musique contemporaine

De lumière et de velours : premier concert de la saison de la SMCQ

par Frédéric Cardin

L’entrée en matière de la saison 2024-2025 de la Société de musique contemporaine du Québec (SMCQ) a été une réussite. Un programme d’une grande cohérence stylistique a permis aux différents interprètes de la SMCQ, additionnés des Petits chanteurs du Mont-Royal, de faire rayonner une musique magnifique, contemporaine dans sa rigueur et son exigence, mais parfois romantique dans ses affects suggérés. L’amusante pièce pour chœur Horloge Tais-toi de Kaija Saariaho lançait la soirée dans une version avec piano seulement, et la terminait aussi, dans une version avec orchestre. Comme le titre le laisse deviner, il y a quelque chose de mécanique et ludique dans cette pièce où les tic-tacs insistants de l’objet semblent s’incarner particulièrement bien dans la bouche d’enfants qu’on imagine redouter l’heure du lever pour aller à l’école. Une version de la Maîtrise de Radio France disponible sur YouTube montre une spatialisation élargie du chœur, qui laisse beaucoup de place entre les chanteurs et chanteuses. Ce n’était pas le cas hier, les Petits chanteurs étant regroupés de façon traditionnelle, en groupe serré. J’aurais aimé entendre le résultat avec la disposition des Français. Je pense que l’effet des tic-tacs doit être plus impressionnant. 

Suivait une autre pièce de Saariaho, Lichtbogen, inspirée directement des aurores boréales. Si vous imaginez un tant soit peu le genre de musique qui pourrait émaner de ces ondulations colorées hypnotisantes, il y a de fortes chances que cela sonne comme Lichtbogen. Un orchestre de chambre étoffé fait naître un kaléidoscope sonore d’abstraction luminescente et scintillante d’autant plus agréable qu’il est chaleureux. Les projections d’authentiques aurores boréales ont ajouté une magie visuelle entièrement appropriée. 

Je ne savais pas à quoi m’attendre du jeune compositeur Hans Martin, qui m’était inconnu jusqu’à hier. J’avouerai avoir été agréablement séduit par sa proposition musicale pour chœur (encore les Petits chanteurs) et orchestre, intitulée Stance et appuyée sur un texte du poète de la Renaissance Claude de Pontoux. Le poème traite du passage du temps qui détruit tout, sauf, apparemment, le caractère de la personne visée (la bien-aimée?). Ce qui frappe surtout c’est la rondeur sonore dessinée par Martin, qui se gorge d’une tonalité charnue mais fuyante car une fois sa plénitude atteinte, elle est parcourue de frissons dissonants qui l’invitent à s’échapper plus haut dans la gamme. Mais celle-ci est toujours rattrapée, dans une course poursuite lente et soutenue. C’est franchement très beau et j’aurai beaucoup de plaisir à la réécouter, un jour ou l’autre.

Jardin secret de Saariaho, pour support stéréo et appuyé de projections graphiques, amorçait la deuxième partie du concert avec une expression électronique vaguement impressionniste.

Le morceau de choix de la soirée suivait, soit Arras de la Montréalaise Keiko Devaux, une belle et grande plage de musique mouvante, organique, somptueuse, comme le laisse deviner le titre, qui ramène à la ville du Pas-de-Calais qui fut un haut-lieu de la tapisserie flamande au Moyen-Âge. Telle une commande pour les ducs de Bourgogne du 14e siècle, Devaux tisse un riche entrelacs de motifs et de textures, assemblées dans un canevas général montrant un arrière-plan d’harmonies qui cherchent la consonance. Sur ce panorama, des saillances modernistes viennent camper la partition dans notre 21e siècle. Comme un paysage romantique estival sur lequel une brume voilée se dépose, et qui serait parcourue de frémissements et de percées laissant voir la perspective sous-jacente. 

Musicalement, on sait par Devaux elle-même que beaucoup de références personnelles et de souvenirs musicaux sont intégrés à la partition. On sent et on entend dans le soutien harmonique un Romantisme fondamental auquel s’ajoutent des velléités exploratoires contemporaines. La fusion est magnifique et Arras mérite d’être joué en Europe, à Arras même, berceau inspirant de cette musique exceptionnelle.

J’ai dit ailleurs que Devaux est à mon avis l’une des plus stimulantes compositrices de la génération actuelle en Amérique. Je le redis sans hésitation et j’ajouterai que l’Europe est tout à fait à sa portée (en souhaitant qu’elle reste ici pour toujours, cela dit!).

La 59e saison de la SMCQ, si le concert d’hier était un indicateur, sera un bon cru. 

CONSULTEZ LA PROGRAMMATION 2024-2025 DE LA SMCQ

classique / classique occidental

Piano symphonique – Fazil Say

par Varun Swarup
Arrivant au Centre Pierre-Péladeau par un dimanche après-midi glacial, j’ai été un peu surpris de voir une foule immense rassemblée devant la salle de concert. Il semble que les organisateurs de l’événement chez Pro Musica aient été tout aussi impressionnés par l’affluence, exprimant leur enthousiasme dans leurs remarques d’ouverture. Mais peut-être n’était-ce pas vraiment surprenant.

Fazil Say s’est distingué en tant qu’artiste de classe mondiale au cours de ses 25 ans en tant que pianiste de concert. Avec 1,2 million de fans sur ses comptes de médias sociaux, il a accompli ce qui pourrait susciter l’envie de tout pianiste de concert, comblant le fossé entre la musique classique et un public populaire. Originaire de la capitale turque, Ankara, Say attire de nombreux compatriotes partout où il tourne, beaucoup d’entre eux étant venus le voir jouer ici.

Montant sur scène avec une démarche décontractée, M. Say se met rapidement à l’aise et en quelques secondes, les harmonies nébuleuses et cristallines de Claude Debussy remplissent la salle. Ce que l’on peut rapidement observer en regardant la performance de M. Say, c’est à quel point il est sensible au son et à sa manipulation. Tout au long de sa performance, il ferait souvent des gestes vers les cordes du piano, comme s’il conversait avec le piano lui-même, ou du moins avec le son qui l’entoure. Ainsi, l’aspect le plus virtuose de Say n’est pas nécessairement sa technique en soi, mais sa capacité à créer des nuances si fines dans la dynamique.

À cet égard, l’inclusion de Debussy dans le répertoire était un excellent choix et a créé une merveilleuse synergie entre le compositeur et l’interprète. La première moitié du programme a culminé avec une interprétation de Clair de Lune, une composition si magistrale qu’elle ne perdra probablement jamais son charme.

Bien que la deuxième moitié ait été agréable, les choses ont pris une tournure résolument plus romantique. Avec des compositions de Beethoven et Liszt, ce répertoire avec sa tonalité dramatique et grave, avait tendance à échapper à la clarté et à la délicatesse du jeu de Say. Le virtuose a néanmoins démontré une maîtrise redoutable de ce répertoire, et il était particulièrement agréable d’entendre le programme se conclure par une composition de l’artiste lui-même. Pour cette pièce, Say a pris plus de libertés avec le piano, jouant avec les cordes, tirant quelques mélodies percussives et arabisantes avant de devenir un peu jazzy.

À la fin, le public a pu laisser éclater tout l’enthousiasme et l’appréciation qu’il avait contenus, et Say s’est certainement délecté de ses rappels et de ses ovations. Un excellent début pour la série Piano symphonique !
classique

I Musici de Montréal : Voyage au cœur de l’Amérique du Sud

par Rédaction PAN M 360

La cheffe-d’orchestre colombienne Lina González-Granados poursuit une brillante carrière sur la scène musicale mondiale. Après Dallas, Los Angeles, New-York et Philadelphie, en passant par l’Espagne puis la Floride, elle nous revient à Montréal dans un programme aux chaudes couleurs sud-américaines. Elle vous étonnera par sa fougue et sa précision sur le podium ! La superbe soprano Andréanne Brisson-Paquin, complice d’I Musici de longue date, vous charmera avec des œuvres brésiliennes et la cantate du café de Bach, et en ouverture de concert, la deuxième partie de notre intégrale des Concertos pour violons de J.S. Bach avec 2 membres d’I Musici.

Born in Colombia, conductor Lina González-Granados has developed an illustrious musical career on the international stage, travelling to Dallas, Los Angeles, New York, Philadelphia, Spain, and Florida. This program marks her return to Montreal and features works steeped in the traditions of South America’s cultures. Her energy and sense of accuracy on stage will leave you spellbound! Long-time I Musici partner and wonderful soprano Andréanne Brisson-Paquin will pull at your heartstrings with works from Brazil and Bach’s Coffee Cantata. The concert will begin with the second installment of our complete series of Bach’s violin concertos, featuring two I Musici musicians.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de I musici de Montréal et est adapté par PAN M 360.

classique

I Musici de Montréal | Alain Lefèvre et Mozart

par Rédaction PAN M 360

Pour ce grand concert d’ouverture marquant le 40e anniversaire d’I Musici, Alain Lefèvre, pianiste transcendant, qui “casse le moule” (International Piano, Londres), célèbre le génie et la magie de Mozart sous la direction de Jean-François Rivest. Les deux complices poursuivent ainsi leur incursion dans l’univers du compositeur, ayant déjà remporté un Félix à l’ADISQ à la suite de leur enregistrement de son Concerto No. 23. Lefèvre nous revient ici avec le Concerto pour piano No. 27, son dernier et sans doute l’un de ses plus profonds. Nous débutons également lors de ce concert notre intégrale des Concertos pour violon de J.S. Bach avec Hubert Brizard, violoniste. D’ailleurs, au cours de cette saison, les nombreux concertos de Bach pour un, deux et même trois violons seront tous interprétés par des membres d’I Musici comme solistes. Notre soirée se conclut avec la Symphonie No. 40 de Mozart, dite la grande. On y retrouve Mozart au sommet de son art dans une œuvre ardente qui n’a pas cessé de nous séduire depuis sa création.

I Musici’s fortieth anniversary will kick off with the transcendent pianist Alain Lefèvre who “breaks the mold” (International Piano, London), celebrating Mozart’s brilliance and charm with conductor Jean-François Rivest. Lefèvre and Rivest will hence continue exploring the world of Mozart—they took home a Félix award at the ADISQ ceremonies for their recording of the composer’s Piano Concerto No. 23. This time, Lefèvre will perform Piano Concerto No. 27, the last and undoubtedly most moving of all of Mozart’s piano concertos. This concert will also include the debut of Johann Sebastian Bach’s complete violin concertos, featuring violinist Hubert Brizard. I Musici musicians will present the complete series of Bach’s concertos for one, two, and three violins as soloists throughout the season. We will finish off the evening with Mozart’s Symphony No. 40, coined the Great Symphony. This intense work was written at the peak of Mozart’s career; it continues to charm us to this day.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient d’I Musici de Montréal et est adapté par PAN M 360.

Piano

Cartes blanches : Marc-André Hamelin à la salle Pierre-Mercure

par Rédaction PAN M 360

Salué comme l’un des plus brillants pianistes du répertoire, Marc-André Hamelin se produit régulièrement dans le monde entier avec les plus grands orchestres et chefs d’orchestre de notre époque et donne des récitals dans les principales salles de concert et festivals du monde entier. Hormis ce concert Pro Musica, M. Hamelin interprète cette saison une grande variété de répertoires notamment avec l’Orchestre de St. Luke’s au Carnegie Hall (Quintette pour piano de Florence Price et Brahms), l’Orchestre philharmonique de Berlin et Marek Janowski (Concerto pour piano de Reger), l’Orchestre symphonique de San Diego et Rafael Payare (Concerto pour piano N°2 de Liszt), Toronto Symphony Orchestra et Gustavo Gimeno (Symphonie Turangalîla de Messiaen. Les apparitions en récital amènent M. Hamelin à Vienne, Chicago, Toronto, Montréal, Napa Valley, São Paulo et Bogotá, entre autres lieux. M. Hamelin est un artiste d’enregistrement exclusif pour Hyperion Records, où sa discographie s’étend sur plus de 70 albums. M. Hamelin a composé de la musique tout au long de sa carrière, avec plus de 30 œuvres signées de son nom. Parmi celles-ci, on peut noter les Études et la Toccata sur L’homme armé, commandées par le Concours international de piano Van Cliburn, publiées par Edition Peters. Son œuvre la plus récente, son Piano Quintet, a été créée en août 2022 par lui-même et le célèbre Dover Quartet à La Jolla Music Society. M. Hamelin est récipiendaire d’un Lifetime Achievement Award de la German Record Critics’ Association et a reçu sept prix Juno et 11 nominations aux Grammy Awards, ainsi que le prix Jean Gimbel Lane en interprétation au piano de la Northwestern University’s Bienen School of Music. En décembre 2020, il a reçu le Paul de Hueck and Norman Walford Career Achievement Award for Keyboard Artistry de la Fondation des arts de l’Ontario. M. Hamelin est Officier de l’Ordre du Canada, Chevalier de l’Ordre national du Québec et membre de la Société royale du Canada.

LISEZ NOTRE INTERVIEW

Hailed as one of the most brilliant pianists in the repertoire, Marc-André Hamelin performs regularly throughout the world with the greatest orchestras and conductors of our time, and gives recitals in major concert halls and festivals around the world. In addition to this Pro Musica concert, Mr. Hamelin performs a wide variety of repertoire this season, including with the St. Luke’s Orchestra at Carnegie Hall. These include appearances with the St. Luke’s Orchestra at Carnegie Hall (Florence Price and Brahms Piano Quintet), the Berlin Philharmonic and Marek Janowski (Reger Piano Concerto), the San Diego Symphony and Rafael Payare (Liszt Piano Concerto No. 2), the Toronto Symphony Orchestra and Gustavo Gimeno (Messiaen’s Turangalila Symphony). Recital appearances have taken Mr. Hamelin to Vienna, Chicago, Toronto, Montreal, Napa Valley, São Paulo and Bogotá, among other venues. Mr. Hamelin is an exclusive recording artist for Hyperion Records, where his discography spans over 70 albums. Mr. Hamelin has composed music throughout his career, with more than 30 works signed with his name. These include the Études and Toccata on L’homme armé, commissioned by the Van Cliburn International Piano Competition and published by Edition Peters. His most recent work, his Piano Quintet, was premiered in August 2022 by himself and the renowned Dover Quartet at La Jolla Music Society. Mr. Hamelin is the recipient of a Lifetime Achievement Award from the German Record Critics’ Association and has received seven Juno Awards and 11 Grammy nominations, as well as the Jean Gimbel Lane Award in Piano Performance from Northwestern University’s Bienen School of Music. In December 2020, he received the Paul de Hueck and Norman Walford Career Achievement Award for Keyboard Artistry from the Ontario Arts Foundation. Mr. Hamelin is an Officer of the Order of Canada, a Knight of the National Order of Quebec, and a Fellow of the Royal Society of Canada.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de IXION Communications et est adapté par PAN M 360.

classique

I Musici de Montréal / Autriche: Maxim Rysanov et Mozart

par Rédaction PAN M 360

Si je vous dis ‘Autriche’ vous me répondrez : ’Mozart!’… sans aucun doute.  Ce dernier sera donc au cœur de ce programme très accessible qui marque le retour attendu de Maxim Rysanov, altiste magnifique, célèbre internationalement, et chef très apprécié des musiciens et musiciennes d’I Musici et de son public.  La radieuse Symphonie no 29 en la majeur complètera la poignante Symphonie concertante de Mozart, véritable double concerto pour violon et alto qui permettra à notre admirable violon-solo, Julie Triquet, de se joindre à Rysanov.  En complément de programme, de manière fort à propos puisqu’il est lui-même d’origine ukrainienne, il dirigera les Variations sur un thème ukrainien de Malcom Arnold, compositeur connu pour sa musique de film (qui lui a d’ailleurs valu un Oscar en 1957). 

—    Jean-François Rivest

Without a doubt, you would say “Mozart!” if I said “Austria.” Mozart will be front and centre in this approachable concert. This performance will mark the expected return of the magnificent, worldrenowned violist Maxim Rysanov who is a valued conductor among I Musici musicians and audience members alike. Mozart’s stunning Twenty-ninth Symphony in A major will supplement the poignant Sinfonia Concertante, an original double concerto for violin and viola in which our admirable violin soloist Julie Triquet will join Rysanov. Because Rysanov hails from Ukraine, it is only fitting for him to conduct Malcolm Arnold’s Variations on a Ukrainian Folksong as an addition to the concert. Arnold was a composer known for his film music, earning him an Oscar in 1957.  

—    Jean-François Rivest

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de I Musici de Montréal et est adapté par PAN M 360.

L’opéra La Flambeau de David Bontemps : un conte haïtien de portée universelle

par Frédéric Cardin

Mardi 7 février 2023, soir de première mondiale à la salle Pierre-Mercure du Centre Pierre-Péladeau à Montréal. Selon toute vraisemblance, c’est le 4e opéra de toute l’histoire haïtienne qui est mis en scène : La Flambeau de David Bontemps, sur un livret tiré de la pièce éponyme de Faubert Bolivar. Il est logique de constater que la métropole soit désormais un catalyseur de création savante d’origine haïtienne, étant donné la grande place que prend la diaspora de ce pays au Québec. Il faisait plaisir de voir que, un, la salle était comble, deux, la moyenne d’âge était substantiellement plus basse que dans un concert classique traditionnel et, trois, les Québécois à la peau foncée constituait une partie importante de l’assistance, je dirais même probablement la majorité. Bonne et belle soirée donc pour l’opéra local!

La musique

Si, à en juger par les commentaires glanés dans le public, la plupart des personnes présentes étaient profanes en matière lyrique, cela n’a en rien paru dans le degré et la qualité d’attention manifestés pendant les quelque 1 h 45 minutes que durait l’œuvre. Il faut dire que la musique de David Bontemps, jeune musicien aussi à l’aise dans le jazz que dans la musique savante contemporaine ou les traditions folkloriques et populaires de son pays, avait de quoi séduire. Consonante et souvent mélodique, celle-ci a offert au moins deux passages que l’on pourrait qualifier de véritables arias. Je ne serais pas surpris de les entendre un jour dans une émission de musique classique grand public.

Bontemps sait également bien utiliser le chromatisme et même très occasionnellement la polytonalité pour faire avancer le drame en cours et surtout illustrer les tensions intérieures des personnages. Si ces passages ont probablement dû être plus ardus pour les néophytes de la chose contemporaine, l’ensemble demeure éminemment compréhensible en termes dramaturgique et émotionnel, même pour des personnes peu habituées à ce genre de frottements harmoniques. Rien ici qui n’aurait pas été entendu au cinéma. 

La principale habileté du compositeur est dans son sens du rythme. plus de la moitié de l’opéra se passe dans un accompagnement orchestral pulsatif, un peu dans l’esprit de la musique de film ou du minimalisme étatsunien, mais construit dans des harmonies complètes et pas uniquement arpégées. Le résultat est qu’une histoire centrée sur de longs dialogues paraît en fin de compte beaucoup plus ‘’active’’ qu’on ne se l’imaginait. Ça fonctionne très bien et particulièrement (attention : divulgâcheur) dans la scène du viol. 

Les voix

L’écriture pour les voix est idiomatique, accolant des motifs récurrents (façon leitmotifs) et des univers sonores reconnaissables aux différents personnages. Monsieur, un intellectuel pétri d’idéaux républicains mais en vérité surtout imbu de lui-même, reçoit une partition faite de quelques ritournelles en apparence simplistes, se gonflant parfois d’une posture prétentieuse et même martiale (on devine le potentiel tyrannique du personnage). Madame, sa femme, semble vivre dans son propre univers en parlant aux morts de sa famille. Sa musique est également la moins séduisante, la plus tendue et tourmentée. Certains de ses passages sont peut-être ceux qui auraient bénéficié d’un resserrement dans la durée. Mademoiselle, la jeune servante qui fera les frais de l’odieuse attention de Monsieur, est celle qui reçoit les plus belles plages de tout l’opéra. Deux beaux airs lui permettent de rayonner sur tout le reste. Le premier est certainement inspiré d’une mélodie populaire traditionnelle tandis que le deuxième, à la toute fin de l’opéra, est un morceau lyrique d’une grande élégance mélodique. On s’en rappellera et on a hâte de le réentendre. L’Homme, le personnage fantastique qui arrive à la fin pour juger et condamner Monsieur, est empreint d’un accompagnement sonore imposant, sombre et tragique, comme on devait s’y attendre.

En ce qui concerne les voix, c’est la soprano Suzanne Taffot (Mademoiselle) qui remporte la palme de la vedette de la soirée. Son aisance vocale et mélodique, sa diction claire, sa voix tout simplement irrésistible, la plus belle de la distribution, a conquis le public présent. Je donnerai la deuxième place à la mezzo Catherine Daniel (Madame), parfois presque alto tellement Bontemps a fait appel à son registre grave. Un vibrato assez large et sa diction française inégale en limpidité a probablement dû rebuter une partie du public. Si la basse étasunienne Brandon Coleman avait toute la prestance et la gravité vocale pour bien établir le personnage de l’Homme, sa diction française plus que floue enlevait malheureusement de sa force dramatique potentielle. Le ténor canadien Paul Williamson se tire un peu mieux d’affaire côté langue, mais il manque souvent de puissance et n’arrive pas toujours à imposer sa présence face à l’orchestre (pourtant limité aux cordes et à un maracas!). Son timbre aigu, presque nasillard, n’était pas toujours agréable non plus. La Flambeau mérite une reprise avec deux hommes à la hauteur de ces rôles.

L’orchestre et la mise en scène

Alain Trudel dirigeait l’Orchestre classique de Montréal. Le chef a très bien découpé les lignes de la partition et bien rendu les rythmes incisifs nécessaires à la propulsion de l’action. David Bontemps a été choyé. La mise en scène, relativement dépouillée, s’appuyait sur un décor minimaliste mais adéquat : un lit, servant également de divan, comme point central, un lutrin servant de tribune à Monsieur, un meuble pour la machine à café et des livres). Des projections évocatrices sur le panneau arrière complétaient la scénographie économe mais efficace..

Malgré quelques chipotages, La Flambeau est assurément une œuvre réussie, que l’on souhaite revoir et réentendre le plus tôt possible. L’histoire, bien que campée dans le terroir haïtien, est universelle. L’hypocrisie d’une élite bien pensante ‘’faites ce que je dis, pas ce que je fais’’, la misogynie, le rapport aux ancêtres, les racines culturelles, la justice rétributrice, voilà des thèmes que tous ceux et celles présents, peu importe la couleur de leur peau et leur degré de familiarité avec la chose lyrique, ont compris viscéralement. Pour la communauté québéco-haïtienne présente, il y avait certainement un sentiment de déjà vu (rappelons-nous certains de ses dirigeants passés). Pour les Québécois ‘’de souche’’, le souvenir d’un Québec d’avant Révolution tranquille encore présent à trouvé dans la séquence du chapelet (à la fin de l’opéra, Madame raconte que Monsieur traînait tout le temps un chapelet, symbole contradictoire à la fois de civilisation et du superstition talismanique). Puis, comment douter que l’abus de pouvoir sous forme de viol d’un homme ‘’important’’ vis-à-vis une jeune femme sous-classée soit entièrement d’actualité et transportable dans n’importe quel pays du monde?

Finalement, La Flambeau est aussi une création importante et marquante historiquement pour la musique haïtienne et québécoise. C’est un nouveau trait d’union de noble stature entre deux peuples dont la destinée ici en haute latitude est probablement de n’en former qu’un seul, unique et inspirant.

La Flambeau sera enregistré par ATMA Classique, en vue d’une sortie en 2024.

classique

Sergei Babayan inaugure la série Cartes blanches à la salle Pierre-Mercure

par Rédaction PAN M 360

Grand maître du piano, Sergei Babayan parcourt le monde depuis la fin des années 80. Né en Arménie dans une famille de musiciens, il est citoyen américain et vit à New York. En 1989, il remporte consécutivement les premiers prix de plusieurs grands concours internationaux, notamment le Cleveland International Piano Competition, le Hamamatsu Piano Competition et le Scottish International Piano Competition. Il a collaboré avec des chefs d’orchestre tels Sir Antonio Pappano, David Robertson, Neeme Järvi, Yuri Temirkanov, Thomas Dausgaard, Tugan Sokhiev et Dima Slobodeniouk. Plus récemment, il s’est produit, avec l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, l’Orchestre symphonique de Bamberg, l’Orchestre philharmonique de Radio France, le Mahler Chamber Orchestra, l’Orchestre Mariinsky, l’Orchestre symphonique de Toronto, l’Orchestre symphonique de Vancouver et l’Orchestre du Festival de Verbier. Sergei Babayan joue régulièrement dans les salles les plus prestigieuses du monde, notamment au Concertgebouw d’Amsterdam, au Carnegie Hall, au Wigmore Hall de Londres, au Konzerthaus de Vienne, à la Maison de la Radio à Paris, à l’Elbphilharmonie de Hambourg et à la Tonhalle de Zurich. Artiste exclusif de Deutsche Grammophon depuis 2018, Sergei Babayan a enregistré plusieurs disques dont Prokofiev for two avec Martha Argerich comme partenaire.

Sergei Babayan, a great master of the piano, has been traveling the world since the late 1980s. Born in Armenia into a family of musicians, he is an American citizen and lives in New York. In 1989, he won consecutive first prizes in several major international competitions, including the Cleveland International Piano Competition, the Hamamatsu Piano Competition and the Scottish International Piano Competition. He has collaborated with conductors such as Sir Antonio Pappano, David Robertson, Neeme Järvi, Yuri Temirkanov, Thomas Dausgaard, Tugan Sokhiev and Dima Slobodeniouk. More recently, he has performed with the Leipzig Gewandhaus Orchestra, the Bamberg Symphony Orchestra, the Orchestre Philharmonique de Radio France, the Mahler Chamber Orchestra, the Mariinsky Orchestra, the Toronto Symphony Orchestra, the Vancouver Symphony Orchestra and the Verbier Festival Orchestra. Sergei Babayan regularly performs in the world’s most prestigious venues, including the Concertgebouw in Amsterdam, Carnegie Hall, Wigmore Hall in London, the Konzerthaus in Vienna, the Maison de la Radio in Paris, the Elbphilharmonie in Hamburg and the Tonhalle in Zurich. An exclusive Deutsche Grammophon artist since 2018, Sergei Babayan has recorded several discs including Prokofiev for two with Martha Argerich as partner.

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de IXION Communications et est adapté par PAN M 360.

classique / classique moderne

RÊVES : I Musici de Montréal, André Robitaille, Max Pollak et Mélissa Lavergne 

par Rédaction PAN M 360

 » Pour visiter Londres ou Paris on doit prendre un avion ou encore un navire, mais pour parcourir les rêves il suffit de fermer les yeux…  En chacun et chacune d’entre nous se cache un réservoir de songes, une vaste contrée imaginaire qui enrichit notre réalité par sa puissance onirique.  Nous commencerons par les délires et hallucinations du vieux Chostakovitch qui, malade, élabora son tout dernier quatuor alors qu’il était sur un lit d’hôpital.  Tel un cauchemar, ce chef-d’œuvre profondément philosophique instigue aussi bien une profonde terreur qu’une immense admiration pour son intemporelle beauté.  En éclatant contraste avec cette sombre première partie, voici un artiste prodigieux qui communique l’allégresse de la musique grâce à toutes les parties de son corps!  Max Pollak nous danse deux rêveries, Lucid Dream de Torres avec ses rythmes latins enlevants et torrides, et Shabarsha d’Ichmouratov, un conte de l’ancienne Russie paysanne.  Tout au long de la soirée, l’exubérant André Robitaille nous guidera avec enthousiasme dans ce passage poétique de l’ombre vers la lumière et la joie.  » 

  • Jean-François Rivest, maestro de l’Ensemble I Musici de Montréal

PROGRAMME

Chostakovitch

Quatuor no 15
Durée: approx. 40 minutes

Torres

Lucid Dream
Durée: approx. 6 minutes

Ichmouratov

Shabarsha
Durée: approx. 28 minutes 

https://youtube.com/watch?v=SmRSLVaS2qU%3Fautoplay%3D0%26loop%3D0%26rel%3D0%26enablejsapi%3D1%26origin%3Dhttps%253A%252F%252Fimusici.com%26widgetid%3D1

  • Julie Triquet joue sur un violon Giuseppe Odoardi 1726, généreusement prêté par M. David B. Sela.
    Amélie Benoit Bastien joue sur un violon Nicolas Vuillaume 1850 et avec un un archet Sartory, généreusement prêté par CANIMEX.
    Annie Guénette joue sur un violon Josef Gagliano 1768 et avec un archet Lamy, généreusement prêté par CANIMEX.
    Tim Halliday joue sur le violoncelle Kolia (2014) de Mira Gruszow et Gideon Baumblatt, généreusement prêté par M. David B. Sela.
    Marieve Bock joue sur le violoncelle Maucotel Paris 1849 mis à sa disposition à titre gracieux par CANIMEX.

À la salle Pierre-Mercure du Centre, Jeudi 8 décembre, 14h et 19h30 RÉSERVEZ ICI

Billets en distanciation disponibles au 514 987-6919

classique

Rêves : André Robitaille et Max Pollak

par Rédaction PAN M 360

Pour visiter Londres ou Paris on doit prendre un avion ou encore un navire, mais pour parcourir les rêves il suffit de fermer les yeux…  En chacun et chacune d’entre nous se cache un réservoir de songes, une vaste contrée imaginaire qui enrichit notre réalité par sa puissance onirique.  Nous commencerons par les délires et hallucinations du vieux Chostakovitch qui, malade, élabora son tout dernier quatuor alors qu’il était sur un lit d’hôpital.  Tel un cauchemar, ce chef-d’œuvre profondément philosophique instigue aussi bien une profonde terreur qu’une immense admiration pour son intemporelle beauté.  En éclatant contraste avec cette sombre première partie, voici un artiste prodigieux qui communique l’allégresse de la musique grâce à toutes les parties de son corps!  Max Pollak nous danse deux rêveries, Lucid Dream de Torres avec ses rythmes latins enlevants et torrides, et Shabarsha d’Ichmouratov, un conte de l’ancienne Russie paysanne.  Tout au long de la soirée, l’exubérant André Robitaille nous guidera avec enthousiasme dans ce passage poétique de l’ombre vers la lumière et la joie. 

You must take a plane or boat to visit London and Paris, but all you need to do is close your eyes to dive into dreamland. Each of us has a hidden reservoir of dreams, a vast land of imagination that enhances our reality with its dream-like power. The concert will begin with the venerable Shostakovich’s fantasies and hallucinations. At the time of writing his final quartet, Shostakovich was sick and lying in a hospital bed. Like a nightmare, Shostakovich’s deeply philosophical masterpiece, Quartet No. 15, will instill in you a deep terror and immense admiration for its timeless beauty. In vivid contrast to the dark first half of the concert, Max Pollak’s tremendous artistry will share the joy of music with his entire body. He will be dancing in Torres’s Lucid Dreams, featuring upbeat and passionate Latin-American rhythms, and in Ichmouratov’s Shabarsha, a fairy tale from peasant Old Russia. The exuberant André Robitaille will enthusiastically guide us throughout the evening’s poetic journey from darkness to light and joy.  

POUR ACHETER VOTRE BILLET, C’EST ICI!

Ce contenu provient de I Musici de Montréal et est adapté par PAN M 360.

Roxanne Turcotte/ Réverbères et Les oiseaux de Nias

par Rédaction PAN M 360

La compositrice Roxanne Turcotte offre ce mercredi un concert de ses oeuvres, dont la matière de son nouvel album Réverbères, sous étiquette Empreintes Digitales.

« Un rare concert consacrée uniquement à ma musique en compagnie de cinq musiciens et musiciennes, une comédienne, deux concepteurs visuels, scénographie, éclairage, projection vidéo ainsi qu’une chorale d’appeaux en différé. Une quarantaine de personnes ont mis la main à la pâte pour réaliser cet événement coloré, qui représente mon univers sonore.   Ceci a permis de faire travailler du monde issu du secteur culturel durant cette pandémie grâce au Conseil des arts du Canada et au Conseil des arts du et des lettres du Québec. « 

PAN M 360 relaie ici un texte tiré du calendrier de la saison du Vivier:,

Ce concert est conçu pour support multicanal immersif, solistes et chœur d’appeaux dans une performance environnementale interactive avec éclairages, lumières noires et scénographie. 

Il se présente comme une étude sonore comportementale et comparative du fonctionnement des oiseaux en société et les conséquences de la déshumanisation de l’homme vouée à son autodestruction, un désordre universel. Roxanne Turcotte à travers son œuvre évoque la diminution de la biodiversité d’ici jusqu’à l’île de Nias et témoigne de l’incrédulité humaine et des gouvernements climatosceptiques. L’extinction graduelle des espèces animales causée par le pouvoir industriel sans limites et les batailles idéologiques, font en sorte que des petits groupes d’individus dissidents, émergent des populations en révolte. Ceci est un appel à la liberté et à la sauvegarde de notre espace vital.

À travers une dualité acoustique-électronique spatialisée, la compositrice nous invite à être à l’écoute des rites de la nature, au détour d’une forêt, là où quelque part des oiseaux s’y cachent pour se protéger et d’entendre l’appel à la dissidence, face au cri de la détresse.
 

Dévoilement de « Réverbères » et Les oiseaux de Nias :

Réverbères, lampes dont la lumière est dirigée par réflexion sur une ou plusieurs surfaces, à l’instar du rayonnement du son, des ramifications réverbérantes. Reverbero et reverberare, étymologie des mots réverbères et réverbérer: représentent le rebondissement des paroles, des sons et de la lumière au fil du temps. S’allumant sur la vision urbaine de notre monde, les réverbères sont rassembleurs, discordants ou rassurants. Des discours dichotomiques conçus pour une projection ambisonique et un clair-obscur de confrontations, alimentent des récits électroacoustiques éclectiques et immersifs à travers l’anthropocène, ère de déchéance humaine au cœur du concept. Une aggravation imminente du rapport entre la nature et l’être humain, fait en sorte que nous subissons des crises sanitaires mondiales alarmantes et la destruction de notre environnement demeure importante. Nous devrons vivre dans des bulles de plus en plus disparates, protégées et aseptisées dans un écosystème affaibli et massacré.

PROGRAMME

PARTICIPANTS

Date: 26 mai 2021, 20:00 (EDT)Entrée : 19:45 Lieu de la captation: Salle Pierre-Mercure
Pour y assister, veuillez vous rendre sur la plateforme du Vivier numérique à l’adresse suivante: 
https://lepointdevente.com/billets/vivier-oiseaux-nias

improvisation libre / musique contemporaine

Le cabaret qui ruisselle / MNM 2021

par Rédaction PAN M 360

Au programme de Montréal Nouvelles Musiques en ce 24 février (et plusieurs mois à venir sur le site de la SMCQ), des oeuvres de Ceccarelli, Clark, Derome, Dharmoo, Eguiluz, Filyavich, Freedman, Gauvreau, Girard-Charest, Gironnay, Hétu, Jacques, Jobin Tremblay, Kennedy, Kuroki, Lauzier, Martel, Palacio-Quintin, Pedersen, Roger, Roy, Sharkya’, Thiessen, Thomson et Toninato… Des ambiances magnétiques… un cabaret qui ruisselle…

Déjà 40 ans que l’Ensemble SuperMusique sinue aux confluents de la musique actuelle, de l’improvisation et de l’expérimentation sonore. Pour souligner cet anniversaire, ses musicien·ne·s vous offrent une cascade de performances inusitées, à la fois emblématiques du courant de musique actuelle et à contre-courant de la forme concertante. Ce cabaret ruisselle donc d’une énergie folle et d’une dose d’inattendu avec comme dénominateur commun la passion de la création à la lisière des styles musicaux. Sans conteste un vaccin à la morosité des longs mois d’hiver!

Participants

Programme

Inscrivez-vous à l'infolettre