Montréal

Indigenous peoples / Noise Rock / SLACKER

POP Montréal 2026 : Fresh Wax, Knitting, Birds of Prrrey et NIIVI à l’Esco

by Rédaction PAN M 360

Fresh Wax

Fresh Wax est un duo de noise rock expérimental de Montréal. Avec un jeu de basse déchaîné, des tambours tonitruants, des synthés oscillants saturés et des paroles excentriques, Fresh Wax crée un son brut et énergique bien à lui. S’inspirant de Roxy Music, Talking Heads et DEVO, Fresh Wax mise sur l’étrangeté, la technicité et des mélodies accrocheuses et puissantes.

Fresh Wax is an experimental noise rock duo from Montreal. With wild bass playing, thundering drums, over driven oscillating synths, and eccentric lyrics, Fresh Wax creates a unique raw and energetic sound. Taking influence from Roxy Music, Talking Heads, and DEVO, Fresh Wax emphasizes weirdness, technicality, and loud catchy melodies.

Knitting

knitting est un groupe indie rock montréalais qui filtre l’introspection lyrique à travers un prisme de slacker-rock chancelant. Formé par l’auteur-compositeur Mischa Dempsey pendant le confinement comme projet d’enregistrement solo, le groupe s’est rapidement transformé en unité collaborative avec le batteur Andy Mulcair et la guitariste et ingénieure de son Sarah Harris, rencontrés à travers la scène DIY canadienne. Avec leur premier album de 2024, Some Kind of Heaven (Mint Records), knitting a fait découvrir son mélange nerveux et titubant d’indie rock, évoquant la nostalgie des groupes alternatifs des années 90, ce qui leur a valu des comparaisons allant de DIIV à Hole en passant par Alex G. L’album a connu un vaste écho, passant cinq semaines au premier rang des palmarès de radios universitaires canadiennes, attirant l’attention de Pitchfork, The FADER et Stereogum (Bands To Watch, Best New Artists 2024), et menant knitting jusqu’à des festivals comme SXSW, en plus de tournées au Canada, aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Europe. Entre les concerts, knitting a écrit, enregistré et produit son deuxième album, Souvenir. À paraître le 26 juin 2026 chez Mint Records, Souvenir est un album introspectif et par moments profondément existentiel, qui s’interroge sur ce qu’on emporte avec soi dans la vie. Chaque chanson est comme l’ouverture d’un médaillon donnant sur un souvenir précis, tout un monde d’émotions contenu en quelques instants.

knitting is a Montreal-based indie rock band filtering lyrical introspection through a warping, slacker-rock lens. Formed by songwriter Mischa Dempsey during lockdown as a solo recording project, the band quickly evolved into a collaborative unit with drummer Andy Mulcair and guitarist/engineer Sarah Harris, who met through Canada’s DIY music scene. With their 2024 debut album Some Kind of Heaven (Mint Records), knitting introduced their wiry and careening blend of indie rock evoking the nostalgia of 90s alternative rock bands, earning the band comparisons ranging from DIIV to Hole to Alex G. The release resonated widely, spending five weeks at #1 on the Canadian campus radio charts, garnering press from Pitchfork, The FADER and Stereogum (Bands To Watch, Best New Artists 2024), and taking knitting to festivals like SXSW, and tours across Canada, the US, UK and Europe. Between performances, knitting wrote, recorded, and produced their sophomore album, Souvenir. Coming out June 26th, 2026 via Mint Records, Souvenir is an introspective and at-times deeply existential album that considers what we take with us in life. Each song is like opening a locket and looking onto a specific memory, a world of feeling held in a few moments.

Birds of Prrrey

Birds Of Prrrey est un trio indie rock montréalais qui crée une musique puissante pour les grands cœurs. Rendant hommage au mouvement Riot Grrrl par ses paroles franches et son éthique artistique DIY, le groupe incarne l’esprit du punk féministe grâce à ses voix percutantes, ses guitares saturées et distordues, ses lignes de basse imposantes et ses batteries tonitruantes. Actif sur la scène underground montréalaise, elles apportent passion et intensité à chacune de ses performances.

Birds Of Prrrey is a Montreal-based indie rock trio that makes powerful music for big hearts. Paying homage to the Riot Girrrl movement with their direct lyrics and DIY artistic ethic, they embody the spirit of feminist punk through their powerful vocals, saturated and distorted guitars, heavy bass lines, and thunderous drums. Active in the Montreal underground scene since 2023, they bring passion and intensity to each of their performances.

NIIVI

NIIVI est un·e artiste inuk autochtone bispirituel·le de Kuujjuaq, au Nunavik (nord du Québec, au Canada). Iel intègre la langue inuktitute et les pratiques traditionnelles inuit du chant guttural, de la danse du tambour et du chant ancestral dans une performance de groupe complet, teintée de rock alternatif. NIIVI conçoit la musique comme une forme d’activisme inuit, chantant la culture, l’histoire et la politique inuit dans le but de faire rayonner les histoires de son peuple, de préserver l’inuktitut et la culture, avec l’espoir que sa musique donne aux jeunes Inuit la fierté de leur identité autochtone.

NIIVI is a Two-Spirit Indigenous Inuk Artist from Kuujjuaq, Nunavik (Northern Quebec in Canada). They Incorporate Inuktitut language and Traditional Inuit practices of Throat singing, drum dancing and ancestral song in a full band, alt rock performance. NIIVI writes music as a form of Inuit Activism, singing about Inuit culture, history and politics with the goal of shining light of their peoples stories, preserve Inuktitut and culture with hope that their music gives Inuit youth pride in their Indigenous identity.

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acadie / Country Folk / Folk Rock

POP Montréal 2026 : Les Hay Babies, Chad VanGaalen et Sarah Julia au Théâtre Rialto

by Rédaction PAN M 360

Les Hay Babies

Les Hay Babies, c’est d’abord des amies : le fun passe avant le travail, pis le travail se fait dans le fun. Acadiennes d’origine néo-brunswickoise, Julie Aubé, Katrine Noël et Vivianne Roy avancent leur folk-rock pluriel et pétillant depuis plus d’une décennie, renouvelant leur proposition musicale à chaque parution. Découvertes via l’EP indie-folk / country Folio en 2012, elles rappliquent deux ans plus tard avec Mon homesickheart en 2014, un premier album aux sonorités folk-rock contemporaines. Le rock 60s / 70s et les ballades 80s de La 4ième dimension (version longue) suivent en 2016, puis la pop / disco 70s de Boîte aux lettres en 2020. Le quatrième album, Tintamarre, celui-ci inspiré du roots rock des jukeboxes louisianais, est paru en octobre 2024. Changements de cap toujours, donc – ce qui fait autant la marque du groupe que son entrain indéfectible et son intérêt pour l’actualisation des sons passés.

Les Hay Babies are friends first: fun comes before work and work is done while having fun. New Brunswick-born Acadians Julie Aubé, Katrine Noël and Vivianne Roy have been bringing forth their sparkling, multifaceted folk-rock for over a decade, renewing their musical proposition with each new release. Since forming a band in 2011, they have launched their EP Folio (2012) and the albums* Mon homesick heart* (2014), La 4ième dimension (version longue) (2016), and Boîte aux lettres (2020), shifting from indie-folk and country to classic rock and disco. They once again reinvented their sound with their fourth album, Tintamarre: a trademark of theirs as much as their unwavering drive and interest in actualizing sounds from past decades.

Chad Van Gaalen

Je suis un artiste qui vit et travaille à Calgary / Mohkinstsis. Je crée des œuvres sculpturales cinétiques ainsi que de la musique. Le projet musical sur lequel je me concentre actuellement s’appelle Full Moon Bummer. C’est de la musique folk / rock. Je joue cette musique avec Ryan Bourne et Chris Dadge. Ce sont deux amis très proches.

I am an artist living and working in Calgary/mohkinstsis I make kinetic sculptural works as well as music. the musical project I am focusing on right now is Full Moon Bummer. it is folk/rock music. I play this music with Ryan Bourne and Chris Dadge. they are both close friends.

Sarah Julia

La musique de Sarah Julia est un exercice de tendresse, empreinte de sororité et marquée par une vulnérabilité poignante. Leur folk indie profondément introspectif puise ses racines dans une enfance partagée : le fruit de souvenirs entremêlés et d’une bande-son formatrice collective qui se manifeste dans leurs voix pures, enlacées avec harmonie, abordant avec délicatesse l’amour, le chagrin et la famille. Dès leur plus jeune âge, elles ont développé une passion commune pour la musique, s’échangeant des recommandations d’albums, notamment de Bon Iver et Ben Howard, pour compléter l’univers de Cat Stevens et Jim Croce qui les avait bercées durant leur enfance. Elles ont ensuite chacune commencé à composer. Mais c’est suite à un bouleversement familial qu’elles ont commencé à unir leurs efforts, cherchant une catharsis commune dans l’écriture de chansons.

Sarah Julia’s music is an exercise in tenderness, bound by sisterhood and defined by a haunting, piercing vulnerability. Their deeply introspective brand of indie folk is forged from a shared childhood: the product of overlapping memories and a communal formative soundtrack that presents itself in the pure vocals that cradle each other in harmony as they delicately address love, heartache and family. From a young age, they developed a shared love of music – trading album recommendations for the likes of Bon Iver and Ben Howard to expand on the Cat Stevens and Jim Croce their parents raised them on – before they individually began dabbling in making music themselves. But it wasn’t until a significant change in their family occurred that they began intertwin

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Alternative Rock / Indie Folk / slowcore

POP Montréal 2026 : Dutch Interior, Racecourse et Lapelúda à La Sotterenea

by Rédaction PAN M 360

Dutch Interior

Dutch Interior compose des chansons qui prennent de l’ampleur à mesure qu’elles se déploient. Le groupe de six musiciens originaire du sud de la Californie mélange ambient, slowcore, folk expérimental et rock américain dans une approche à la fois intime et ambitieuse. Leur album Moneyball paru chez Fat Possum en 2025 révélait déjà leur capacité à relier différentes traditions musicales en une œuvre cohérente et profondément émotionnelle. Le nouvel EP It’s Glass pousse encore plus loin cette approche, avec des compositions enregistrées au célèbre Hyde Street Studios de San Francisco. Les morceaux naviguent entre délicatesse, improvisation et textures atmosphériques.

Dutch Interior write songs that expand upon release. The Southern California six-piece (comprised of Conner Reeves, Hayden Barton, Shane Barton, Jack Nugent, Noah Kurtz, and Davis Stewart), most of whom have known each other since childhood, create music that can feel both outside of space and time yet deeply connected to it. 2025’s Fat Possum full-length debut Moneyball, made within the confines of their self-built Long Beach Studio, showcased the band’s knack for connecting the dots, conjoining aspects of ambient, slowcore, experimental folk, southern rock and more into something both cohesive and inquisitive. It’s music that has always considered the complexity of the world around them and the simple things that bind us together. New EP It’s Glass evolves these ideas in ways that sound both bigger and more intimate, with five tracks that fit together as much as they color outside the lines, like small universes that could not exist without each other.

Racecourse

Entre les travaux de physique, les quarts de travail au lave-auto et les matchs de soccer, Racecourse voit le jour à l’hiver 2022. Le quintette indie rock (Reya Langen, Graeme Stage, Jackson Pruett, Ben Chung et Joaquin Jorgensen) s’est serré les coudes pendant les hivers boueux de Santa Cruz, entre la chambre de Jackson et le garage de Graeme. Avec des enregistreuses à ruban et des ordinateurs portables, le groupe a complété son premier album, July, December, dans un chalet au bord de la rivière Yuba à l’hiver 2025. Maintenant établi à New York, Racecourse poursuit sa route.

Squished between physics papers, shifts at the carwash, and soccer games, Racecourse was formed in the winter of 2022. The indie rock quintet (Reya Langen, Graeme Stage, Jackson Pruett, Ben Chung, and Joaquin Jorgensen) huddled together through muddy Santa Cruz winters in Jackson’s bedroom and Graeme’s garage. Working with tape machines and laptops, they completed their debut record, July, December, in a cabin by the Yuba River in the winter of 2025. Now living in New York, Racecourse moves forward.

Lapelúda

Avec une voix qui porte à la fois la vulnérabilité et la force, Lapelúda transcende les barrières linguistiques grâce à un récit trilingue : des chansons qui deviennent des fils de guérison entre l’innocence, le deuil, la réconciliation et la joie. Récemment choisie pour la cohorte MUZ 2025, Lapelúda est une voix montante colombo-québécoise de la scène latino indie-folk. Elle marie l’âme des inspirations musicales latino-américaines à une touche contemporaine profondément personnelle. Son EP récemment paru, « entre cielo y tierra » (automne 2025), approfondit son exploration de la fragilité et de la résilience de la vie.

With a voice that carries both vulnerability and power, Lapelúda transcends language barriers through trilingual storytelling—offering songs that serve as healing threads between innocence, grief, reconciliation, and joy. Recently chosen as MUZ 2025 cohort, Lapelúda is a colombo-québécois rising voice in the latin indie-folk scene. She blends the soul of Latin American musical inspirations with a deeply personal, contemporary touch. Her recently release EP “entre cielo y tierra” (Fall 2025) deepens her exploration of life’s fragility and resilience.

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Contemporary / Modern Classical / période romantique

A star-studded season launch for Yannick and his OM

by Frédéric Cardin

The launch of the 26-27 season of the Orchestre métropolitain (OM) under the baton of Yannick Nézet-Séguin took place yesterday at the Maison symphonique in front of a full house. The theme was centered, mostly, around interstellar space and illustrated by the famous Planets by Gustav Holst, as well as by a creation by the Anishinaabekwe composer Barbara Assiginaak, Shpiming Nangokaa (High in the sky, there are many stars).

It was the latter that opened the afternoon (the concert was at 3 PM). The audience was treated to a resplendent work, sparkling with a thousand luminous colours, like thousands of jewels on a dark velvet cushion. The score oscillates between Ravelian sumptuousness and contemporary shimmering, in a back-and-forth between warm atonality and cinematic consonances. The crowd applauded warmly, rightly so.

A bit off-topic, but masterful in its expression and especially its interpretation, the Concerto for Viola by the Englishman William Walton followed with immense panache. A work that is rarely heard on our stages, and yet has an imperial dramatic effect! It must be said that the violist Antoine Tamestit masters this music without a hitch. A full and nuanced sound, capable of the most delicate whispers without compromising an ample projection, as well as the most athletic fortes, that don’t lose any timbral quality. This artist plays, in the holistic sense of the term: he watches the orchestra musicians, listens to them, appreciates their playing, responds to them. A true concert artist, not a soloist “with accompaniment.” That is probably the connection with the rest of the program: Tamestit is a fiery star. The man took the microphone to thank the musicians (he was right, the OM was in exceptional form) and announce an encore: an arrangement of Flow My Teares by John Dowland. The poignant melody of the Renaissance gave a few chills, especially in its delicate interpretation in a duet with the OM harpist, Robin Best. We can pleasantly imagine a full recital with these two artists. Why not?

In the finale, Holst’s Planets practically lifted the roof off the Maison symphonique. Yannick did not hesitate for a second and launched the warlike Mars on a merciless rhythm. With an OM at its best (hats off to the soloists of all the sections), the conductor then drew a Venus and a Mercury full of nuances before launching the masterful Jupiter at an exciting tempo. Thank you for not slowing down its progress, which sometimes happens with some conductors. Here, no, Yannick chose to express without hesitation the feeling of joy that underlies the character granted to the giant by Holst. The central section, with its imposing theme, had all the required nobility.

Saturn and its emphatic cadence, marking the passage of time, had the desired power and, above all, effectively expressed the inevitable nature of the march towards old age. Uranus and its driving energy (as well as the theme introduced by the bassoon, which so much reminds one of Dukas’ The Sorcerer’s Apprentice) had a lot of character, while the whole ended with the impressionism, first shadowy then evolving towards the light, of Neptune.

The audience was delighted. One can only agree with it.

Indie / R&B / soft-rock

POP Montréal 2026 : Infinity Song et 110% au Théâtre Rialto – Salle Exclaim!

by Rédaction PAN M 360

Infinity Song

Quatre esprits, perspectives et âmes uniques donnent le tempo à Infinity Song. Le lien du sang qui unit les frères et sœurs Boyd — Abraham, Angel, Israel et Momo — alimente le cœur même du groupe, mais c’est l’harmonie entre leurs personnalités distinctes qui les élève avec brio au rang d’exception, hors des sentiers battus. Arborant ses lunettes emblématiques, l’aîné, Abraham, porte les mélodies avec assurance et charisme. Angel, non seulement peut tenir une note comme si sa vie en dépendait, mais elle est aussi la force créative derrière l’esprit du groupe. Momo passe avec dextérité de la guitare à la basse, et sa voix d’une vulnérabilité touchante dégage chaleur et émerveillement. Au-delà de sa voix puissante, Israel fait chanter sa Navigator Stratocaster avec toute la fougue d’un guitariste virtuose. Leur musique est le genre de musique que l’on pourrait dénicher sur un vinyle précieux chez son disquaire indépendant préféré, découvrir pour la première fois au coucher du soleil lors d’un festival, ou dont on pourrait s’extasier sur les réseaux sociaux. Après une longue ascension, ils signent chez Roc Nation et captivent les auditeurs avec Mad Love [2020], Metamorphosis [2023] et Infinity Song LIVE [2025]. Ils brillent partout, du Late Show avec Stephen Colbert à l’émission « Tiny Desk » de NPR. Acclamés par Interview, Complex, GRAMMY.com et bien d’autres ils sont la tête d’affiche d’une résidence populaire au Blue Note, jouent à guichets fermés dans le monde entier, assurent la première partie de Lake Street Dive au Madison Square Garden et se produisent dans des festivals tels que Bonnaroo et Lollapalooza. Devenus viraux à de nombreuses reprises, attirant des fans prestigieux et divers comme Doja Cat et Anne Hathaway, lauréate d’un Oscar®, et se produisant devant des salles combles partout, ces identités distinctes se rejoignent plus étroitement que jamais sur leur album éponyme de 2026, Infinity Song [Peace Industry Music Group et Roc Nation].

Four individual minds, perspectives, and souls set the tempo for Infinity Song. The blood bond shared by the Boyd siblings—Abraham, Angel, Israel, and Momo—fuels the band’s collective heartbeat, yet it’s the harmony between their separate personalities that expertly elevates them as a genre-agnostic anomaly. Sporting signature glasses, big brother Abraham carries melodies with confidence and charisma. Not only can Angel hold a note like her life depends on it, but she also acts as the creative force behind the group’s ethos. Momo deftly rotates between guitar and bass as she exudes warmth and wonder through uncanny vocal vulnerability. Beyond flaunting a dynamic voice, Israel makes his Navigator Stratocaster sing with all the feel of your favorite guitar hero. They make the kind of music you could find on a vinyl treasure at your local indie record store, experience for the first time on festival grounds at sunset, or obsess over on social media. Signing to Roc Nation after a long grind, they captivated listeners with Mad Love [2020], Metamorphosis [2023], and Infinity Song LIVE[2025]. They shined everywhere from The Late Show with Stephen Colbert to NPR’s “Tiny Desk.”Earning acclaim from Interview, Complex, GRAMMY.com, and more, they headlined a popular residency at the Blue Note, played sold-out shows worldwide, supported Lake Street Dive at Madison Square Garden, and appeared at festivals such as Bonnaroo and Lollapalooza. Going viral countless times, attracting high-profile fans as diverse as Doja Cat and Academy® Award winner Anne Hathaway, and performing to packed crowds everywhere, these distinct identities come together closer than ever on the group’s 2026 self-titled LP, Infinity Song [Peace Industry Music Group and Roc Nation].

110%

Originaire d’un groupe d’amis d’enfance, 110% est un supergroupe basé à Montréal ancré dans la communauté et la collaboration créative. Ces dernières années, des collaborateurs de confiance et loyaux sont devenus de nouveaux membres, faisant du groupe le septuor qu’il est aujourd’hui; quatre chanteurs, un bassiste, un guitariste et une harpiste. Ensemble, n’ayant rien d’autre à perdre que leur perception par les autres, leur dernier EP Exposure Therapy a vu le jour. Si votre humilité était en liberté, la laisseriez-vous se libérer.

Originated by a group of childhood friends, 110% is a Montreal based supergroup rooted ion community and creative collaboration. In recent years, trusted and loyal affiliates were turned into new members making the band the septet that is is today; four vocalists, a bassist, guitarist and a harpist. Together with nothing else to lose but their perception from others, their latest EP Exposure Therapy came to be. If your humility was at large, would you let it run free?

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folklore / japon / Musiques du Monde

POP Montréal 2026 : Minyo Crusaders au Bar Le Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

Minyo Crusaders retravaille des chansons folkloriques japonaises traditionnelles (min’yō) avec des rythmes latins, africains et caribéens pour créer une musique parmi les plus contagieuses entre l’Amérique du Sud et le Japon. Les arrangements percutants et inventifs de ce big band de dix musiciens donnent un nouveau souffle à ces chansons folkloriques traditionnelles de la classe ouvrière, et le groupe a reçu de nombreux éloges de la part de NPR, The Guardian, The Times et bien d’autres. Ils tournent également en Europe chaque année, attirant des fans à l’international, y compris des artistes de renom tels que Iggy Pop et Ry Cooder, qui les ont décrits comme « le meilleur groupe que j’ai entendu depuis de nombreuses années ».

Minyo Crusaders rework traditional Japanese folk songs (min’yō) with Latin, African and Caribbean rhythms to create some of the most infectious music between South America and Japan. The punchy and inventive arrangements of this ten-piece big band breathe new life into these traditional working-class folk songs, and the band have received high acclaims from NPR, The Guardian, The Times and many others. They also tour Europe every year, attracting fans internationally including renowned artists such as Iggy Pop and Ry Cooder, who described them as “the best band I have heard in many years.”

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Ce contenu provient de Blue Note Records et est adapté par PAN M 360

Indie Rock / Pop-Rock / Punk Rock

POP Montréal 2026 : Think About Life, Pigeon Phat et Underpass au Rialto Hall

by Rédaction PAN M 360

Think About Life

Le milieu des années 2000 à Montréal fut une période d’effervescence sonore. Tandis que les projecteurs internationaux se braquaient sur le rock indépendant orchestral et grandiose du Plateau et du Mile End, une énergie punk bouillonnante s’emparait des salles alternatives de la périphérie. Think About Life était au cœur de ce mouvement, créant une atmosphère chaotique, romantique et inoubliable qui a bouleversé le paysage pop montréalais. Mêlant l’énergie brute du punk rock à des instruments électroniques chinés, Think About Life auto-enregistrait des singles pop bruyants, extatiques et déconstruits depuis son QG de Griffintown : une ancienne laiterie reconvertie, baptisée Friendship Cove.

The mid-to-late 2000s in Montreal was a period of wild sonic divergence. As the international spotlight lingered on the grand, orchestral indie-rock of the Plateau and Mile End, a restless punk energy was taking hold in the city’s peripheral DIY venues. Think About Life were at the centre of it — conjuring a chaotic, romantic, night-of-your-life atmosphere that shook up the city’s pop landscape. With a mash of punk-rock grit and thrift-store electronics, Think About Life self-recorded noisy, ecstatic, deconstructed pop singles from their Griffintown base: a converted milk bottling plant called Friendship Cove.

Pigeon Phat

S’agglutinant comme les pigeons sous les viaducs de Montréal, Pigeon Phat revient d’une pause de huit ans pour amener un vacarme de synthés tordus sur les plus petites scènes de la ville. Cette bande de parias délaisse le poli des stades pour une énergie décalée, façonnée sur mesure pour leur propre perchoir de chopped uncs.

Huddling like the pigeons beneath Montreal’s concrete underpasses, Pigeon Phat returns from an eight-year hiatus to bring a gritty, synth-warped racket to the city’s smallest stages. This flock of misfits trades stadium polish for an eerie energy crafted specifically for their roost of chopped uncs.

Underpass

Avec leurs voix nostalgiques et leur instrumentation colorée, Underpass est un groupe émergent d’indie pop/rock qui rappelle un été montréalais d’autrefois. Les paroles sombres et confessionnelles ainsi que les mélodies mélancoliques sont la marque de fabrique de l’autrice-compositrice principale, Johanna Seligman, et sont souvent accompagnées de paysages sonores luxuriants et d’une batterie rock entraînante. Le nom Underpass évoque les souvenirs du désormais disparu passage inférieur Van Horne, qui fut autrefois un pilier de la scène musicale underground de Montréal.

With their nostalgic vocals and colorful instrumentation, Underpass is an up-and-coming indie pop/rock band, reminiscent of a past Montreal summer. Dark, confessional lyrics and melancholic melodies are a staple of lead songwriter Johanna Seligman, and are often accompanied by lush soundscapes and upbeat rock drumming. The name Underpass evokes the memories of the now defunct Van Horne Underpass, which used to be a staple in Montreal’s underground music scene.

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Neoclassical / new age / Piano

Ludovico Einaudi | Solo piano à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Le pianiste Ludovico Einaudi interprétera son album Solo Piano, qui réunit sa première collection de compositions pour piano solo. Au cours des trois dernières décennies, Einaudi est discrètement devenu l’artiste classique contemporain le plus célèbre au monde avec ses œuvres qui ont touché des millions de personnes à travers le cinéma, la télévision et des concerts internationaux. Des scènes de l’océan Arctique aux résidences record au Royal Albert Hall, au Barbican et à l’Opéra de Sydney, Einaudi continue de faire découvrir sa musique évocatrice et cinématographique au public du monde entier, avec son orchestre ou seul au piano, là où tout a commencé.

Pianist Ludovico Einaudi will perform his album Solo Piano, his first-ever collection of compositions for solo piano. Over the past three decades, Einaudi has quietly become the world’s most successful contemporary classical artist, with music that has reached millions through film, television and live performances worldwide. From Arctic Ocean stages to record-breaking residencies at the Royal Albert Hall, Barbican and Sydney Opera House, Einaudi continues to bring his evocative, cinematic music to audiences around the globe, both with his ensemble and where it all started, on piano alone.

LES BILLETS POUR CE SPECTACLE SONT ÉPUISÉS!

Ce contenu provient de la Place des Arts et est adapté par PAN M 360

classique / post-romantique

OSM : Payare dirige Poulenc et Sibelius

by Rédaction PAN M 360

Deux voix de la modernité se rencontrent ici : Poulenc et Sibelius, chacun ancré dans son époque, mais profondément attentif à l’héritage du passé. Ainsi, le Concerto pour orgue de Poulenc, que Jean-Willy Kunz incarne avec une intensité méditative, mêle solennité baroque et fulgurances du XXe siècle. Cette même tension féconde irrigue la Symphonie n° 2 de Sibelius, où le romantisme affleure sous une écriture audacieusement épurée. En prélude, l’Ouverture n° 2 d’Emilie Mayer agit comme un trait d’union : un romantisme affirmé, pont germanique entre les couleurs françaises et finlandaises, déjà porté par une voix singulière qui se projette vers l’avenir.

Two voices of modernity meet here: Poulenc and Sibelius—each firmly rooted in their time, yet deeply attuned to the legacy of the past. Poulenc’s Organ Concerto, brought to life by Jean-Willy Kunz with meditative intensity, blends baroque solemnity with flashes of 20th-century brilliance. That same fertile tension runs through Sibelius’s Symphony no. 2, where Romantic warmth emerges beneath a boldly pared-down style. As a prelude, Emilie Mayer’s Overture no. 2 acts as a bridge: a confident Romantic voice, a German link between French and Finnish colors, already projecting toward the future.

Programme

Emilie Mayer, Ouverture nᵒ 2 (10 min)
Francis Poulenc, Concerto pour orgue, cordes et timbales, FP 93 (24 min)
Jean Sibelius, Symphonie nᵒ 2, op.43 (43 min)

Program

Emilie Mayer, Overture no. 2 (10 min)
Francis Poulenc, Organ Concerto, FP 93 (24 min)
Jean Sibelius, Symphony no. 2, op. 43 (43 min)

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