arabo-andalou / classique arabe

Festival du monde arabe : Dar El Malouf, l’écho de Grenade à l’Espace Culturel Kawalees

par Rédaction PAN M 360

De Grenade à Tunis, une mémoire voyage encore. Dar El Malouf convie le public à un voyage musical au cœur d’un héritage millénaire, celui du Malouf, ce chant andalou né à Grenade et à Séville, porté par les routes de l’exil jusqu’aux rives de la Tunisie, où il a trouvé une terre d’accueil et de transmission et qui résonne aujourd’hui, pour la première fois, jusqu’à Montréal.
Né de la rencontre entre les raffinements de l’Andalousie mauresque et l’âme tunisienne, le Malouf porte en lui la mémoire d’un exode et la beauté d’une renaissance. Ses nûbas, suites musicales savamment structurées, déploient un art subtil où la poésie chantée épouse des rythmes ancestraux, entre gravité et élévation, entre nostalgie et célébration.
Les artistes de Dar El Malouf font revivre ce patrimoine classé avec une fidélité exigeante et une sensibilité contemporaine, redonnant voix à des textes séculaires qui n’ont rien perdu de leur puissance évocatrice. Gardiens d’une mémoire partagée entre les deux rives de la Méditerranée, ils offrent au public montréalais l’occasion rare d’entendre résonner, dans toute sa noblesse, l’un des plus précieux legs de l’Andalousie disparue.

From Granada to Tunis, a memory still travels. Dar El Malouf invites the public on a musical journey to the heart of a thousand-year-old heritage, that of Malouf, an Andalusian song born in Granada and Seville, carried along the routes of exile to the shores of Tunisia, where it found a land of welcome and transmission, and which today resounds, for the very first time, as far as Montreal.
Born of the encounter between the refinements of Moorish Andalusia and the Tunisian soul, Malouf carries within it the memory of an exodus and the beauty of a rebirth. Its nubas, musical suites of masterful structure, unfold a subtle art in which sung poetry marries ancestral rhythms, between gravity and elevation, between nostalgia and celebration.
The artists of Dar El Malouf bring this classified heritage back to life with demanding fidelity and contemporary sensibility, giving voice once more to centuries-old texts that have lost none of their evocative power. Guardians of a memory shared between the two shores of the Mediterranean, they offer Montreal audiences the rare opportunity to hear, in all its nobility, one of the most precious legacies of a vanished Andalusia.

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arabe / musique sacrée

Festival du monde Arabe : Zeina Maan, souffles du Levant au Théâtre Plaza

par Rédaction PAN M 360

L’artiste syrienne Zeina Maan nous invite à une immersion envoûtante, à la croisée du chant sacré, des complaintes levantines et des élans plus contemporains de la musique arabe.
Nourrie par la rigueur des grands classiques et animée par une quête d’authenticité sans compromis, Maan s’impose comme l’une des voix arabes les plus bouleversantes de la scène montréalaise. Son art ne tient pas qu’à la maîtrise technique : il réside dans cette rare capacité à faire vibrer l’âme même du maqâm. Poétesse du souffle, elle s’empare des classiques pour les envelopper d’une intensité dramatique et d’une douceur presque fragile. Chez elle, la tradition n’est pas figée — c’est une matière vivante, une flamme que l’on transmet d’un rivage à l’autre.
Un rendez-vous avec le sublime, où se révèle la beauté des filiations culturelles et où la musique redevient une prière capable d’apaiser le temps.

Syrian artist Zeina Maan invites us into an entrancing immersion at the crossroads of sacred song, Levantine laments, and the more contemporary currents of Arab music.
Steeped in the rigour of the great classics and driven by an uncompromising quest for authenticity, Maan stands out as one of the most moving Arab voices on the Montreal scene. Her art does not rest on technical mastery alone: it resides in that rare capacity to set the very soul of the maqâm vibrating. A poetess of breath, she takes hold of the classics and wraps them in dramatic intensity and an almost fragile tenderness. For her, tradition is not frozen — it is living matter, a flame passed from one shore to another.
An encounter with the sublime, in which the beauty of cultural lineage is revealed and music becomes once more a prayer capable of soothing time.

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avant-garde / bruitiste / musique contemporaine

Le Vivier | Le calmar déchaîné de Squid in Chains

par Frédéric Cardin

Le Vivier présentait hier soir un programme double d’impro libre à l’espace Sainte-Hilda à Montréal. D’abord le duo violon/guitare électrique montréalais de Adrianne Munden-Dixon et Raphaël Foisy, qui était suivi du trio atypique vancouvérois Squid in Chains, formé de John Oliver aux synthés, François Houle aux clarinettes et Douglas Schmidt à l’accordéon.

Munden-Dixon et Foisy, deux habitués de la scène d’avant-garde, ont offert une perfo bruitiste en impro libre, mélangeant leurs deux instruments de façon étroite. Les pépiements granulaires de Foisy, sur sa guitare électrique, trouvaient un écho complémentaires dans les frottements saccadés, aléatoires du violon de Munden-Dixon. Parfois rugueux (les cordes frottées avec le bois de l’archet), parfois éthérés (les cordes à peine effleurées), les sons exprimés par la violoniste avaient quelque chose de frénétique et nerveux, tandis que la guitare semblait plutôt s’esclaffer ludiquement. Une trentaine de minutes d’écoute très concentrée, pas pour toutes les oreilles, certes, mais stimulantes pour celles qui ont assez de muscles pour s’y frotter. 

La perfo la plus substantielle de la soirée était celle du trio Squid in Chains. Impro assez libre ici aussi, mais plus encadrée et bénéficiant, on le devine, d’un scénario qui guide les artistes sur une durée d’environ 45 minutes. Alors que ça commence dans un impressionnisme éclaté, la trame sonore se transforme pour devenir, pendant quelques minutes, mélodique, grâce à la clarinette judaïsante de François Houle, qui révèle des affinités klezmer certaines. Ensuite, ça se transforme de nouveau pour devenir plus dense et extatique, alternant ou juxtaposant brisures timbrales (Houle encore), pulsation d’accordéon, vagues récessives et expansives du synthé, etc. 

On en ressort bien nourri et impressionné par la qualité et la cohérence du jeu d’ensemble des trois Canadiens. 

Squid in Chains sera à Ottawa ce soir, 6 novembre et à Saltspring Island (Colombie-britannique) le 12 novembre

Moyen-Orient / Levant / Maghreb / musique traditionnelle arabe / traditionnel

FMA 2026 | Ensemble Navāk: une musique qui parle de paix au-delà des mots

par Sandra Gasana

La Cinquième Salle de Place des Arts n’était pas pleine à craquer comme je le pensais mais ceux qui y étaient ont apprécié le spectacle intitulé « The Narrators of Peace » de l’Ensemble Navāk, venu de Toronto spécialement pour l’occasion.

Six sur scène, cinq musiciens et un chanteur à la voix envoûtante, un peu comme celle des Muezzins dont la voix émane des mosquées.

Parmi les instruments, on pouvait reconnaitre deux tars, cet instrument à long manche et à cordes très populaire au Moyen-Orient, particulièrement en Iran, un kamânche qui s’apparente au violon, un tombak, cet instrument de percussion digitale et enfin, le santour d’Amin Reihani dont on a pu avoir une démonstration lors de notre entrevue.

Le chanteur qui les accompagnait intervenait sur certains morceaux alors qu’il restait silencieux durant d’autres, savourant le moment musical. D’ailleurs, lors des deux premiers morceaux du concert, la lumière qui lui permettait de lire ses partitions était bien trop forte et aveuglait même la foule. Heureusement, l’amie qui m’accompagnait est allée voir l’ingénieur son qui a réglé la situation sous les applaudissements de la salle. Nous étions enfin prêt à savourer le spectacle dans les meilleures conditions.

Nous avons eu droit à plusieurs solos de chaque instrument, surtout en début de chanson, puis des dialogues entre deux, trois ou quatre instruments, à tour de rôle, avant d’avoir l’Ensemble au complet incluant la voix.

Cette voix débutait parfois uniquement avec le santour ou encore avec l’un des tars, avant que les autres musiciens n’embarquent progressivement pour nous offrir un bouquet final.

L’entracte entre les deux parties du concert n’a pas été bien expliqué au public qui se demandait si c’était la fin ou si les musiciens allaient revenir. Heureusement, le personnel de la Cinquième salle nous a informé que les musiciens allaient revenir, à notre grand soulagement.

Après quelques secondes pour accorder les instruments à cordes à l’aide du santour et des regards complices pour s’assurer de débuter en même temps, c’était reparti pour un autre moment suspendu dans le temps. Mon amie qui était arabophone ne parvenait pas à saisir les mots du chanteur, moi qui pensais naïvement que la langue perse s’apparentait à l’arabe. Et bien, pas du tout puisque nous ne reconnaissions aucun mot sauf peut-être « habiba » à un certain moment ou encore « intizar » qui signifie l’attente. Cela dit, c’est là que nous voyons le pouvoir de la musique. Même sans comprendre un mot, on pouvait ressentir les émotions véhiculées par l’Ensemble Navāk, et en sachant que le thème de la paix était au centre de leur projet, nous sommes ressortis de là apaisés. En effet, « The Narrators of Peace » est inspiré de l’album « Call for Peace » paru en 2025 mais lors de cette soirée, nous avons eu droit à des chansons inédites qui paraitront en 2027 dans leur troisième album.

Après cette soirée, nous resterons à l’affût afin de découvrir l’intégralité de ce nouvel album et poursuivre notre immersion dans le monde du Radif, ce répertoire traditionnel transmis de maître à disciple.

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chanson / folk

Coup de cœur francophone : Dany Placard et Cartier Préféré au Verre Bouteille

par Rédaction PAN M 360

Dany Placard

Dany Placard fait partie du paysage depuis plus d’un quart de siècle, ce qui lui a laissé en masse le temps d’explorer une trâlée de chemins de campagne musicaux. Ayant précédé la vague folk des années 2010, il est toujours là, des décennies plus tard, à faire résonner des morceaux qui nous bercent depuis longtemps ou qui nous remuent depuis la veille. Ce spectacle, c’est l’occasion désignée pour revisiter – ou découvrir – le généreux catalogue d’un monument de la chanson indé d’ici, riche de huit albums solo.

Dany Placard has been a fixture on the scene for over a quarter of a century, which has given him plenty of time to explore a whole host of musical country lanes. Having preceded the folk wave of the 2010s, he’s still here, decades later, performing songs that have been lulling us to sleep for a long time or stirring us up since yesterday. This show is the perfect opportunity to revisit—or discover—the extensive catalog of a legend of the local indie music scene, with eight solo albums to his credit.

Cartier Préféré

Cartier Préféré, c’est le projet solo de Charles Guay, collaborateur prisé d’une pléthore d’artistes d’ici (Marie-Mai, Sara Dufour, Julien Sagot et Dany Placard, entre autres) qui a décidé de prendre du temps pour lui – pour affirmer un cheminement artistique qui est le sien. Guidé par le désir de concilier création et vie familiale, il propose une pop à la fois intime, sensible et accessible, comme une fenêtre ouverte sur sa vie personnelle et sa pratique artistique – traitant de parentalité, de temps qui passe et du moment présent.

Cartier Préféré is the solo project of Charles Guay, a sought-after collaborator with a host of local artists (including Marie-Mai, Sara Dufour, Julien Sagot, and Dany Placard, among others), who has decided to take some time for himself—to forge his own artistic path. Driven by a desire to balance his creative work with family life, he offers a style of pop that is at once intimate, sensitive, and accessible—like a window into his personal life and artistic practice—exploring themes of parenthood, the passage of time, and living in the moment.

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électro-pop / indie pop

Coup de cœur francophone : Zéa Calla au Cabaret Lion d’Or

par Rédaction PAN M 360

Où vont les rêves lorsqu’on les abandonne?, c’est d’emblée une bonne question – et c’est aussi le titre du premier album de Zéa Calla. Pour son lancement, elle transforme le Lion d’Or en cabinet de curiosité : un espace où les fantômes, les cicatrices et les choses mortes peuvent encore raconter quelque chose. Un exutoire de pop électronique, percussive et théâtrale, avec une intensité à la fois énergique et confessionnelle; une célébration des transformations imparfaites, coûteuses, nécessaires; une rencontre pour celles et ceux à qui l’on reproche leur intensité, leur sensibilité ou leur radicale honnêteté.

“Where do dreams go when we let them go?” is a good question right off the bat—and it’s also the title of Zéa Calla’s debut album. For its release, she transforms the Lion d’Or into a cabinet of curiosities: a space where ghosts, scars, and dead things can still tell a story. An outlet for electronic, percussive, and theatrical pop, with an intensity that’s both energetic and confessional; a celebration of imperfect, costly, yet necessary transformations; a gathering for those who are criticized for their intensity, their sensitivity, or their radical honesty.

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arabo-andalou / classique arabe / poésie

Festival du monde arabe : Saison de la migration vers le Sud à l’Espace Culturel Kawalees

par Rédaction PAN M 360

Apprendre une musique qui n’est pas la sienne, c’est accepter de désapprendre une partie de soi. Gabrielle Cloutier et Juulie Rousseau, deux artistes québécoises qui ont traversé les frontières de leur propre langage musical pour se laisser façonner par d’autres traditions, ont emprunté ce chemin exigeant, celui qui mène vers les cultures musicales arabes et persanes, guidées par la curiosité autant que par le respect.
À travers cette rencontre, il s’agit de comprendre ce qui se joue lorsqu’un univers musical étranger devient un espace de découverte, de dialogue et de transformation. Comment on apprend à écouter autrement, comment une tradition nous transforme en retour, et ce que la transmission exige de patience et d’ouverture.
Chanteuse formée aux répertoires médiévaux et méditerranéens, Gabrielle Cloutier explore depuis plusieurs années les chants mozarabes, séfarades et arabo-andalous, où se croisent les traces de plusieurs civilisations. Juulie Rousseau, autrice-compositrice-interprète, a quant à elle bâti son univers musical au fil de séjours prolongés en Inde, en Mongolie, en Turquie et en Iran, où le chant est devenu pour elle un langage qui dépasse les mots. Joshua Greenberg, musicien et oudiste, explore les traditions musicales du Moyen-Orient et leur dialogue avec d’autres univers sonores, faisant de la rencontre entre les cultures un fil conducteur de son parcours artistique.
Portée par ces parcours, la discussion porte sur la transmission, la curiosité et l’écoute comme conditions de la rencontre entre les cultures, laissant aussi une place à la musique et à la poésie, témoins vivants de ces chemins parcourus.

To learn a music that is not one’s own is to accept unlearning a part of oneself. Gabrielle Cloutier and Juulie Rousseau, two Quebec artists who have crossed the borders of their own musical language to let themselves be shaped by other traditions, have taken this demanding path, one that leads toward Arab and Persian musical cultures, guided as much by curiosity as by respect.
This encounter seeks to understand what is at stake when a foreign musical universe becomes a space of discovery, dialogue, and transformation: how one learns to listen differently, how a tradition transforms us in return, and what transmission demands in terms of patience and openness.
A singer trained in medieval and Mediterranean repertoires, Gabrielle Cloutier has spent several years exploring Mozarabic, Sephardic, and Andalusian Arab songs, in which the traces of several civilizations intersect. Juulie Rousseau, a singer-songwriter, has for her part built her musical universe through extended stays in India, Mongolia, Turkey, and Iran, where song became, for her, a language beyond words.
Carried by these two journeys, the discussion lingers on transmission, curiosity, and listening as conditions for encounter between cultures, while also making room for music and poetry, living witnesses to the paths travelled.

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Création / musique traditionnelle arabe

Festival du monde Arabe : L’Écho des mondes à la salle Pierre-Mercure

par Rédaction PAN M 360

Cette soirée tisse des ponts entre les cultures. Des rives du Moyen-Orient aux élans de l’orchestre contemporain, elle fait dialoguer les traditions et les imaginaires, portée par une création mondiale de Katia Makdissi-Warren et des œuvres de Bechara El-Khoury, Fazıl Say et d’autres voix inspirées.

This evening weaves bridges between cultures. From the shores of the Middle East to the surge of the contemporary orchestra, it brings traditions and imaginations into dialogue, carried by a world premiere by Katia Makdissi-Warren and works by Bechara El-Khoury, Fazıl Say, and other inspired voices.

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expérimental / contemporain / improvisation libre

Le Vivier : Squid in Chains / Adrianne Munden-Dixon & Raphaël Foisy à l’église Sainte-Hilda

par Rédaction PAN M 360

Squid in Chains est un trio de Vancouver mêlant improvisation, électronique et instruments acoustiques. Il réunit François Houle (clarinette et électronique), Douglas Schmidt (bandonéon et saxophone) et John Oliver (synthétiseurs, échantillonneurs et traitement sonore). En première partie: Adrianne Munden-Dixon et Raphaël Foisy, explorent en duo ou avec des invité-es (Karen NG, Ben Bennett, James Goddard, Andrew Furlong, Yves Charuest, Joni Void, Geneviève Gauthier, Mark Molnar, Susanna Hood…) une musique pour violon et guitare où les instruments se confondent mimétiquement et s’interrompent dans un territoire de textures, de timbres, de dynamiques, de contrastes, de bruits, de réflexes et d’accidents.

Squid in Chains is a Vancouver-based trio blending improvisation, electronics, and acoustic instruments. It brings together François Houle (clarinet and electronics), Douglas Schmidt (bandoneon and saxophone), and John Oliver (synthesizers, samplers, and sound processing). Opening the evening: Adrianne Munden-Dixon and Raphaël Foisy explore, as a duo or with guests (Karen NG, Ben Bennett, James Goddard, Andrew Furlong, Yves Charuest, Joni Void, Geneviève Gauthier, Mark Molnar, Susanna Hood…), a music for violin and guitar in which the instruments merge mimetically and interrupt one another within a territory of textures, timbres, dynamics, contrasts, noises, reflexes, and accidents.

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classique / Piano

Grande finale du Concours OSM – Édition 2026 – Piano

par Rédaction PAN M 360

Depuis 1940, le Concours OSM a révélé des talents exceptionnels qui ont marqué durablement la scène musicale. Parmi ses lauréats figurent des pianistes aujourd’hui reconnus sur la scène internationale, tels que Bruce Liu, Jan Lisiecki et Angela Hewitt, dont les carrières illustrent le rôle déterminant du concours comme tremplin artistique. Pour cette 87e édition, le piano est à l’honneur, avec un programme riche et contrasté où les finalistes, accompagnés par l’Orchestre symphonique de Montréal sous la direction d’Antony Hermus, proposeront une interprétation à la fois virtuose et d’une grande intensité expressive.

Since 1940, the OSM Competition has brought to light exceptional talents who have left a lasting mark on the musical landscape. Among its laureates are pianists now acclaimed on the international stage, such as Bruce Liu, Jan Lisiecki, and Angela Hewitt, whose careers exemplify the competition’s pivotal role as an artistic springboard. For its 87th edition, the spotlight is on the piano, with a rich and contrasting program in which the finalists—performing with the Montreal Symphony Orchestra under the direction of Antony Hermus—will offer interpretations that are both virtuosic and deeply expressive.

Les finalistes et leur programme seront dévoilés à l’issue des épreuves de demi-finale du Concours OSM 2026, le 11 novembre 2026.

The finalists and their programme will be announced following the semifinal rounds of the 2026 OSM Competition, on November 11, 2026.

RÉSERVATIONS DÈS LE 22 OCTOBRE 2026 / GRATUIT

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baroque / classique

Arion Orchestre Baroque : Les quatre saisons à la salle Bourgie

par Rédaction PAN M 360

Si Les quatre saisons de Vivaldi, œuvres oubliées pendant plus de deux siècles, sont aujourd’hui parmi les pages les plus appréciées du répertoire baroque, c’est parce qu’elles sont bien plus que des concertos pour violon. Illustrant en musique la morsure du froid, la chaleur accablante du soleil d’été ou encore le pépiement des oiseaux au printemps, ces œuvres sont depuis plus de 300 ans les bandes sonores de nos vies ! Sous l’archet de la brillante violoniste suisse Leila Schayegh que l’on retrouvera à la direction d’Arion, et assortie d’œuvres vocales de Vivaldi et de Bembo livrées par l’admirable soprano québécoise Sophie Naubert, cette présentation promet tout un carrousel d’émotions et de contrastes.

If Vivaldi’s Four Seasons—works forgotten for over two centuries—are today among the most beloved pieces in the Baroque repertoire, it is because they are far more than just violin concertos. Depicting the biting cold, the oppressive heat of the summer sun, or the chirping of birds in spring, these works have become the soundtracks of our lives after over 300 years! Brought to life by the brilliant Swiss violinist Leila Schayegh, who returns to conduct Arion, and paired with vocal works by Vivaldi and Bembo performed by the remarkable Quebec soprano Sophie Naubert, this presentation promises a whirlwind of emotions and contrasts.

Programme

Antonio Vivaldi (1678 –1741)
Les quatre saisons, RV 269, RV 315, RV 293, RV 297
Concerto pour cordes en si bémol majeur, RV 163 « Conca »
In Furore iustissimae irae, RV 626
« Vedrò con mio diletto » (Il Giustino, RV 717)
« Agitata da due venti » (Griselda, RV 718)
Antonia Bembo (1640-1720)
Cantate “Per il natale”

Program

Antonio Vivaldi (1678 –1741)
The Four Seasons, RV 269, RV 315, RV 293, RV 297
Concerto for strings in B-flat Major, RV 163 “Conca”
In Furore iustissimae irae, RV 626
“Vedrò con mio diletto” (Il Giustino, RV 717)
“Agitata da due venti” (Griselda, RV 718)
Antonia Bembo (1640-1720)
Cantate “Per il natale”

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baroque / classique

Arion Orchestre Baroque : Les quatre saisons à l’église Saint-Viateur d’Outremont

par Rédaction PAN M 360

Si Les quatre saisons de Vivaldi, œuvres oubliées pendant plus de deux siècles, sont aujourd’hui parmi les pages les plus appréciées du répertoire baroque, c’est parce qu’elles sont bien plus que des concertos pour violon. Illustrant en musique la morsure du froid, la chaleur accablante du soleil d’été ou encore le pépiement des oiseaux au printemps, ces œuvres sont depuis plus de 300 ans les bandes sonores de nos vies ! Sous l’archet de la brillante violoniste suisse Leila Schayegh que l’on retrouvera à la direction d’Arion, et assortie d’œuvres vocales de Vivaldi et de Bembo livrées par l’admirable soprano québécoise Sophie Naubert, cette présentation promet tout un carrousel d’émotions et de contrastes.

If Vivaldi’s Four Seasons—works forgotten for over two centuries—are today among the most beloved pieces in the Baroque repertoire, it is because they are far more than just violin concertos. Depicting the biting cold, the oppressive heat of the summer sun, or the chirping of birds in spring, these works have become the soundtracks of our lives after over 300 years! Brought to life by the brilliant Swiss violinist Leila Schayegh, who returns to conduct Arion, and paired with vocal works by Vivaldi and Bembo performed by the remarkable Quebec soprano Sophie Naubert, this presentation promises a whirlwind of emotions and contrasts.

Programme

Antonio Vivaldi (1678 –1741)
Les quatre saisons, RV 269, RV 315, RV 293, RV 297
Concerto pour cordes en si bémol majeur, RV 163 « Conca »
In Furore iustissimae irae, RV 626
« Vedrò con mio diletto » (Il Giustino, RV 717)
« Agitata da due venti » (Griselda, RV 718)
Antonia Bembo (1640-1720)
Cantate “Per il natale”

Program

Antonio Vivaldi (1678 –1741)
The Four Seasons, RV 269, RV 315, RV 293, RV 297
Concerto for strings in B-flat Major, RV 163 “Conca”
In Furore iustissimae irae, RV 626
“Vedrò con mio diletto” (Il Giustino, RV 717)
“Agitata da due venti” (Griselda, RV 718)
Antonia Bembo (1640-1720)
Cantate “Per il natale”

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