Depuis les années 40, c’est à dire plus ou moins 8 décennies, le langage acousmatique se développe dans les institutions d’enseignement de la musique. Les jeunes concepteurs du programme de composition numérique y apprennent ce langage qui remonte à ladite musique concrète, et nous voilà en 2025 à écouter des étudiants qui tentent de s’approprier le langage en y insufflant leur propre bagage.

Ainsi, la Faculté de musique de l’UdeM présentait jeudi et vendredi derniers à la salle Claude-Champagne une cohorte de créateurs.trices à l’aube de leur contribution artistique chez les pros.

De Guillaume Myre, Aurélie Tessier et Samuel Gendron, le premier élément au programme de l’événement Ultrasons s’intitule Morphose, une œuvre mixte avec projections en direct,  impliquant électronique, saxophone et guitare électrique, dont le jeu textural est la seule composante de l’expression dans le cas qui nous occupe. Construction intéressante qui s’amorce en douceur céleste et qui traverse quelques tempêtes avant de se calmer de nouveau.

Louis-Thomas Pineault, pour sa part, a choisi Entomorphérences, dont l’objet est d’explorer la zone tampon entre perception et imagination, et ce à partir d’enregistrements d’insectes autour desquels le compositeur a imaginé des sons complémentaires. Excursion entomologique au cœur de l’insectarium, en quelque sorte, avec des sons transformés (et méconnaissables) d’insectes et des emballages tout aussi transformés.

Matisse Charbonneau enchaîne avec une œuvre inspirée de la guerre en Ukraine. On en reconnaît les sons belliqueux, même si filtrés, traités, transformés. Les sirènes, les bruits de ferraille, salves d’on ne sait quoi qui tombent sur la tête des pauvres gens,  entrechoquements, cris et hurlements, communications radio, le tout modifié à travers le prisme électroacoustique. 

Antipodes, de Mateo Bellefleur Martinez, est un exercice esthétique dont l’objet est le lien qui se tisse entre les contraires, entre les postures les plus éloignées. Vrombissements, déflagrations, collisions.

Après l’entracte, Nicolas Bourgeois et Chloé Rivest présentent Lèvres, qui invite à« inspirer et expirer les signaux invisibles qui communiquent une intention ». L’esthétique très léchée impliquant danse et projections en temps réel, impliquent un travail sonore méticuleux, ambient énigmatique.

Le sol craque, le vent souffle au loin, Cendres Rivière a entrepris d’évoquer les sons de la nature nordique et les activités humaines qui s’y déroulent dans nos régions septentrionales. Voilà donc Eskers, une douzaine de minutes passées loin de la ville.

« Exploration d’un microcosme organique et foisonnant », Petrichor est un lent et sensuel pétrissage de sons linéaires, entrecoupés de sons percussifs ou même de gazouillis et autres grincements harmoniques. Cette belle courbe d’intensité est une gracieuseté de de Mahault Sampy.

Mikael Molliex conclut la soirée de jeudi avec Les outils de toute création, qui s’amorce par un drone caverneux assorti de crépitements et autres sons linéaire, marqués plus tard par des effets dramatiques et citations apparemment scientifiques, n’excluant pas des notes inscrites dans le système tonal. L’objet de cette œuvre, en fait, se veut la rencontre, ou l’évocation sonore de la rencontre avec les particules électriques, « outils d’une puissance créatrice et intelligente ». 

On aurait pu aller en fumer du bon pour faire durer le plaisir mais il fallait se préserver pour la suite des choses. Soit un programme aussi chargé le lendemain, même lieu même poste.

La soirée finale des Sylis d’or 2025, tenue hier soir au Théâtre Fairmount, a tenu ses promesses d’ambiance exaltée, de rythmes festifs et de musique ensoleillée. Les trois groupes en présence, Raiz Viva, Kozé et Marzos & Mateo ont offert de solides performances, mais avec des nuances de finition qui ont fait la différence. 

C’est Marzos & Mateo avec sa salsa de feu qui a remporté les honneurs du Syli d’or, alors que les racines exaltantes de Raiz Viva se plaçait au deuxième podium pour l’argent, avec le maloya réunionnais de Kozé pour le bronze. 

La performance inégale de Kozé explique cette troisième place, malgré une incarnation vibrante sur scène de la chanteuse et danseuse qui mène la charge d’un Maloya, style originaire de l’île de la Réunion, coloré par des chants traditionnels accompagnés de percussions. Si l’entrée en scène était belle et la finale excitante, un épisode central aux tonalités approximatives de la part des choristes a probablement nuit définitivement au groupe. Un fignolage qui reste à réaliser, mais le collectif a quand même de beaux moments à offrir aux prochains festivaliers qui les entendront un peu partout au Québec et au Canada.

Pour ma part, c’est Raiz Viva qui a offert la plus belle combinaison de surprise, d’énergie et d’originalité de la soirée. Une performance intense et soutenue de trente minutes, basée sur une cumbia rhizomique de Colombie qui ose toucher à quelque terreau voisin du Brésil, mais aussi du pays adopté par les membres du groupe, le Québec. Aucune électrification dans cette proposition hyper efficace, seulement des flûtes traditionnelles et un tas de percussions, mais un sens du rythme épatant et une occupation pleine et voluptueuse de l’espace sonore, adoubée par des mélodies accrocheuses. De la superbe musique de laquelle émane une authenticité convaincante. Je souhaite entendre le plus tôt possible ce groupe dans un concert complet. Et vous également.

Il fallait s’attendre à ce que le super groupe Marzos avec le soliste, guitariste et chanteur Mateo frappe fort. 14 personnes sur scène, si j’ai bien compté, avec double ration de trompettes et de trombones, un puissant sax baryton, un clavier, des choristes, un chanteur (excellent) en plus de la vedette Mateo et un paquet de percus, voilà qui a de quoi impressionner. De la salsa assez prévisible dans son déploiement, mais qui a assurément de l’impact. L’ambiance était explosive, comme toujours dans les finales (et demi-finales aussi) des Sylis annuels. 

Je ne savais pas encore, en montant les marches du MTelus ce jeudi 10 avril, que j’allais danser à perdre haleine avec ma mère, main dans la main, dans une mer de silhouettes en transe. Nous avions décidé d’aller voir Zaho de Sagazan, sans vraiment connaître la chanteuse, mais avec l’intuition que quelque chose de puissant allait se produire. Nous avions vu juste.

Dès les premières minutes, une tension électrique s’installe entre la voix grave et vibrante de Zaho et les textures synthétiques de ses musiciens. Ils sont quatre sur scène, concentrés, solides, et surtout, en parfaite osmose. Le décor est simple mais fort : des écrans projetant des effets granuleux, une lumière tantôt rouge sang, tantôt bleutée, qui sculpte les corps et les visages comme des ombres dans un rêve éveillé.

Au début du spectacle, Zaho s’adresse généreusement au public, nous racontant ses inspirations, ses désirs, ses blessures. On découvre une artiste à fleur de peau, profondément habitée par l’amour, par le manque, par l’attente et par l’élan. C’est là, dans cette première moitié, que ses chansons prennent tout leur sens. Chaque mot, chaque silence, chaque souffle est habité. On comprend alors que derrière l’électronique, il y a une amoureuse de l’amour, une femme qui transforme le sentiment en matière vibrante.

Puis quelque chose bascule.

À la moitié du concert, la scène se métamorphose. Les beats deviennent plus lourds, les lignes de synthé plus fluides. Zaho nous invite à ne plus nous regarder, à lâcher prise. Elle répète, presque comme un mantra : “Ne te regarde pas, lâche-toi.” Au début, on hésite. Puis, peu à peu, on se laisse prendre par le rythme. Ce n’est plus un concert, c’est une rave douce et viscérale, une transe collective dans un cocon rouge et bleu.

Ce moment de bascule est ce qui rend son spectacle unique. Peu d’artistes osent une telle mutation d’ambiance, passant du confessionnel à l’euphorique avec autant de naturel. On comprend alors mieux encore ce qu’elle cherche : se fondre, s’élever, brûler d’amour sans s’y perdre. Elle le chante, elle le vit, et elle nous y emmène.

Et puis, il y a les lumières. Ce jeu de contrastes entre ombres et flashs, entre chaleur et froideur, crée une esthétique presque cinématographique. À plusieurs reprises, je me suis arrêtée de danser juste pour regarder les silhouettes noires bouger dans la lumière, comme dans un rêve dont je ne voulais pas me réveiller.

En sortant du MTelus, encore étourdie, je regarde ma mère : elle sourit, les yeux brillants. Ce concert, c’était plus qu’un spectacle. C’était un moment suspendu, un rite de passage, une fête intérieure. Merci, Zaho, pour cette nuit où l’on a dansé sans se regarder — juste ensemble.