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Londonienne aux multiples talents, anaiis (dont le nom s’écrit en minuscules en hommage à la pédagogue, autrice et militante bell hooks) compose une musique qui fait appel à notre sens inné de l’émerveillement. anaiis compose une musique qui fait appel à notre sens inné de l’émerveillement. Ses chansons explorent la transformation, les liens qui nous unissent et les possibilités qui s’ouvrent lorsque nous accueillons le changement avec curiosité et grâce. Enregistré aux 5dB Studios à Londres, son dernier album, Devotion & The Black Divine, s’appuie sur l’incertitude et l’acceptation. Sa nouvelle vie de maman a été une influence majeure. Elle a permis à anaiis de mieux comprendre comment réagir avec grâce, créer en toute liberté et saisir la réalité de la condition humaine, sans artifice et imprévisible. Cette expansion intérieure est perceptible tout au long de l’album, qui offre une large palette émotionnelle sans pour autant perdre son ancrage. Sans le vouloir, anaiis semble dialoguer avec son environnement, car cet album est une œuvre ambitieuse dans laquelle elle se pousse – avec tendresse, comme vous le découvrirez en l’écoutant – aux limites de sa zone de confort. Elle écrit à partir de la conscience collective, où le protagoniste principal de sa musique est souvent le vaste éventail des émotions humaines.
London-based polymath anaiis (whose name appears in lowercase as a tribute to educator, author and activist bell hooks) makes the kind of music that speaks to an innate sense of wonder. anaiis makes the kind of music that speaks to an innate sense of wonder. Her songs explore transformation, connection, and the possibilities that emerge when we embrace change with curiosity and grace. Recorded at 5dB Studios in London, her latest album Devotion & The Black Divine leans into uncertainty and acceptance. New motherhood has been a core influence. It deepened anaiis’ understanding of how to react with grace, create with freedom, and capture the reality of being human, unposed and unpredictable. That internal expansion is audible across the record, which holds a wide emotional range without losing its still point. Inadvertently, anaiis seems to be in conversation with her surroundings, as the album is an expansive effort that has anaiis shoving herself—lovingly, as you’ll come to learn by listening through—to the edges of her comfort zone. She writes from the collective consciousness, where the main protagonist in her music is often the vast array of human emotions.
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Luna
Le groupe légendaire de dream pop Luna a été formé à New York en 1992 et a enregistré pour Elektra Records, Beggars Banquet et Double Feature Records.
Legendary dreampop band, Luna were formed in New York City in 1992 and have recorded for Elektra Records, Beggar’s Banquet and Double Feature Records.
Hanako
Hanako est une auteure-compositrice-interprète établie à Montréal qui affectionne tout autant le folk que la dream pop. Son nouvel EP, « A Sibling Spring », mêle humour et mélancolie pour retracer les souvenirs décousus de sa jeunesse. Chantant en anglais et en japonais, elle offre des spectacles solo intimistes à la guitare acoustique à 12 cordes, ou propose un son plus ample avec une guitare électrique et son groupe d’accompagnement habituel.
Hanako is a Montreal-based singer-songwriter who loves folk and dream pop in equal measure. Her new EP, « A Sibling Spring », uses humor and melancholy to retrace the ramshackle memories of younger days. Writing in both English and Japanese, she performs intimate solo shows on her 12-string acoustic, or delivers a grander sound with electric guitar and her regular backing band.
sundayclub
S’infiltrant dans une statique scintillante, le premier album éponyme du groupe winnipegois sundayclub exige qu’on soit à l’écoute. Décrit comme une « pop rêveuse, coup de poing au ventre », SUNDAYCLUB explore l’étrange entre-deux du début de l’âge adulte : cette sensation d’être coincé entre qui on était et qui on est en train de devenir. Comme la lumière du soleil qui scintille doucement à travers une fenêtre, l’encre qui se répand lentement sur une page, ou une photo argentique granuleuse qui adoucit les contours durs, les paysages sonores texturés et superposés de l’album évoquent un sentiment romantique de nostalgie et d’éphémère. Pour leur première offrande complète, sundayclub arrive assuré et posé, tissant ensemble un monde lumineux qui brouille la frontière entre le passé et le présent.
Filtering in with shimmering static, Winnipeg outfit sundayclub’s self-titled debut demands you tune in. Described as “dreamy, gut-punch pop,” SUNDAYCLUB explores the strange limbo of early adulthood: that feeling of being caught between who you were and who you’re becoming. Like sunlight softly glimmering through a window, ink slowly bleeding across a page, or a grainy film photograph blurring hard edges, the album’s layered, textured soundscapes evoke a romantic feeling of nostalgia and ephemeralness. On their first full-length offering, sundayclub arrive poised and self-assured as they weave together a glowing world that blurs the line between past and present.
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La série Jazz@Vue est présentée par le Théâtre Outremont en collaboration avec Effendi, l’une des étiquettes jazz les plus importantes au Canada, les Productions Yves Léveillé et les Productions Félix Stüssi, organismes voués à la production et la présentation de concerts de jazz contemporain. Du 29 octobre au 1er novembre, découvrez chaque soir un plateau double d’artistes.
Jazzlab Orchestra et invités
Depuis plus de deux décennies, le Jazzlab Orchestra s’affirme comme un véritable moteur de création au sein de la scène jazz. L’ensemble incarne une vision artistique forte : celle d’un collectif devenu un modèle de constance, un espace vivant d’échanges et de recherche. Formation unique en son genre, le Jazzlab se distingue par sa capacité à explorer et à intégrer une grande diversité de langages musicaux, dans un parcours artistique exigeant et cohérent. Cette démarche, portée par un travail collectif rigoureux, donne lieu à une signature artistique singulière et reconnue.
The Jazz@Vue series is presented by Théâtre Outremont in collaboration with Effendi, one of the most important jazz labels in Canada, Productions Yves Léveillé and Productions Félix Stüssi, organizations dedicated to the production and presentation of contemporary jazz concerts. From 29 October to 1 November, every evening discover a double platter of artists.
Jazzlab Orchestra and guests
For more than two decades, the Jazzlab Orchestra has established itself as a true creative engine within the jazz scene. The ensemble embodies a strong artistic vision: that of a collective that has become a model of constancy, a living space for exchange and research. A unique formation of its kind, the Jazzlab is distinguished by its ability to explore and integrate a wide variety of musical languages, in a demanding and coherent artistic journey. This approach, driven by rigorous collective work, gives rise to a singular and recognized artistic signature.
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Originaire de Staten Island, Infinite Coles est une force multidisciplinaire issue de l’avant-garde queer new-yorkaise. Véritable caméléon sonore, il mélange house, hip-hop et soul afin de remettre en question les conventions de genre et d’identité. Malgré sa filiation avec Ghostface Killah, Coles s’est forgé une trajectoire propre grâce à la scène ballroom et vogue de New York ainsi qu’à des collaborations avec Sampha et Joy Orbison. Son premier album SweetFaceKillah, réalisé avec le producteur Zach Witness, reflète une authenticité forgée à travers l’adversité.
Staten Island-born Infinite Coles is a multidisciplinary force emerging from NYC’s queer vanguard. A “sonic chameleon,” Coles blends house, hip-hop, and soul to challenge genre and gender conventions. Despite a high-profile lineage as the son of Ghostface Killah, he has carved a distinct path through the city’s vogue-ballroom scene and collaborations with artists like Sampha and Joy Orbison. Following his acclaimed 2021 EP Destiny, Coles releases his debut album, SweetFaceKillah, on December 5. Created with producer Zach Witness, the project reflects a hard-won authenticity forged through resilience, moving from pandemic-era shelters to global creative acclaim.
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Sixtrum propose un voyage percussif à travers la scène contemporaine des Pays-Bas, avec un programme qui rassemble des voix marquantes et contrastées de la musique actuelle : Simeon Ten Holt, Arnold Marinissen, Sarah Neutkens, Celia Swart, Edward Top, ainsi que Trevor Grahl, compositeur canadien vivant aux Pays-Bas. Ce programme met en lumière les résonances d’un pays à l’identité musicale forte, où le minimalisme, l’expérimentation sonore et l’ouverture à l’international se rencontrent. À travers les œuvres de jeunes créateurs et de figures établies, Sixtrum explore des univers où la pulsation côtoie la nuance, et où le geste instrumental devient une matière expressive à part entière. Au cœur de cette sélection, le légendaire Simeon Ten Holt propose une écriture hypnotique et intuitive qui a profondément marqué le minimalisme européen. En contraste, les œuvres de Neutkens et Swart révèlent une approche plus introspective et texturale du son. Arnold Marinissen, compositeur et percussionniste, offre une musique où le rythme devient un langage physique et théâtral. Le programme inclut aussi deux voix singulières entre le Canada et les Pays-Bas. Edward Top, formé dans les deux pays, développe une musique riche en tensions et en couleurs. Trevor Grahl, quant à lui, incarne le dialogue transatlantique en mêlant rigueur formelle et expressivité nord-américaine.
Sixtrum offers a percussive journey through the contemporary scene of the Netherlands, with a program that brings together striking and contrasting voices of today’s music: Simeon ten Holt, Arnold Marinissen, Sarah Neutkens, Celia Swart, Edward Top, as well as Trevor Grahl, a Canadian composer living in the Netherlands. This program highlights the resonances of a country with a strong musical identity, where minimalism, sonic experimentation and an openness to the international meet. Through the works of young creators and established figures, Sixtrum explores worlds where pulse sits alongside nuance, and where the instrumental gesture becomes an expressive material in its own right. At the heart of this selection, the legendary Simeon ten Holt offers a hypnotic, intuitive writing that profoundly shaped European minimalism. In contrast, the works of Neutkens and Swart reveal a more introspective and textural approach to sound. Arnold Marinissen, composer and percussionist, offers a music in which rhythm becomes a physical and theatrical language. The program also includes two singular voices spanning Canada and the Netherlands. Edward Top, trained in both countries, develops a music rich in tensions and colours. Trevor Grahl, for his part, embodies the transatlantic dialogue, blending formal rigour and North American expressivity.
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Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360
La grande virtuose américaine, Sirena Huang, poursuit son interprétation de l’intégrale pour violon seul de Bach. Ce midi, le public est invité à un voyage intérieur : d’une confidence tendre et profonde dans la Sonate no 1 en sol mineur BWV 1001 à une traversée ardente et grandiose avec la Partita no 1 en si mineur BWV 1002. Ensemble, ces œuvres nous plongent dans l’intimité de Bach et ses élans passionnés – un moment inoubliable.
The great American virtuoso Sirena Huang continues her performance of Bach’s complete works for solo violin. This noon concert invites the audience on an inward journey—from the tender and profound intimacy of the Sonata No. 1 in G minor BWV 1001 to the fiery grandeur of the Partita No. 1 in B minor BWV 1002. Together, these works draw us into Bach’s inner world and passionate spirit—an unforgettable experience.
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Ce contenu provient du Festival de musique de chambre de Montréal et est adapté par PAN M 360
Cette performance musicale et documentaire explore les identités relatives aux déplacements à travers la flûte, l’électronique et la parole collectée. Le projet s’inscrit dans les territoires traversés et propose de collecter les voix d’ici et les amener à les faire entendre ailleurs. Ce projet de création musicale et documentaire interroge les notions de déplacement, de frontière et d’identité à partir d’une expérience incarnée du terrain. Porté par la flûte comme instrument central, enrichi par l’électronique, le son documentaire et la parole collectée, le projet tisse un lien étroit entre écriture musicale contemporaine et récits de vies traversées par le départ. La forme scénique dépasse le concert pour proposer une expérience immersive, où le corps de l’interprète, l’espace et le son dialoguent constamment. À la croisée du politique et de l’intime, le projet cherche moins à expliquer qu’à faire ressentir, en ouvrant un espace d’écoute pour des voix souvent invisibilisées.
This musical and documentary creation explores displacement, borders, and identity through an embodied, field-based approach. Centered on the flute and enriched by electronics, documentary sound, and collected voices, the project weaves contemporary musical writing with lived narratives shaped by departure and migration. Testimonies gathered in border territories — notably around the Mediterranean and along the U.S.–Mexico border — become a core artistic material, transformed and fragmented through sound and instrumental gesture. The stage form moves beyond the concert format to create an immersive experience, where the performer’s body, space, and sound are in constant dialogue. Positioned at the intersection of the political and the intimate, Les gens qui partent does not seek to explain but to evoke, opening a space of deep listening for voices that are often unheard or marginalized.
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Fleur de Peau
Fleur de Peau est un duo synth-pop né en 2023, formé de Louis Fernandez et Élie Dubois-Sénéchal. Leur musique, influencée par les années 80, mêle mélancolie, urgence de vivre et engagement queer et féministe. En 2024, ils sortent un premier album aux sonorités électro, punk, dreampop et indie rock, à la fois percutant et poétique. Cette année, le duo Fleur de Peau dévoile son deuxième album Parachute, une œuvre à la fois électrique et profondément organique, où l’humain et les instruments respirent au même rythme.
Fleur de Peau is a synth-pop duo formed in 2023 by Louis Fernandez and Élie Dubois-Sénéchal. Influenced by the 1980s, their music blends melancholy, a sense of urgency to live, and queer and feminist activism. In 2024, they released a debut album with electro, punk, dreampop, and indie rock sound, both hard-hitting and poetic. This year, the duo Fleur de Peau unveils their second album, Parachute, a work that is both electric and deeply organic, where humans and instruments breathe in the same rhythm.
Meteor Heist
Nommé parmi les cinq artistes émergents à surveiller par le magazine Exclaim! en février 2026, Meteor Heist est un groupe indie-pop basé à Toronto. Formé en 2022, le groupe est depuis devenu un incontournable de la scène musicale de Toronto. Leur musique a été décrite comme étant composée de « …paroles évocatrices et érudites portées par une instrumentation luxuriante et complexe […] rappelant l’âge d’or du rock alternatif Canadien des années 90. » Leur nouvel EP, « Meteor Heist II », produit par le lauréat d’un Grammy, Olle Romo, est paru le 23 janvier 2026.
Praised by Exclaim Magazine as one of Canada’s top 5 emerging artists in February 2026, Meteor Heist is an Indie-Rock band based in Toronto. The band formed in 2022 and has since become a staple of the Ontario music scene. Their music has been described as “something out of the glory days of 90s Canadian alt rock.” Their new EP “Meteor Heist II”, produced by Grammy-nominated producer Olle Romo, was released on January 23rd, 2026.
Vincent Khouni
Leader du groupe rock garage montréalais Double Date with Death (DDWD), Vincent Khouni a pris le large en solo, tel un message confié aux vagues, pour explorer un univers plus intime. Avec le multi-instrumentiste Emmanuel Alias (ALIAS) à la batterie et à la réalisation, il compose une musique située quelque part entre la chaleur analogique de la fin des années 60 et l’expérimentation contemporaine. Artiste visuel à temps perdu (collage, peinture), Khouni aime jouer avec les images, les mots et leurs résonances. Après des expositions à Montréal et en Europe, ainsi que des collaborations avec divers magazines, il transpose son sens du collage à la chanson, traitant chaque morceau comme une toile à peindre. Autant à l’aise en français qu’en anglais, Khouni enrichit sans cesse sa palette sonore, façonnant des chansons où la texture et l’atmosphère priment autant que la mélodie. En septembre 2023, il dévoile 8:12pm, un premier album salué par Le Devoir comme « une dose de réconfort ». Sur scène, il partage son univers lors de concerts marquants (Coup de coeur francophone, Les Francouvertes, premières parties de Bon Enfant, Alex Burger, Bibi Club, Alphonse Bisaillon, LARAW, Yuma Abe). En 2025, Vincent revient avec Accident, un EP de quatre titres façonnés avec Emmanuel Alias. Plus sombre, ce projet navigue entre pop alternative et électro planante, teintée de touches post-rock. Des rythmiques électroniques se mêlent à des synthés “dreamy” et à des guitares texturées. Inspirés de ses contemporains comme Flavien Berger James Blake ou d’autres Bon Iver, l’auteur-compositeur poursuit son odyssée musicale. Avec Accident, Khouni une ligne claire entre poésie et modernité, là où les émotions se fondent dans la matière sonore.
As the frontman of the Montreal garage rock band Double Date with Death (DDWD), Vincent Khouni has set out on a solo journey—like a message entrusted to the waves—to explore a more intimate world. With multi-instrumentalist Emmanuel Alias (ALIAS) on drums and as producer, he creates music that lies somewhere between the analog warmth of the late 1960s and contemporary experimentation. A visual artist in his spare time (collage, painting), Khouni enjoys playing with images, words, and their resonances. Following exhibitions in Montreal and Europe, as well as collaborations with various magazines, he has applied his sense of collage to songwriting, treating each track like a canvas to be painted. Equally at ease in French and English, Khouni continually enriches his sonic palette, crafting songs where texture and atmosphere take precedence over melody. In September 2023, he released 8:12pm, a debut album hailed by Le Devoir as “a dose of comfort.” On stage, he shares his world through memorable concerts (Coup de coeur francophone, Les Francouvertes, opening for Bon Enfant, Alex Burger, Bibi Club, Alphonse Bisaillon, LARAW, and Yuma Abe). In 2025, Vincent returned with Accident, a four-track EP crafted with Emmanuel Alias. Darker in tone, this project navigates between alternative pop and dreamy electro, tinged with hints of post-rock. Electronic rhythms blend with dreamy synths and textured guitars. Inspired by contemporaries such as Flavien Berger, James Blake, and Bon Iver, the singer-songwriter continues his musical odyssey. With Accident, Khouni draws a clear line between poetry and modernity, where emotions merge with the soundscape.
Thalia Rosaura
Auteure-compositrice-interprète québécoise et colombienne, Thalia Rosaura explore le métissage culturel et linguistique à travers une musique électropop féminine, dansante et rassembleuse. Inspirée par les femmes fortes de sa famille et les récits d’immigration, elle revisite la chanson latino-américaine et le R&B pop contemporain, en français comme en espagnol.
Singer-songwriter Québéco-Colombian artist Thalia Rosaura explores cultural and linguistic hybridity through a feminine, dance-driven, and unifying electropop sound. Inspired by the strong women in her family and by stories of migration, she reimagines Latin American song and contemporary R&B pop, in both French and Spanish.
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Nick Hakim
Nick Hakim se situe quelque part entre le philosophe analytique, le poète mystique et le peintre abstrait. L’entendre parler de musique, c’est rencontrer quelqu’un qui en saisit pleinement la puissance, qui a été touché par sa magie et a été témoin de ses miracles. Il voue un véritable culte à la musique, la considérant à la fois comme un art ancestral et comme un remède éternel. L’entendre jouer, c’est ressentir ces vérités fondamentales en temps réel. C’est cet esprit que l’auteur-compositeur new-yorkais insuffle à sa musique, que ce soit en tant que créateur ou collaborateur. De ses premiers albums — Green Twins (2017) et Will This Make Me Good (2020) — jusqu’à son nouvel opus, I Can See, Hakim a cherché la vérité dans chaque note composée et chaque parole chantée. Toutefois, sa vérité relève davantage de l’abstrait et de l’impalpable que du factuel ; elle évoque plus volontiers Borges que George Washington. Une certitude cosmique imprègne I Can See : la conviction que le bien, dans l’univers, existe pour une raison.
Nick Hakim sits somewhere between an analytical philosopher, mystic poet, and abstract painter. To hear him speak of music is to encounter someone who fully understands its power, who has been moved by its magic and seen its miracles. He’s devoted to music as both an ancient art form and eternal medicine. To hear him play music is to feel these truisms in live time. It’s a spirit that the New York-based songwriter has carried in his music—both as composer and collaborator. From early LPs like 2017’s Green Twins and 2020’s Will This Make Me Good, to his new album, I Can See, Hakim has pursued the truth in every note he’s written, every lyric he’s sung. His truth, though, is more akin to the abstract and intangible than the factual—more Borges than George Washington. It’s a cosmic assuredness that manifests throughout I Can See; a belief that the good in the universe is good for a reason.
Arima Ederra
Pour Arima Ederra, chanteuse basée à Los Angeles mais ayant grandi à Las Vegas, tout a commencé par la poésie. C’est là qu’elle a fait ses premiers pas dans le chant lors de scènes ouvertes dédiées à la poésie ; on l’y invitait bientôt à reprendre des titres de ses artistes favoris, tels que Bob Marley, Lauryn Hill et Little Dragon. En 2016, installée à Los Angeles, elle sort Temporary Fixes, un EP de compositions originales explorant ses influences R&B à travers des morceaux aux structures et textures atypiques, traitant du temps et de la mortalité. Son premier album, An Orange Colored Day, paraît en 2022 ; c’est une méditation empreinte de tendresse sur le deuil et la vie qui suit un chagrin d’amour. La voix suave d’Ederra, mêlant curiosité enfantine et sincérité, lui vaut rapidement un public fidèle. L’album, produit en grande partie par Ederra et Teo Halm (connu pour « Con Altura » de Rosalía, « Open Arms » de SZA ou « Evergreen » d’Omar Apollo), tisse des récits de perte et de peine de cœur pour finalement aboutir à la foi.
Poetry came first for Arima Ederra, the Los Angeles based singer who’d spent her formative years in Las Vegas. It was there that she first flirted with singing by way of open mics at poetry nights that soon invited her to cover songs from her favorite artists including Bob Marley, Lauryn Hill and Little Dragon. By 2016, she’d moved to Los Angeles and put out Temporary Fixes, an EP of original songs experimenting with her R&B influences on unconventionally structured and textured songs about time and mortality. Her debut LP An Orange Colored Day followed in 2022, a tenderizing meditation on loss and the life that follows heartbreak. Ederra’s honeyed voice singing with childlike curiosity and earnestness gained her fans. The album, largely produced by Ederra and Teo Halm (Rosalía’s “Con Altura”, SZA’s “Open Arms”, Omar Apollo’s “Everygreen”) wove through stories of loss and heartbreak and by the end, she arrives at faith.
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De jeunes musicien·nes de 12 à 18 ans du programme d’écriture de chansons de KIDS POP montent sur scène.
Teen musicians (ages 12 to 18) from the KIDS POP songwriting program take the stage.
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