Festival international Nuits d’Afrique : The Two au Club Balattou
par Rédaction PAN M 360
Leur musique est aérienne, dépouillée, hors des cartes: « une nasse comme un filet flottant dans une eau chaude et le clair-obscur, au carrefour de plusieurs continents » (24 heures, 2023). Elle s’abreuve aux racines du blues des Mascareignes, qui sent le sel et la terre, aux couleurs créoles de l’océan Indien, avec des arômes de séga et de maloya, soutenus d’une touche de soul. Porté par la voix capiteuse et perforante de Yannick Nanette et le jeu de guitare sensible et incisif de Thierry Jaccard, le binôme, fondé en 2013, qui s’est entre autre produit en première partie de Johnny Halliday et de Ben Harper, affiche une complicité touchante forgée par des années de route et de concerts.
Their music is ethereal, stripped down and unconventional: “a trap like a net floating in warm water between light and shadow, at the crossroads of several continents,” (24 heures, 2023). It is nourished by the roots of Mascarene blues, which carries the scent of salt and earth, and by the Creole hues of the Indian Ocean, infused with the flavours of sega and maloya, and bolstered by a touch of soul. Founded in 2013, the TWO has opened for greats like Johnny Hallyday and Ben Harper, among others. Carried by Yannick Nanette’s heady, piercing voice and Thierry Jaccard’s sensitive, incisive guitar playing, the duo displays a heartwarming rapport forged by years of touring and performing together.
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Laetitia Isambert | De mémoire, Renée Claude à la Cinquième Salle
par Rédaction PAN M 360
Seule en scène entourée de quatre musicien.nes, Laetitia Isambert nous plonge dans l’univers créatif et foisonnant de Renée Claude à travers des archives et des textes inédits. La comédienne et chanteuse nous révèle ainsi une inventivité entravée par une époque qui tenait les femmes à l’écart de la création. Renée Claude a été une transmetteuse de chansons puissantes, qui disaient l’intime, le politique et le collectif. Mais à la fin de sa vie, la maladie d’Alzheimer lui a volé ses souvenirs, brouillant sa mémoire : une tragédie intime, mais aussi symbolique, celle d’une société qui oublie parfois les voix de ses pionnières. Bien que sa carrière ait pris son envol en plein cœur des années 70, décennie des possibles, la liberté de Renée se limitait à son rôle d’interprète. Elle chantait l’émancipation féminine, alors même que cet affranchissement ait été écrit par des hommes.
Singing solo, surrounded by four musicians, Laetitia Isambert immerses us in the creative and abundant universe of Renée Claude through archives and unpublished texts. The actress and singer thereby brings to light an inventiveness hampered by an era that kept women away from the creative process. Renée Claude was a powerful storyteller, whose songs spoke of intimacy, politics, and community. However, at the end of her life, Alzheimer’s disease robbed her of her memories, clouding her mind: a personal tragedy, but also a symbolic one, reflective of a society that sometimes forgets the voices of its pioneering women. Although her career took off in the heart of the 1970s – a decade filled with possibilities – Renée’s freedom was limited to her role as a performer. She sang about women’s emancipation, yet the lyrics about this liberation were written by men.
Gass’Nay est un groupe musical inspiré par les rythmes et les traditions profondes de Madagascar. Porté par une énergie collective, le groupe est formé de musiciens passionnés qui mêlent instruments traditionnels (guitare, grelot, percussions) et arrangements modernes pour offrir une musique vivante, enracinée et universelle. Au-delà des sons, Gass’Nay incarne une mission : faire résonner l’âme de Madagascar au-delà des frontières, à travers des messages d’unité, de joie et d’identité culturelle. En avril 2024, leur participation au Festival International de Cinéma Vues d’Afrique à Montréal a marqué une étape importante dans leur parcours, où ils ont fièrement représenté leur pays dans le cadre d’un échange culturel vibrant. Gass’Nay continue d’explorer les scènes locales et internationales, en portant haut les couleurs de leur île et l’authenticité de leur art.
Gass’Nay is a musical group inspired by the deep rhythms and traditions of Madagascar. Driven by collective energy, the group is made up of passionate musicians who blend traditional instruments (guitar, tambourine, percussion) with modern arrangements to offer vibrant, rooted, and universal music. Beyond the sounds, Gass’Nay embodies a mission: to let the soul of Madagascar resonate beyond borders, with messages of unity, joy, and cultural identity. In April 2024, their participation in the International Film Festival Vues d’Afrique in Montreal marked an important milestone in their journey, where they proudly represented their country as part of a vibrant cultural exchange. Gass’Nay continues to explore local and international stages, proudly showcasing the colors of their island and the authenticity of their art.
Naïka Champaïgne est une artiste haïtienne et queer, multi-instrumentiste et multidisciplinaire, également actrice, modèle et entraîneuse professionnelle, née et élevée à Montréal (Tio’tia:ke). Son univers musical reflète la richesse de son identité et de ses influences, mêlant néo-soul, funk, folk, blues, rock et hip-hop. Passionnée de musique depuis son adolescence, elle a amorcé son parcours à l’école secondaire musicale, où elle a reçu une formation classique en clarinette et en saxophone avant de se tourner vers la composition et l’écriture de ses propres chansons. Peu après, elle fonde le duo Strange Froots avec Mags, développant un style singulier décrit comme de l’« alternative chill-soul ». Son univers riche et éclectique tisse des sonorités multiples à travers des textes poétiques et introspectifs. Après son premier album solo, Painted Imageries, qui explore la narration et l’imaginaire personnel, Naïka prépare la sortie de son deuxième opus, Purple N Blue, prévu pour 2025. AZARA est un projet musical né à Montréal, ville-carrefour où les cultures se croisent et se réinventent. Porté par une âme andalouse et l’énergie créative de la scène montréalaise, le groupe fusionne les traditions du sud de l’Espagne avec les rythmes d’Amérique latine et l’esprit du jazz contemporain. Son univers mêle copla, bolero, rumba flamenca, salsa et flamenco-jazz dans un langage personnel et vibrant. Au cœur d’AZARA, il y a d’abord une volonté claire : raconter des histoires. Chaque chanson est pensée comme un voyage émotionnel. En concert, AZARA offre une expérience immersive et chaleureuse, marquée par l’expressivité du chant, la complicité des musiciens et cette énergie andalouse capable de passer d’une douce mélancolie à une fête ensoleillée. AZARA propose une musique sincère, métissée et profondément habitée, qui célèbre la rencontre des cultures et la vitalité de Montréal.
Naïka Champaïgne is a Haitian and queer multi-instrumentalist and multidisciplinary artist — also an actor, model, and professional trainer — born and raised in Montreal (Tio’tia:ke). Her musical universe reflects the richness of her identity and influences, blending neo-soul, funk, folk, blues, rock, and hip-hop. Passionate about music since her teenage years, she began her journey at a music-focused high school, where she received classical training in clarinet and saxophone before turning to songwriting and composition. Shortly after, she co-founded the duo Strange Froots with Mags, developing a distinctive style described as “alternative chill-soul.” Her eclectic sound weaves together diverse influences through poetic and introspective lyrics. Following her first solo album, Painted Imageries—an exploration of storytelling and personal imagination—Naïka is preparing the release of her second project, Purple N Blue, expected in 2025. AZARA is a musical project born in Montreal, a crossroads city where cultures meet and reinvent themselves. Driven by an Andalusian soul and the creative energy of Montreal’s vibrant music scene, the group fuses the traditions of southern Spain with Latin American rhythms and the spirit of contemporary jazz. Its sound blends copla, bolero, rumba flamenca, salsa, and flamenco-jazz into a personal and expressive musical language. At the heart of AZARA lies a simple yet powerful intention: to tell stories, each song conceived as an emotional journey. On stage, AZARA delivers a warm and immersive experience, marked by expressive vocals, musical chemistry, and that distinctive Andalusian energy that moves effortlessly from gentle melancholy to joyful celebration. The project offers sincere, cross-cultural, and deeply heartfelt music that celebrates both cultural encounters and Montreal’s creative vitality.
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Depuis la sortie du film Harry Potter à l’école des sorciers, il y a 25 ans, l’engouement pour la célèbre série fantastique et ses personnages de Poudlard n’a cessé de croître. Redécouvrez les mélodies légendaires de ces films emblématiques, composées par John Williams. Que vous soyez Serpentard, Gryffondor, Poufsouffle ou Serdaigle, revêtez les couleurs de votre maison et venez vivre cette aventure en famille!
Since the release of the film Harry Potter and the Sorcerer’s Stone 25 years ago, the beloved fantasy series and its Hogwarts characters have continued to captivate audiences. Relive the unforgettable melodies from these iconic films, composed by John Williams. Whether you belong to Slytherin, Gryffindor, Hufflepuff, or Ravenclaw, don your house colours and bring the entire family for this magical adventure!
Syli d’Or : Rooty Naky And The Rootables & Sal de Calle au Balattou
par Rédaction PAN M 360
Formé en 2021 dans la région d’Ottawa-Gatineau, Rooty Naky and the Rootables est un groupe aux sonorités métissées, puisant dans le reggae, la neo soul, l’afrobeats et diverses influences africaines. Mené par Rooty Naky (chanteur et guitariste), le collectif réunit Queen Abi, Howie, Jerry, King David, Chris Leblanc, Blaise et Marco, unis par une même énergie et une vision musicale tournée vers la paix, l’amour et la justice. Depuis leurs débuts, ils se produisent sur de nombreuses scènes locales, notamment au festival de la rue Eddy et à l’Afrofest en 2024, puis au Kichesippi Festival et à l’Afrofest Ottawa en 2025. Leur premier single, SEÏKO, a marqué un tournant, remportant l’adhésion du public. Multilingues, ils chantent en français, anglais et dans plusieurs langues africaines, créant un pont entre cultures et générations. Leur devise, « Humanity First » (L’humanité d’abord), résume leur mission : célébrer la diversité et rappeler que, par-delà les différences, c’est l’humanité qui nous unit tous. Sal de Calle est un collectif musical qui fusionne les rythmes afro-cubains (son, rumba, musique sacrée) avec l’énergie et la liberté du jazz. Réunissant des musiciens de Cuba, du Brésil, de France et du Canada, il crée une musique vibrante où se mêlent chants puissants, percussions envoûtantes et improvisations audacieuses. Chaque performance est une célébration vivante, alliant ferveur rythmique et richesse instrumentale, offrant une expérience à la fois festive et immersive. Au-delà de la danse et du partage, Sal de Calle rend hommage à une histoire profondément marquée par l’héritage afro-descendant, une mémoire de souffrance et de résilience qui a donné naissance à un foisonnement artistique libérateur. À travers cette fusion, le collectif tisse un pont entre tradition et modernité, incarnant la force et la beauté d’une culture en perpétuelle évolution.
Formed in 2021 in the Ottawa-Gatineau area, Rooty Naky and the Rootables blends reggae, neo soul, afrobeats, and a variety of African musical influences. Led by Rooty Naky (singer and guitarist), the band features Queen Abi, Howie, Jerry, King David, Chris Leblanc, Blaise, and Marco—a collective united by a vibrant energy and a shared message of peace, love, and justice. Since their debut, they have performed at numerous local events, including Festival de la rue Eddy and Afrofest in 2024, followed by Kichesippi Festival and Afrofest Ottawa in 2025. Their first single, SEÏKO, was warmly received and marked an important milestone in their musical journey. Multilingual in French, English, and several African languages, they create a universal connection that transcends cultural and linguistic barriers. Their guiding motto, “Humanity First,” encapsulates their vision: celebrating diversity and reminding everyone that, beyond our differences, it is our shared humanity that truly unites us. Sal de Calle is a musical collective that blends Afro-Cuban rhythms (son, rumba, sacred music) with the energy and freedom of jazz. Bringing together musicians from Cuba, Brazil, France, and Canada, the group creates a vibrant sound where powerful vocals, mesmerizing percussion, and bold improvisations come together. Each performance is a dynamic celebration, combining rhythmic intensity with rich instrumentation for a festive and immersive experience. Beyond dance and celebration, Sal de Calle pays tribute to the Afro-descendant heritage, a history of struggle and resilience that has given rise to a powerful artistic expression. Through this fusion, the collective builds a bridge between tradition and modernity, embodying the strength and beauty of an ever-evolving culture.
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Lauréat du Concours OSM en 2022 et du Concours international de piano de Leeds, le Canadien Jaeden Izik-Dzurko amorce une brillante carrière pianistique. Venez l’écouter dans ce concert au format réduit animé par Philippe-Audrey Larrue-St-Jacques, dans le Concerto de Grieg : une œuvre qui séduit par son irrésistible mélange de lyrisme et de vigueur. Laissez-vous ensuite charmer par la féérie de L’Oiseau de feu, dont les somptueuses couleurs orchestrales créent un véritable enchantement sonore.
Canadian pianist Jaeden Izik-Dzurko, who launched a stellar career after winning the 2022 OSM Competition and the Leeds International Piano Competition, takes the stage in this intimate concert hosted by Philippe-Audrey Larrue-St-Jacques. Hear him perform Grieg’s Piano Concerto, a piece known for its captivating mix of lyricism and vigour. Then, allow yourself to be swept away by the enchanting beauty of The Firebird, where lush orchestral colours paint a mesmerizing sonic landscape.
Programme
Edvard Grieg, Concerto pour piano, op. 16 (30 min) Igor Stravinsky, L’Oiseau de feu, Suite pour orchestre (1919) (23 min)
Program
Edvard Grieg, Concerto for Piano, Op. 16 (30 min) Igor Stravinsky, The Firebird, Suite for Orchestra (1919) (23 min)
Ronald Brautigam – Les impromptus de Schubert à la salle Bourgie
par Rédaction PAN M 360
L’un des meilleurs interprètes actuels du pianoforte propose un programme tout Schubert, à l’image de son plus récent disque paru chez BIS. Celui qui fut l’élève du grand Rudolf Serkin est réputé expert dans le répertoire du romantisme naissant et en fait ici la démonstration avec ces Impromptus attachants.
One of the world’s leading fortepianists presents an all-Schubert programme in the wake of his 2024 Schubert sonatas album for BIS Records. Brautigam, who studied under the great Rudolf Serkin, displays his mastery of the early Romantic repertoire by performing Schubert’s beloved Impromptus.
Brett Polegato & Stephen Hargreaves à la salle Bourgie
par Rédaction PAN M 360
La poésie est au cœur de ce concert qui illustre la manière dont les compositeurs puisent leur inspiration dans les textes de grandes femmes de lettres, de la Torontoise Gil Adamson à l’Américaine Emily Dickinson. Leurs mots sont ici portés par le baryton Brett Polegato, renommé pour sa voix brillante et envoûtante.
This vocal recital has poetry at its core. With his brilliant baritone voice, the renowned Brett Polegato sings the words of great women authors from Emily Dickinson to Torontonian Gil Adamson, showing clearly why their poems have inspired composers past and present.
Programme
VAUGHAN WILLIAMS Four Poems by Fredegond Shove (extraits) Julian PHILIPS Swift Partitions (extraits) sur des poèmes d’Emily Dickinson John ESTACIO Création inspirée sur des poèmes de Gil Adamson Matthew RICKETTS Songs for Judith sur des poèmes de Edna St. Vincent Millay
Program
VAUGHAN WILLIAMS Four Poems by Fredegond Shove (excerpts) Julian PHILIPS Swift Partitions (excerpts) on poems by Emily Dickinson John ESTACIO New work inspired by poems by Gil Adamson (premiere) Matthew RICKETTS Songs for Judith on poems by Edna St. Vincent Millay
Intégrale des sonates pour piano de Prokofiev – Concert 2 : Un nouveau classicisme à la salle Bourgie
par Rédaction PAN M 360
L’un des 15 meilleurs pianistes canadiens de tous les temps selon la CBC, David Jalbert nous mène sur le chemin passionnant des sonates pour piano de Prokofiev ! Dans une intégrale en trois concerts-événements, ce projet s’inscrit dans la foulée de ses enregistrements chez ATMA Classique. Entre introspection et virtuosité, romantisme et modernité, ces œuvres reflètent le parcours et la vie de ce compositeur visionnaire.
This concert echoes the performers’ Japanese and European roots—a blend of influences also found in the music of Tōru Takemitsu, an illustrious Japanese composer who was profoundly influenced by Debussy. Spirited and lyrical sonatas by Mozart and Brahms perfectly round out this programme.
Programme
PROKOFIEV Sonate pour piano no 4 en do mineur, op. 29 Sonate pour piano no 2 en ré mineur, op. 14 10 pièces pour piano, op. 12 (extraits) Sonate pour piano no 6 en la majeur, op. 82
Program
PROKOFIEV Piano Sonata No. 4 in C minor, Op. 29 Piano Sonata No. 2 in D minor, Op. 14 Ten Pieces for Piano, Op. 12 (excerpts) Piano Sonata No. 6 in A major, Op. 82
Dans Age of Content, présenté du 27 février au 7 mars 2026 au Théâtre Maisonneuve de la Place des Arts à Montréal, les spectateur.trices sont frappés de plein fouet par un feu roulant d’esthétisme urbain post-industriel. Je peux témoigner de la force de cette création hyper actuelle qui questionne la nature humaine, et ce dans une construction qui va à contresens des développements contemporains.
Fétichisme machiniste
L’intérieur d’un entrepôt industriel. Une voiture entre à travers les rideaux du fond de la scène. Une carcasse de voiture plutôt, un simple squelette téléguidé, sur lequel une première danseuse commencera à lover, jusqu’à une sorte de fétichisme sexuel façon Crash de David Cronenberg. N’y a-t-il pas une sorte de masturbation auto-selfiste chez chaque personne qui cherche à s’approprier un outil (mécanique/électronique) afin de grimper à son sommet? Pourquoi? Attirer l’attention? C’est exactement ce qui arrive. Et quand on invite les autres à admirer ce que nous sommes et ce que nous possédons, on les invite aussi, potentiellement, à vouloir nous l’enlever. Là vous avez compris ce qui s’en vient.
Un autre danseur arrive, veut s’approprier la machine. Combat. D’autres se joignent à la rixe, qui devient une guerre civile. La voiture elle-même danse (ingénieux système hydraulique la faisant tanguer de gauche à droite et d’avant en arrière), sur une musique qui oscille entre l’ambiant électro, le choral céleste et la techno pulsatile. Bravo Pierre Aviat pour éviter de tout noyer dans le beat, sans s’en priver occasionnellement. Ça rend l’ensemble bien plus subtil, plus raffiné, moins littéral. Et absolument pas superficiel.
Finalement, qu’est-ce ici? Une humanité qui s’abaisse devant la mécanique? Qui s’efface devant la technique/culture synthétique du web? C’est ce que l’on devine. Mais il y a peut-être plus aussi. Votre humble chroniqueur a raté la discussion pré-spectacle. Je me permets donc de coucher ici des impressions et des intuitions. Aidé aussi par l’indispensable ‘’+1’’ qui accompagnait ma soirée. Merci Claudia de tes lumières!
Impressions et intuition seront d’ailleurs les principaux recours de la plupart de ceux et celles qui iront voir ce spectacle foudroyant.
Voici donc un premier tableau (il y en aura quatre) disséqué. On est déjà happés. LA(HORDE) est un trio de chorégraphes/artistes de danse qui est à la tête du Ballet national de Marseilles. Vous avez déjà vu ça ailleurs vous, une compagnie de danse classique menée par un trio d’artistes biberonnés à la culture street/geek/platiniste? Alors làa, chapeau pour l’audace. Ça marche fort.
Mais continuons.
Les androïdes et leurs fantasmes
Un deuxième tableau met en scène un premier personnage que l’on identifie rapidement comme un robot. Pas le genre des années 80, un peu trop carré dans ses mouvements. Plutôt les plus récents modèles. Ceux qui s’apprêtent à entrer dans nos maisons, dans nos usines, dans nos restos. Et qui feront un travail semblable au nôtre. Il y a quand même quelque chose de saccadé dans les mouvements, mais avec une plus belle élégance, une sorte de fluidité ponctuée de pulsations vitales, comme des respirations mécaniques. Bref, ledit roboto est rejoint par d’autres, et d’autres. Ils sont partout. Ont-ils remplacés les humains? À savoir. Mais quelque chose se passe : ils commencent à s’ausculter mutuellement, à se ‘’physicaliser’’ ensemble dans des simulacres violents et maladroits d’une sorte d’échanges sexuels.
Au fond de la scène, les rideaux ont laissé place à un décor sombre et brumeux. On est dans Blade Runner, ou comme. Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques? C’est le titre original que Philip K. Dick avait donné à sa nouvelle qui a inspiré le film bien connu (Do Androids Dream of Electric Sheep?). Ici, on se demande s’ils forniquent à l’aide de tiges télescopiques et de cavités huilées au WD-40. Toujours cette musique qui mélange minimalisme, transcendance chorale et beat grondant. Incertitude, donc, mais beauté, séduction, malgré l’étrangeté. Et ça bouge, ça bouillonne d’énergie contenue puis relâchée. On ne peut détourner le regard.
Photo : Blandine SoulagePhoto : Blandine Soulage
Chorégraphier la sexualité
Le troisième tableau laisse un peu plus perplexe, même s’il est fascinant. On se demande si les humains sont revenus ou si ce sont les androïdes qui ont ‘’mutés’’? Bref, poursuivant sur la lancée précédente, on les voit devenir totalement lubriques, dans une sorte d’orgie virtuose, à la fois explicite et anti-vulgaire. J’ai rarement vu telle capacité à évoquer différents actes sexuels, presque pornographiques, avec une si parfaite réussite à le faire dans l’élégance et le respect. Vous devrez le voir pour comprendre.
Extase finale
Le dernier tableau est une sorte d’extase sensorielle qui convoque les yeux (véritable tornade tournoyante chorégraphique) et les oreilles (musique de Philip Glass : The Grid extrait de Koyaanisqatsi). Pendant une quinzaine de minutes qui tournent au buzz collectif et à la transe esthético-spirituelle, les danseurs semblent célébrer la vie de la manière la plus viscérale et exutoire possible, dans une explosion de bonheur.
Victoire de l’humain? De l’humanisme? Ou d’une symbiose devenue parfaite entre la machine et l’organique, ce qu’on appelle le transhumanisme? Peu importe. C’est juste magistral, enlevant, envoûtant, totalement prenant. On est à bout de souffle. On imagine même pas les artistes eux-mêmes.
Age of Content se poursuit jusqu’au 7 mars 2026. Ne manquez surtout pas ça.
Le chef émérite de l’OSM, Kent Nagano, dirige le poignant Requiem allemand de Brahms, tel qu’il fut donné en 1868 à Brême en Allemagne. Cette version historique, présentée pour la toute première fois à l’OSM, intègre des extraits d’œuvres baroques, de la Passion selon St Mathieu de Bach et du Messie de Handel. Ces pièces musicales mettent en perspective l’héritage de Brahms et soulignent le lien du compositeur avec la grande tradition musicale germanique. Une œuvre qui invite à une réflexion profonde sur la vie et la mort. Un rendez-vous musical unique !
OSM Conductor Emeritus Kent Nagano leads a moving performance of Brahms’ A German Requiem, as it was presented in 1868 in Bremen, Germany. Making its debut at the OSM, this historic recreation includes excerpts from Baroque masterpieces such as Bach’s St. Matthew Passion and Handel’s Messiah. These musical selections offer insight into Brahms’ artistic heritage and underscore his profound connection to the rich German musical tradition. This masterpiece invites deep contemplation on life and death, promising a truly exceptional musical journey.
Programme
Johannes Brahms, Un Requiem allemand, sur des textes de l’Écriture sainte, op.45 (version Bremen 1868) Johann Sebastian Bach, Passion selon Saint Mathieu, BWV 244 : « Erbarme dich, mein Gott » Georg Friedrich Handel, Le Messie, HWV 56 (orch. W. A. Mozart) – extraits Œuvres pour violon et orgue de Bach, Tartini et Schumann
Program
Johannes Brahms, A German Requiem, from words of the Holy Scripture, Op. 45 (1868 Bremen version) Johann Sebastian Bach, St. Matthew Passion, BWV 244: “Erbarme dich, mein Gott” (6 min) George Frideric Handel, Messiah, HWV 56 (orch. W. A. Mozart) – excerpts
