La Sala Rossa

chanson keb franco / Folk Pop / Tropicalia

POP Montréal : Unessential Oils + Rémi Gauvin à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Unessential Oils

Unessential Oils est le nouveau projet de Warren Spicer, chanteur du groupe montréalais Plants and Animals. Le projet est inspiré par le jazz, le folk, le Tropicália, Jorge Ben, Daniel Lanois, Miles Davis et plus encore. La musique a été conçue dans un bain. Très ouverte et malléable, elle a été comparée à Alabaster DePlume, Connan Mockasin, Hermanos Gutiérrez et Devendra Banhart.

Unessential Oils is a search for something authentic. Bits and pieces of Warren Spicer’s life’s traumas and weaknesses, successes and breakthroughs, moments of clarity and enlightenment mixed with the mundane and menial. The weight of grief and anger imposed on the joy and ecstatic freedom of new life. “The process was the therapy of working through, the result is more a document than construction, it’s what happened, not what I made happen,” he says.
Warren is widely known as the front-person for Montreal band Plants and Animals and as a producer, engineer and mixer (La Force, Comment Debord, Ludovic Alarie). This is his first solo record, an opportunity to take his collective experience and focus on a singular vision.
The result is an album that’s somewhat like a jazz record in that it’s about the musicians’ performances. Many of the songs are quite minimal in terms of songwriting, but the execution and the playing are very adventurous with room for embellishment and playing around. The songs are filled with small patterns that loop again and again, and the musicians were encouraged to play whatever they want, to react to the music and to each other. The mics were turned up loud and everyone played quietly, complementing Warren’s vocals, which are more conversational in terms of range and volume, almost under-sung. The four backup singers are singing in unison – a hat tip to the backing-vocal style in Brazilian Tropicalía records – gently enveloping the lead vocals.
This isn’t a cerebral record, it’s an emotional one.
Unessential Oils was created with co-producer and keyboardist Christophe Lamarche-Ledoux (Chocolat, Organ Mood, Lesser Evil), bassist Miska Stein (Patrick Watson, Teke Teke, Fhang) and drummer Tommy Crane (Aaron Parks, Martha Wainwright). Tommy’s drumming was crucial to realizing a lot of jazz possibilities on the album. When percussionist Martin Dicham (Sade, Talk Talk, Mark Hollis, Tina Turner) joined the project it was the final piece in the puzzle that let the songs take their full shape. His percussion arrangements and his distinctive Martin Dicham sound helped define the songs in this strongly percussive album.

Rémi Gauvin

Parolier et chanteur montréalais reconnu pour son rôle au sein du groupe comment debord, Rémi Gauvin nous revient cette fois seul sur scène pour dévoiler quelques pièces d’un nouveau projet solo à paraître. Soulignés par la critique, ce sont ici véritablement les textes sensibles et originaux de l’auteur-compositeur-interprète qui sont mis de l’avant. À travers des compositions inédites, il dévoile une œuvre plus intime, nourrie par ses relations et expériences personnelles.
Un spectacle touchant et authentique à ne pas manquer.

Montreal-based songwriter and singer Rémi Gauvin, known for his role in the band Comment Debord, returns to the stage this time alone to unveil a few tracks from a new solo project to be released soon. Critically acclaimed, it is truly the sensitive and original lyrics of the singer-songwriter that are highlighted here. Through new compositions, he unveils a more intimate work, nourished by his personal relationships and experiences.
A touching and authentic show not to be missed.

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art sonore / Electronic / Experimental / Contemporary

Festival Flux : Lancement de festival: BEAM SPLITTER + Anne-F Jacques & Ryoko Akama à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

BEAM SPLITTER

BEAM SPLITTER est un duo de voix amplifiée, trombone et électronique analogique composé de l’artiste vocale Audrey Chen et le tromboniste Henrik Munkeby Nørstebø. BEAM SPLITTER développe un langage personnel et viscéral qui repousse les limites corporelles de leurs instruments, utilisant l’électronique analogique pour contrebalancer leur jeu physique hyper étendu. Partageant un sens commun de la pulsation et une conception innée de la manière dont ils affrontent et abandonnent chaque instant consécutif, ils parviennent à un équilibre entre la fragilité, l’intimité, l’extatique et le contrôle mesuré. BEAM SPLITTER tourne à travers le monde entier depuis 2015, donnant plus de deux cents concerts sur cinq continents, apportant leur style unique de dialogue hautement amplifié, aussi intime que brut et entièrement exposé.

Making their Canadian debut, BEAM SPLITTER is a duo for amplified voice, trombone, and analog electronics formed by vocalist Audrey Chen and trombonist Henrik Munkeby Nørstebø. BEAM SPLITTER’s ecstatic personal language combines highly-amplified and extended vocal and instrumental techniques with analog electronics, crafting raw and visceral physical play that stretches the corporeal limits of the voice and trombone. Sharing a common sense of pulse and an innate understanding of how they confront and abandon each consecutive moment, the duo strikes a captivating balance between fragility, intimacy, ecstasy and measured control. BEAM SPLITTER have been touring globally since 2015, playing over two hundred concerts in a wide variety of spaces and contexts on five continents, bringing their own brand of highly amplified dialog, which is as intimate as it is equal amounts raw and entirely exposed.

Anne-F Jacques & Ryoko Akama

Une performance de deux artistes sonores imaginatives. Anne-F Jacques est une artiste basée à Montréal, s’intéressant à l’amplification, aux interactions obliques entre matériaux et à la construction de divers systèmes idiosyncratiques. Ryoko Akama est une artiste japonaise-coréenne travaillant l’installation, la performance et la composition, résidant à Huddersfield (Royaume-Uni). Anne-F et Ryoko travaillent ensemble depuis 2016, une collaboration basée sur l’échange d’idées absurdes, d’expérimentations ratées ou dangereuses, et d’occasionnelles performances et publications sonores communes.

A performance by two imaginative sound artists. Anne-F Jacques is an artist based in Montreal, interested in amplification, erratic devices and trivial objects. Ryoko Akama is a Japanese-Korean artist working with installation, performance and composition, residing in Huddersfield (UK). Anne-F and Ryoko have been working together since 2016, an ongoing collaboration that involves sharing ridiculous ideas, failed or dangerous experiments, and occasional performances and releases.

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art rock / Gothic / slowcore

POP Montréal : Zola Jesus + Nennen + Slash Need à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Zola Jesus

ZOLA JESUS AKA NIKA EST UNE CHANTEUSE, COMPOSITRICE ET PRODUCTRICE D’ORIGINE AMÉRICAINE. DEPUIS 2008, ELLE A FAIT PARAÎTRE CINQ EP ET SEPT ALBUMS COMPLETS, PRINCIPALEMENT SOUS LA BANNIÈRE L’INSTITUTION AMÉRICAINE QU’EST SACRED BONES.
NIKA A COMMENCÉ À SUIVRE UNE FORMATION DE CHANTEUSE D’OPÉRA À L’ÂGE DE 10 ANS. ELLE S’EST SORTIE DE CETTE FORMATION POUR LANCER, EN 2009, SON ALBUM LO-FI THE SPOILS, DONT ELLE A ENREGISTRÉ LA MAJEURE PARTIE DANS SA CHAMBRE À L’UNIVERSITÉ DE MADISON, ALORS QU’ELLE ÉTAIT ÉTUDIANTE. À LA SORTIE DE L’ALBUM SUIVANT, STRIDULUM, NME L’A DÉCRITE COMME LA « NOUVELLE FIGURE DE PROUE DU GOTHIQUE ». QUELQUES ANNÉES PLUS TARD, LE LA TIMES DÉCRIVAIT ZOLA JESUS COMME « UNE CRÉATRICE SÉRIEUSE ET DÉDIÉE, DOTÉE D’UNE ESTHÉTIQUE SOLIDE, D’UN VOCABULAIRE MUSICAL ÉPOUSTOUFLANT ET D’UNE VISION SÛRE D’ELLE ». LES DEUX PUBLICATIONS ONT EU RAISON. ON DIT DE SA VOIX INIMITABLE QU’ELLE TRAVERSE LE FASCIA DE LA RÉALITÉ.

ZOLA JESUS AKA NIKA IS AN AMERICAN BORN SINGER, SONGWRITER AND PRODUCER. SINCE 2008, SHE HAS RELEASED FIVE EPS AND SEVEN FULL-LENGTH ALBUMS, MAJORATIVELY ON NY INSTITUTION, SACRED BONES.
NIKA BEGAN TRAINING AS AN OPERA SINGER AT THE AGE OF 10. SHE DISMANTLED THAT TRAINING TO DELIVER HER BREAKTHROUGH LO-FI RECORD THE SPOILS IN 2009, MOST OF WHICH SHE RECORDED AS AN UNDERGRAD IN HER ROOM AT UW MADISON. ON THE RELEASE OF HER FOLLOW EP, STRIDULUM, NME DECLARED HER “GOTH’S NEW FIGUREHEAD.” A FEW YEARS LATER, THE LA TIMES DESCRIBED ZOLA JESUS AS, “A FOCUSED, SERIOUS CREATOR WITH A SOLID AESTHETIC, BREATHTAKING MUSICAL VOCABULARY AND A CONFIDENT VISION.” BOTH PUBLICATIONS TURNED OUT TO BE RIGHT. HER UNMISSABLE VOICE IS SAID TO CUT THROUGH THE FASCIA OF REALITY.

Nennen

Quel que soit le nom qu’on lui donne – soft metal peut-être, ou hard folk – la musique de Nennen est faite pour éclairer doucement les coins sombres, pour démêler avec amour les émotions complexes, pour refuser de détourner le regard. You Reflect the Light, le deuxième album complet de Nennen, est un mélange luxuriant, presque luxurieux, d’artisanat d’auteur-compositeur-interprète et d’atmosphère influencée par le slowcore.

Whatever you call it—soft metal maybe, or hard folk—Nennen’s music is made for shining gentle light into dark corners, for lovingly untangling complex emotions, for refusing to look away. You Reflect the Light, Nennen’s second full-length album, is a lush, almost luxuriant mix of singer-songwriter craft and slowcore-inflected atmosphere.

Slash Need

Un dramaturge conflictuel, campé et séduisant. Le groupe torontois d’art performance industriel Slash Need s’est forgé une réputation pour ses performances théâtrales à haute énergie. Le groupe crée des chansons qui glissent, satirisent et crient. Servi cru, le style distinct de Slash Need, composé de techno propulsive et d’ebm métallique, sert de toile de fond à une performance imprévisible, changeante et communautaire.

A confrontational, camp and seductive dramaturge. Toronto’s industrial performance art outfit Slash Need have earned a reputation for putting on high-energy theatrical live performances. The group craft songs that slither, satirize, and scream. Served up raw, Slash Need’s distinct style of propulsive techno and metallic ebm serves as the backdrop to an unpredictable, ever-changing, and communal performance piece.

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Alt-Pop / Indie Folk / Indie Rock

POP Montréal : Hand Habits + Fashion Club + Thanya Iyer à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Hand Habits

Hand Habits, le projet de Meg Duffy (iel), musicien•ne basé•e à Los Angeles, a récemment sorti son nouvel album, Fun House – le plus ambitieux des albums de Hand Habits à ce jour. Produit par Sasami Ashworth (SASAMI) et conçu par Kyle Thomas (King Tuff), l’album n’a pas été conçu en réaction à la pandémie, mais suite à un moment de pause difficile, bien que nécessaire. Encouragé•e par la thérapie et incité•e par son producteur à donner aux chansons des formes nouvelles et inattendues, le résultat est plus personnel et plus aventureux que tout ce qu’on aura entendu de Hand Habits auparavant. Le mélange des styles, associé à des chansons qui se déplacent habilement entre le présent et le passé, donne à l’album une diversité sauvage, une qualité de miroirs, comme son nom l’indique. Alors que les précédents disques de Hand Habits pouvaient être assez insulaires, Fun House est bouillonnant, luxuriant : une conversation pleinement réalisée.

Hand Habits, the project of Los Angeles-based musician Meg Duffy (they/them), recently released their new album Fun House – the most ambitious Hand Habits album to date. Produced by Sasami Ashworth (SASAMI) and engineered by Kyle Thomas (King Tuff), the record was not intended as a reaction to the pandemic, but it was very much the result of taking a difficult, if much-needed, moment of pause. Emboldened by going into therapy and coaxed by Ashworth to push the songs into unexpected new shapes, the resulting music is more acutely personal and stylistically adventurous than anything you’ve heard from Hand Habits before. The push/pull of styles, paired with songs that move deftly between the present and past, give the record a wildly diverse, hall of mirrors quality that befits its name. Where previous Hand Habits records could be fairly insular affairs, Fun House feels ebullient, lush, a fully-realized conversation.

Thanya Iyer

Thanya Iyer; auteure-compositrice-interprète énigmatique au son effervescent avec des accents expérimentaux et pop. Son groupe en spectacle (Pompey, Daniel Gélinas, Emilie Kahn) tisse une toile sonore au teintes autant électroniques qu’acoustiques de façon à entrainer le public dans un état de sérénité où la compassion et un sentiment spirituel semblent se manifester d’eux-mêmes. La groupe a joué toute autour Turtle Island en première partie d’artistes tels que Julia Holter, Land of Talk, Kimya Dawson, Reverend Kristin Michael Hayter, Jeff Parker, et Kevin Drew. Suite à leur deuxième album visuel, “KIND” (2020), qui figurait sur la longue liste du Prix Polaris, le nouveau disque du groupe, TIDE/TIED (Topshelf Records), explore les rythmes de l’identité communautaire, de la guérison et de l’amour dans un monde dissonant.

Thanya Iyer is an enigmatic songwriter whose sparkling, experimental pop music embraces mindfulness, aesthetic beauty, and the interconnectedness of all things. Iyer’s 2025 release, TIDE/TIED, expands on the future-folk of their 2020 Polaris long-listed album, KIND. With washes of jazz-inflected pop and ensemble ambience courtesy of Daniel Gélinas’ meditative drumming, Pompey’s adventurous multi-instrumentalism, and the celestial harp of Emilie Kahn, Thanya Iyer builds a layered musical world that Pitchfork described as “a lucid daydream that’s constantly melting at its edges.”

Fashion Club

Fashion Club est le pseudonyme artistique de Pascal Stevenson, une artiste originaire de Los Angeles qui a initialement conçu ce projet alors qu’elle était en tournée avec son groupe Moaning. Écouter le deuxième album autoproduit de Fashion Club, A Love You Cannot Shake, donne l’impression d’être pris dans le feu croisé d’un faisceau de lumière intense. On ne peut s’empêcher de se sentir à la fois revigoré et exposé lorsque ses lignes de synthé aberrantes, ses cordes artistiques et ses guitares déformées s’amplifient en crescendos plus grands que nature, évoquant un projecteur divin mais pénétrant. On peut se prélasser dans la lueur d’une lumière imposante avec une assurance tranquille, mais il y a aussi quelque chose d’intrinsèquement inconfortable dans une source lumineuse imposante : se dévoiler aux spectateurs (et à soi-même) s’accompagne de divers niveaux d’anxiété et de doute de soi. C’est cette tension qui est au cœur de A Love You Cannot Shake, un album à la luminosité luxuriante et à la portée surnaturelle, où chaque morceau fonctionne comme un royaume scintillant et transportant.

Fashion Club is the recording alias of Los Angeles artist Pascal Stevenson, who originally conceived of the project while on tour with her band Moaning. Listening to Fashion Club’s self-produced second album A Love You Cannot Shake feels like being caught in the crossfire of a profound beam of light. You can’t help but feel both enlivened and exposed as its aberrant synth lines, artful strings and disfigured guitars swell into larger-than-life crescendos, which evoke a divine yet probing spotlight. You can bask in the glow of a towering light with self-assured poise, but there’s also something inherently uncomfortable about an imposing light source—revealing yourself to onlookers (and oneself) comes with varying levels of anxiety and self-doubt. This is the tension at the heart of A Love You Cannot Shake, a record of lush radiance and otherworldly scope, with each track functioning as its own twinkling, transportive realm.

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Alternative Rock / hommage / Post-Punk

Taverne Tour : Les Freaks de Montréal (un bummage à Lucien Francoeur) + Enfants Sauvages à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Enfants Sauvages (21h30)

Dignes rejetons de la planète Basse-Ville élevé.e.s à la distorsion et au rock’n’roll. Mauvais garnements de ruelles, insolents et indomptables, nous crachons au visage un punk-garage-hardcore poétiquement incisif.

Worthy offshoots of the planet Low City, raised on distortion and rock’n’roll. Street-bred troublemakers, insolent and untamable, we spit a poetically incisive punk-garage-hardcore straight in your face.

Les Freaks de Montréal (un bummage à Lucien Francoeur) (22h30)

Le mythique groupe, formé en 1971 change la donne de l’univers musical au Québec avec ses trois albums déferlés entre ’74 et ’76. Une poésie de ruelle, crue, réelle, sur fond de rocaille sophistiquée et cinglante. En 2005, l’ami de longue date Ron McGregor reforme le groupe autour du guitariste OG Jacques Racine et son chanteur/poète Lucien Francoeur. Le collectif étoilé allie des membres de Voïvod, GrimSkunk, Groovy Aardvark, Tricky Woo, entre Aut’ et enregistre Chansons d’Épouvante. Une relecture collaborative des morceaux les plus marquants du répertoire. Ce Best Of servira de célébration vivante entre freaks de toutes générations partout en province pour les quinze années à suivre. 2025. Les Freaks de Montréal se regroupent pour rendre bummage à ses deux capitaines disparus à quelques jours d’intervalle en 2024.. Ils seront accompagnés d’invité.es brillants et scintillants, ‘teindus’ chacun à leur manière par l’influence de la musique et le propos hors piste de ce fauve indomptable du rock québecois, devenu légende.

The mythical band, formed in 1971, changed the course of Quebec’s musical universe with three albums released between ’74 and ’76. Alleyway poetry, raw and real, set against a backdrop of sophisticated, biting rock. In 2005, longtime friend Ron McGregor reformed the band around original guitarist Jacques Racine and its singer/poet Lucien Francoeur. The star-studded collective brought together members of Voïvod, GrimSkunk, Groovy Aardvark, Tricky Woo, Aut’Chose and more, and recorded Chansons d’Épouvante: a collaborative re-reading of the most striking pieces from the catalog. This Best Of became a living celebration among freaks of all generations across the province for the next fifteen years. 2025. The Freaks of Montreal reunite to pay tribute to their two captains, who passed away just days apart in 2024. They will be joined by brilliant, dazzling guests, each marked in their own way by the music and the off-the-rails vision of this untamable beast of Quebec rock, now a legend.

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Avant-Garde / expérimental / contemporain / Post-Minimalist

Suoni 2025 | Bozzini + Sarah Hennies: contrasts in post-minimalism

by Frédéric Cardin

Sarah Hennies is an American percussionist and composer who currently teaches at Bard College in New York State. Suoni per il popolo welcomed her last night in a two-part performance strongly marked by contrasting post-minimalisms.

In the first part, she was accompanied by her colleague Tristan Kasten-Krause on double bass, in a piece that unfolded slowly and built like a dynamic arch. Frictional drones on both double bass and vibraphone (Hennies rubs the keys of the instrument with the bow) open the piece, which is eventually disrupted by the use of objects such as a metal bar, cowbells and other resonant instruments. Then it’s back to the high-pitched rubbing, plunging the Sala Rossa into a bath of intense tinnitus. If Kitty and Puppy had been there, they would have had epileptic fits. That said, I really enjoyed this offering, a kind of study of timbres that are as much fusional as they are clashing.

In the second half, Hennies made way for the Quatuor Bozzini, who performed her score Borrowed Light, a Canadian premiere. A substantial and demanding work lasting an hour, it requires sustained concentration to grasp the subtleties of the transformations created in the endlessly repeated motifs.

To me, the first half seemed to lack breath and discursive purpose. Seduction too. I would have cut a good part of it. In this genre, Morton Feldman does it better, and more poetically. I was just about to give up when the second half-hour gathered momentum and became more interesting, with more dynamic architectural constructions that held the attention better. A friend present at the venue, who is used to the avant-garde and has seasoned ears, thought the opposite: she enjoyed the first half more, the second much less. Of course, I make no claim to the truth.

All in all, an evening of music of mixed quality and pleasure, but of impressive quality nonetheless.

cinéma / Electronic / hommage

Suoni per il Popolo : The Nausea – A Page of Madness + Ritual Purification/ Rencontre Martineau et Singh : Artist Talk à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Plongez dans la brillance troublante du chef-d’œuvre cinématographique muet de Teinosuke Kinugasa, “Une Page Folle” (Kurutta Ippêji, 70 minutes), datant de 1926. Cette œuvre révolutionnaire, coécrite par le lauréat du prix Nobel Yasunari Kawabata, transcende la narration conventionnelle pour explorer le psychisme fracturé des personnes enfermé.e.s dans un asile. Kinugasa, ancien interprète féminin de kabuki, utilise un éventail désorientant de techniques d’avant-garde et expressionnistes, du montage rapide et des perspectives déformées aux séquences oniriques et aux angles de caméra subjectifs, pour plonger le public directement dans la tourmente intérieure des personnages. Le portrait brut et empathique de la détresse mentale, associé à son langage visuel innovant, reste une expérience puissante et troublante.
Le projet d’Anju Singh, The Nausea, fournira une partition live multi-instrumentale, amplifiant l’intensité émotionnelle du film. Percussions, cordes et électronique tisseront une tapisserie sonore, reflétant les dissonances et les nuances du film, et entraînant le public plus profondément dans son paysage psychologique.
La soirée débutera avec RITUAL PURIFICATION (Jarrett Martineau), un artiste autochtone de noise et de drone. S’inspirant des traditions nêhiyaw et denesuline, Martineau crée des paysages sonores ambiants et rituels, mêlant enregistrements de terrain et textures électroniques. Sa performance prépare le terrain pour le voyage intense du film, préparant le public à l’expérience immersive et chargée d’émotion qui suivra.
Cet événement offre une occasion rare de découvrir un jalon cinématographique à travers une lentille sonore contemporaine. Préparez-vous à une nuit de profonde résonance émotionnelle et de son immersif. Après le film et la performance, rejoignez Anju Singh et Jarrett Martineau pour une discussion d’artistes, où ils discuteront de leurs processus créatifs et de l’intersection de leur travail avec la vision cinématographique de Kinugasa.

Delve into the unsettling brilliance of Teinosuke Kinugasa’s 1926 silent film masterpiece, “A Page of Madness” (Kurutta Ippêji, 70 minutes). This groundbreaking work, co-written by Nobel laureate Yasunari Kawabata, transcends conventional narrative to explore the fractured psyche of individuals confined within an asylum. Kinugasa, a former kabuki female impersonator, employs a disorienting array of avant-garde and Expressionist techniques, from rapid montage and distorted perspectives to dreamlike sequences and subjective camera angles, to plunge the audience directly into the characters’ inner turmoil. The film’s raw, empathetic portrayal of mental distress, coupled with its innovative visual language, remains a powerful and unsettling experience.
Anju Singh’s project, The Nausea, will provide a live, multi-instrumental score, amplifying the film’s emotional intensity. Percussion, strings, and electronics will weave a sonic tapestry, mirroring the film’s dissonances and nuances, and drawing the audience deeper into its psychological landscape.
The evening begins with RITUAL PURIFICATION (Jarrett Martineau), an Indigenous noise and drone artist. Drawing from nêhiyaw and Denesuline traditions, Martineau creates ambient, ritualistic soundscapes, blending field recordings and electronic textures. His performance sets the stage for the film’s intense journey, preparing the audience for the immersive and emotionally charged experience that follows.
This event offers a rare opportunity to witness a cinematic landmark through a contemporary sonic lens. Prepare for a night of profound emotional resonance and immersive sound. Following the film and performance, join Anju Singh and Jarrett Martineau for an artist talk, where they will discuss their creative processes and the intersection of their work with Kinugasa’s cinematic vision.

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expérimental / contemporain / percussions

Suoni per il Popolo : Quatuor Bozzini + Sarah Hennies & Tristan Kasten-Krause à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

La percussionniste et compositrice innovatrice Sarah Hennies se produit à Montréal avec son partenaire de duo, le contrebassiste Tristan Kasten-Krause, explorant le « trésor de possibilités que recèle la tranquillité de la perception. Aucun son ne peut être totalement différencié ; aucun instrument ne sonne comme s’il vivait dans son propre monde ». Dans la seconde partie du concert, le Quatuor Bozzini interprète la création canadienne de « Borrowed Light » de Hennies, inspirée d’une technique architecturale consistant à percer des fenêtres dans les murs intérieurs pour « emprunter » la lumière des pièces adjacentes.

Groundbreaking percussionist and composer Sarah Hennies performs in Montreal with her duo partner and double-bassist, Tristan Kasten-Krause, exploring the “treasure trove of possibilities in the quietness of perception. No two sounds can be wholly differentiated; no instrument sounds like it lives in its own world.” In the second half of the concert, Quatuor Bozzini performs the Canadian premiere of Hennies’ “Borrowed Light,” inspired by an architectural technique of building windows in interior walls to ‘borrow’ light from adjacent rooms.

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Avant-Rock / expérimental / contemporain / Experimental / Contemporary / Free Jazz / Noise / Punk

Suoni per il Popolo : SANAM + Radwan Ghazi Moumneh à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Débutez par les paysages sonores expérimentaux de Radwan Ghazi Moumneh, forgés dans l’avant-garde montréalaise et les racines punk, préparant le terrain pour un voyage sonore intense. Ensuite, le mélange brut de rock improvisé et de free jazz de SANAM, exorciste de la tradition arabe, né au milieu de la crise libanaise. Attendez-vous à une nuit où les visions repoussant les frontières se rencontrent.

Begin with Radwan Ghazi Moumneh’s experimental soundscapes, forged in Montreal’s avant-garde and punk roots, setting the stage for an intense sonic journey. Then, SANAM’s raw blend of improvised rock and free jazz, exorcising Arabic tradition, born amidst Lebanon’s crisis. Expect a night where boundary-pushing visions collide.

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classique / Jazz / jeunesse

Suoni per il Popolo : Récital étudiant – Suoni di Piccole Stelle à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

De jeunes élèves (et les jeunes de cœur) en piano, chant et guitare interprètent des morceaux de musique classique, de jazz et de folklore dans le cadre de leur récital de fin d’année. Du studio de Dina Cindrić.

Young (and young at heart) piano, voice and guitar students perform classical, jazz, and folk songs as part of their end-of-year recital. From the studio of Dina Cindrić.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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Free Improvisation / Jazz

Suoni per il Popolo : François Houle – The Secret Lives of Color + Brass Knuckle Sandwich + Open Thread à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Le clarinettiste canadien François Houle présente la première mondiale de “The Secret Lives of Color”, une suite inspirée des écrits de Kassia St. Clair sur la couleur. Houle et son groupe de tournée international — Gordon Grdina (oud/guitares), Myra Melford (piano), Joëlle Léandre (contrebasse) et Gerry Hemingway (batterie) — explorent le spectre des couleurs, établissant des liens historiques avec la musique et tissant de riches tapisseries sonores. Les compositions de Houle se connectent aux humeurs et aux esprits des couleurs, à l’instar de “Mood Indigo” d’Ellington, jetant un pont entre le monde réel et l’imagination. L’œuvre, adaptable à des ensembles de différentes tailles, sera en tournée dans l’Est du Canada en juin 2025. Brass Knuckle Sandwich : une conversation sonore percussive et balayée par le vent entre les improvisatrices canadiennes Marilyn Lerner (piano) et Nicole Rampersaud (trompette). De Melbourne, le quatuor Open Thread (Peggy Lee, Julien Wilson, Theo Carbo, Dylan van der Schyff) tisse des paysages sonores improvisés aux influences éclectiques, entre mélodies et rythmes.

Canadian clarinetist François Houle presents the world premiere of “The Secret Lives of Color,” a suite inspired by Kassia St. Clair’s writing on color. Houle and his international touring band—Gordon Grdina (oud/guitars), Myra Melford (piano), Joëlle Léandre (bass), and Gerry Hemingway (drums)—explore the color spectrum, drawing historical connections to music and weaving rich sonic tapestries. Houle’s compositions connect to the moods and spirits of colors, akin to Ellington’s “Mood Indigo,” bridging the real world and imagination. The work, adaptable for various ensemble sizes, tours Eastern Canada in June 2025. Brass Knuckle Sandwich: a percussive, windswept conversation in sound between Canadian improvisers Marilyn Lerner (piano) and Nicole Rampersaud (trumpet). From Melbourne, the quartet Open Thread (Peggy Lee, Julien Wilson, Theo Carbo, Dylan van der Schyff) weaves improvised soundscapes with eclectic influences, blending melodies and rhythms.

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