classique / jeunesse / période romantique

OSM : Le Carnaval de l’OSM

par Rédaction PAN M 360

Dans ce concert pas comme les autres, rencontrons l’orchestre et les insectes sans en avoir peur! Découvrez l’œuvre, Le Carnaval des insectes du compositeur québécois Maxime Goulet. Chaque court mouvement de l’œuvre mettra en valeur un insecte et un instrument de l’orchestre qui aura l’occasion d’être entendu en tant que soliste. Fourmi, abeille, scarabée et bien d’autres insectes seront évoqués par les timbres des quatre familles de l’orchestre. Et pour compléter la fête, il se pourrait bien que d’autres bibites s’invitent!

In this one-of-a-kind concert, let’s learn about the orchestra and insects without fear! Discover The Carnival of the Insects, a recent work by Quebec composer Maxime Goulet. Each short movement highlights an insect and an orchestra instrument that will have the chance to be heard as a soloist. Ants, bees, beetles, and many other insects will be evoked by the timbres of the four instrument families of the orchestra. To complete the celebration, other bugs might just join in!

Programme

Camille Saint-Saëns, Carnaval des animaux : XIV. Finale (orgue seul) (2 min)
Félix Mendelssohn-Bartholdy, Le songe d’une nuit d’été : Scherzo (5 min)
Maurice Ravel, Ma mère l’Oye, M. 62 : II. Danse du rouet et scène (4 min)
Nicolaï Rimski-Korsakov, Le conte du tsar Saltan, Suite, op. 57 : « Le vol du bourdon » (2 min)
Maxime Goulet, Le carnaval des insectes (20 min)
Camille Saint-Saëns, Symphonie no 3 en do mineur, op. 78, « Avec orgue » : Maestoso (8 min)

Program

Camille Saint-Saëns, The Carnival of the Animals: XIV. Finale (solo organ) (2 min)
Felix Mendelssohn-Bartholdy, A Midsummer Night’s Dream: Scherzo (5 min)
Maurice Ravel, Ma mère l’Oye, M. 62: II. “Danse du rouet et scène” (4 min)
Nikolai Rimsky-Korsakov, The Tale of Tsar Saltan, Suite, Op. 57: “Flight of the Bumblebee” (2 min)
Maxime Goulet, The Carnival of the Insects (20 min)
Camille Saint-Saëns, Symphony No. 3 in C Minor, Op. 78 (“Organ”): Maestoso (8 min)

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funk / música popular brasileira (MPB) / slam

Syli d’Or : CLAIR MC & Auro Moura au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Ousseynou Ndiaye, connu sous le nom de scène Claire Mc, est un artiste polyvalent originaire de Thiès, au Sénégal. Rappeur, poète, danseur de hip-hop et chanteur reggae, il évolue depuis les années 1990 comme figure marquante de la culture urbaine sénégalaise. En 2001, il fonde à Thiès le groupe DENCUKAAYU KANG avec ses frères AMLY et WALY. Leur album Bayi Thi Khel (2006) propulse le collectif sur le devant de la scène grâce à un rap conscient alliant engagement social, poésie et influences slam. En 2010, Claire Mc entame une carrière solo axée sur le slam, où il affine son écriture et son expression poétique. Sacré Meilleur Slameur du Sénégal en 2016, il atteint l’année suivante les demi-finales de la Coupe du Monde de Slam Poésie en France. Il participe ensuite à divers festivals internationaux, du FISH MALI au Rio Poetry Slam au Brésil, jusqu’au Festival International de Slam/Poésie en Acadie (FISPA) en 2019. Installé à Montréal, il poursuit son cheminement artistique au sein du collectif GREFF ART et prépare son prochain album Cicatrice, une œuvre mêlant slam, rap et reggae, où il explore les thèmes de l’identité, de la résilience et de la paix. À travers son parcours, Claire Mc s’impose comme un artiste engagé et poète moderne, portant haut la voix d’une génération consciente entre le Sénégal et le Canada.
Auro Moura est un musicien polyvalent originaire du Brésil, établi à Montréal depuis près de dix ans. Fort de plus de vingt ans d’expérience, il s’impose comme chanteur, auteur-compositeur, producteur de musique et éducateur reconnu. En tant que compositeur, il a participé à la création de quatre albums et d’un EP, tout en mettant son expertise au service du cinéma, de la publicité, de la danse et du théâtre. Depuis son arrivée au Québec, Auro Moura s’attache à promouvoir la musique et la culture brésiliennes, en cofondant notamment le programme musical Les Brasileirinhos et le Chœur Scénique Brésilien, deux initiatives dédiées à la transmission et à la célébration de la culture du Brésil. Sa démarche artistique se distingue par la fusion subtile entre ses racines brésiliennes et des influences musicales internationales, dépassant les clichés du bossa nova ou du samba-reggae pour explorer de nouvelles textures sonores. Ces dernières années, il a consolidé sa présence sur la scène montréalaise. Lauréat d’une bourse de mentorat de Diversité Artistique Montréal (DAM) en 2019, il a également obtenu trois subventions de recherche-création du Conseil des Arts de Montréal (2020, 2021 et 2022), témoignant de la reconnaissance de son apport au paysage culturel local. En 2023, son travail a été mis en lumière dans le cadre du projet Alliance de MAI, confirmant son engagement à faire rayonner la musique brésilienne au Québec tout en affirmant une voix artistique singulière et inspirante.

Ousseynou Ndiaye, known by his stage name Claire Mc, is a versatile artist from Thiès, Senegal. A rapper, poet, hip-hop dancer, and reggae singer, he has been a key figure in Senegal’s urban culture scene since the 1990s. In 2001, he founded the group DENCUKAAYU KANG in Thiès with his brothers AMLY and WALY. Their album Bayi Thi Khel (2006) brought them national recognition through their socially conscious rap, blending poetic expression with slam influences. In 2010, Claire Mc embarked on a solo career focused on slam poetry, refining his lyrical depth and performance style. Named Best Slam Poet of Senegal in 2016, he reached the semifinals of the World Slam Poetry Cup in France the following year. His performances have taken him to major international festivals such as FISH MALI, the Rio Poetry Slam in Brazil, and the International Slam/Poetry Festival in Acadia (FISPA) in 2019. Now based in Montreal, Claire Mc continues to expand his artistic reach with the collective GREFF ART while working on his upcoming album Cicatrice. The project blends slam, rap, and reggae, exploring themes of identity, resilience, and peace. Through his art, Claire Mc stands out as a committed and authentic voice, bridging cultures between Senegal and Canada while championing poetic and conscious expression.
Auro Moura is a versatile musician from Brazil who has been based in Montreal for nearly ten years. With over two decades of experience, he has established himself as a respected singer, songwriter, music producer, and educator. As a composer, he has contributed to the creation of four albums and one EP, while lending his musical expertise to film, advertising, dance, and theatre. Since moving to Quebec, Auro Moura has been dedicated to promoting Brazilian music and culture, co-founding the musical program Les Brasileirinhos and the Chœur Scénique Brésilien — two initiatives that celebrate and share the richness of Brazilian cultural heritage. His artistic approach stands out for its subtle blending of Brazilian roots with international musical influences, moving beyond the familiar boundaries of bossa nova or samba-reggae to explore new sonic landscapes. In recent years, Auro Moura has strengthened his presence in Montreal’s arts scene. A recipient of a mentorship grant from Diversité Artistique Montréal (DAM) in 2019, he also received three consecutive research-creation grants from the Conseil des Arts de Montréal (2020, 2021, and 2022), recognizing his ongoing contribution to the local cultural landscape. In 2023, his work was highlighted through the Alliance project by MAI (Montréal, arts interculturels), affirming his commitment to promoting Brazilian music in Quebec while asserting a unique and inspiring artistic voice.

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immersif / musique contemporaine

Code d’accès : Battements à la Chapelle Saint-Louis de l’église Saint-Jean-Baptiste

par Rédaction PAN M 360

Battements est un concert de musique acoustique regroupant des pièces qui explorent les notions musicales de l’intonation ou de l’évolution des timbres à travers une œuvre.
« Rimes défaites par le Sphinx » est un projet de chansons en « intonation juste » pour deux voix et deux guitares à intonation juste (selon la conception de Simon Martin). Lorsque nous écoutons des sons (les sons de la musique, les sons de la vie), nous les entendons à travers le prisme de la culture. Comment libérer notre oreille du trop connu, en se laissant porter par le charme de l’inconnu? Peut-être par des chansons (forme trop connue!) chantées dans un tempérament inhabituel bien qu’enivrant?
« Tracé, Fossile » est inspirée par la lente minéralisation d’une matière organique. Par une métamorphose graduelle depuis les sons fluides jusqu’aux textures rugueuses, cette pièce est conçue comme le résumé d’un procédé de fossilisation s’étendant sur plusieurs ères géologiques. À travers l’augmentation progressive de la densité et la raréfaction graduelle du mouvement, à la fois temporel et physique, « Tracé, Fossile » constitue une réflexion, voire une méditation, sur le devenir de la matière.
À la fin de chaque concert, les discussions post-spectacle permettent aux spectateur[trice]s de poser leurs questions aux artistes. Ceci permet au public de mieux comprendre les œuvres présentées et les démarches artistiques des artistes programmé[e]s dans une perspective d’échange, de partage et de démocratisation des œuvres musicales contemporaines.

“Battements” is an instrumental music concert that will take advantage of the magnificent acoustics of the Chapelle Saint-Louis. Bringing together pieces that explore the very essence of sound, such as intonation and timbre, this instrumental concert is sure to charm and intrigue alike.
“Rimes défaites par le Sphinx” is a project of songs in “just intonation” for two voices and two guitars in just intonation (according to Simon Martin’s design). When we listen to sounds (the sounds of music, the sounds of life), we hear them through the prism of culture. How can we free our ears from the overly familiar and let ourselves be carried away by the charm of the unknown? Perhaps through songs (an overly familiar form!) sung in an unusual yet intoxicating temperament?
“Tracé, Fossile” is inspired by the slow mineralization of organic matter. Through a gradual metamorphosis from fluid sounds to rough textures, this piece is conceived as a summary of a fossilization process spanning several geological eras. Through the progressive increase in density and the gradual rarefaction of movement, both temporal and physical, “Tracé, Fossile” constitutes a reflection, even a meditation, on the future of matter.
At the end of each concert, post-show discussions allow spectators to ask the artists their questions. This allows the public a better understanding of the works presented and the artistic approaches of the artists programmed with a perspective of exchange, sharing and democratization of contemporary musical works.

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big band / Classe de maître / jazz

Le Big Band de l’UdeM reçoit le pianiste Hilario Durán à la salle Claude-Champagne

par Rédaction PAN M 360

Le Big Band de l’UdeM aura la chance de se produire aux côtés du pianiste cubain de renommée internationale Hilario Durán. Ayant immigré au Canada à la fin des années 1990, Hilario Durán est un musicien célébré tant sur la scène canadienne que cubaine, récipiendaire de plusieurs prix. Durant son impressionnante carrière, il a joué aux côtés de sommités du jazz telles Chucho Valdés, Dizzy Gillespie et Michel Legrand, et a fondé sa propre maison de production nommée Es mi musica Productions. En plus de prendre part au concert sous la direction de João Lenhari, Hilario Durán animera un cours de maître présenté gratuitement le 25 mars 2026, permettant tant aux musiciennes et musiciens qu’au grand public d’en apprendre davantage sur son art.

The UdeM Big Band will have the opportunity to perform alongside internationally renowned Cuban pianist Hilario Durán. Having immigrated to Canada in the late 1990s, Hilario Durán is a highly celebrated musician on both the Canadian and Cuban music scenes and a recipient of numerous awards. Over the course of his remarkable career, he has performed with jazz legends such as Chucho Valdés, Dizzy Gillespie, and Michel Legrand, and founded his own production company, Es mi musica Productions. In addition to taking part in the concert under the direction of João Lenhari, Hilario Durán will lead a free master class on March 25, 2026, offering musicians and the general public alike a unique opportunity to learn more about his artistry.

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pop / rock / zouk

Syli d’Or : Véronique Délice & Numidz au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Auteure-compositrice et interprète, Véronique Délice explore à travers sa musique les dimensions spirituelles et intimes de l’existence. Avec une voix enveloppante et une présence transcendante, Véronique Délice incarne la musique. La chanteuse canadienne d’origine camerounaise invite le public à un voyage sensible, où la voix devient espace de refuge et de guérison. Portée par des sonorités gospel et des textes inspirés de son vécu, Véronique Délice transforme la musique en langage de lumière. Sa démarche artistique est ainsi conçue comme un acte de foi et de partage, où ses mélodies et ses paroles, à la fois sublimes, puissantes et profondément inspirantes, élèvent l’âme et touchent le cœur.
Né d’un coup de tête inspiré dans les rues vibrantes de Montréal en 2023, Numidz s’est formé à l’occasion des Syli d’Or. Kabyles d’origine, les membres puisent dans leurs racines nord-africaines pour créer une musique où les rythmes traditionnels et groovy rencontrent l’énergie de la scène occidentale. Ce mélange authentique et festif donne naissance à un son unique, à la fois puissant, dansant et profondément rassembleur. Grâce à cette identité musicale métissée, le groupe a rapidement attiré l’attention, jusqu’à avoir l’honneur de se produire au prestigieux Festival International Nuits d’Afrique. Porté par la passion, l’improvisation et la joie de partager leur culture, Numidz continue de faire vibrer le public avec une musique qui traverse les frontières et les cœurs.

Singer-songwriter Véronique Délice explores the spiritual and intimate dimensions of existence through her music. With her enveloping voice and transcendent presence, Véronique Délice embodies music. The Canadian singer of Cameroonian origin invites her audience on a sensitive journey, where her voice becomes a space of refuge and healing. Carried by gospel sounds and lyrics inspired by her life experiences, Véronique Délice transforms music into a language of light. Her artistic approach is thus conceived as an act of faith and sharing, where her melodies and lyrics, at once sublime, powerful and deeply inspiring, lift the soul and touch the heart.
Formed on a spontaneous spark in Montréal in 2023 for the Syli d’Or competition, Numidz brings together musicians of Kabyle origin united by a shared love of North African rhythms. Drawing from their cultural roots, they blend traditional groovy beats with contemporary Western sounds, crafting a unique musical fusion that invites audiences to move and connect. Their vibrant style and authentic energy quickly caught attention, earning them the honor of performing at the prestigious Festival International Nuits d’Afrique. Driven by passion, improvisation, and the joy of sharing their heritage, the group continues to create music that transcends borders—celebrating identity, rhythm, and the collective power of sound.

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chant lyrique / classique occidental / opéra / période classique

OSM | Des « Noces de Figaro » enlevantes

par Alexandre Villemaire

Après avoir présenté l’année dernière Cosi fan tutte avec le baryton Thomas Hampson, l’Orchestre symphonique de Montréal et Rafael Payare présentaient un second volet de la trilogie d’opera buffa issue de la fructueuse collaboration entre Mozart et le librettiste Lorenzo Da Ponte. Le concert reprend ainsi les éléments qui ont fait le succès de la prestation de 2025. Une mise en scène efficace avec scénographie simple (une chaise, un placard, un support de vêtement), des costumes sobres, mais flamboyants, des éclairages somptueux (gracieuseté de Chantal Labonté), un orchestre dynamique et alerte, des chanteurs et chanteuses investis et un récit adapté sont parmi les éléments qui ont conquis le public.

L’histoire, pour rappel, est basée sur la pièce de théâtre de Beaumarchais. Dans la demeure du comte Almaviva à Séville, le valet Figaro et la camériste Susanna préparent leurs noces. Cependant, plusieurs obstacles se dressent devant eux. Figaro est promis à Marcellina, la gouvernante, à cause d’une dette qu’il n’a pu rembourser, tandis que Susanna est convoitée par le Comte, un séducteur invétéré qui ne dédaignerait pas de rétablir son droit de cuissage pour passer la nuit de noces avec elle. Pour échapper à cette fâcheuse situation, Figaro use d’un stratagème : un billet galant doit faire croire au Comte que la Comtesse, injustement délaissée, va rencontrer un amant. De son côté, le Comte fixe à Susanna un rendez-vous dans le jardin. À partir de là, tout est une enfilade de quiproquos, de révélations familiales, de déclarations enflammées auxquelles se mêlent divers personnages tels le jeune page Cherubino, qui se languit pour la Comtesse, Bartolo, le médecin de Séville, Don Basilio et Don Curzio, respectivement maître de musique et juge. Même le jardinier d’Almaviva, Antonio, et sa fille Barbarina sont de l’action avec un chœur de paysans.

C’est donc dans ce cadre et cette action que ce lot de personnages a défilé sur scène. Et le public a eu droit à une distribution étoilée pour incarner ces divers protagonistes ! Le baryton-basse italien Ildebrando d’Arcangelo possède un timbre cuivré résonnant et a tout de l’attitude moqueuse et assurée typique d’un Figaro. Sa partenaire de jeu, l’Austro-Anglaise Anna Prohaska faisait un retour sur scène à l’OSM après avoir incarné Fiordiligi dans Cosi. Sa voix est claire et brillante, mais perd parfois d’articulation dans les graves, même dans un effectif orchestral mozartien. Mention également pour les deux personnages nobles du Comte et de la Comtesse, soit Luca Pisaroni et Masabane Cecilia Rangwanasha. Pisaroni incarne un Almaviva délectable tant avec son timbre élégant et puissant que par son jeu scénique intelligent qui rend parfaitement les contours de ce personnage à la fois noble et gamin. Rangwanasha incarne quant à elle une comtesse aux couleurs vocales chaleureuses et enveloppantes. Son aria « Dove suono », pris dans un tempo légèrement allant, étant une interprétation d’anthologie. Mention également pour Avery Amereau, parfaitement ingénue dans le rôle du jeune page Cherubino ainsi que pour Dorothea Röschmann en Marcellina d’une grande stature. Trop court dans leur intervention, Robert Pomakov (Bartolo), Angelo Moretti (Don Basilioi/Don Curzio), Geoffroy Salvas (Antonio) et Carol-Anne Roussel (Barbarina), ont offert une présence tout aussi investie et incarnée musicalement.

Menée par un orchestre et un chef qui ne laisse aucun temps mort, l’action sur scène est toujours maintenue en alerte dans ces grandes scènes lyriques, qui étaient encadrées par des interventions de la narratrice, la comédienne Madeleine Sarr, qui venait contextualiser l’action des scènes. L’écriture du texte narratif réalisé par Mani Soleymanlou était efficace, précise et poétique. Avec cette formule d’opéra-concert, l’OSM s’inscrit dans un filon intéressant et attractif qui mélange habilement les éléments et code l’opéra dans un format accessible et tout aussi enlevant qu’une production à grand déploiement. L’assistance nombreuse de la Maison symphonique en fait foi On ne peut qu’espérer avec anticipation la probable prochaine production dans ce format de Don Giovanni qui viendrait conclure la trilogie de Da Ponte.

Cette folle soirée est présentée de nouveau le vendredi 20 mars. Si vous avez la chance d’assister aux noces, accourez !

crédits photo: Gabriel Fournier

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musique de film

La magie de Miyazaki prend vie avec l’Orchestre FILMharmonique

par Frédéric Cardin

Samedi soir, l’Orchestre FILMharmonique rendait hommage au compositeur Joe Hisaishi, fidèle partenaire du réalisateur Hayao Miyazaki, génie du film d’animation japonais. Du coup, c’était tout l’univers magique et bienfaisant des personnages de Miyazaki qui prenait vie dans l’esprit et le cœur du public qui remplissait la salle Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts à Montréal.

Classicisme impeccable

La musique de Hisaishi est d’un classicisme romantique impeccable. Les mélodies soyeuses portées par les cordes côtoient le pépiement de couleurs agréables des bois et percussions ainsi que les élans parfois héroïques des cuivres. C’est une musique tout en tonalités caressantes, baignée dans des harmonies sécuritaires, mais qui, grâce au talent du compositeur, évitent à la musique dans son ensemble, la banalité d’une écriture sans inspiration. Hisaishi nous entraîne avec lui dans ce monde de douceur et de beauté toute simple, habité par un supplément d’âme d’émerveillement juvénile.

Cela dit, comme le mentionnait le chef Francis Choinière lors de l’une de ses interventions (courtes et efficaces, soulignons-le), le monde de Miyazaki (et en corollaire la musique de Hisaishi) porte en lui, à parts égales, la naïveté de l’enfance à travers ses mondes féériques et une dose sentie de réflexion plus avancée sur la crise environnementale, le passage à l’âge adulte, et la liberté.

De Kiki à Mononoké en passant Totoro

Kiki la petite sorcière a lancé la soirée avec son thème si délicat. Puis, l’extrait Requiem de Nausicaa de la Vallée du Vent nous a rappelé les racines classiques de Hisaishi avec cette mélodie issue de la Passacaille de Haendel, habilement détournée pour les besoins de cette trame sonore. Un extrait de la musique de Princesse Mononoké, magistrale partition curieusement peu soulignée dans ce concert, enchaînait avant de plonger dans une substantielle suite de thème de l’un des films les plus emblématiques de Miyazaki : Mon voisin Totoro. La plume de Hisaishi pour ce film d’une exquise douceur et simplicité s’épanouit avec des mélodies attachantes aux cordes et des traits fins, graciles, aux bois, avec des teintes gershwinesques qui ressortent fortement à certains endroits. Pas de grands vilains méchants dans ce film et sa partition, pas de drame larmoyant, pas de bataille rangée, juste la tendresse amicale et fascinée de la découverte d’un monde parallèle rempli de gentilles créatures. Une musique qui fait tellement de bien.

La deuxième partie du concert nous donnait deux longues suites de deux films incontournables du canon miyazakien : Le Voyage de Chihiro et le Château ambulant. Si Chihiro n’est pas démuni de passages efficaces, c’est Le Château ambulant qui se démarque. surtout avec cette valse tellement mémorable. Mais pas que, car l’histoire, bien que du classique Miyazaki, recèle néanmoins certains des moments les plus épiques dans tous les films du maître. La musique reflète cela avec beaucoup d’acuité, tout en demeurant scotchée aux leitmotivs du compositeurs : simplicité et qualité.

Deux rappels, dont une reprise du thème de Totoro avec tout le public comme chorale ad hoc. Tout le monde est sorti de la salle en fredonnant To to-ro, To tooo Ro.

Un seul bémol : l’amplification utilisée donne une coloration filtrée et moins naturelle aux cordes. On se met à souhaiter que l’Orchestre FILMharmonique se produise plutôt à la Maison symphonique. Mais bon, c’est un détail finalement peu conséquent sur la réussite de cette soirée enchanteresse qu’on serait prêts à reprendre n’importe quand.

Et ce n’importe quand pourrait être le 21 mars à Québec, car le même programme sera donné au Grand Théâtre. Gens de la capitale, ne manquez pas ça.

DÉTAILS ET BILLETS

classique / jeunesse / post-romantique

Bach avant dodo – Pierre et le loup au Gesù

par Rédaction PAN M 360

BBB, en collaboration avec Meute Monde présente l’œuvre bien-aimée de Prokofiev « Pierre et le loup » dans un format parfaitement adapté aux enfants; réunissant des marionnettistes, un quintette à vent et une narration anglaise et française; avec des caractères fantastiques.
En seulement 45 minutes, les enfants sont initiés au monde de la musique classique dans une atmosphère interactive et détendue. Le concert interactif donne aux enfants le sentiment de faire partie de l’histoire, se joignant tout au long du spectacle pour chanter et danser avec les artistes.
« Pierre et le loup » de BBB offre la recette parfaite pour créer des souvenirs inoubliables et faire tomber petits et grands amoureux de la musique classique.

BBB, in collaboration with Meute Monde, presents Prokofiev’s beloved Peter and the Wolf in a format perfectly tailored for children, bringing together puppeteers, a wind quintet, and narration in both English and French, with fantastic characters.
In just 45 minutes, children are introduced to the world of classical music in an interactive, relaxed atmosphere. The interactive concert makes kids feel like part of the story, joining in throughout the performance to sing and dance along with the artists.
BBB’s Peter and the Wolf offers the perfect recipe for creating unforgettable memories and inspiring both young and old to fall in love with classical music.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI! (PREMIÈRE REPRÉSENTATION DU 15 MARS)

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI! (DEUXIÈME REPRÉSENTATION DU 15 MARS)

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI! (17 MARS)

Ce contenu provient du Quartier des spectacles et est adapté par PAN M 360

classique / musique contemporaine

SMCQ : Des classiques aux créations à la salle Pierre-Mercure

par Rédaction PAN M 360

Dans le cadre du 60ᵉ anniversaire de la SMCQ, placé sous le thème Dialogues intergénérationnels, l’Orchestre de l’Agora présente un concert alliant classiques et créations de la musique orchestrale québécoise. Aux œuvres de Jacques Hétu et Claude Vivier s’ajouteront deux créations mondiales signées Alexandre David et Maggie Ayotte (commande de l’Orchestre de l’Agora). Sous la direction du chef invité Benoît Gauthier, avec les solistes Marina Thibeault, Thomas Beard et Noémie Caron-Marcotte.

As part of the SMCQ’s 60th anniversary season, under the theme Intergenerational Dialogues, Orchestre de l’Agora presents a concert combining classics and new works from Québec’s orchestral repertoire. Alongside pieces by Jacques Hétu and Claude Vivier, the program will feature two world premieres by Alexandre David and Maggie Ayotte (commissioned by the Orchestre de l’Agora). Conducted by guest conductor Benoît Gauthier, with soloists Marina Thibeault, Thomas Beard and Noémie Caron-Marcotte.

Programme

Rondo pour violoncelle et orchestre à cordes, op 9 (1965)
Jacques Hétu
violoncelle et orchestre à cordes
Thomas Beard, violoncelle
Clochette (2026)
Maggie Ayotte
piccolo et orchestre
Création
Noémie Caron-Marcotte, piccolo
Et je reverrai cette ville étrange (1981), 15:00
Claude Vivier
6 musiciens
erre (2026)
Alexandre David
alto et orchestre
Création
Marina Thibeault, alto

Rondo pour violoncelle et orchestre à cordes, op 9 (1965)
Jacques Hétu
cello and string orchestra
Thomas Beard, cello
Clochette (2026)
Maggie Ayotte
piccolo and orchestra
Premiere
Noémie Caron-Marcotte, piccolo
Et je reverrai cette ville étrange (1981), 15:00
Claude Vivier
6 musicians
erre (2026)
Alexandre David
alto and orchestra
Premiere
Marina Thibeault, viola

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Ce contenu provient de la Société de musique contemporaine du Québec et est adapté par PAN M 360

classique / musique contemporaine / post-romantique

Tabea Zimmermann & Javier Perianes à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Ces artistes d’exception sont de passage à Montréal dans le cadre d’une tournée internationale. Ils offrent un programme passionné autant que songeur, présentant des œuvres pour alto et piano s’échelonnant de 1849 à 1975, l’année de composition de la Sonate de Chostakovitch. Ce dernier a puisé dans ses ultimes ressources pour en achever l’écriture, un mois avant sa mort.

An international tour brings this outstanding chamber duo to Montréal. Their programme is both fiery and contemplative, spanning more than a century of music for viola and piano from 1849 to 1975. In that year, Shostakovich composed his Sonata, for which he drew upon his last ounces of strength in order to complete it one month before his death.

Programme

R. SCHUMANN Fantasiestücke, op. 73
BRAHMS Sonate pour alto et piano en mi bémol majeur, op. 120 n^o 2
BRITTEN Lachrymae, op. 48
CHOSTAKOVITCH Sonate pour alto et piano en do majeur, op. 147

Program

R. SCHUMANN Fantasiestücke, Op. 73
BRAHMS Viola Sonata in E-flat major, Op. 120, No. 2
BRITTEN Lachrymae, Op. 48
SHOSTAKOVICH Viola Sonata in C major, Op. 147

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Ce contenu provient de la salle Bourgie et est adapté par PAN M 360

baroque / classique

Constantinople & Holland Baroque – Dialogos à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Pour cette création inspirée de la rencontre historique entre François d’Assise et le sultan Malik al-Kâmil, Constantinople s’associe à l’un des ensembles de musique ancienne les plus audacieux d’Europe, Holland Baroque. Au cœur des Croisades, ce dialogue inattendu, empreint de respect et d’écoute, est devenu un symbole intemporel de paix et de compréhension. En mêlant traditions musicales anciennes et nouvelles, issues de l’Orient et de l’Occident, les deux ensembles font résonner cet héritage spirituel à travers un langage musical libre et novateur. Cette collaboration transcende les frontières, célèbre l’altérité, et invite les publics à vivre une traversée émouvante où la musique devient un pont entre les mondes, une célébration de notre humanité partagée.

For this creation inspired by the historic encounter between Francis of Assisi and Sultan Malik al-Kâmil, Constantinople joins forces with one of Europe’s most bold and imaginative early music ensembles, Holland Baroque. Amid the turmoil of the Crusades, this unexpected dialogue—marked by mutual respect and attentiveness—became a timeless symbol of peace and understanding. Blending ancient and contemporary musical traditions from both East and West, the two ensembles bring this spiritual legacy to life through a free and daring musical language. This collaboration transcends borders, celebrates otherness, and invites audiences on an emotional journey where music becomes a bridge between worlds—a celebration of our shared humanity.

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classique / conférence / période romantique

Poésie et musique dans les lieder de Schubert : une histoire intime à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Quels poètes Schubert choisit-il ? Quels poèmes ont sa préférence ? Quels thèmes l’occupent davantage dans son parcours créateur ? Au cours de cette conférence, nous verrons que dans l’immense production de lieder de Franz Schubert (1797-1828), les relations entre poésie et musique jouent un rôle déterminant dans sa composition musicale et qu’elles orientent son travail. Il choisit souvent ses textes par nécessité intérieure, mû par un besoin d’exprimer sa vision du monde au sein du romantisme naissant, parfois aussi en fonction des événements de sa vie personnelle. Schubert va donc, à travers son choix de poèmes et de poètes, parvenir à dire « je » sous le couvert d’un autre.

What poets did Schubert choose? What poems was he drawn to? What themes did he return to time and time again in his compositional career? This lecture shows how the relationships between poetry and music play a crucial role in the vast catalogue of lieder by Franz Schubert (1797–1828), profoundly shaping the composer’s work. Schubert chose his texts because he was driven by an inner imperative, or because he felt the need to express his worldview within the budding Romantic movement, or sometimes even because of events in his personal life. Thus, Schubert successfully spoke in the first person through the poems that he chose, becoming the hidden “I” behind the poet’s “I” within his songs.

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LA CONFÉRENCE EST GRATUITE POUR LES MOINS DE 34 ANS ET LES MEMBRES DU MBAM!

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