Montréal

Chanson francophone / musique de chambre

Centre PHI : Jeanne Laforest x Le Buissonor

par Rédaction PAN M 360

Après avoir enflammé ses chansons avec un grand ensemble orchestral, Jeanne Laforest propose une version dépouillée et acoustique de son répertoire avec un petit groupe créé pour l’occasion: le Buissonor. Entourée d’instruments à cordes, mélangeant des musicien·ne·s jazz et classiques à sa voix, elle convie à ce concert intime les âmes sensibles et les amateur·trice·s de subtilité.

After setting her songs on fire with a large orchestral ensemble, Jeanne Laforest offers a stripped-down, acoustic version of her repertoire with a small group created for the occasion: the Buissonor. Surrounded by string instruments, mixing jazz and classical musicians with her voice, she invites sensitive souls and lovers of subtlety to this intimate concert.

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exposition / militant

Centre PHI : Habitat Sonore – A Kind of Harmony

par Rédaction PAN M 360

A Kind of Harmony examine le son dans le contexte de ses implications sociales, politiques et environnementales. Cette série de conversations immersives explore les façons dont le son et l’écoute peuvent former et informer nos interactions quotidiennes. À travers six entrevues et des œuvres sonores qui les accompagnent, les animatrices Julia et Amanda nous invitent à reconsidérer notre relation avec le son; comment pouvons-nous entrer en résonance avec ce qui nous entoure?
AKOH est un projet de Julia E. Dyck et Amanda Harvey. Collaboratrices de longue date, elles ont co-créé des œuvres comprenant des productions radiophoniques, des performances audiovisuelles, des installations, des interventions, des ateliers et des événements. Bien que l’étendue de leur travail soit vaste, le point central reste l’exploration des pouvoirs de transformation du son.
Les 45 premières minutes de l’expérience sont dédiées à un entretien avec l’invité·e, suivi de 15 minutes d’écoute d’une création sonore réalisée par celleux-ci.

A Kind of Harmony examines sound in the context of its social, political and environmental implications. This series of immersive conversations explores the ways in which sound and listening can shape and inform our everyday interactions. Through six interviews and accompanying sound works, hosts Julia and Amanda invite us to reconsider our relationship with sound; how can we resonate with what surrounds us?
AKOH is a project by Julia E. Dyck and Amanda Harvey. Long-time collaborators, they have co-created works including radio productions, audiovisual performances, installations, interventions, workshops and events. While the scope of their work is vast, the focus remains on exploring the transformative powers of sound.
The first 45 minutes of the experience are devoted to an interview with the guest, followed by 15 minutes of listening to a sound creation made by the guest.

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électronique / immersion

Centre PHI : Broken Spectre

par Rédaction PAN M 360

Présenté à la Fondation PHI pour l’art contemporain en 2014 avec son œuvre The Enclave, Richard Mosse revient une nouvelle fois chez PHI avec un film d’art contemporain puissant, qui transporte le public sur le terrain et transmet des émotions à travers la magie des images.
Découvrez la nouvelle œuvre immersive de l’artiste primé Richard Mosse, qui vous emmène au cœur de l’Amazonie brésilienne. Broken Spectre plonge le public dans un spectacle cinématographique saisissant, qui documente la déforestation intensive de la plus grande forêt tropicale au monde.
Avec cette installation, Richard Mosse cherche à créer un langage visuel afin de mettre en avant les systèmes invisibles qui sont victimes de la catastrophe écologique que subit le bassin amazonien, aux échelles microscopique, interpersonnel et colossal.
L’exposition comprend une installation vidéo immersive sous la forme d’une projection haute définition sur un écran de 14 mètres, accompagné d’un système sonore quadriphonique de 20 hauts parleurs d’une durée de 74 minutes. Elle sera complétée par une sélection de photographies de l’artiste, issues du projet.

Presented at the PHI Foundation for Contemporary Art in 2014 with his work The Enclave, Richard Mosse returns once again to PHI with a powerful contemporary art film that transports the audience into the field and transmits emotions through the magic of images.
Discover award-winning artist Richard Mosse’s new immersive work, which takes you to the heart of the Brazilian Amazon. Broken Spectre immerses the audience in a gripping cinematic spectacle, documenting the intensive deforestation of the world’s largest rainforest.
With this installation, Richard Mosse seeks to create a visual language to highlight the invisible systems that are falling victim to the ecological catastrophe facing the Amazon basin, on microscopic, interpersonal and colossal scales.
The exhibition includes an immersive video installation in the form of a high-definition projection on a 14-metre screen, accompanied by a quadraphonic sound system of 20 loudspeakers lasting 74 minutes. It will be complemented by a selection of the artist’s photographs from the project.

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grunge / indie folk / power pop / rock

POP Montréal : Babe Corner + Non La + Kaleah Lee + Kieran Campbell

par Rédaction PAN M 360

Babe Corner

Babe Corner est un groupe de rock fèm composé de cinq membres basé à Vancouver, en Colombie-Britannique. Ce band indie dreampop lie des harmonies en quatre parties à des mélodies nostalgiques évoquant The Carpenters et Mazzy Star. Les multiples moments tendres de leurs chansons sont interrompus par des guitares grinçantes et des changements de tempo brusques. On a qualifié le groupe de power pop féminin, avec Lindsay Sjoberg à la guitare solo et au chant, Haley Blais à la basse et au chant, Allison Deleo de Doohickey Cubical au clavier, Lillian Carr à la guitare et Jessica Jones, du groupe pop Xana.

Babe Corner is a 5 piece femme rock band from Vancouver BC. It’s an indie dream pop band with 4 part harmony with nostalgic melodies inspired by bands like The Carpenters and Mazzy Star. The songs tend to have lots of tender moments that get interrupted by gritty guitar licks and jarring tempo changes. People have called it a female power pop group with Lindsay Sjoberg on lead guitar and vocals -who also plays guitar with the project Haley Blais who is on bass and vocals, Allison Deleo from Doohickey Cubical on keys, and Lillian Carr on Guitar and Jessica Jones who plays with pop band Xana.

Non La

Non La est un projet musical solo de DJ On. DJ On est un musicien multi-instrumentiste queer sino-vietnamien qui se consacre à raconter le queer. À travers sa musique et son art, DJ On partage ses expériences en tant que gai et Asiatique ; il fait appel à des conversations sur le pink washing, la fétichisation asiatique et l’amour queer. Non La tisse des liens entre la pop, le rock et le grunge pour raconter des histoires queers avec esprit et sincérité.

Non La is a solo music project by DJ On. DJ is a queer Chinese-Vietnamese multi-instrumentalist musician who is dedicated to queer story telling. Through his music and art, On shares his experiences of being gay and Asian; he calls in conversations of pink washing, Asian fetishization, and queer love. Non La weaves together aspects of pop, rock, and grunge to tell queer stories with wit and honesty.

Kaleah Lee

Kaleah Lee est une auteure-compositrice-interprète basée à Vancouver. Elle s’est d’abord faite remarquée grâce à ses chansons originales sur TikTok, accumulant plus de 25 millions de vues, 85k abonné·es et recevant l’attention de Taylor Swift, Bon Iver, Maggie Rogers, Gracie Abrams, et bien d’autres. Kaleah a tourné avec Leith Ross, Searows et Katie Tupper, et prépare le lancement de son premier EP ainsi que sa première apparition à SXSW en mars prochain.

Kaleah Lee is a Vancouver-based singer-songwriter. She first turned heads with her original songs on TikTok, eventually amassing over 25 million views, 85k followers and receiving the attention of Taylor Swift, Bon Iver, Maggie Rogers, Gracie Abrams, and more. Kaleah has toured with Leith Ross, Searows, and Katie Tupper, and is preparing to drop her debut EP alongside her anticipated first SXSW appearance in March.

Kieran Campbell

Kieran Campbell est un auteur-compositeur-interprète indie folk canadien. Né à Victoria, en Colombie-Britannique, il partage son temps entre Montréal, au Québec, et Tofino, en Colombie-Britannique. Fortement influencé par l’auteur-compositeur-interprète américain Townes Van Zandt et le chanteur folk américain Dave Van Ronk, le son de Kieran est immédiatement reconnaissable et captive les publics de toutes les générations. Sur scène, tant solo qu’accompagné, Kieran déroute le public grâce à sa performance énigmatique et captivante de ses chansons entraînantes.

Kieran Campbell is a Canadian indie alt folk singer-songwriter. Born in Victoria, British Columbia, Campbell splits his time between Montreal, Quebec, and Tofino, BC. Heavily influenced by American singer-songwriter Townes Van Zandt, and American folk singer Dave Van Ronk, Kieran’s sound is instantly recognizable, captivating audiences of all generations alike. With a mix of up-beat full band songs and solo, Kieran brings an enigmatic yet captivating performance to the stage leaving audiences bewildered.

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Pop indé / R&B

POP Montréal : Virginie B – Lancement d’album

par Rédaction PAN M 360

L’excentricité envoûtante de Virginie B n’a d’égal que sa créativité débordante. L’autrice-compositrice-interprète, réalisatrice et multi-instrumentiste propose une réappropriation unique des codes de l’hyperpop en y incorporant des touches de nu-jazz, de funk et de R&B, le tout complémenté d’une approche conceptuelle raffinée héritée de l’art pop. Accompagnée de son talentueux collaborateur et co-réalisateur Louis Jeay-Beaulieu, elle applique cet amalgame de styles à la fois distinctif et polyvalent à l’exploration de sa psyché, de sa féminité et de son rapport à la technologie et à la nature. En résulte un exutoire avec lequel elle exprime ses désirs comme ses abus en toute vulnérabilité sans trop se prendre au sérieux, reflétant du même coup une confiance imposante.
Qu’on parle de mise en scène, de création visuelle ou de recherche de textures sonores, Virginie B exploite son large éventail de talents en s’impliquant dans tous les aspects de son art. En spectacle, elle fait preuve d’un charisme hypnotisant, décuplé par la chimie indéniable qu’elle partage avec Louis, qui l’accompagne à la basse. Outre son projet solo, elle apporte sur scène une valeur ajoutée aux divers artistes avec lesquels elle collabore, comme Super Plage, Félix Dyotte, ALIAS ou Marie-Gold.
Son premier album INSULA, lancé de façon indépendante en 2022, attire rapidement l’attention de la critique, récoltant au passage les éloges d’ICI Première, Le Devoir, La Presse, Montreal Rocks! et PAN M 360. Cette reconnaissance culmine avec une nomination au GAMIQ 2022 dans la catégorie Album pop de l’année. Parallèlement, Virginie prouve son talent inné pour la scène à de multiples occasions : aux Francofolies de Montréal, à Coup de Cœur Francophone, au Phoque OFF, au Festival Santa Teresa, au Taverne Tour, aux Sélections officielles pour M pour Montréal 2022 et en tant qu’Artiste officielle lors de l’édition de SXSW en mars 2023. En 2024, Virginie B travaille sur de nouvelles chansons hyperpop qui allient mélodies accrocheuses, expérimentations stylistiques et textures recherchées à une poésie à la fois introspective, profonde et accessible.

Virginie B’s irresistible quirkiness is matched only by her boundless creativity. The singer-songwriter, producer and multi-instrumentalist offers a unique reappropriation of hyperpop by incorporating touches of nu-jazz, funk and R&B, complemented with a refined conceptual approach inherited from art pop. Accompanied by her talented collaborator and co-producer Louis Jeay-Beaulieu, she applies this distinctive and versatile combination of styles to the exploration of her psyche, femininity and relationship with technology and nature. The result is an outlet through which she expresses her desires and excesses without taking herself too seriously, reflecting her vulnerability and confidence.
From stage direction to visual identity and sound design, Virginie B uses her wide range of skills by getting involved in every aspect of her art. On stage, she exudes a mesmerizing charisma, enhanced by the undeniable chemistry she shares with Louis, who accompanies her on bass. In addition to her solo project, she brings her striking stage presence to the live shows of the many Montreal-based artists she collaborates with, such as Super Plage, Félix Dyotte and Marie-Gold.
INSULA, her debut album, quickly attracted attention upon its independent release in 2022, garnering praise from ICI Première, Le Devoir, La Presse, Montreal Rocks! and PAN M 360. This recognition culminated in a nomination for Pop Album of the Year at GAMIQ 2022.
Virginie also proved her onstage talent on multiple occasions, such as Francofolies de Montréal, Coup de Cœur Francophone, Phoque OFF, Santa Teresa Festival, Taverne Tour, M for Montreal 2022’s Official Selections and as an Official Artist at SXSW 2023.
In 2024, Virginie B is working on new hyperpop songs that combine catchy melodies, stylistic experimentation and intricate textures with poetry that is at once introspective, profound and accessible.

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folk / folk expérimental / Indie / pop

POP Montréal : The Barr Brothers + Juana Molina + Kee Avil

par Rédaction PAN M 360

The Barr Brothers

The Barr Brothers sont une groupe musical avec leur base d’opérations à Montréal, au Québec. Leur son est principalement alimenté par la batterie polyrythmique et enjouée d’Andrew Barr, la guitare de son frère Brad Barr, et les prouesses innovatrices à la harpe de Sarah Pagé, qui a à elle seule redéfini cet instrument et son usage. De la basse, de la guitare pedal steel, des claviers et des cuivres vont et viennent librement dans le mix. Autant à l’aise avec les ballades arcadiennes solennelles qu’avec les improvisations nord-africaines marécageuses ou avec le rock’n’roll plus classique, The Barr Brothers continuent d’embrasser et d’enchanter les spectateurs avec leur approche musicale à la fois méthodique et fantaisiste.

To begin their third album, The Barr Brothers weren’t writing any songs. For the first time, the Montreal outfit’s three members – namesake siblings Brad and Andrew Barr, harpist Sarah Pagé – went empty-handed into the studio. No plans or preconceptions, no books of lyrics or sheets of chords – they went down miles of snowy road to a cabin on a frozen lake, a place full of windows and microphones and starlight and sunshine, with amplifiers in the bedrooms, their volumes turned up loud. On the fringes of Saint Zenon, Québec (pop. 1,1150), a 30-minute snowmobile ride to the nearest grocery store, the band spent seven days making things up. Improvisations that lasted hours at a time – noons and midnights, dusks and dawns, with grooves inspired by India, West Africa and 808s; by Brad’s scorching electric guitar; and by Pagé’s new inventions, hacks to turn her harp into a versatile, sub-bass-booming noisemaker. Queens of the Breakers was born at that cabin in the country. Then the band took that racket and distilled it into songs: 11 tracks of blazing courage and failing resolve; suffused with groove, melody and the Barr Brothers’ wide-open sense of the blues. At times the sound’s all twinkling, the score for a lost John Hughes film; at other times it’s whetted, searching, like the stuff of Lhasa de Sela or Led Zeppelin’s III. These are tales of teenagers prowling through Rhode Island mansions (the title track), coming to Montreal and falling in love (“Song That I Heard”), tattered patriotism and clenching fists (“Kompromat”, “Ready for War”). There’s also “Defibrillation”, a mournful letter from a father to his son, inspired by the broken rhythm of a pair of hospital heart monitors – and a drumbeat based on that dither. It’s this tension, this dither, that lives at the centre of Queens of the Breakers. Three players – friends, comrades, music-makers, all of them trying to play in sync. Three bandmates – each of them fumbling, remembering, trying to invent something together. A band still playing, even occasionally reimagining, their rock’n’roll.

Juana Molina

Maître de la pop expérimentale mystérieuse, Juana Molina est reconnue comme l’une des artistes les plus originales et visionnaires du moment. Son parcours professionnel a été unique, depuis son succès initial en tant qu’actrice comique très populaire dans son Argentine natale, jusqu’à l’abandon de sa carrière télévisuelle en 1996 et sa décision de se consacrer à forger son propre style de musique inimitable, qui lui a valu une reconnaissance mondiale en tant qu’artiste d’enregistrement et de tournée saluée par la critique.

A master of mysterious experimental pop, Juana Molina is recognized as one of the most original and visionary artists around. Her career trajectory has been a unique one, from her initial success as a massively popular comedic actress in her native Argentina, to the abandonment of her television career in 1996 and her decision to devote herself to forging her own, inimitable style of music, which gained her worldwide recognition as a critically-lauded recording and touring artist.

Kee Avil

La productrice montréalaise Kee Avil combine guitare, voix et production électronique dans des chansons déconstruites qui s’inspirent d’un mélange distinctif de sensibilité avant-pop, glitch, post-industrielle et folk expérimental. Son dernier album, Spine, est sorti chez Constellation en mai 2024 en tant qu’Album Bandcamp du jour et a été largement salué par la critique. The Line of Best Fit a affirmé que « Spine confirme la virtuosité de l’esthétique et de la production de Kee Avil, comparable à Jlin ou SOPHIE — produisant un glitch suintant et caverneux, truffé de manipulations », tandis qu’Uncut a décrit sa musique comme étant « profondément intime et intensément troublante… comme une forme de vie extraterrestre tortillant ses mandibules ». Spine a fait l’objet d’un article dans The Wire, qui a déclaré que « les grooves squelettiques de Kee Avil nous frappent avec une intimité urgente », tandis que The Quietus a salué son intensité contenue : « Spine mijote, frôlant l’éruption. Les sons s’agitent comme du gel sous pression ». Spine élargit la palette sonore de Kee Avil avec une intensité détaillée, révélant une nouvelle présence convaincante dans le monde de la chanson expérimentale, où les pierres de touche sont PJ Harvey, Eartheater, Shygirl, SOPHIE et Lucretia Dalt ; dans un univers où Juana Molina collabore avec Coil et où Grouper se fond à Autechre.

Montreal producer Kee Avil combines guitar, voice, and electronic production into deconstructed songs informed by a distinctive blend of avant-pop, glitch, post-industrial and experimental folk sensibilities. Her latest album Spine was released on Constellation in May 2024 as Bandcamp Album of the Day, garnering widespread critical accolades. The Line of Best Fit declared ‘Spine affirms Kee Avil’s status of an aesthetics and production virtuoso comparable to Jlin or SOPHIE – producing a dripping, cavernous version of glitch slammed with manipulations.’ while Uncut described it as ‘Deeply intimate and intensely unsettling… like an alien lifeform flexing its mandibles.’ Spine was featured in The Wire, stating ‘Kee Avil’s skeletal grooves hit with an urgent intimacy.’ while the Quietus applauded its restrained intensity ‘Spine simmers, sashaying close to eruption. Sounds worm around like squeezed gel.’ Spine expanded Kee Avil’s sonic palette with intensive detail, revealing a compelling new voice in experimental songcraft, where touchstones include PJ Harvey, Eartheater, Shygirl, SOPHIE and Lucretia Dalt; where Juana Molina collabs with Coil, or Grouper melds with Autechre.

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hip-hop / rap keb

POP Montréal : Nomadic Massive + City Natives + Raccoon + Dr.Mad + Wefunk

par Rédaction PAN M 360

Le super-groupe de hip-hop montréalais NOMADIC MASSIVE est reconnu pour sa musique funky, ses paroles réfléchies et ses spectacles remplis d’action. Considéré comme le premier groupe de hip-hop live indépendant de la ville, il est aujourd’hui un incontournable de la scène musicale montréalaise. Cette véritable bête de scène a chauffé les planches du monde entier, ayant connu une évolution fascinante depuis sa création en 2004. Ayant résisté à l’épreuve du temps, Nomadic Massive a su s’adapter et se transformer au fil des ans, tout en gardant un sens constant de la communauté et une perspective internationale. Dans le cadre de ce concert spécial – 20ieme anniversaire, le public peut s’attendre à une performance qui fera vibrer la foule. Nomadic Massive partagera son énergie scénique sans égale, livrée dans les langues qui composent les communautés multiculturelles de Montréal. Le spectacle mettra en avant non-seulement la musique de leur dernier EP, intitulé Out Of Town, mais se penchera également sur des classiques de leur catalogue qui mettront en vedette un large éventail d’invités d’honneur surprises, qui ont tous été un élément pilier de l’histoire de Nomadic Massive. Pour l’occasion, le groupe sortira également un disque vinyle de 7 pouces exclusif, en édition limitée, de leur tout nouveau single intitulé If I Want To Live. Le Block Party vous fera danser aux sons de DJ Static de Wefunk Radio ainsi que de Dr.Mad de Voyage Funktastique.

Montreal hip-hop supergroup NOMADIC MASSIVE is renowned for its funky music, thoughtful lyrics and action-packed shows. Considered the city’s first independent live hip-hop group, they are now a fixture on the Montreal music scene. This veritable beast of a band has warmed up stages the world over, having undergone a fascinating evolution since its creation in 2004. Having stood the test of time, Nomadic Massive has adapted and transformed itself over the years, while maintaining a constant sense of community and an international outlook. As part of this special 20th anniversary concert, audiences can look forward to a crowd-pleasing performance. Nomadic Massive will share its unrivalled stage energy, delivered in the languages that make up Montreal’s multicultural communities. The show will not only feature music from their latest EP, Out Of Town, but will also delve into classics from their catalog, featuring a wide range of surprise guests of honor, all of whom have been a mainstay of Nomadic Massive’s history. For the occasion, the band will also be releasing an exclusive, limited-edition 7-inch vinyl record of their brand-new single entitled If I Want To Live. The Block Party will have you dancing to the sounds of DJ Static from Wefunk Radio and Dr.Mad from Voyage Funktastique.

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alt country / Indie / rock

POP Montréal : House show Calexico

par Rédaction PAN M 360

Dans les années à venir, Calexico sortira huit autres albums studio tout aussi bien reçus qui les aideront à décrocher des places à Coachella, Bonnaroo, Glastonbury et Roskilde, ainsi que des dates avec des artistes comme Wilco, Pavement, Arcade Fire, Andrew. Oiseau, et plus encore. Le Washington Post a salué le concert du groupe comme étant « presque parfait », tandis que le Chicago Tribune a salué l’énergie « vibrante » et la « conviction convaincante » de leurs performances, et WNYC s’est émerveillé de la capacité du groupe à « rugir comme Sonic Youth [et ] murmure comme Elliott Smith » sur scène.
Tout au long de leur carrière, le don caméléon de Calexico pour le changement de forme sonore en a également fait des collaborateurs très recherchés, tant en studio que sur la route. En plus de sortir deux disques communs très appréciés avec son compagnon de tournée fréquent Iron & Wine (dont le dernier, Years To Burn, a remporté deux nominations aux GRAMMY), le groupe a travaillé avec tout le monde, de Willie Nelson et Jim James à Nancy Sinatra et Neko. Case, a produit et joué sur l’album n°1 d’Amos Lee, Mission Bell, et a composé la musique de plusieurs longs métrages.

Praised by NPR for their “sprawling, cross-cultural indie rock,” Calexico has spent the better part of the past three decades exploring the dusty musical borderlands of the American Southwest, crafting singular, cinematic songs as mysterious and magnificent as the arid desert landscapes that inspired them. Founded in Tucson, AZ, by guitarist/singer Joey Burns and drummer John Convertino, the band first emerged to widespread acclaim in the mid-1990s with a string of arresting, evocative records that blurred the lines between their roots, rock, and Latin influences, but it was 2003’s Feast of Wire that truly marked the duo’s commercial and critical breakthrough, earning them their first appearances on the Billboard charts and rave reviews everywhere from The Guardian to Pitchfork, who called the record “genuinely masterful.” In the years to come, Calexico would go on to release eight more similarly well-received studio albums that would help land them slots at Coachella, Bonnaroo, Glastonbury, and Roskilde, alongside dates with the likes of Wilco, Pavement, Arcade Fire, Andrew Bird, and more. The Washington Post hailed the band’s live show as “near-flawless,” while The Chicago Tribune lauded the “vibrant” energy and “compelling conviction” of their performances, and WNYC marveled at the group’s ability to both “roar like Sonic Youth [and] whisper like Elliott Smith” onstage.
Throughout their career, Calexico’s chameleon-like gift for sonic shapeshifting has also made them highly sought after collaborators, both in the studio and on the road. In addition to releasing a pair of widely praised joint records with frequent tourmate Iron & Wine (the latest of which, Years To Burn, garnered two GRAMMY nominations), the band has worked with everyone from Willie Nelson and Jim James to Nancy Sinatra and Neko Case, produced and performed on Amos Lee’s #1 album Mission Bell, and scored multiple feature films.

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folk / pop / R&B / tropicalia

POP Montréal : Fernie + Emilie Kahn + Unessential Oils

par Rédaction PAN M 360

Fernie

Fernie est là, et il est enfin prêt. À 26 ans, le chanteur montréalais connaît du succès à l’international, en embrassant son vécu et en transformant les saisons de souffrance en R&B franc et cinématographique. Désormais sous contrat avec Secret City Records — après avoir attiré l’attention de Patrick Watson — il démontre avec Hopeless Dreams qu’il est un artiste talentueux et excitant qui est là pour rester, à chanter des chansons sombres qui illuminent la nuit.
« Ce sont mes histoires, nos histoires », confie Fernie. Des histoires tristes, difficiles; des souvenirs déchirants, bouleversants. En 2021, le musicien a lancé le projet autoproduit qui l’a révélé, Aurora, et s’est retrouvé propulsé sur les scènes d’événements majeurs tels que Osheaga, The Great Escape (Royaume-Uni), et SIM São Paulo (Brésil). Hopeless Dreams est en quelque sorte un antépisode, explique-t-il, la face A de la B qu’est Aurora. Le EP explore les origines de Fernie et comment les histoires de son passé l’ont transformé.
Fernie est né au Brésil, mais a grandi à Montréal, ayant été adopté par une famille parlant anglais, portugais, français et allemand. Son enfance a été pénible et aliénante, mais Fernie s’est évadé dans l’écriture de chansons. À 20 ans, il avait enregistré ses premières compositions, mais il vivait encore chez sa mère, travaillait dans un dépanneur et songeait à abandonner la musique. Puis un soir, dans un party, il a rencontré le producteur Samant (Samaether). Immédiatement complice, le duo a entamé une fructueuse collaboration musicale, fondant le collectif Kids From The Underground à partir de l’Ouest-De- L’Île, et confectionnant Aurora. Fernie est passé de ne plus avoir le goût de vivre à rêver d’un avenir meilleur, canalisant son amour de Frank Ocean, d’Adele et des trames sonores de films pour créer un nouveau paysage sonore où s’exprimer.
Après le succès incroyable de Aurora, Hopeless Dreams présente un chanteur assez confiant pour revisiter les pires moments de son existence, des traumatismes d’enfance aux relations toxiques. Parfois, comme dans la soyeuse « Valhalla», la voix de Fernie est portée par de riches arrangements de cordes soul; ailleurs, comme dans la dévastatrice « Bones & All », l’instrumentation est minimaliste. Dans « Pain», on peut entendre le piano et la voix de Patrick Watson, le compatriote montréalais qui a découvert Fernie avant la parution d’Aurora et qui est devenu son mentor. Chacun a été l’invité spécial de l’autre lors du Festival d’été de Québec et de M pour Montréal en 2022, et Watson est celui qui a amené Fernie chez Secret City.
Hopeless Dreams est empreint de vulnérabilité, mais ce n’est pas « un appel à l’aide », précise Fernie. Ce somptueux disque « va à la rencontre des autres, afin qu’ils ne se sentent pas seuls. C’est universel. C’est pour tout le monde.»

Fernie’s finally ready. At 26 years old, the Montreal singer has gone international: fighting back his doubts and embracing his history, transforming seasons of pain into unflinching, cinematic R&B. Now signed to Secret City Records—after catching the ear of Patrick Watson—Hopeless Dreams is the proof that this exciting new talent here to stay, singing dark songs that light up the night.
“These are my stories, our stories,” Fernie says. Sad stories, hard stories, memories of heartbreak and hurt. In 2021, the musician self-released his breakthrough project, Aurora—propelling him onto global stages, including Osheaga, The Great Escape (UK) and SIM São Paulo (Brazil). Hopeless Dreams is a kind of “prequel” EP, he explains—an A-side to Aurora’s B—exploring where Fernie came from and how those stories changed him.
Fernie was born in Brazil but grew up in Montreal, adopted into a home that spoke English, Portuguese, French and German. It was a difficult and often alienating childhood, yet Fernie found an escape in songwriting. By the time he was 20, he had written and recorded his first tunes, but he was still living at home with his mom, working at a dép, and contemplating giving up on art. Finally, at a party one night, Fernie met the producer Samant (Samaether). Their bond was instantaneous: soon they had founded the West Island collective Kids From The Underground, and began crafting Aurora. Fernie had gone from abandoning hope to dreaming of the future, channelling his love of Frank Ocean, Adele and movie soundtracks into a new, expressive sound.
Following on Aurora’s bewildering success, Hopeless Dreams sees the singer ashine with new confidence, revisiting the worst moments of his past—from childhood trauma to extractive relationships. At times, as on the silken “Valhalla,” Fernie’s voice is carried by rich, soulful string arrangements; elsewhere, like the devastating “Bones & All,” his songs have been stripped nearly bare. “Pain” features piano and guest vocals by fellow Montrealer Patrick Watson, who discovered Fernie before Aurora’s release and became a mentor. The two musicians swapped guest appearances at 2022’s Festival d’été de Québec and M for Montreal, and Watson was the one to introduce him to Secret City.
For all its vulnerability, Hopeless Dreams isn’t “a hand reaching out for help,” Fernie says. This sumptuous record is “a hand reaching out to other people, so they don’t feel alone. That’s universal. That’s for everyone.”

Emilie Kahn

Le nouvel album d’Emilie Kahn, Maybe (Secret City Records, 2023) est une collection de chansons pop chatoyantes qui abordent l’amour, quelque part entre un oui et un non. À travers ces 14 pièces, l’harpiste et chanteuse montréalaise passe du désespoir ensoleillé à la confiance grandissante. Elle a lancé deux autres albums: d’abord 10,000 en 2015 sous le nom d’artiste Emilie & Ogden, puis Outro sous son propre nom, en 2019, effectué des tournées avec Half Moon Run, et reçu des éloges autant du New York Times que de KCRW et BBC 6Music.

Emilie Kahn’s new album, Maybe (Secret City Records, 2023), is a collection of shimmering, lovesick pop music, dispatched from the space between yes and no. Over 14 tracks, the Montreal harpist and singer oscillates from sunburned hopelessness to a quickening confidence. Emilie has released two previous albums (the first, 2015’s 10,000, under the moniker Emilie & Ogden, followed by Outro, under her own name, in 2019), toured with notable acts such as Half Moon Run, and earned accolades everywhere from The New York Times and Mojo to KCRW and BBC 6Music.

Unessential Oils

Unessential Oils est un nouveau projet de Warren Spicer, chanteur du groupe montréalais Plants and Animals. Inspirée par le jazz, le folk, Tropicália, Jorge Ben, Daniel Lanois et Miles Davis, la musique d’Unessential Oils est née alors que Warren trempait dans le bain. Ouvert et flexible, il s’inscrit dans l’esprit d’Alabaster DePlume, Connan Mockasin, Hermanos Gutiérrez et Devendra Banhart. Spicer est également un producteur de disques chevronné, récompensé au Gala de l’ADISQ. Il a notamment réalisé des albums avec Plantes et Animaux, La Force, Comment debord, Chocolat, Ludovic Alarie et Emilie Kahn, pour ne citer qu’eux. Unessential Oils a ouvert pour Alabaster DePlume et Bye Parula l’automne dernier.

Unessential Oils is a new project by Warren Spicer, singer of the Montreal band Plants and Animals. Inspired by jazz, folk, Tropicália, Jorge Ben, Daniel Lanois, and Miles Davis, Unessential Oils’ music came to be while Warren was soaking in the bath. Open and flexible, it is in the spirit of Alabaster DePlume, Connan Mockasin, Hermanos Gutiérrez and Devendra Banhart. Spicer is also a seasoned record producer, who has been awarded at the Gala de l’ADISQ. He has notably produced albums with Plants and Animals, La Force, Comment debord, Chocolat, Ludovic Alarie, and Emilie Kahn, to name a few. Unessential Oils opened for Alabaster DePlume and Bye Parula last fall.

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Ce contenu provient de POP Montréal et est adapté par PAN M 360.

classique

OSM: La fantastique Symphonie de Berlioz

par Rédaction PAN M 360

Le renommé pianiste Daniil Trifonov sera de retour à la Maison symphonique pour interpréter le Concerto de Schumann, une œuvre au caractère poétique et enflammé que le compositeur destinait à son épouse Clara. C’est également à une femme, Harriet Smithson, dont Berlioz était éperdument épris, qu’est dédiée la Symphonie fantastique. Avec une prodigieuse puissance expressive et une inspiration intarissable, le musicien confie à l’orchestre ses tourments ainsi que ses espoirs amoureux.

Renowned pianist Daniil Trifonov returns to the Maison symphonique to perform Schumann’s Concerto, a poetic, fiery work that the composer dedicated to his wife Clara. The Symphonie fantastique is also dedicated to a woman, Harriet Smithson, with whom Berlioz was madly in love. With prodigious expressive power and inexhaustible inspiration, the musician entrusts the orchestra with his torments as well as his hopes for love.

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Ce contenu provient de l’Orchestre Symphonique De Montréal et est adapté par PAN M 360

Chanson francophone

Domaine Forget: Les Flambettes

par Rédaction PAN M 360

Quatre artistes, quatre univers, réunis dans un même spectacle!

La première cohorte des Flambettes, projet initié par le ROSEQ, présente un spectacle réunissant quatre artistes de la relève, sélectionnés pour leur talent et provenant de divers horizons. Telle une conversation articulée en chansons (Belle Grand Fille, Dan-Georges McKenzie, Velours Velours) et en prose (Mathieu Villeneuve), le spectacle visite nos territoires, Nitassinan, intimes et physiques, nos rêves, nos peurs, nos amours et bien sûr, nos espoirs.

Four artists, four worlds, in one show!

The first cohort of Les Flambettes, a project initiated by ROSEQ, presents a show featuring four up-and-coming artists selected for their talent and diverse backgrounds. Like a conversation articulated in song (Belle Grand Fille, Dan-Georges McKenzie, Velours Velours) and prose (Mathieu Villeneuve), the show visits our territories, Nitassinan, intimate and physical, our dreams, our fears, our loves and, of course, our hopes.

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Ce contenu provient du Domaine Forget et est adapté par PAN M 360.

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