanuel est un creuset d’influences de tous les genres, de la pop au bluegrass et du jazz au rock n’ roll. Pour lui, la musique est faite de rythme et d’émotion, toutes les autres distinctions n’ont pas de sens.
Le légendaire artiste qui a ébloui les publics du monde entier, a reçu un Grammy Award, plusieurs ARIA Awards et d’innombrables récompenses, mais rien ne signifie plus pour lui que les trois lettres que Chet Atkins a placées à la fin de son nom : C.G.P. Le titre de Certified Guitar Player était le plus grand honneur qu’Atkins pouvait accorder à un autre guitariste – un signe que le récipiendaire avait non seulement maîtrisé l’instrument, mais qu’il l’avait emmené vers de nouveaux horizons et qu’il était devenu un guide pour la prochaine génération de guitaristes.
Tous ceux qui ont vu Tommy jouer vous le diront : le chanteur est là, tout comme le batteur, le bassiste, le guitariste rythmique et le guitariste principal. D’une manière qu’il faut souvent voir pour le croire, Tommy joue simultanément toutes les parties d’un groupe complet, ses doigts dansant sur le manche avec une dextérité et une rapidité qui sembleraient impossibles si l’on n’en était pas témoin.
La détermination de Tommy à divertir et à émouvoir le public grâce au pouvoir de la musique reste intacte alors qu’il approche de sa septième décennie en tant qu’artiste.

Songwriter and a performer, Tommy Emmanuel is a melting pot of influences across genres, form pop to bluegrass and jazz to rock n’ roll. To him, music is rhythm and emotion, all other distinctions are meaningless.
The legendary entertainer has dazzled audiences across the world. Tommy has a Grammy Award, multiple ARIA Awards and countless accolades, but nothing means more to Tommy than the three letters Chet Atkins designated at the end of Tommy’s name: C.G.P. The title of Certified Guitar Player was the highest honor Atkins could bestow on another player – a signifier that the recipient had not only mastered the instrument but taken it to new vistas and become a guiding light for the next generation of pickers.
Anyone who has seen Tommy play will tell you, the vocalist is there, as is the drummer, the bass player and the rhythm and lead guitarists. In a way that must often be seen to be believed, Tommy plays all the parts of a full band simultaneously, his fingers dancing around the fretboard with a dexterity and speed that would seem impossible if you weren’t witnessing it.
Tommy’s determination to entertain and move audiences through the power of music, remains undimmed as he closes in on his seventh decade as a performer.

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Alternative Rock / folk-punk / Post-Punk

Festival International de Jazz de Montréal : Violent Femmes à la salle Wilfrid-Pelletier

by Rédaction PAN M 360

Violent Femmes s’est formé en 1981 en tant que groupe punk acoustique jouant dans les rues de Milwaukee, dans le Wisconsin. Leurs principales influences à l’époque étaient Gene Vincent and the Blue Caps et The Velvet Underground. Leur objectif est de faire du rock plus fort que n’importe quel autre groupe acoustique de la planète.
Une critique élogieuse dans le New York Times leur a permis de signer un contrat d’enregistrement, ce qui a donné lieu à des tournées dans le monde entier. Le premier album éponyme de Violent Femmes est devenu le premier et le seul album de l’histoire du Billboard à entrer dans les charts avec une certification de platine, huit ans après sa sortie. Au cours des trois décennies suivantes, les Femmes sont devenues un pilier des festivals, des clubs et des théâtres dans plus de 20 pays à travers le monde. L’émission Unplugged de MTV a été inspirée par les Femmes, bien qu’elles n’y aient jamais participé.
Leur son brut et leur perspective lyrique honnête ont été cités comme une influence par des artistes aussi divers que Pink, Keith Urban, The Smiths, The Pixies, John Cusack, Mark Morris et Wim Wenders. Plus de 40 ans après le début de leur carrière, les Violent Femmes continuent d’attirer un jeune public lors de leurs tournées, de créer une musique durable et d’inspirer des personnes de tous âges.

Violent Femmes formed in 1981 as an acoustic punk band playing on the streets of Milwaukee, Wisconsin. Their main influences at that time were Gene Vincent and the Blue Caps and The Velvet Underground. Their goal was to rock harder than any other acoustic act on the planet. After being rejected for an audition by a local nightclub, the Femmes set up outside a Pretenders gig and began to play.
A rave review in the New York Times eventually led to a record deal, which in turn spawned worldwide touring. Violent Femmes eponymous debut album became the first and only album in Billboard history to enter the charts with a platinum certification- eight years after its release.
Over the ensuing three decades, the Femmes became a mainstay of festivals, clubs, and theaters in more than 20 countries worldwide. MTV’s Unplugged show was inspired by the Femmes, although they never actually appeared on it. Their raw sound and honest lyrical perspective has been cited as an influence by artists as diverse as Pink, Keith Urban, The Smiths, The Pixies, John Cusack, Mark Morris, and Wim Wenders. More than 40 years into their careers, Violent Femmes continue to attract young audiences on tour, create lasting music, and inspire people of all ages.

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hommage / Jazz

Festival International de Jazz de Montréal | Gala du centenaire d’Oscar Peterson – Canadiana Suite à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Gala du centenaire d’Oscar Peterson : Canadiana Suite, avec l’Oscar Peterson Centennial Quartet et Jazz Orchestra sous la direction de John Clayton.
Dans le même édifice où le grand Oscar Peterson a donné son dernier concert inoubliable à Montréal, 21 ans plus tard, le Festival International de Jazz de Montréal et les coproducteurs Jim Doxas et Céline Peterson commémoreront fièrement le 100^e anniversaire de Peterson avec une soirée de musique célébrant la carrière de près de sept décennies de l’un des trésors nationaux les plus aimés du Canada.
L’Oscar Peterson Centennial Quartet – Robi Botos, Mike Downes, Jocelyn Gould et Jim Doxas – ouvrira la soirée avec des sélections tirées du vaste catalogue de musique originale de Peterson, ainsi que quelques standards de jazz que les fans d’OP écoutent depuis des décennies. Après cette prestation, l’OPCQ sera rejoint par l’Oscar Peterson Centennial Jazz Orchestra et son directeur invité spécial, le bassiste, compositeur, arrangeur et chef d’orchestre John Clayton, lauréat d’un GRAMMY. La Maison symphonique sera ensuite remplie des sons de la bien-aimée Canadiana Suite de Peterson (arrangée par John Clayton), qui célèbre elle-même son 60^e anniversaire cette année.
La soirée se terminera par un concert final très spécial et la remise du prix Oscar Peterson de cette année par Céline Peterson et un invité surprise.

Oscar Peterson Centennial Gala: Canadiana Suite, featuring the Oscar Peterson Centennial Quartet & Jazz Orchestra, directed by John Clayton.
In the same building where the great Oscar Peterson performed his last unforgettable concert in Montreal, 21 years later, the Festival International de Jazz de Montréal and co-producers Jim Doxas and Céline Peterson will proudly commemorate the occasion of Peterson’s 100^th birthday with a full evening of music celebrating the nearly 7-decade career of one of Canada’s most beloved national treasures.
Featuring a performance from the Oscar Peterson Centennial Quartet — Robi Botos, Mike Downes, Jocelyn Gould, and Jim Doxas — the evening will open with selections from Peterson’s extensive catalogue of original music as well as a few of the jazz standards that OP fans have been listening to for decades. Following this performance, the OPCQ will be joined by the Oscar Peterson Centennial Jazz Orchestra and very special guest director, GRAMMY Award-winning bassist, composer, arranger, and bandleader John Clayton. Maison symphonique will then be filled with the sounds of Peterson’s beloved Canadiana Suite (arr. John Clayton), which itself is celebrating its 60^thanniversary this year.
The evening will conclude with a very special finale performance and the presentation of this year’s Oscar Peterson Award from Céline Peterson and a surprise guest.

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Alternative Rock / Blues / Pop

Festival International de Jazz de Montréal : Mon Laferte à la salle Wilfrid-Pelletier

by Rédaction PAN M 360

En Norma Monserrat Bustamante Laferte vit aussi l’auteure-compositrice-interprète et artiste visuelle latino-américaine Mon Laferte. Une créatrice qui, dans sa musique, évolue naturellement dans une grande variété de genres.
Des influences musicales qu’elle cultive depuis son adolescence dans sa ville natale de Viña del Mar, à ce qu’elle a appris du Mexique, sa seconde patrie depuis 2007, où elle a sorti ses premiers albums de manière indépendante.
Elle compte à ce jour huit albums qui sont le résultat de l’expérimentation et du dépassement de la peur de l’essai et de l’erreur. Tout au long de sa carrière, Mon s’est produite sur des scènes importantes telles que Coachella, Vive Latino, Viña del Mar, Walt Disney Concert Hall, Hollywood Bowl, Lincoln Center, Movistar Arena Chile, Movistar Arena Argentina et l’Auditorio Nacional de Mexico, pour n’en citer que quelques-unes. Elle a obtenu quatre nominations aux Latin GRAMMY® et deux aux GRAMMY®. En vendant des millions d’albums dans le monde entier, Mon Laferte s’est déjà imposée comme l’une des plus importantes auteures-compositrices-interprètes.

Inside Norma Monserrat Bustamante Laferte also lives the Latin American singer-songwriter and visual artist Mon Laferte. A creator who, in her music, moves naturally in a wide variety of genres.
From musical influences that she cultivated since she was a teenager in her native Viña del Mar, to what she has learned from Mexico, her second home since 2007, where she released her first albums independently.
She has eight albums to date which are the result of experimentation and overcoming the fear of trial and error. Throughout her career, Mon has performed at major venues such as Coachella, Vive Latino, Viña del Mar, Walt Disney Concert Hall, Hollywood Bowl, Lincoln Center, Movistar Arena Chile, Movistar Arena Argentina and the Auditorio Nacional in Mexico City, to name a few. She has earned four Latin GRAMMY® and two GRAMMY® nominations. Selling millions of albums worldwide, Mon Laferte has already established herself as one of the most important singer-songwriters.

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dark-rave / DJ set / Techno

SAT : Dômesicle x Homegrown — Matrixxman (US) • Quan (live) • Dileta

by Rédaction PAN M 360

Un Dômesicle en forme de rave signé Homegrown avec Matrixxman, référence des nouvelles heures de la techno, accompagné de Quan, live profesh, et Dileta, résidente du collectif. Boom boom boom boom boom.

A rave-style Domesicle brought to you by Homegrown, featuring Matrixxman—a key figure in the new era of techno—alongside Quan with a pro-level live set, and Dileta, a resident of the collective. Boom boom boom boom boom.

Matrixxman

Alors que la scène techno américaine s’est raréfiée ces dernières années, Charles Duff, alias Matrixxman, s’impose comme une figure incontournable. Son univers sonore, froid et mécanisé, conserve pourtant une chaleur subtile et harmonieuse. Sa musique incarne une étincelle d’humanité dans un monde en marche vers l’automatisation et la singularité technologique. Joué par des figures comme DVS1, Rødhåd, Jeff Mills, Ben Klock, Richie Hawtin ou Levon Vincent, il a également été remixé par des légendes telles que Larry Heard, Silent Servant et The Hieroglyphic Being. Après une série remarquée d’EPs sur Dekmantel, Planet Rhythm et Delft, il sort son premier album chez Ghostly International en 2015.

Amid a scarcity of US techno producers in recent years, Charles Duff, also known as Matrixxman, has emerged as a new force. His sound tends to be cold and mechanised yet still retains an element of warmth and soul. His music is a lone spark of instantiated humanity amid the march toward automata and technological singularity. His music has been played by the likes of DVS1, Rødhåd, Jeff Mills, Ben Klock, Richie Hawtin, and Levon Vincent, and remixed by Larry Heard, Silent Servant, and The Hieroglyphic Being. After a steady output of EPs on labels like Dekmantel, Planet Rhythm, and Delft, he released his first full-length album on Ghostly International in 2015.

Quan

Quan est un producteur de musique électronique vietnamien basé à Montréal depuis 2018. Ancien DJ résident au Savage à Hanoï et directeur technique du festival Equation, il a joué un rôle important dans le développement de la scène électronique vietnamienne et asiatique en général. En 2017, il devient le premier artiste vietnamien à se produire pour Boiler Room Vietnam et entame une tournée à travers l’Asie avec son live set entièrement joué sur du matériel hardware. Installé au Canada, il fonde Quanalog Instruments, une entreprise spécialisée dans la fabrication de synthétiseurs modulaires. Il fait ses débuts au festival MUTEK Montréal, avec lequel il collabore depuis. En 2022, il présente son système personnalisé au salon Superbooth à Berlin, puis donne son premier live européen au mythique Berghain.

Quan is a Vietnamese electronic music producer based in Montreal since 2018. Formerly a resident DJ at Savage in Hanoi and technical manager for Equation festival, significantly contributing to the development of the Vietnamese and broader Asian electronic music scene. He was the first Vietnamese artist at Boiler Room Vietnam in 2017 and toured across Asia with his live hardware set. In Canada, he founded Quanalog Instruments, crafting modular synths. He debuted at MUTEK Montreal and has since collaborated with the festival. In 2022, he showcased his custom system at Superbooth Berlin and performed his European debut live set at Berghain.

Dileta

Dileta est un·e DJ résdent·e de Homegrown Harvest depuis 2019 reconnu·e pour son style à la fois atmosphérique, explosif et imprévisible, joignant d’innombrables sous-genres et époques de musique bass et techno en une structure complexe en constante évolution. Iel a fait ses preuves en ouverture ou fermeture pour des artistes visionnaires tels que DJ Stingray, Objekt, LCY, Batu, re:ni, Mor Elian, Ploy, Darwin, Martyn, Ayesha, Ben UFO, Overland et Nikki Nair, ainsi que dans des sets b2b mémorables avec des légendes locales comme Anabasine, Honeydrip et Lis Dalton.

Resident DJ at the Homegrown Harvest parties since 2019, Dileta is known for their atmospheric, explosive and unpredictable style, fusing numerous subgenres and eras of bass music and techno into an intricate structure in constant flux. They made their mark opening or closing for forward thinking artists like DJ Stingray, Objekt, LCY, Batu, re:ni, Mor Elian, Ploy, Darwin, Martyn, Ayesha, Ben UFO, Overland and Nikki Nair, as well as in memorable b2b sets with local legends like Anabasine, Honeydrip and Lis Dalton.

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Jazz

FIJM | Stella Cole: From Tik Tok to The Biggest Jazz Stages

by Sandra Gasana

For her first appearance at the Festival international de Jazz de Montréal, Stella Cole was accompanied by her equally talented double bassist, drummer and pianist. In front of a packed Studio TD, the New York-based American appeared all dressed in red.

After a purely instrumental first song, she took to the stage and immediately introduced her pianist in the first song, followed by the other musicians in the third and fourth. She gave her musicians space, almost in every song, to do their respective solos, while she mastered her voice perfectly.

“It’s my first time in Montreal, I haven’t seen much of the city yet, but I’ve got all day tomorrow, so if you’ve got any recommendations, I’d love to hear them,” she advises, between songs.

This singer, who became hooked on music thanks to films such as The Wizard of Oz, with which she was obsessed from the age of three, loves to perform the greatest jazz classics. Her voice is so reminiscent of the artists of the ’60s and ’70s that you sometimes feel you’re taking a musical trip back in time to New York. Her covers of “Singing in the Rain,” “It’s Magic,” and “Cry Me a River” are all brilliant, with the instruments sometimes communicating with each other.

Her second album, It’s Magic, is due for release at the end of the summer, but we were treated to one of its tracks, released the day before the show, “Till There Was You,” on Decca Records.

The lighting scheme seemed to go very well with her red outfit, shifting from red to blue, depending on the song and the mood. She alludes to the film Casablanca, which marked her youth, but my favourite moment is her rendition of “I must have done something good.”

“But I want to move here,” she joked, after an audience member offered her a bouquet of flowers after the 2nd song. Well, I must admit that her interpretation of “Perhaps” was remarkable. That said, she doesn’t move much on stage, except to let her musicians shine when she steps aside a little, but other than that, she seems a little shy. One thing’s for sure: this young brunette with a contagious smile charmed the Montreal audience, many of whom queued long and hard to get into the TD Studio free of charge.

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alt-rock / Ska

Festival International de Jazz de Montréal : The Cat Empire au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Le groupe australien plein d’énergie, The Cat Empire, s’est distingué en incorporant et en imitant une multitude de styles, dont le ska, le rocksteady, le jazz latin, le funk, l’afrobeat et le hip-hop. Ils se sont d’abord imposés comme un groupe de scène avant de sortir leur premier album éponyme en 2003, et depuis, leurs albums studio ont régulièrement atteint les sommets des classements ARIA, avec des hits numéro un comme Two Shoes (2005) et Rising with the Sun (2016). Animés par un turntabliste, une section de cuivres et des danseurs, leurs performances ont été documentées à travers une série de sorties live, notamment Live on Earth (2009), un double album enregistré lors de concerts à travers le monde. Le groupe de longue date a célébré ses 20 ans d’activité avec la sortie de Stolen Diamonds (2019), leur sixième album à entrer dans le Top Ten ARIA.

High-spirited Australian band the Cat Empire have set themselves apart by incorporating and emulating a multitude of styles including ska, rocksteady, Latin jazz, funk, Afrobeat, and hip-hop. They established themselves as a live act before they released their self-titled debut album (2003), and since then have regularly hit the upper reaches of the ARIA chart with their studio albums, including the number one hits Two Shoes (2005) and Rising with the Sun (2016). Enlivened by a turntablist, horn section, and dancers, their performances have been documented on a series of secondary live releases, most notably the double-length Live on Earth (2009), drawn from gigs across the planet. The long-running band celebrated 20 years of activity with the release of Stolen Diamonds (2019), their sixth album to debut within the ARIA Top Ten.

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Chamber Pop / Folk / Jazz

Festival International de Jazz de Montréal : Madeleine Peyroux au Théâtre Maisonneuve

by Rédaction PAN M 360

Madeleine Peyroux présente son spectacle Let’s Walk lors d’un passage au Festival International de Jazz de Montréal à l’été 2025.
Let’s Walk est l’œuvre la plus assurée et la plus courageuse de l’auteure-compositrice-interprète à ce jour. Portées par la voix de miel qui l’a fait passer des rues de Paris aux salles de concert, ces dix chansons personnelles, toutes coécrites par la polyvalente Peyroux, mêlent habilement jazz, folk et pop de chambre, avec des thèmes allant de la confession à la politique, de la fantaisie à la nostalgie. À chaque note, Peyroux creuse profondément, rendant cette œuvre exquise avec la grâce désarmante et la gravité d’un artiste au sommet de sa forme!

Madeleine Peyroux presents her show Let’s Walk at the Festival International de Jazz de Montréal in the summer of 2025.
Let’s Walk isthe acclaimed singer-songwriter’s most assured, courageous work to date. Powered by the distinctive, honeyed croon that delivered her from the Paris streets to concert halls, these ten unabashedly personal songs, all co-written by the versatile Peyroux, deftly interweave jazz, folk, and chamber pop, with themes ranging from the confessional to the political, from whimsy to yearning. In every note, Peyroux digs deep, rendering this exquisite work with the disarming grace and gravitas of an artist in peak form!

LES BILLETS POUR CE SPECTACLE SONT ÉPUISÉS!

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Alt-Pop / dream pop / Indie Rock

Festival International de Jazz de Montréal : Men I Trust à la scène TD

by Rédaction PAN M 360

Alliant atmosphères oniriques, accords mélancoliques étendus et grooves dansants à basse fréquence, Men I Trust est né de la collaboration entre Dragos Chiriac et Jessy Caron, alors étudiants en musique à l’Université Laval. Ce projet D.I.Y. originaire de Montréal fait ses débuts discographiques en 2014 avec un premier album éponyme. Si leurs deux premiers disques font appel à plusieurs chanteurs et chanteuses invitées, c’est en 2015 que la chanteuse Emmanuelle Proulx rejoint officiellement le groupe, devenant la voix emblématique de leur univers feutré et introspectif. Leur troisième album, Oncle Jazz (2019), reçoit une large reconnaissance critique et figure sur la longue liste du Prix de musique Polaris 2020. Suivra Untourable Album en 2021, ironiquement accompagné d’une tournée qui consolide leur popularité à l’international. En 2025, le trio propose une nouvelle exploration sonore avec deux albums complémentaires : Equus Asinus et Equus Caballus, confirmant leur goût pour les titres énigmatiques et les compositions à la fois rêveuses et dansantes.

Mixing dreamy atmospheres, wistful extended chords, and funky, low-key dance grooves, Men I Trust is the brainchild of then-Laval University music students Dragos Chiriac and Jessy Caron. The Montreal, Canada D.I.Y. project made its full-length debut with Men I Trust in 2014. While the duo’s first two albums employed a variety of guest vocalists, singer Emmanuelle Proulx has been an official member since 2015. Their third studio album, 2019’s Oncle Jazz, was long-listed for the 2020 Polaris Music Prize. Untourable Album followed in 2021 and was ultimately accompanied by a tour. In 2025, they delivered two companion albums with Equus Asinus and Equus Caballus.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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