Montréal

Alternative / indie rock

POP Montréal : La Force au Rialto Rooftop

par Rédaction PAN M 360

La Force est le projet solo envoûtant d’Ariel Engle, l’une des collaboratrices musicales les plus recherchées au Canada depuis plus de dix ans. Née et établie à Montréal, l’expérience d’Engle s’étend du rock indépendant de Broken Social Scene à la pop québécoise et à l’avant-garde expérimentale, culminant avec ses deux premiers albums solo, La Force (2018) et l’étonnant XO SKELETON (2023). XO SKELETON est le nouvel album souple, constant et étrange de La Force : un mélange de pop envoûtante et de R&B fougueux qui scintille à la croisée de la vie, de la mort et de l’amour. C’est une sorte de bilan : une prise en compte de l’oubli qui encadre une vie, mais aussi du cœur visqueux de l’amour, de la perte, du toucher et du souvenir. En 2018, Engle a lancé La Force, qui a été nominé pour la liste préliminaire du Prix Polaris et a attiré l’attention de Stereogum, du Globe & Mail et de l’émission « Morning Becomes Electric » de NPR, ainsi que d’Aaron Dessner de The National, qui l’a recruté pour figurer sur l’album Big Red Machine (2021) aux côtés de Bon Iver, Taylor Swift, Fleet Foxes et Sharon Van Etten. Engle a également été invité à contribuer aux récents albums de Safia Nolin, l’une des auteures-compositrices-interprètes les plus importantes du Canada français, et de Patrick Watson, qui a utilisé leur collaboration comme premier single de Better In The Shade (2022). Entre-temps, Engle a partagé la scène avec des artistes comme Maggie Rogers, Martha Wainwright et The Barr Brothers.

La Force is the mesmerizing solo project of Ariel Engle, who has spent more than a decade as one of Canada’s most sought-after musical collaborators. Born and based in Montreal, Engle’s experience reaches from Broken Social Scene’s indie rock to Québecois pop and the experimental avant-garde, culminating in her first two solo records, 2018’s La Force, and the astonishing XO SKELETON, released in 2023. XO SKELETON is the supple, steady, uncanny new album by La Force: a mixture of haunted pop and hot-blooded R&B that glistens at the meeting-point between life, death, and love. It is a kind of reckoning: a coming-to-terms with the oblivion that bookends a life, but also the gooey center of love, loss, touch, and memory. In 2018 Engle released La Force, garnering a Polaris Prize long-list nomination and drawing attention from Stereogum, the Globe & Mail, and NPR’s “Morning Becomes Electric,” as well as The National’s Aaron Dessner, who recruited Engle to appear on the 2021 Big Red Machine LP alongside Bon Iver, Taylor Swift, Fleet Foxes and Sharon Van Etten. Engle was also invited to contribute to recent records by Safia Nolin, one of the most important singer-songwriters in French Canada, and Patrick Watson, who used their collaboration as the lead single on 2022’s Better In The Shade. Meanwhile, Engle has shared stages with the likes of Maggie Rogers, Martha Wainwright and The Barr Brothers.

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DJ set / électronique / house

MUTEK : EXPÉRIENCE 3 à l’esplanade Tranquille

par Rédaction PAN M 360

Expérience investit l’esplanade Tranquille, au cœur de Montréal, tous les jours dès 17h avec une programmation gratuite en plein air.
Pensée comme un lieu de passage et de rassemblement, la série propose un large éventail de performances musicales, entre découvertes locales et artistes internationaux.
Elle reflète l’ouverture esthétique du festival et favorise une rencontre naturelle entre les publics, les styles et les rythmes.

MUTEK’s Expérience series takes over l’esplanade Tranquille with free open-air performances every day from 5PM.
Conceived as a gathering place, the series offers a wide range of musical performances, from local discoveries to international artists.
It reflects the festival’s aesthetic openness and encourages a natural meeting point between audiences, styles and rhythms.

Jade Talemann – Cash For Teeth

Jade Telemann est le projet live de musique électronique de l’artiste multidisciplinaire montréalaise Laurie Sévigny-Couture. Né dans le quartier Parc-Extension en 2017, le projet a longtemps évolué dans l’ombre des chambres à coucher, des fêtes d’anniversaire et des pistes de danse nocturnes, avant de se cristalliser en un univers sonore singulier, entre techno minimale, ambient et expérimentations vocales. Ancienne chanteuse de groupes rock et auteure de chansons pop, c’est à Berlin en 2018 que Sévigny-Couture découvre la puissance sensorielle des clubs techno. Marquée par cette révélation, elle revient à Montréal avec une nouvelle envie de créer. Jade Telemann devient un laboratoire scénique où les synthétiseurs analogiques, les voix trafiquées et l’ironie cohabitent avec un sens du rythme brut et évocateur.

Jade Telemann is the live electronic project of Montréal artist Laurie Sévigny-Couture—an alias born in Parc-Extension in 2017 and nurtured quietly in bedrooms, birthday parties, and the occasional after-hours floor. Rooted in ambient, experimental electronics and minimal techno, Telemann’s sound merges brooding rhythms with spoken word textures, melancholic melodies, and an undercurrent of wry theatricality. A longtime performer across genres—from fronting rock bands to writing intimate pop—Sévigny-Couture found a new creative axis in Berlin in 2018, drawn to the euphoric disorientation of hard techno clubs. That memory stayed dormant as she returned to Montréal, slowly shaping Jade Telemann as a vehicle for performative electronic storytelling. Encouraged by friends, she began DJing and producing, letting the persona evolve through sparse yet meaningful appearances.

SXXN

SXXN est le projet électronique de l’artiste canado-libanaise Alex Raja Ven, dont le travail interroge les notions de mémoire, de présence et de perception à travers le son. À partir d’archives personnelles comme des enregistrements de terrain, des textures électroniques et des boucles sur bande, elle compose des paysages sonores introspectifs influencés par l’ambient, la techno minimale et la musique sur bande. Ses œuvres, souvent étendues, explorent la transformation du son par la répétition, l’érosion et le retour altéré. En 2025, elle crée une pièce spatialisée pour haut-parleurs, micro et électronique lors d’une résidence à Music Gallery (Toronto). En 2023, elle collabore à Parallel 03, un instrument web imaginé par Raven Chacon et John Dieterich pour Vancouver New Music.

SXXN is the electronic project of Lebanese-Canadian artist Alex Raja Ven, whose work moves through the blurry territories of memory, presence, and perception. Working with personal sound archives—field recordings, tape loops, electronic textures—Ven crafts atmospheric and emotionally resonant compositions shaped by ambient, minimal techno, and experimental tape music. Her pieces unfold slowly, often durational and spatialized, revealing sonic transformations through repetition, decay, and return. In 2025, she developed a live spatial audio work for loudspeakers, microphone, and electronics during a residency at Toronto’s Music Gallery. In 2023, she collaborated on Parallel 03, a web-based instrument by Raven Chacon and John Dieterich for Vancouver New Music.

Techno Para Dos – Amor

Techno Para Dos est le pseudonyme de Raúl Villamil, producteur, artiste sonore et compositeur basé à Mexico, dont le travail oscille entre la charge émotionnelle de la musique ambient et la physicalité brute des sonorités club expérimentales. Ses compositions se déploient comme des mémoires sonores : intimes, brutes, souvent traversées par la mémoire et des résonances politiques. Dès l’enfance, Villamil perçoit le son comme un outil de préservation et de narration. À seulement quatre ans, il enregistre l’environnement de sa maison sur des cassettes, amorçant une relation précoce avec l’écoute comme geste de mémoire. Élevé au son de la musique de protestation latino-américaine, fasciné par la distorsion et le bruit, il se tourne vers la production numérique à la suite d’un accident qui l’empêche de continuer la guitare à l’adolescence — inaugurant une pratique marquée par le bricolage, la débrouille et une nécessité affective.

Techno para dos is the alias of Raúl Villamil, a Mexico City-based producer, sound artist, and composer whose work straddles the emotional charge of ambient music and the physicality of experimental club sounds. His compositions unfold like sonic memoirs—intimate, raw, and often haunted by memory and political undertones. From early childhood, Villamil was drawn to sound as a medium of preservation and storytelling, recording his home environment on cassette tapes from the age of four. Raised on protest music and enamored with distortion and noise, he found his way to digital production after a hand injury interrupted his teenage guitar practice—marking the beginning of a relationship with technology defined by DIY ethos and emotional necessity.

DELAVELOUR – Paranoid Fantasies

Sous l’alias DELAVELOUR, le projet alter ego de François Lebaron, façonne depuis plus de vingt ans une vision singulière de la musique électronique, entre deep house texturée, techno minimale et grooves hypnotiques. Figure active de la scène montréalaise depuis les années 90, il a contribué à structurer le paysage local en tant que DJ, promoteur et cofondateur de Trigger Recording, le tout premier label électronique indépendant canadien sous licence avec Warner Music. Sa carrière est jalonnée de projets qui ont renforcé le dialogue entre les scènes nord-américaines et européennes.

As DELAVELOUR, Montréal-based artist François Lebaron has spent over two decades developing a refined take on electronic music—blending textured deep house, minimal techno, and hypnotic rhythms. A formative presence in Montréal’s electronic scene since the 1990s, he helped shape the local ecosystem as a DJ, event producer, and co-founder of Trigger Recording—Canada’s first independent electronic label to sign with Warner Music. His work has long served as a bridge between North American and European scenes.

Cleo Leigh – Romance by Design

Figure montante de la scène underground canadienne, Cleo Leigh propose des performances live sculptées à partir de synthétiseurs modulaires et de machines, révélant une narration sonore aussi intime qu’intense. Active depuis 2018 dans la vie nocturne de St. John’s, elle cofonde les clubs LAVI SEKS et STÄMPT, ainsi que la série d’événements Selenium—des projets moteurs dans l’essor d’une scène électronique locale effervescente. Son langage musical, nourri d’expérimentations analogiques et d’un goût pour les textures minimales, puise à la fois dans l’énergie brute de la piste de danse et la subtilité des nappes sonores.

A rising voice in Canada’s underground, Cleo Leigh crafts immersive live performances using modular synthesis and hardware, channeling an emotive and distinctly personal narrative. Rooted in the remote yet vibrant scenes of St. John’s, Cleo Leigh first made her mark by co-founding key nightlife institutions like LAVI SEKS, STÄMPT, and the Selenium event series—laying groundwork for a thriving electronic community in Newfoundland. Her sound is informed by years of crate-digging, analog experimentation, and a love for sonic tension, where minimalism meets rave energy.

DJ set surprise

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alt-folk / bedroom pop / R&B

POP Montréal : Avril Jensen + His His + Wallgrin + Tachie Menson au Quai des brumes

par Rédaction PAN M 360

His His

Aidan Belo, musicien alt-folk basé à Toronto, est un nostalgique. Non pas tant dans le sens où il pense que tout était mieux à une époque révolue, mais dans le sens où il éprouve une profonde curiosité pour le passé et une sensibilité aiguë à l’étrange et insondable mystère que représente le temps qui passe. Un mot portugais permet d’expliquer cela : saudade. « C’est le mot qu’utilisaient les femmes de marins pour décrire ce sentiment pendant que leurs maris étaient partis en mer », explique M. Belo. “Il n’y a pas de traduction directe en anglais, mais c’est comme un désir, une mélancolie, une nostalgie, toutes ces choses réunies. Je veux évoquer ce genre d’émotions”. Ainsi, lorsqu’il a lancé son projet de folk alternatif et expérimental His His à l’automne 2020, il était naturel que le passé (et tous ses éléments constitutifs) soit un personnage, une esthétique et un principe directeur du projet. Belo a construit un studio de fortune dans une vieille grange située dans la ferme familiale de Schomberg, en Ontario, une minuscule communauté agricole située à une heure au nord de Toronto, où le père de Belo s’est installé après avoir immigré du Portugal. Belo a commencé à enregistrer sur place à l’aide d’un magnétophone 4 pistes Tascam Portastudio et, au cours de l’année suivante, il a sorti une série de singles et un premier EP, intitulé Garden Songs, qui date de 2021.

Toronto-based alt-folk musician Aidan Belo is a nostalgic person. Not so much in the sense of thinking everything was better in some way-back-when, but in the sense of carrying a deep curiosity toward the past, and an acute tuning to the strange, unfathomable mystery that is time passing. There’s a Portuguese word that helps to explain this: saudade. “That’s what the wives of sailors would use to describe this feeling while their husbands were gone at sea,” explains Belo. “There’s no direct English translation but it’s like longing, melancholy, nostalgia, all those things bundled up. I want to evoke those kinds of emotions.” So when he started his alternative and experimental folk project His His in the fall of 2020, it was natural that the past (and all its constituent parts) was a character, an aesthetic, and a guiding principle of the project. Belo constructed a makeshift studio in an old barn located on his family’s farm in Schomberg, Ontario, a tiny farming community an hour north of Toronto where Belo’s father landed after immigrating from Portugal. Belo began recording there using a Tascam Portastudio 4-track cassette recorder, and over the next year, he released a string of singles and a debut EP, 2021’s appropriately named Garden Songs.

Wallgrin

WALLGRIN est le projet artistique expérimental pop de la compositrice, chanteuse et violoniste Tegan Wahlgren, basée à Vancouver. S’inspirant de ses origines dans le violon celtique et le chant choral, le son de Wallgrin oscille entre une orchestration riche à base de cordes, une pop rythmée et des arrangements vocaux sophistiqués. Après avoir obtenu un diplôme en composition de musique électroacoustique, le style musical de Wallgrin s’est défini : proche de la pop mais décalé, n’ayant jamais peur d’expérimenter. De leur premier album « Bird/Alien » sorti en 2018 à leur dernier album « Yet Again The Wheel Turns », l’univers de Wallgrin a toujours tourné autour d’images fantastiques et mythologiques. Qualifié d’« artiste innovant qui commence tout juste à déployer ses multiples talents » par CBC Music, et de compositeur « à la hauteur des standards fixés par des visionnaires de l’art-pop comme Björk et Kate Bush » (Northern Transmissions), ses performances live énergiques et brutes l’ont conduit à se produire à Iceland Airwaves (2023), The Great Escape (Royaume-Uni, 2023), Tallinn Music Week (Estonie, 2021) et FOCUS Wales (2021).

WALLGRIN is the experimental art-pop project of Vancouver-based composer, vocalist and violinist Tegan Wahlgren. Drawing from a background in Celtic fiddle and choral singing, Wallgrin’s sound moves between lush string-based orchestration, beat-driven pop and ornate vocal arrangements After completing a degree in electroacoustic music composition, Wallgrin’s songwriting defined itself: pop-adjacent but deviant, never afraid to experiment. From their 2018 debut ‘Bird/Alien’, to their most recent album ‘Yet Again The Wheel Turns’, Wallgrin’s world building has always revolved around fantastical and mythological imagery. Called “an innovative artist who is just starting to flex their myriad skills and talents” by CBC Music, and a songwriter who “measures up to standards set by art-pop visionaries like Björk and Kate Bush” (Northern Transmissions), their spirited and raw live performances have led them to perform at Iceland Airwaves (2023), The Great Escape (UK, 2023), Tallinn Music Week (Estonia, 2021), and FOCUS Wales (2021).

Tachie Menson

Nia Blankson, désormais connue sous le nom de Tachie Menson, est une nouvelle artiste solo. Elle est pianiste classique de métier, mais sa musique originale pourrait être classée dans la catégorie R&B alternatif et indie. Elle a commencé à développer son empreinte musicale avec la sortie de son premier single, « Another Day ».

Nia Blankson, now under the moniker Tachie Menson, is a new solo artist. She is a classical pianist by trade, but her original music could be categorized as alternative R&B, and indie. She has begun developing her musical fingerprint with the release of her first single, “Another Day.”

Avril Jensen

Avril Jensen propose une musique indie pop planante et rocambolesque qui se situe à l’intersection de l’acoustique et de l’électro. En anglais comme en français, la jeune artiste fait de ses chansons de courtes histoires tantôt émouvantes, tantôt désinvoltes. Son initiateur extrait intitulé « Attends (feat. EXKY) » a vu le jour à l’automne 2021. Elle laissait paraître, en avril 2022 un premier EP en carrière, « COLORS » (nommé au GAMIQ 2022 /EP pop), reflétant des expériences vécues tout autant que des essais musicaux. Sa chanson « van gogh » lui permet de remporter le Prix de la Fondation SOCAN – jeune auteur-compositeur canadien. En octobre 2024, l’artiste dévoile son premier album complet « Is Any of This Real? ». Ce premier opus est une immersion dans son monde, où elle décortique avec douceur et sensibilité tous les questionnements qui l’habitent. Toujours en création, la jeune auteure-compositrice-interprète présentera son premier EP francophone à l’automne. Avec une voix douce et envoûtante, elle chante sur des thèmes personnels autant que sur des histoires inventées : nous ouvrant les portes de son univers immersif et inspirant.

Avril Jensen’s soaring, rocambolic indie pop music lies at the intersection of acoustic and electro. In both English and French, the young artist turns her songs into short stories, at times moving, at times flippant. Her first single, “Attends (feat. EXKY)”, was released in autumn 2021. In April 2022, she released her first career EP, “COLORS” (nominated for a GAMIQ 2022 /EP pop award), reflecting her experiences as much as her musical experiments. His song “van gogh” wins him the Prix de la Fondation SOCAN – young Canadian songwriter. In October 2024, the artist unveils his first full-length album, “Is Any of This Real? This first opus is an immersion in her world, in which she gently and sensitively explores all the questions that live within her. Still creating, the young singer-songwriter will present her first French EP in the autumn. With her soft, haunting voice, she sings about personal themes as much as invented stories: opening the doors to her immersive, inspiring universe.

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post-punk / punk / rock expérimental

POP Montréal : TV Erased + The Plastic Waste Band + Stucco + Poolgirl à L’Hémisphère Gauche

par Rédaction PAN M 360

The Plastic Waste Band

The Plastic Waste Band est un groupe de rock expérimental né de la communauté jazz de Montréal, au Canada. C’est un vrai band : des collaborateurs de longue date qui s’envolent dans des improvisations psychédéliques de groupe, portés par des compositions finement ciselées. Guitares électriques, saxophone enflammé, contrebasse percutante et grosses drums évoquent une collision entre Led Zeppelin et le John Coltrane Quartet. À la suite de la sortie de leur premier album éponyme en 2017, le groupe a choisi de verser tous les profits des ventes à des organismes œuvrant pour la protection de l’environnement. Leur deuxième album, Crushed, est paru en septembre 2019 sur l’étiquette montréalaise Florafone Records. Il s’articule autour de la question de créer de l’art face à la destruction inévitable de l’humanité. Revelations EP, sorti en 2020, poursuit ce thème apocalyptique en explorant la beauté qui peut naître de nos propres ruines. Depuis leur tout premier show en 2016, The Plastic Waste Band s’est produit à maintes reprises, notamment au Off Festival de Jazz de Montréal (2018, 2023), au TU Jazz Festival (2019, 2022) ainsi qu’au Festival International de Jazz de Montréal (2023).

The Plastic Waste Band is an experimental rock band born from the jazz community of Montreal, Canada. This is a band in the truest sense: longtime collaborators who fly into psychedelic group improvisations on the wings of finely tuned compositions. Electric guitars, soaring saxophone, thumping acoustic bass, and big drums evoke Led Zeppelin crashing a gig with the John Coltrane Quartet. Following the 2017 release of their self-titled debut album, they chose to donate all proceeds from the album’s sales to charities dedicated to environmental conservation. Their second album, “Crushed,” was released on Montreal label Florafone Records in September 2019. It is centered around the issue of creating art in the face of humanity’s inevitable destruction. “Revelations EP,” released in 2020, builds upon this apocalyptic theme, depicting the beauty that can grow from our own ruins. Since their first show as a band in 2016, The Plastic Waste Band has performed extensively, most notably at the Off Festival de Jazz de Montréal (2018, 2023), TU Jazz Festival (2019, 2022) and the Festival International de Jazz de Montréal (2023).

TV Erased

Il y a une beauté dans l’intensité inébranlable du son du groupe. TV Erased, ce sont des éclats étudiés de bruit de guitare et des nuances post-punk, sur une base de batterie R n B soul et de percussions latino et moyen-orientales. Ce sont ces influences que le groupe assemble pour créer une bête magnifique et originale.

There is beauty in the unwavering intensity of the band’s sound. TV Erased are studied bursts of guitar noise and post-punk shadings, atop a foundation of soulful R n B drumming and Latino and middle-eastern percussion. These are the influences that the band stitches into a beautiful and original beast.

Stucco

Groupe post-punk formé en 2019 à Calgary, en Alberta. Il comprend d’anciens membres de DRI HIEV, Crack Cloud et Body Lens. Le premier album de Stucco a été enregistré à l’automne-hiver 2023 avec Chris Dadge (Alvvays, Chad VanGaalen, Lab Coast) à la tête de la production. L’album est sorti en novembre 2024. Les chansons de Stucco reflètent le tourbillon du consumérisme, du capitalisme et de la technologie, tout en explorant rythmiquement l’angularité de la musique.

A post punk band formed in 2019 from Calgary, AB. Featuring former members of DRI HIEV, Crack Cloud, and Body Lens. Stucco’s debut LP was recorded during the fall/winter of 2023 with Chris Dadge (Alvvays, Chad VanGaalen, Lab Coast) at the helm of production. The album was released in November of 2024. Stucco’s songs reflect the vortex of consumerism, capitalism and technology while carrying out rhythmic explorations into the angularity of music.

Poolgirl

Poolgirl est un groupe de rock alternatif de cinq membres basé à Montréal, au Québec. Combinant des influences riot grrl et punk avec du rock indé mélodique, le groupe joue en concert sans arrêt depuis la sortie du démo « is this it ??? » en janvier 2024. Le plus récent single de Poolgirl, « Triple A », sorti en mai, incarne ce que le groupe fait de mieux : un rock amusant et énergique qui ne se prend pas trop au sérieux. Qu’il s’agisse de concerts en sous-sol ou en plein air, de lancements de magazines ou de festivals, Poolgirl attire toujours une foule d’amis pour danser, s’amuser et chanter (ou crier) avec lui.

Poolgirl is a five piece alternative rock group based in Montreal, QC. Combining riot grrl and punk influences with melodic indie rock, the band has been playing live nonstop since releasing the demo “is this it???” in January 2024. Poolgirl’s most recent single “Triple A”, released in May, embodies what the band does best: fun, energetic rock that doesn’t take itself too seriously. From D.I.Y. basement and outdoor gigs to magazine launches and festivals, Poolgirl consistently brings out a crowd of friends to dance, mosh, and sing (or scream) along.

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chanson keb franco / variété

Garou solo à la Cinquième Salle

par Rédaction PAN M 360

Seul en scène, Garou prend la route avec son piano et sa guitare, tout en s’accompagnant au moyen de diverses technologies.
Garou a fait paraître Un meilleur lendemain en avril 2025, son tout premier album à titre d’auteur-compositeur. L’artiste a pris la plume parce qu’il avait des choses à dire! Le résultat : dix chansons très intimes qui ont été travaillées avant tout pour la scène et qui marquent un nouveau départ, dévoilent une nouvelle vision musicale. Après des années de recherche sonore en résidence dans son studio, son nouveau spectacle Garou solo est une invitation en chansons dans un univers cinématique et théâtral.
Dans une rétrospective autant autobiographique qu’éclectique, il raconte en paroles et en musique cette vie complètement folle, ces expériences extraordinaires, ces moments de solitude en pleine nature, les grandes amitiés et la richesse de l’amour qui l’entourent. Revisitant ainsi plus de 30 ans de carrière, il interprète ses chansons classiques et ses nouvelles pièces dans une mise en scène élégante, soutenue par une scénographie tout en images.

Alone on stage, Garou is back on the road with his piano and guitar, accompanying himself with a variety of technologies.
Garou released Un meilleur lendemain in April 2025, his very first album as a songwriter. The artist picked up the pen because he had things to say! The result: ten deeply personal songs, crafted first and foremost for the stage, marking a fresh start and unveiling a new musical vision. After years of sonic exploration in residence at his studio, his new show Garou solo is an invitation, through song, into a cinematic and theatrical universe.
In this retrospective, at once autobiographical and eclectic, he tells, in words and music, the story of a life both wild and extraordinary: unforgettable experiences, moments of solitude in nature, deep friendships, and the richness of love that surrounds him. Revisiting more than 30 years of career, he performs his classic hits alongside new works in an elegant production enhanced by an image-driven scenography.

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hip-hop alternatif / rap-jazz / soul/R&B

Coup de coeur francophone : Colin Léo et Sensei H à l’Escogriffe Bar Spectacle

par Rédaction PAN M 360

Colin Léo

Colin Léo, c’est un pont vers la sensibilité, vers l’acceptation, c’est un pont asymétrique entre le beau et le laid. Tout juste la vingtaine, chanteur, compositeur, interprète, il marie sonorités hip-hop, jazz et R&B pour engendrer l’un des plus unique et captivant son de la nouvelle vague urbaine de la Métropole. Paru au printemps, son Rideaux blancs, aux airs de Magritte en VHS en vidéo, extension directe de son précédent Becs & Bobos et d’un petit phénomène dans l’espace web titré « Attends », entrelace indie, rap et lo-fi, jetant sur l’amour un regard candide et lumineux.

Colin Léo is a bridge toward sensitivity, toward acceptance, an asymmetrical bridge between beauty and ugliness. Barely in his twenties, singer, songwriter, performer, he blends hip-hop, jazz, and R&B sounds to create one of the most unique and captivating voices of the new urban wave in the Metropolis. Released in the spring, his Rideaux blancs, with the vibe of Magritte on VHS in its video—directly extends his previous Becs & Bobos and a small online phenomenon titled Attends. It intertwines indie, rap, and lo-fi, casting a candid, luminous gaze on love.

Sensei H

Underground, indépendante, Sensei H (Révélation Radio-Canada 2025-2026) s’attache au propos, cherche à s’élever dans l’écriture, dans l’honnêteté et la précision des termes. Puisant de l’univers du théâtre et du documentaire, elle revient avec la volonté ferme de montrer le rap autrement ; faire vivre une expérience hors du commun étant au cœur de l’intention. Après La mort du troisième couplet, un long jeu qui explore l’éclectisme, de la house aux sonorités trap rock en passant par du hip-hop pur, transposé sur scène dans l’acoustique et l’électronique, viendra d’ici peu à nouveau (vu la réédition) L’amour du troisième couplet, un puissant texte initialement paru à l’automne 2024.

Underground and independent, Sensei H (Radio-Canada Revelation 2025-2026) is committed to substance, striving to rise through writing, through honesty and precision of language. Drawing from the worlds of theater and documentary, she returns with a firm will to show rap in a different light; delivering an extraordinary experience lies at the heart of her intention. After La mort du troisième couplet, a full-length record exploring eclecticism, from house to trap rock to pure hip-hop, transposed on stage through both acoustic and electronic arrangements, will soon come once again (thanks to the reissue) L’amour du troisième couplet, a powerful text that first appeared in the fall of 2024.

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Alternative / indie pop / pop-rock

Coup de coeur francophone : Rosie Valland et Maude Loue au Ministère

par Rédaction PAN M 360

Rosie Valland

Partir Avant a une décennie, déjà. Rosie Valland y revient comme on retrace les lignes d’un portrait. Le sien est celui d’une voix incontournable de la scène, tracé par des dizaines de chansons, Nord-Est (2016) et Synchro (2017), salués et décorés, Blue (2020), acclamé en confinement, Emmanuelle (2022), un dernier d’un son nouveau, d’une pop sensible et sophistiquée. Renouant sur scène avec ses complices « originaux », Jesse Mac Cormack et Jean-Philippe Levac, elle revisite ce Partir Avant d’une vulnérabilité immense avec le regard de l’artiste qu’elle est aujourd’hui ; une rencontre sincère et musicalement puissante, avec elle-même, avec ceux.elles qui l’ont vue devenir.

Partir Avant is already a decade old. Rosie Valland revisits it as one might trace the lines of a portrait. Hers is the portrait of an essential voice on the scene, drawn through dozens of songs: Nord-Est (2016) and Synchro (2017), praised and awarded; Blue (2020), acclaimed during lockdown; Emmanuelle (2022), her latest, featuring a new sound, sensitive and sophisticated pop. Reuniting on stage with her original collaborators, Jesse Mac Cormack and Jean-Philippe Levac, she revisits Partir Avant with immense vulnerability, through the eyes of the artist she has become today, a sincere and musically powerful encounter, with herself and with those who have witnessed her growth.

Maude Loue

Longs cheveux châtains sur chemise et jupe légères et roses, le regard humide dans les reflets du soleil entre chien et loup, Maude Loue est un peu fée, un peu sorcière, mais c’est avant tout une enfant douce et sensible qui rêve le jour et danse la nuit. Introspective toujours en mouvement, elle aime les lacs, les friperies de village et les nectarines. Avec une poésie profonde, une pop indie aux accents de rock alternatif, elle peint des images fortes et symboliques, pour les incarner avec élégance et sensualité.

Long chestnut hair over a light pink shirt and skirt, eyes glistening in the sunlight at dusk, Maude Loue is part fairy, part witch, but above all a gentle, sensitive child who dreams by day and dances by night. Always introspective yet in motion, she loves lakes, village thrift shops, and nectarines. With deep poetry and indie pop tinged with alternative rock, she paints vivid, symbolic images and brings them to life with elegance and sensuality.

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chanson keb franco / pop-rock

Coup de coeur francophone : Kourage à la salle Claude-Léveillée

par Rédaction PAN M 360

Énigmatique personnage qui siphonne son inspiration dans son réservoir d’échecs personnels, Kourage fabrique des chansons incarnées, « manie les mots à la manière d’un mime ». Urbaine, mais du Bas-du-Fleuve, populaire, mais pas connue, polie comme dans brillante de cuivres, de cordes et de machines non artificiellement intelligentes, sa musique parle d’amour et de changements de cycles, de la noirceur qui souvent contient de la lumière.

An enigmatic figure who draws inspiration from his reservoir of personal failures, Kourage crafts embodied songs, “handling words like a mime.” Urban, yet from the Bas-du-Fleuve, popular, yet unknown, polished like a brilliance of brass, strings, and non-artificially intelligent machines, his music speaks of love and changing cycles, of the darkness that often contains light.

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Alternative / folk / indie pop

Coup de coeur francophone : Thomé Young et Anaïs Constantin au cabaret Lion d’Or

par Rédaction PAN M 360

Thomé Young

Ça faisait un bon sept, huit ans, facile, qu’on avait entendu parler de Thomé Young — l’alias de Pascal Lejeune, Pointe-Vertois qui se renomme quand y se met à sa joviale poésie d’observation pour en faire des tounes. Ça faisait un bon bout de temps, parce que Lejeune, c’est un gars de projets. Ça fait que sa guitare est restée cinq ans dans son case pendant qu’il bâtissait une maison ou faisait de la construction. Là, il revient avec ses histoires de famille et ses récits régionaux, présenter Dans la vallée, un troisième chantier abouti avec Mico Roy (Les Hôtesses d’Hilaire) et Katrine Noël (Les Hay Babies). Heureux que l’heure du break soit finie.

It had been a good seven or eight years, easily, since we’d heard about Thomé Young — the alias of Pascal Lejeune, a Pointe-Verte native who adopts the name when he dives into his jovial observational poetry to turn it into songs. It had been quite a while, because Lejeune is a guy of projects. His guitar stayed in its case for five years while he built a house or worked in construction. Now he’s back with family stories and regional tales, presenting Dans la vallée, a third fully realized project with Mico Roy (Les Hôtesses d’Hilaire) and Katrine Noël (Les Hay Babies). Glad the break is finally over.

Anaïs Constantin

Anaïs Constantin est fan d’hot-dogs et d’underdogs. Elle célèbre l’absurdité du cosmos et le monde qui s’arrange avec pas grand-chose. Logées quelque part entre celles de Courtney Barnett et de Beau Dommage, ses tounes indie-Québ « pour s’enfoncer en soi avec beaucoup de guitares » carburent à la nostalgie des 2000, réconfortantes comme la friture d’une cantine de bord de route.

Anaïs Constantin is a fan of hot dogs and underdogs. She celebrates the absurdity of the cosmos and the world getting by with very little. Somewhere between Courtney Barnett and Beau Dommage, her Québécois indie tunes “to sink into yourself with lots of guitars” run on 2000s nostalgia, comforting like the fry of a roadside diner.

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dancehall / pop latino / reggaeton

POP Montréal : Isabella Lovestory + Jashim + Lexxicon au Piccolo Rialto

par Rédaction PAN M 360

Isabella Lovestory

Née au Honduras avant de déménager aux États-Unis puis au Canada à 17 ans, Lovestory s’est imposée comme une pionnière, traçant sa propre voie à la croisée de la pop et du reggaeton, faisant d’elle une icône de la musique expérimentale. En 2022, elle s’est fait remarquer avec son premier album, Amor Hardcore, que Pitchfork a qualifié de « ludique, maximaliste et séducteur jusqu’au bout des ongles ». Avec un son reggaeton expérimental influencé à la fois par la trap espagnole et l’électronique gothique, l’œuvre à venir d’Isabella repousse encore plus loin ses limites sonores maximalistes, s’inspirant de ses influences pop des années 2000, de la synth-wave texturée, de ses pairs de la K-pop et des femmes rebelles et sans complexe qu’elle admire, comme Lady Gaga et Kim Gordon de Sonic Youth.

Born in Honduras before moving to the US and then Canada at 17 years old, Lovestory has positioned herself as a trailblazing force paving her own way at the cross-section of pop and reggaeton, making her an icon in experimental music. In 2022, she made her mark with her debut Amor Hardcore, which Pitchfork characterized as “playful, maximalist, and flirtatious to the core.” With an experimental reggaeton sound equally influenced by Spanish trap and goth electronica, Isabella’s forthcoming body of work extends her maximalist sonic experiment even further outside the lines, drawing on her beloved Y2K pop influences, textured synth-wave, her K-pop peers, and the defiant unapologetic women she looks up to, such as Lady Gaga and Sonic Youth’s Kim Gordon.

Jashim

Jashim est un·e artiste musical·e non binaire colombien·ne basé·e à Montréal, issu·e des cultures afro-colombiennes et autochtones d’El Chocó. Installé·e au Canada depuis 2004, iel développe une approche audacieuse du post-reggaeton et des sons latins contemporains.
Figure clé de la scène latinx underground à Montréal, son univers sonore, entre reggaeton déstructuré, textures expérimentales et esthétique cybernétique, a été remarqué par Billboard, Mutants Vol. 2 d’ARCA et Radio-Canada.
Jashim a joué au Boiler Room Toronto et partagé la scène avec Tayhana, Rosa Pistola, ZUTZUT, entre autres. Iel fusionne musique et technologies immersives pour redéfinir le reggaeton du futur, au-delà du club et vers des expériences numériques radicales.

Jashim is a non-binary Colombian music artist based in Montreal, rooted in the Afro-Colombian and Indigenous cultures of El Chocó. Since immigrating to Canada in 2004, their practice has evolved into a bold musical exploration of post-reggaeton and the new era of Latin club sounds.
A pioneer in Montreal’s underground Latinx scene, their hybrid sound, where reggaeton collides with experimental textures and cybernetic aesthetics, has been featured byBillboard, ARCA’s Mutants Vol. 2, and Radio-Canada.
They’ve played at Boiler Room Toronto and shared stages with Tayhana, Rosa Pistola, ZUTZUT, and more. Blending immersive tech and music, Jashim is shaping a futuristic reggaeton narrative that pushes performance beyond the club and into digital and virtual realms.

Lexxicon

Lexxicon est un pionnier du dancehall, réputé pour son mélange unique de Moombahton, Dembow, Reggaeton et de rythmes dancehall entraînants. Lexxicon fait figure de pionnier, entrant dans l’histoire en tant que premier musicien ouvertement gay à sortir un album de reggae/dancehall. Faisant le parallèle avec des figures influentes comme Lil Nas X, il brise les barrières et défend la visibilité des LGBTQ+ dans la musique.

Lexxicon is a trailblazing Dancehall, renowned for his unique infusion of Moombahton, Dembow, Reggaeton and upbeat dancehall rhythms. Lexxicon stands as a pioneer, making history as the first openly gay musician to release a Reggae/Dancehall album. Drawing parallels to influential figures like Lil Nas X he is breaking barriers and championing LGBTQ+ visibility in music.

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DJ set / électronique / techno

SAT : Dômesicle x T.I.T.S — Clara D (BE) • Cori

par Rédaction PAN M 360

Un Dômesicle 100% techno curaté par T.I.T.S avec Clara D l’une des figures (ultra) montantes de la scène Belge et Corinita. High bpm lovers only!

A 100% techno Domesicle curated by T.I.T.S with Clara D, one of the (ultra) rising stars of the Belgian scene, and Corinita. High bpm lovers only!

Clara D

Clara D est une artiste de la scène techno belge qui mélange harmonieusement ses rôles de DJ, de productrice et de peintre pour façonner une identité artistique unique.
 Son son navigue entre grooves bruts et techno profonde et mentale, offrant des performances imprégnées d’une atmosphère hypnotique, équilibrant l’intensité avec une douceur subtile.
 Sa réputation s’est rapidement développée, lui permettant de se produire aux côtés d’artistes tels que Stef Mendesidis, Anetha, Luke Slater, Blue Hour et Hadone. Clara a joué aux platines dans des lieux renommés tels que Fuse, Funke, C12 et Faust (Séoul).

Clara D is an artist in the Belgian techno scene who seamlessly blends her roles as a DJ, producer and painter to shape a unique artistic identity.
 Her sound navigates between raw grooves and deep, mental techno, delivering performances that are imbued with a hypnotic atmosphere, balancing intensity with subtle softness.
 Her reputation has grown swiftly, securing spots alongside artists like Stef Mendesidis, Anetha, Luke Slater, Blue Hour and Hadone. Clara has graced the decks at renowned venues such as Fuse, Funke, C12 and Faust (Seoul).

Cori

Cori, alias Corinita, est l’un des cerveaux de T.I.T.S., un collectif pour les femmes par les femmes centré sur la notion d’élévation de l’entourage à travers une passion pour le dancefloor. Que ce soit à travers son rôle de curatrice d’événements sur la plateforme T.I.T.S ou lorsqu’elle est dj, Cori met en avant les communautés marginalisées avec ses sélections de morceaux et ses événements. Le son de Cori est axé sur les hard kicks, les grooves lourds et les atmosphères sonores ambiantes, avec un accent sur les structures percussives plus complexes. Elle aborde le djing comme quelque chose qui doit être amusant pour être bon. Aucun genre n’est interdit. Aucune règle n’est applicable.

Cori, fka Corinita, is one of the brains behind T.I.T.S., a for women by women collective centered around the notion of uplifting your surroundings through a passion for the dancefloor. Whether it is through her event curator role with the T.I.T.S plateform or when she djs, Cori puts marginalized communities forward with her track selections, bookings and event concepts. Cori’s sound is focused on hard kicks, heavy grooves and ambient sounds atmosphere with an accent on more complex percussive structures. Nonetheless, she approaches djing as something that needs to be fun to be good. No genre is off limits. No rules are applicable.

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alt country / folk / rock n' roll

POP Montréal : HORSEBATH + Clay Hazey + Kelly Elizabeth + Ana Romm à l’Escogriffe Bar Spectacle

par Rédaction PAN M 360

HORSEBATH

HORSEBATH est un groupe nourri par la sérendipité, qui crée une musique brute et aventureuse mêlant alt-country, rock n roll et folk psychédélique. Enraciné dans les paysages ruraux du Canada mais attiré par la route, leur premier album, Another Farewell, capture la tension entre la maison et l’errance, l’amour et la solitude. Réputés pour leurs concerts électrisants et leur approche intrépide et collaborative de l’écriture de chansons, ils créent une musique à la fois intemporelle et profondément personnelle.

HORSEBATH is a band fueled by serendipity, crafting raw, adventurous music that blends alt-country, rock n roll, and psychedelic folk. Rooted in Canada’s rural landscapes but drawn to the open road, their debut album, Another Farewell, captures the tension between home and wanderlust, love and solitude. With a reputation for electrifying live shows and a fearless, collaborative approach to songwriting, they create music that feels both timeless and deeply personal.

Clay Hazey

Clay Hazey fait de la musique country pour les souris des villes. Mélangeant des paroles pleines d’esprit et de cœur avec des voix cassées et des mélodies accrocheuses, il prend ce qu’il veut du country et du western et remplit les blancs à sa guise. Soutenu par un groupe de musiciens montréalais de premier plan, son spectacle passe de valses de bar nostalgiques à des refrains folk-rock hymniques et chantés.
Le premier EP de Hazey s’est classé au palmarès des radios collégiales de la Colombie-Britannique et de Toronto, a fait l’objet d’une rotation intensive sur NorthAmericana de SiriusXM et lui a valu des places au festival NXNE, au Festival sur le Canal et à la vitrine du Mariposa Folk Fest. Il a également été nommé l’un des « artistes émergents qu’il faut voir » par Exclaim. Les 2025 albums de Clay sont ses plus personnels à ce jour, combinant son humour noir caractéristique et son honnêteté canadienne tout en explorant les thèmes de la dépendance, de l’acceptation de soi et des rendements décroissants du romantisme.

Clay Hazey makes country music for city mice. Blending witty, heartfelt lyrics with broken vocals and hooky melodies, he takes what he wants from country and western and fills in the blanks as he pleases. Backed by a band of Montreal heavy hitters, his live show spans from wistful barroom waltzes to anthemic, sing-along folk-rock choruses.
Hazey’s debut EP charted on college radio in BC and Toronto, earned heavy rotation on SiriusXM’s NorthAmericana, and landed him festival spots at NXNE, Festival sur le Canal, and the Mariposa Folk Fest showcase. He was also named one of Exclaim’s “Emerging Artists You Need to See.” Clay’s 2025 releases are his most personal to date, combining his signature dark humour and Canadiana honesty while exploring themes of addiction, self-acceptance, and the diminishing returns of romanticism.

Kelly Elizabeth

Les chansons de Kelly Elizabeth sont aussi intimes qu’une conversation avec un vieil ami. Accompagnée par sa guitare acoustique, sa musique est aussi vulnérable que familière. Le groupe de Kelly joue à Montréal depuis deux ans, notamment en première partie de Why Bonnie en septembre 2024.

Kelly Elizabeth songs are as intimate as a conversation with an old friend. Grounded in acoustic guitar, the songwriting is as vulnerable as it is approachable. Kelly’s band has been performing around Montreal for two years, including an opening set for Why Bonnie in September of 2024.

Ana Romm

Cela fait environ quatre ans que j’écris mon expérience à travers la musique, qui a marqué les étapes et les moments importants de ma vie. Je prévois d’interpréter quelques-unes de mes compositions originales, riches en symboles, en authenticité et en métaphores, ainsi que quelques reprises qui me touchent profondément. Je donne des concerts depuis un certain temps déjà et je trouve très stimulant et inspirant de pouvoir jouer mes chansons, dans l’espoir que ma musique permette aux gens de se reconnecter à leurs propres expériences et sentiments. Je chante aussi souvent avec mon amie Sarah Carnat !

I have been writing my experience through music for about 4 years now and they have highlighted stages and moments of my life. I plan to perform some originals, which are full of symbols, rawness, and metaphors, and also some covers that I connect deeply with. I have been doing shows for a while now and it feels so powerful and inspiring to get to play my songs, in hopes my music will connect people to their own experiences and feelings. I also often sing with my friend Sarah Carnat!

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