POP Montréal : Scream + Soulside + WHITE KNUCKLE + Punk Police DJs

par Rédaction PAN M 360

Soulside

Soulside est né à Washington, DC, en 1985 — s’est séparé en 1989 — puis est revenu ensemble en 2014. Il n’ont pas arrêté de jouer et d’écrire de la musique depuis. Après avoir sorti leur premier album chez Sammich/Dischord, ils ont enregistré Trigger (Dischord, 1988) et Hot Bodi-Gram (Dischord, 1989), qui ont été réunis sur le CD Soon Come Happy en 1990. Le groupe a effectué de nombreuses tournées aux États-Unis et en Europe au cours de ces années, y compris des concerts en Pologne et à Berlin-Est en 1989, juste avant la chute du mur de Berlin. Soon Come Happy a été remastérisé en 2003. En 2020, Soulside sortait This Ship, leur premier 7’’ depuis 30 ans, enregistré à Prague.

Soulside formed in Washington, DC, in 1985, split up in 1989, then reformed in 2014 and has continued playing and writing music since then. After releasing their debut album on Sammich/Dischord, they recorded Trigger (Dischord, 1988) and Hot Bodi-Gram (Dischord, 1989), which were combined on the Soon Come Happy CD in 1990. The band toured extensively in the US and Europe during these years, including groundbreaking shows in Poland and East Berlin shortly before the Berlin Wall fell in 1989. In 2020, Soulside put out a new 7-inch, This Ship, their first release in 30 years, which was recorded in Prague. Happy”, released in 1990 and re-mastered in 2003.

Scream

Scream voit le jour en 1979. Le batteur Kent Stacks, le bassiste Skeeter Enoch Thompson et les frères Pete et Franz Stahl vont à l’école ensemble à Bailey’s Crossroads, en Virginie, lorsqu’ils commencent à découvrir la scène punk et new wave de Washington et le pouvoir provocateur de la musique. Comme la plupart des groupes punk de Washington, ils sont influencés par Bad Brains, mais ils se distinguent par leur sensibilité rock n’ roll. En 1982, ils se rendent au studio Inner Ear avec Ian MacKaye et Eddie Janney pour enregistrer le premier album complet de Dischord, Still Screaming. Le groupe a depuis connu quelques changements, notamment l’ajout de leur ami Harley Davidson à la seconde guitare, et, lorsque Kent Stacks a quitté le groupe pour fonder une famille, ils ont demandé à un jeune batteur local, Dave Grohl, de prendre la relève. Après un certain nombre d’années au sein de « l’équipe Scream », Dave a rejoint Nirvana et a formé les Foo Fighters. En 1996, lors d’un concert de Noël, Kent Stacks est redevenu le batteur de Scream. Le concert a été enregistré et est sorti en CD, Live at the Black Cat. Au cours des années suivantes, chacun a pris des directions différentes — Franz a rejoint les Foo Fighters pendant un temps et Pete a joué avec Goatsnake et earthlings?. Le groupe est revenu ensemble en 2011, avec Clint Walsh à la seconde guitare, pour enregistrer Complete Control Sessions, qui est sorti en tant qu’EP chez Side One Dummy.

Scream formed in 1979. Drummer Kent Stacks, bassist Skeeter Enoch Thompson and the brothers Pete and Franz Stahl attended school together in Bailey’s Crossroads, Virginia, when they began to discover the punk and new wave scene in DC and the provocative power of making music. Like most of the punk bands in DC, they were influenced by the Bad Brains, but their rock and roll sensibilities set them apart. In 1982, they went into Inner Ear Studio with Ian MacKaye and Eddie Janney to record Dischord’s first full length album, Still Screaming.
They made a few line-up changes along the way, including the addition of their friend Harley Davidson on second guitar, and, when Kent Stacks left the band to start a family, they asked a young local drummer, Dave Grohl, to take over. After a number of years with “the Scream team,” Dave went on to join Nirvana and form The Foo Fighters. In 1996, at a Christmas reunion show, Kent Stacks returned as Scream’s drummer; the show was recorded and released as the CD “Live at the Black Cat.” Over the next few years, everyone branched out in different directions – Franz joined the Foo Fighters for a short period and Pete played with Goatsnake and earthlings? The band returned as a unit, with Clint Walsh on second guitar, in 2011 to record the Complete Control Sessions, which was released as an EP on Side One Dummy and was, until now, the band’s most recent release.

WHITE KNUCKLE

Mort battu, mort fauché, un serpent sans yin

Dead beat, dead broke, a snake with no yin

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salsa

La Tribu Salsa Band au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Le groupe lauréat des Syli d’or de la musique du monde cette année a fait forte impression! “ En un rien de temps, le parterre s’est transformé en plancher de danse. La 16e édition du concours organisé par les Productions Nuits d’Afrique consacre le meilleur orchestre Salsa au Québec. Un performance simplement parfaite” (Le Devoir, 2023). La Tribu Salsa Band, composée de musiciens d’expérience, c’est la Salsa dura à son meilleur: des pas de danse synchronisés, des costumes chics, mais surtout une section de cuivres énergique, un piano flamboyant, une basse en plein contrôle, des percussions punchées et quatre chanteurs qui mènent le bal avec adresse. Tout pour faire honneur à ce rythme créé dans les années 70 à New York et popularisé par le mythique chef d’orchestre dominicain Johnny Pacheco.

This year’s winner of the Syli d’or de la musique du monde made a big impression! « In no time at all, the audience was transformed into a dance floor. The 16th edition of the competition organized by Productions Nuits d’Afrique honors the best salsa band in Quebec. A simply perfect performance » (Le Devoir, 2023). The Tribu Salsa Band, made up of experienced musicians, is Salsa dura at its best: synchronized dance steps, chic costumes, but above all an energetic brass section, a flamboyant piano, a bass in full control, punchy percussion and four singers who lead the ball with skill. It’s a rhythm created in the 70s in New York and popularized by the legendary Dominican bandleader Johnny Pacheco.

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americana / blues / folk / hip-hop / R&B

POP Montréal : Hua Li + Yves Jarvis + Luka Kuplowsky + Louie Sanchez

par Rédaction PAN M 360

Hua Li

Le projet de Hua Li a souvent travaillé la tension fructueuse entre des forces opposées, qu’elle soit métisse, bisexuelle, ou ouvertement politique et doucement vulnérable. Aujourd’hui, la « demi-chinoise, demi-militante, demi-rappeuse de votre cœur » est de retour avec « ripe fruit falls but not in your mouth », son album le plus ambitieux et le plus personnel à ce jour. Jouant entre le R&B brumeux, le hip-hop, le jazz et l’électronique, le deuxième album de Hua Li prend le jardin imaginaire comme moyen de cultiver son chez-soi. Avec des arrangements vocaux complexes, une production luxuriante d’Alex Thibault (aka Gloze) et un mixage important et vibrant de Lunice de TNGHT, le fruit mûr est une confession privée sur un disque bruyant. Après Dynasty en 2019 et Yellow Crane EP en 2020, acclamé par la critique, ripe fruit est d’un libertinage caractéristique. Texturée et sensuelle, la Montréalaise aux multiples traits d’union équilibre son ton riche et ondulant avec des signatures électroniques dansantes. La rappeuse est féroce et souvent drôle, jaillissant d’un parcours vaporeux pour délivrer un uppercut rapide qui pique. Avec des featuring accrocheurs et addictifs d’Ambrose Getz et de Darkus Millon, ripe fruit est un disque intime de guérison, avec la vie nocturne de Montréal en son cœur. Collaboratrice talentueuse, Hua Li a coécrit et joué sur Masquerade, l’album de Gayance sélectionné pour le prix Polaris 2023, et est la DJ de tournée de Riit, le chanteur de gorge électro-pop inuk. Son charisme sur scène l’a amenée à parcourir le monde, notamment lors de tournées avec Cadence Weapon et Fat Tony (dont elle a été la DJ de tournée), au Secret Solstice Festival de Reykjavik, au Festival international de jazz de Montréal et à Pride Toronto. Lumineux et convaincant, Hua Li montre qu’il faut de la tendresse pour laisser mûrir les choses et du cran pour les laisser mourir. Entre les deux, il y a une sorte de ravissement qui ne demande qu’à être savouré.

Hua Li’s project has often worked the fruitful tension between opposing forces, whether being mixed-race, bisexual, or overtly political and softly vulnerable. Now the “half-Chinese, half-militant, half-rapper of your heart” is back with ripe fruit falls but not in your mouth, her most ambitious and personal record to date. Playing between hazy R&B, hip-hop, jazz and electronic, Hua Li’s sophomore LP takes the imaginary garden as a proxy for cultivating home. With complex vocal arrangements, lush production by Alex Thibault (aka Gloze), and big, vibrant mixing by TNGHT’s Lunice, ripe fruit is a private confessional on a loud-ass record. Following 2019’s Dynasty and 2020’s critically acclaimed Yellow Crane EP, ripe fruit is characteristically libertine. Textured and sensual, the Montreal multi hyphenate balances her rich, waveforming tone with danceable, electronic signatures. The rapper is fierce and frequently funny, erupting from gauzy runs to deliver a quick uppercut that stings. With hooky, addictive features by Ambrose Getz and Darkus Millon, ripe fruit is an intimate record of healing, with Montreal’s nightlife at its heart. An artful collaborator, Hua Li co-wrote and performed on Gayance’s 2023 Polaris short-listed album, Masquerade, and is the touring DJ for Inuk electro-pop throat singer, Riit. Her charismatic stage show has taken her around the world, including tours with Cadence Weapon and Fat Tony (serving as the former’s touring DJ), to Reykjavik’s Secret Solstice Festival, the Montreal International Jazz Festival, and Pride Toronto. Luminous and compelling, Hua Li shows it takes tenderness to let things ripen, and guts to let things die. In-between is a kind of rapture that begs to be savoured.

Yves Jarvis

Yves Jarvis se distingue par son son — une chose chaleureuse et vivante qui semble à la fois être un tricot fait à la main et une feuille de métal précieux. Il est dédié à une musique qui condense le folk, le R&B, le country, le blues, l’Americana — avec un toucher contemporain, voire futuriste, et fusionne une impressionnante gamme d’influences, de Serge Gainsbourg et Judee Sill à Ray Charles, Brian Eno et Throbbing Gristle

Yves Jarvis is distinguished by his sound—a warm, vivid thing that feels at once like a handknit piece of fabric and a sheet of precious metal. He is dedicated to a music that condenses folk, R&;B, country, blues, Americana—with a touch that’s contemporary, even futuristic, and smashes together a stunning array of influences, from Serge Gainsbourg and Judee Sill to Ray Charles, Brian Eno and Throbbing Gristle.

Luka Kuplowsky

La voix de Luka Kuplowsky est un paradoxe : elle semble parfois trop feutrée pour être capturée, comme si elle allait disparaître comme de la fumée, puis, l’instant d’après, elle est aussi grande que le ciel. C’est une voix qui fait plier l’oreille et dont la musique crée un espace unique pour le langage poétique et l’improvisation. Sur son nouveau double album How Can I Possibly Sleep When There Is Music, Kuplowsky approfondit son intérêt pour les ensembles d’improvisation et l’enregistrement en direct, tandis que son groupe de sept musiciens (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole et Philippe Melanson) crée un son singulier fait d’espace, d’expérimentation et d’expressivité débridée qui traverse les traditions du jazz, du folk et du blues. Conçu comme un disque d’adaptations et de réponses « à un millénaire de poésie », l’album rassemble les poèmes de Ryokan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalal ad-Din Muhammad Rumi, W.W.E Ross, Li Bai et La Fontaine, en les plaçant dans un environnement dynamique d’expression extatique et imaginative. Produit par Sandro Perri, producteur et auteur-compositeur torontois de renom, ce nouvel album réunit des influences littéraires et musicales internationales et des éléments hyperlocaux de Toronto, dans un magnifique disque tentaculaire d’aventurisme sonore méditatif et en roue libre.

Luka Kuplowsky’s voice is a paradox — at times it sounds too hushed to be captured, as if it’s going to disappear like smoke, then in the next instant it’s as big as the sky. It is a voice that bends the ear to listen and whose music carves out a unique space for poetic language and improvisatory playfulness. On his new double LP How Can I Possibly Sleep When There Is Music Kuplowsky extends his interest with improvisational ensembles and live recording, as its seven-piece band (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole and Philippe Melanson) craft a singular sound of spaciousness, experimentation and unbridled expressiveness that traverses traditions of jazz, folk and blues. Conceived as a record of adaptations and responses “to a millennia of poetry”, the album draws together the poetry of Ryokan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalal ad-Din Muhammad Rumi, W.W.E Ross, Li Bai, and La Fontaine, placing them within a dynamic environment of ecstatic and imaginative expression. Produced by the luminary Toronto producer/songwriter Sandro Perri, the new LP enfolds international literary and music influences alongside hyper-local Toronto touchstones into a beautiful sprawling record of meditative and free-wheeling sonic adventurism.

Louie Sanchez

Louie Sanchez est le projet solo d’Eirene Cloma, musicienne basée à Toronto et membre de l’ensemble de kulintang Pantayo. Inspiré par le harana (une tradition philippine de sérénade) et le country folk, Louie raconte des histoires de travail, de perte et de nostalgie à travers ses expériences en tant qu’homme de la classe ouvrière philippino-canadienne.

Louie Sanchez is the solo project of Eirene Cloma, a Toronto-based musician and member of the kulintang ensemble Pantayo. Inspired by harana (a Filipino courtship tradition of serenading) and country folk, Louie narrates stories of labor, loss, and longing through their experiences as a masculine working-class Filipino-Canadian.

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garage-rock / Indie / lo-fi

POP Montréal : Meagre Martin + Andreya Casablanca + Florian TM Zeisig

par Rédaction PAN M 360

Meagre Martin

Le trio Meagre Martin, basé à Berlin, a été fondé à l’été 2021 par la musicienne et compositrice afro-américaine Sarah Martin (guitare), bientôt rejointe par Federico « Freddy » Corazzini (batterie) et Max Hirtz-Wolf (basse). Mélangeant des éléments de lo-fi et de new-Americana, Meagre Martin est l’aboutissement d’une expérience enracinée dans la guérison, s’appuyant sur un lyrisme qui arrive à densifier la nostalgie et extraire du deuil tout son pouvoir. Leur premier album, GUT PUNCH (sorti en novembre 2023 chez Mansions and Millions), crée un son inspiré du shoegaze, de l’indie des années 90, ou de la « fausse country », en juxtaposant des paysages sonores magnifiquement tendres à des paroles qui ajoutent à la douceur du son de la vulnérabilité et de la profondeur. Malcom, leur plus récent album, sorti le 4 mars dernier, évoque la précarité financière et le dynamisme des classes ouvrières américaines. Inspirées par le chaos familier de « Malcolm in the Middle », les paroles retracent le parcours qui mène des traumas générationnels à la libération. Après avoir participé à plusieurs festivals et concerts en Europe, au Royaume-Uni et en Amérique du Nord, le groupe s’apprête à entamer une année de tournée bien remplie, avec notamment des concerts au C/O Pop et au Reeperbahn Festival, en plus d’assurer la première partie de Chastity Belt lors de leur tournée européenne.

Berlin-based trio Meagre Martin was founded in the summer of 2021 by the African-American musician and songwriter Sarah Martin (guitar, she/her) and quickly joined by Federico „Freddy” Corazzini (drums, he/him) and Max Hirtz-Wolf (bass, he/him). Blending together elements of lo-fi and new-Americana, Meagre Martin is a culmination of experience rooted in healing, through lyricism that gives nostalgia new layers and harnesses the power of grief. Their debut GUT PUNCH (release in November 2023 via Mansions and Millions) create a sound inspired by shoegaze, 90’s indie, or ‘faux country,’ as the band calls it, and juxtaposes these beautifully light soundscapes with lyrics that belie the sweetness of the sound with their vulnerability and depth. Their newest release “Malcom” (out March 4th) addresses financial instability and the vibrancy of lower/middle class American life. Inspired by the relatable chaos of “Malcolm in the Middle.” The lyrics mirror a journey from generational trauma to breaking free. After playing a bunch of festivals and shows in EU/UK and North America, the band is set for a busy year of touring including performances at C/O Pop, Reeperbahn Festival and opening for Chastity Belt on their European run.

Andreya Casablanca

Avec son projet solo, Andreya Casablanca, du duo indie berlinois « Gurr », prouve qu’elle n’hésite pas à sortir de sa zone de confort pour expérimenter avec les genres. Ses propres chansons mélangent un son de guitare classique de Garage Rock à des beats de LinnDrum, une touche Dance-Mix 2000 et des lignes vocales poétiques. Andreya s’éloigne des arrangements indie classiques et s’immerge dans des sonorités pop à tendance Lo-Fi explosive.

Known as half of Berlin-based indie duo “Gurr”, Andreya Casablanca’s solo project proofs that she doesn’t shy away to experiment with genres outside of her comfort zone. Her own songs mash up the classic Garage Rock-based guitar sound with Linn Drum sounds, a little bit of 2000s MTV dance music and poppy vocal lines. Andreya is breaking out of the classic indie arrangement and dips into poppier realms, that inevitably still vibe in a Lo-Fi and explosive manner.

Florian TM Zeisig

Florian TM Zeisig est un artiste multidisciplinaire et un producteur basé à Berlin. Son approche minimaliste de la musique résulte en un tout sensible et profondément émotif. Le travail solo et collaboratif de Florian est sorti chez West Mineral, Stroom, Enmossed, Constellation Tatsu et Somewhere Press, entre autres. Il a travaillé et collaboré avec des artistes tels que Kelela, Loraine James, More Eaze et John Daniel (aka Forest Management).

Florian TM Zeisig is a multidisciplinary artist and producer currently based in Berlin. His music is minimalist in approach, sensitive and deeply emotional in its results. Florian’s solo and collaborative work is released by such labels as West Mineral, Stroom, Enmossed, Constellation Tatsu and Somewhere Press amongst others. He has worked and collaborated with artists such as Kelela, Loraine James, More Eaze and John Daniel (aka Forest Management).

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indie folk / indie pop / latino

POP Montréal : Silvana Estrada + Lapelúda + Gabriella Olivo

par Rédaction PAN M 360

Silvana Estrada

Silvana Estrada est lauréate du Latin GRAMMY pour le meilleur nouvel artiste (2022), trois fois nominée aux Latin GRAMMY et nominée aux GRAMMY pour la meilleure performance musicale mondiale (2024). La multi-instrumentiste, chanteuse et compositrice qui plie les genres est devenue connue pour fusionner les traditions nord-américaines et latino-américaines qui se croisent avec l’héritage jarocho d’influence africaine de sa Veracruz natale, au Mexique.

Silvana Estrada is a Latin GRAMMY-winner for Best New Artist (2022), three-time Latin GRAMMY-nominee, and GRAMMY-nominee for Best Global Music Performance (2024). The genre-bending multi-instrumentalist, singer, and songwriter has become known for melding North and Latin American traditions that intersect with the African-influenced jarocho heritage of her native Veracruz, Mexico.

Lapelúda

La musique de Lapelúda nous emmène à travers son voyage de réconciliation grâce à un mélange unique et chaleureux de musique indie-folk et d’inspiration latine. Basée à Tiohtià:ke (Montréal), l’artiste embrasse son identité colombienne et québécoise dans son premier album trilingue “Caídas” (2022). Cet album tisse des liens de guérison entre l’innocence, la trahison, la transformation et la réconciliation. En 2023, l’album reçoit sa première nomination aux Latin Awards Canada dans la catégorie Album de l’année.

Lapelúda’s music takes us through her journey of reconciliation via a unique warm blend of Indie-Folk and Latin inspired music. Based in Tiohtià:ke (Montreal), the artist embraces her Colombian and Quebecois identity in her first trilingual album “Caídas” (2022) This album weaves healing connections between innocence, betrayal, transformation and reconciliation. In 2023, the album received its first nomination at the Latin Awards Canada for Album of the Year.

Gabriella Olivo

Née et élevée à Québec d’une mère mexicaine et d’un père québécois, Gabriella Olivo fait honneur à ses origines mexicaines avec ses chansons en espagnol ancrées dans un univers doux à saveur indie-pop. Introspective, planante, rêveuse, ses chansons et sa voix douce nous transportent dans son monde d’amour et de haine, de passion et de déception.

Born and raised in Quebec City of a Mexican mother and a Quebecois father, Gabriella Olivo honors her Mexican roots with songs in Spanish, rooted in a gentle indie-pop universe. Introspective and dreamy, her songs and her gentle voice transport us into her world of love, passion and disappointment.

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dream-pop / hip-hop / indie pop / pop-rock

POP Montréal : Mint Simon + Luella + The Petras + Almond Milk

par Rédaction PAN M 360

Mint Simon

MINT SIMON, c’est le projet solo du leader du band indie-pop Caveboy. Originaire de Montréal, Mint est un enfant du théâtre devenu pop star, existant quelque part sur le spectre du genre entre Ferris Bueller et Prince. Sa musique est une exploration sonore et lyrique de l’amour, des occasions manquées, du désir et de la libération sexuelle. Mint s’y découvrir et s’y exprime, développant une sonorité musicale unique pour raconter sa quête d’acceptation de soi avec des chansons pop fluides, captivantes et accrocheuses. Tout de cuire et de cuirette, scintillant et résolument queer — ce prince de la pop puise dans ses influences des années 80 et 90, tout en demeurant aussi libre qu’authentique.

MINT SIMON is the solo project of the front person of indie-pop band, Caveboy. Born & raised in Montreal, Mint is a theatre kid, turned band lead, turned pop star living somewhere on the gender spectrum between Ferris Bueller and Prince. Their music is a sonic and lyrical exploration of love, missed opportunities, desire and sexual liberation. Mint is using this as a vehicle for self-discovery and expression, as they develop their unique musical sound as a solo act while sharing their journey of self-acceptance with captivating and effortlessly catchy pop tunes. Leather, pleather, shimmer n’ glimmer – they are unapologetically queer – a pop prince tapping into their 80s and 90s influences, while being unabashedly themselves and having zero restrictions.

Luella

Luella est le projet musical de Liv Whitfield, une artiste de 20 ans basée à Kingston. Sa sonorité dreampop soul est surtout connue pour ses lignes de base accrocheuses, ses voix nettes et ses paroles honnêtes. Son premier album sorti en 2022, Luna, a été produit en collaboration avec son père, Zane Whitfield, au studio North of Princess (Glorious Sons, Kathleen Edwards, Blue Stones). En moins d’un an, Luella a tranquillement accumulé quelque 30 000 streams vidéo et plus de 100 000 streams sur Spotify, tout en jouant à guichets fermés aux côtés de fanclubwallet, Dizzy et Claudia Bouvette. Le nouvel album de Luella, Summer Bummer, est un testament à ses dernières années de jeune fille, capturant l’essence douce-amère des étés éphémères, des tourments du premier amour et des cœurs inévitablement brisés. Cet album est plus audacieux, transmettant une nouvelle confiance en soi chez Luella, qui demeure néanmoins fidèle à la vulnérabilité qui la caractérise.

Luella is the musical project of 20-year-old Kingston-based artist Liv Whitfield. Her soulful dream-pop sound is most notable for its catchy baselines, crisp vocals, and honest lyrics. 2022 brought the release of her debut album, Luna, produced in collaboration with her father, Zane Whitfield, at North of Princess Studio (Glorious Sons, Kathleen Edwards, Blue Stones). In less than a year, Luella quietly amassed 30k video streams, and over 100,000 streams on Spotify while playing sold-out shows alongside fanclubwallet, Dizzy, and Claudia Bouvette.
Luella’s newly released sophomore album, Summer Bummer, is a testament to her final years of girlhood, capturing the bittersweet essence of fleeting summers and the complexities of first love and inevitable heartbreak. This album is bolder with a newfound confidence all while staying true to her trademark vulnerability.

The Petras

The Petras est un groupe pop-rock indépendant entièrement féminin de Kingston, en Ontario. Inspiré par les rockers The Runaways et The Beaches, leur son distinctif mélange des sensibilités rétro et modernes avec un puissant mélange de voix captivantes, de solos mélodiques et de rythmes entraînants. Les Petras exploitent une énergie féminine unique dans leurs spectacles animés, proposant des chansons originales accrocheuses et des reprises percutantes avec une ambiance rebondissante, fraîche et amusante!

The Petras is an all-female, indie pop-rock band from Kingston, Ontario. Inspired by rockers The Runaways and The Beaches, their distinctive sound blends retro and modern sensibilities with a powerful mix of captivating vocals, melodic solos, and driving beats. The Petras tap into a unique female energy in their lively shows, serving up catchy original songs and kickin’ covers with a bouncy vibe that’s fresh and fun!

Almond Milk

Almond Milk est le projet audiovisuel emblématique de Simon Kerr, producteur et chanteur de 18 ans. Almond Milk joue avec les conventions de la pop et du hip-hop pour créer un son unique et captivant. Ses performances sont empreintes d’une énergie et d’un élan incroyables, et il fait vibrer le public avec son énergie et ses explorations audiovisuelles.

Almond Milk is the iconic audio-visual project of Simon Kerr, an 18 year old producer and singer. Almond Milk plays with pop and Hip-hop conventions to create a sound that is unique and captivating. His performances carry an incredible weight of energy and momentum, and he strives to shake the room with energy and audio-visual exploration.

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latino

Less Toches au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Less Toches emprunte son nom d’un oiseau latino-américain, et une expression colombienne voulant dire « maladroit ». L’humour et l’envol se traduisent en interprétation fraîche et deep de l’esprit paysan et riverain de la cumbia colombiana et la música de acordeón. Pura parranda sabanera.

Less Toches takes its name from a Latin-American bird, which is also a Colombian term for « clumsy. »

Humour and freedom trascend into a fresh and deep interpretation of the peasant and zesty spirit of Accordeon-based Colombian Cumbia. Pura parranda sabanera.

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salsa

TEAM SALSA SEXTET au Club Balattou

par Rédaction PAN M 360

TEAM SALSA est un groupe formé par des musiciens de différents pays qui souhaitent exprimer la riche essence des rythmes afro-descendants de ‘’Salsa del Barrio’’(Salsa From The Neighborhood) avec la puissance des trombones, les harmonies envoûtantes et l’énergie des percussions. Marc Knight, fondateur de Team Salsa, a grandi à New York et apporte le son et le swing trouvés dans le style de la salsa new-yorkaise et afro-caribéenne. Les musiciens de la TEAM SALSA ont accompagné de nombreux artistes internationaux du genre salsa et se réunissent maintenant pour faire vivre le son original de la salsa.

TEAM SALSA is a group formed by musicians from different countries who wish to express the rich essence of the Afro-descendant rhythms of « Salsa del Barrio » (Salsa From The Neighborhood) with the power of trombones, haunting harmonies and the energy of percussion. Marc Knight, founder of Team Salsa, grew up in New York City and brings the sound and swing found in the New York and Afro-Caribbean salsa style. The musicians of TEAM SALSA have accompanied many international salsa artists and now come together to bring the original sound of salsa to life.

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rap français

IAM: Les Boss de Marseille sont dans la place

par Sandra Gasana

C’est accompagné des Dj Daz et DJ Kheops que le groupe mythique du rap français est monté sur la scène Fizz avec le morceau Petit frère. En effet, IAM était très attendu hier soir par un public majoritairement français mais pas que.

Tous les âges étaient représentés, même quelques jeunes fans qui n’étaient pas nés lors des débuts du groupe à la fin des années 80. Pour l’occasion, ils étaient quatre sur scène, Akhenaton, Shurik’n, Kephren et Saïd, choriste du groupe. Ils ont enchaîné avec un autre de leur succès, Samouraï, que le public connaissait par cœur, avant de poursuivre avec Ça vient de la rue, qui a nettement mis le feu à la foule.

Tous vêtus de t-shirt noirs et jeans, ils s’adressent à la foule à plusieurs reprises, surtout Akhenaton et Shurik’n, pour exprimer leur gratitude envers le public montréalais. « Ça fait plaisir d’être ici, l’accueil est top comme à chaque fois, toujours du love », nous confie Akhenaton, avant de poursuivre « C’est pour cela que nous voulons vous emmener chez nous ». Et c’est parti pour le classique Je danse le MIA, avec le fameux pas de danse qui va avec. Un retour à l’adolescence pour moi. On a eu droit à plusieurs autres morceaux de l’album le plus populaire L’école du micro d’argent, notamment Nés sous la même étoile, ou encore L’empire du côté obscur. Pour ce morceau, ils sont arrivés sur scène avec des sabres laser rouges, tout droit sortis de Stars Wars, sur fond de lumière rouge.

« Montréal, faites-nous un putain de bordel pour vous ! », a lancé Akhenaton, avant le morceau La saga. « Ce soir, c’est pas très long alors faut se lâcher sur tous les sons », a-t-il conseillé à la foule. En effet, le concert a duré un peu plus d’une heure et a commencé à l’heure exacte, pas une minute de retard.

Un autre moment fort de la soirée est durant le morceau Bad Boys de Marseille, qui est devenu un hymne à leur ville natale. Leur premier concert à Montréal remonte à 1994, cela fait donc 30 ans. D’ailleurs, ils ont pris le temps de mentionner certains artistes montréalais avec lesquels ils ont collaboré durant ces dernières années, notamment Meryem Saci, ancienne membre du groupe Nomadic Massive, et Malika Tirolien, dont la carrière est en pleine effervescence.

Alors que le concert tire à sa fin, ils s’assoient tous les quatre sur un banc pour le morceau de 9 minutes Demain, c’est loin, un autre classique. À tour de rôle, Shurikn et Akhenaton s’adressent à la foule, laissant les autres sur le banc. « On observe que pas grand-chose n’a changé depuis qu’on a écrit ce morceau, mais ça ne nous empêche pas de penser à demain, parce que … demain c’est loin », dit Akhenaton en guise d’introduction.

Après la photo traditionnelle de fin de concert, ils partent en lançant un « Palestine libre ! Free Palestine ». IAM garde son militantisme intact, même après 30 ans.

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électronique / Hip Hop

Palomosa: Block Party avec High Klassified, KidCrayola et YKTV

par Rédaction PAN M 360

Piknic Électronik présente le Block Party Palomosa SOUS LE CALDER le 5 septembre prochain! 🌞🪣

🎶 Pour vous mettre dans l’ambiance de cette première édition du festival : High Klassified, KidCrayola (Vibe Benders) et YKTV (Vibe Benders).

Piknic Électronik presents the Palomosa Block Party UNDER THE CALDER on September 5! 🌞🪣

🎶 To get you in the mood for this first edition of the festival: High Klassified, KidCrayola (Vibe Benders) and YKTV (Vibe Benders).

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électronique / house / techno

MUTEK 2024 | Bouquet final avec Rhyw

par Sandra Gasana

Après avoir fait un gros câlin à Data Plan qui l’a précédé sur les platines, Rhyw prend les rênes de la scène Banque nationale du Piknik Électronik pour le show spécial Mutek. Il débute plutôt en douceur avant d’accélérer le rythme quelques minutes plus tard. La pluie n’a pas affecté le set de Rhyw qui a bénéficié d’un soleil de fin de soirée et d’une foule de plus en plus grandissante, au fur et à mesure que la soirée avançait.

Il se met d’ailleurs très vite à danser, alors que ses mouvements sur la console deviennent de plus en plus brusques, donnant le ton à ce qui nous attendra pour cette clôture de Mutek. La foule ne semble pas avoir remarqué le changement de DJ et continue à danser comme si de rien était mais un petit groupe de fans de Rhyw s’est avancé de la scène pour encourager leur artiste. On passe très vite en mode techno, house, avec quelques voix enregistrées qu’on entend ici et là. Le producteur de musique électronique gallois-grec Rhyw est célèbre pour ses sons audacieux et complexes. On entend parfois des bruits mystiques, dans une langue inconnue, mêlant synthés et invitant au voyage. Le même rythme synthé revient à plusieurs reprises mais accompagné de différents rythmes à chaque fois. En bref, il construit autour du synthé. Il profite des pauses pour changer de rythme et recommencer avec un son complètement différent et plus dansant.

Il se met à sauter par moments, tellement il se plonge dans son univers et on sent bien que le niveau de décibel est monté en flèche. Entre deux gorgées et quelques sourires timides à la foule, il profite des pauses entre deux chansons pour voir la réaction du public avant de repartir de plus bel. On est à fond dans l’électro avec des rythmes percussifs qui viennent ajouter du reflet.

Cet ancien membre du duo influent Cassegrain a bien fait de suivre une carrière solo qui le démarque sur la scène électro. Il a parcouru plusieurs scènes et événements estimés tels que Berghain, Berlin Atonal et Boiler Room Tokyo, pour ne nommer que ceux-là.
Mixant broken beat, techno traditionnelle et ultra-moderne, il ajoute des structures minimales mais robustes à ses sets endiablés qui nous donnent l’impression d’être dans une discothèque à ciel ouvert. Le public, majoritairement jeune, semblait apprécier la performance, pendant qu’une mère dans la soixante et sa fille dans la trentaine partageaient une cigarette en se trémoussant sur les sons de Rhyw, pendant qu’un père et sa jeune fille pré-ado dansaient à tue-tête tout le long du set.
On qualifie son travail « d’un dialogue entre le physique et l’abstrait, invitant les publics à expérimenter un son aussi intellectuellement stimulant qu’il est viscéral. »

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électronique / expérimental / contemporain / techno

MUTEK 2024 | Zoë McPherson, club music déconstruite

par Salima Bouaraour

Montréal était-elle prête pour Pitch Blender? Étions-nous suffisamment aguerri.es pour écouter de la techno contemporaine, de la deconstructed club music ? Assez équipé.e.s pour faire l’expérience d’une rave cybernétique?

À priori, Mutek a franchi le pas pour vous !

Depuis plusieurs années, la musique techno a évolué dans un spectre musical que l’on a encore du mal à nommer, spectre symbolisé par des artistes comme Blawan, Rhyw ou Peder Mannerfelt et bien d’autres encore. Lignes de basse méchantes. Rythmes syncopés à contretemps. Déconstruction des sons. Ricochets magnétiques. Fréquences filtrées. En Europe (Angleterre, Scandinavie, Allemagne), la scène regorge de génies, encore peu ou mal connu.es ici, où l’expérimentation et l’innovation musicale ne ont pas incompatibles avec la capacité à faire danser les gens.
Zoë Mc Pherson, artiste avant-gardiste multimédia franco-irlandais·e dynamique basé·e à Berlin, associe performance, design sonore, DJing et installation artistique pour créer des sons inhabituels. En s’alliant avec Alessandra Leone, motion designer, les deux créatrices ont offert au Métropolis un avant goût des nouvelles tendances en termes de techno. Cette rave cybernétique était transcendante et théâtrale. De longues sessions ancrées sur des basses puissantes et enveloppantes, des ricochets de kicks filtrés, des rythmes déconstruits à la touche punk hardcore ou parfois de dub accéléré. Majestueuse et monumentale, cette séance de transe a ouvert la porte, je l’espère, pour d’autres invitations dans la même gamme.

Zoë Mc Pherson & Alessandra Leone

FR/DE+IT/DE – Pitch Blender

Live A/V | Première nord-américaine

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