Montréal

expérimental / contemporain / immersion

Le Vivier / Semaine du Neuf : Nadar – Hide to Show / Les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

Serait-ce ZE must de cette Semaine du Neuf ? Chose sûre, Jeffrey Stonehouse, directeur artistique du Vivier, ne tarit pas d’éloges à l’endroit de Hide to Show, de Michael Beil qu’exécutera l’ensemble flamand Nadar

“C’est un bijou, c’est un must ! Je ne veux pas vendre tous les punchs parce qu’il faut… Mais c’est une expérience à ne pas manquer. On voit des musiciens qui se préparent pour une performance publique. Ils jouent quelques notes, ils changent de vêtements, parfois ils dansent. Ils se préparent en écoutant de la musique avec  des casques d’écoute. Et ces mouvements deviennent en fait un matériau musical pour la suite qui s’annonce très intéressante. Ce programme a été conçu par Michael Beil et qui confère à l’ensemble belge Nadar un rôle qui est à la fois musicien de très haut niveau et aussi acteur. Alors la théâtralité de cette proposition est très, très, très forte ! En tout cas, ce spectacle m’a marqué. Je l’ai vu à Strasbourg une première fois il y a deux ans, je m’étais dit que le public de Montréal devait absolument assister à ce show. “

Lisez les notes de programmes qui fournissent d’autres précisions:

Hide to show parle de la solitude, mais aussi de la synchronisation avec les autres sans les voir; d’être observé·e, de choisir de se rendre visible ou non, et de se remplacer soi-même de multiples façons. Les projecteurs se tournent vers les coulisses, tandis que les musicien·nes se préparent pour la performance devant le public, chacun·e seul·e dans sa petite pièce privée. Ils jouent quelques notes, changent de vêtements ou dansent sur la musique qu’ils écoutent au casque. Ce ne sont pas seulement les mouvements des musicien·nes sur scène qui sont considérés comme du matériau musical : la liste des ingrédients artistiques de Beil inclut désormais leurs actions dans l’intimité des coulisses. Mais tout ne nous est pas donné à voir. Les musicien·nes se dissimulent derrière leurs costumes, des rideaux qui montent et descendent, ou encore des enregistrements d’eux-mêmes, si bien que la véritable personne demeure finalement invisible. Le parallèle avec les réseaux sociaux s’impose rapidement. Hide to show explore l’hyperréalité, la manière dont nous superposons des couches virtuelles à nos vies, dont nous copions et collons dans ce que nous appelons notre réalité.

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Programme

Artistes

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Could this be THE must-see event of this Week of New Works? One thing is certain: Jeffrey Stonehouse, artistic director of Le Vivier, is full of praise:

“It’s a gem, it’s a must-see! I don’t want to give away all the surprises because you have to… But it’s an experience not to be missed. You see musicians preparing for a public performance. They play a few notes, they change clothes, sometimes they dance. They prepare themselves by listening to music with headphones. And these movements actually become musical material for what follows, which promises to be very interesting. This program was conceived by Michael Beil and gives the Belgian ensemble Nadar a role that is both highly skilled musicians and actors. So the theatricality of this proposal is very, very, very strong! In any case, this show made a big impression on me. I saw it for the first time in Strasbourg two years ago, and I thought to myself that the Montreal audience absolutely had to see this show. “

Read the program notes for further details:

Hide to show speaks about solitude, but also about synchronizing with others without seeing them; about being observed, choosing to make oneself visible or not, and replacing oneself in multiple ways. The spotlights turn towards the backstage, while the musicians prepare for the performance in front of the audience, each alone in their small private room. They play a few notes, change clothes, or dance to the music they’re listening to on headphones. It’s not only the musicians’ movements on stage that are considered musical material: Beil’s list of artistic ingredients now includes their actions in the privacy of backstage. But not everything is revealed to us. The musicians conceal themselves behind their costumes, curtains that rise and fall, or even recordings of themselves, so that the real person ultimately remains invisible. The parallel with social media quickly becomes apparent. Hide to show explores hyperreality, the way we superimpose virtual layers on our lives, the way we copy and paste into what we call our reality.
+

Program

  • Michael Beil: Hide To Show , 2020  – premiere

Artists

  • Nadar Ensemble
  • Stefan Prins (artistic director)
  • Michael Beil (composition, video, staging)
  • Veerle Vervoort (production)
  • Barbara Galli-Jescheck (choreographic advisor)
  • Charlotte Triebus (lyrics)
  • Warped Type (visuels en direct, scénographie)
  • Robin Goossens (business manager)
  • Katrien Gaelens (flute)
  • Yves Goemaere (percussion)
  • Wannes Gonnissen (sound)
  • Mar Berendsen (violin)
  • Pieter Matthynssens (cello, artistic director)
  • Elisa Medinilla (keyboard)
  • Thomas Moore (trombone)
  • Bertel Schollaert (saxophone)
  • Dries Dries (clarinet)

Création / Électronique / expérimental / contemporain

Le Vivier / Semaine du Neuf | Proxima Centauri – MOUVEMENTS / Les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

MOUVEMENTS, si l’on s’en tient aux notes de programme, crée un espace de dialogue entre les textures sonores apportées par l’électronique et l’interprétation dans l’instant de l’instrumentiste. La présence sensible de l’artiste face à l’ubiquité du son multidiffusé flottant autour de l’auditeur, offre de multiples formes de dialogue, de juxtaposition ou de conflit. L’instrumentiste se confronte ou s’associe au son jusqu’à donner à la musique électroacoustique un aspect visible. La coexistence des deux mondes sonores permet à l’auditeur-spectateur d’être au cœur du discours musical et de sa poésie.

Directeur artistique du Vivier, Jeffrey Stonehouse nous en dit davantage:

“Proxima Centauri est un ensemble de Bordeaux dont l’instrumentation est la suivante: saxophone, flûte, piano, percussion, électronique. Présenté à la Semaine du Neuf, ce programme  explore  le mouvement, mais aussi crée DEAD TALES, spurred, une œuvre de Corie Rose Soumah qui était une commande du Vivier. Ici, on peut imaginer la juxtaposition de différentes formes de dialogues au sein desquels plusieurs conflits peuvent surgir. L’instrumentiste se confronte ou s’associe au jeu et procure aussi une visibilité  à la musique électroacoustique. De plus, ces dialogues peuvent déclencher des images en temps réel, on se retrouve donc dans la cohabitation de deux mondes. Il faut remarquer qu’il  y a de plus en plus de créateurs et de créatrices en musique qui travaillent avec la vidéo.”

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Programme

  • Corie Rose Soumah: DEAD TALES, spurred , 2026 (10′) pour flûte, saxophone, piano, percussion et électronique (Commande du Vivier pour Proxima Centauri)  – création
  • Brendan Champeaux: Away , 2026 (10′) pour piano, percussion et électronique (Commande de Proxima Centauri avec l’aide à l’écriture d’œuvre musicale originale du ministère de la Culture)  – création
  • Demian Rudel Rey: Nemorensis , 2026 (12′) pour saxophone ténor, électronique et vidéo (Commande pour Proxima Centauri)  – création
  • Raphaèle Biston: Ombres (10’) pour flûte, saxophone, piano, percussion et électronique – création canadienne)
  • Arturo Fuentes: La Cité du son (12’), pour flûte, saxophone, piano, percussion et électronique – création canadienne (Commande de Proxima Centauri)

Artistes

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MOUVEMENTS, according to the official program, is a musical performance that creates a space for dialogue between the sonic textures brought by electronics and the live interpretation of the instrumentalist. The sensitive presence of the artist in the face of the ubiquity of spatially diffused sound floating around the listener offers multiple forms of dialogue, juxtaposition, or conflict. The instrumentalist confronts or associates with the sound to the point of giving electroacoustic music a visible aspect. The coexistence of the two sonic worlds allows the listener-spectator to be at the heart of the musical discourse and its poetry.

Artistic Director of Le Vivier, Jeffrey Stonehouse tells us more:

“Proxima Centauri is a Bordeaux-based ensemble whose instrumentation includes saxophone, flute, piano, percussion, and electronics. Presented at Semaine du Neuf, this program explores movement, but also premieres DEAD TALES, spurred, a work by Corie Rose Soumah that was commissioned by Le Vivier. Here, we can imagine the juxtaposition of different forms of dialogue in which several conflicts may arise. The instrumentalist confronts or associates with the performance and also provides visibility to electroacoustic music. In addition, these dialogues can trigger images in real time, so we find ourselves in the coexistence of two worlds. It should be noted that there are more and more music creators working with video.”

Program

  • Corie Rose Soumah: DEAD TALES, spurned , 2026 (commissionned by Le Vivier for Proxima Centauri)  – premiere
  • Brendan Champeaux: Ciphers , 2026 (commissionned by the State for Proxima Centauri)  – premiere
  • Demian Rudel Rey: Nemorensis , 2026 (commissionned for Proxima Centauri)  – premiere
  • Raphaèle Biston: Ombres (10’) pour flûte, saxophone, piano, percussion et électronique – création canadienne)
  • Arturo Fuentes: La Cité du son (12’), pour flûte, saxophone, piano, percussion et électronique – création canadienne (Commande de Proxima Centauri)

Artists

Contemporary / Création / Experimental / Contemporary

Le Vivier / Semaine du Neuf : Architek Percussion & Contrechamps – Kino-sonique / Les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

Créations croisées suisses et canadiennes, entre technologies détournées, avatars numériques et objets du quotidien, ce triptyque de concerts explore les multiples visages du son contemporain. De Suisse, Daniel Zea propose une performance pour reconnaissance faciale où l’avatar numérique révèle les tensions entre expression humaine et algorithme. De Montréal, Nicole Lizée fait revivre les machines du passé dans une création quadriphonique où le glitch devient matière poétique. Enfin, de Suisse, Alexandre Babel renverse les hiérarchies sonores en sculptant la beauté brute de sons “pauvres”, issus d’objets trouvés et de gestes simples.

À ce titre, PAN M 360 a recueilli les propos de son directeur artistique, Jeffrey Stonehouse, qui a été témoin d’un portion du travail helvète en septembre dernier”

” En fait, je suis allé en Suisse pour la création de l’œuvre du compositeur suisse Alexandre Babel. Ça, c’était une co-commande du Vivier et de l’ensemble Contrechamps, mais écrite pour Architek Percussion qui est est allé jouer à Genève en septembre dernier. Le programme comprend donc cette œuvre mais aussi une nouvelle œuvre de Nicole Lizée pouf ensemble instrumental, vidéo et électronique. L’autre œuvre au programme, soit du compositeur Daniel  Zea, ‘est une commande de l’ensemble Contrechamp avec les Art Zoyd Studios.  Daniel Zea  a conçu  une sorte de partition pour visage et reconnaissance faciale. Tout ça se passe en direct, donc les mouvements du visage de l’avatar déclenchent et contrôlent la partie.”

Plus précisément, le programme indique:

Trois œuvres qui, chacune à leur manière, interrogent notre rapport à la technologie, à la mémoire et à l’imperfection — et redéfinissent la frontière entre humain, machine et matière. Fascinée par les technologies obsolètes, Nicole Lizée explore le dysfonctionnement et l’esthétique de l’imperfection pour “aller sous la surface des choses”. Elle intègre dans ses œuvres des instruments atypiques — Atari 2600, omnichords, stylophones, jeux Simon™ ou bandes de karaoké — ainsi qu’un dispositif vidéo et une quadriphonie dans sa nouvelle création pour Contrechamps.

Daniel Zea met en scène le contraste entre un visage analysé par ordinateur et son avatar numérique. Grâce à une partition pour visage et reconnaissance faciale, ses mouvements animent l’avatar et déclenchent l’électronique, tandis que les instrumentistes réagissent en complément ou en contraste, soulignant la tension entre digital et acoustique. Commandée pour Architek Percussion, The brown gardener réunit quatre percussionnistes jouant sur des plaques-cloches en matériaux simples. Les motifs rythmiques superposés créent un contrepoint en évolution continue. Le titre évoque un oiseau indonésien qui compose des assemblages d’objets, rappelant le soin apporté au choix des instruments.

Programmation

-Daniel Zea: AUTORRETRATO EXTENDIDO , 2026 (40’ – Commande de l’Ensemble Contrechamps, en partenariat avec Art Zoyd Studios) pour ensemble instrumental, vidéo et tracking facial  – création
-Nicole Lizée: Nouvelle oeuvre , 2026 (17′) pour ensemble instrumental, vidéo et électronique  – création
-Alexandre Babel: The brown gardener , 2025 (15′ – Co-commande Contrechamps / Le Vivier pour Architek Percussion) pour quatuor de percussions  – création

Program

-Daniel Zea: AUTORRETRATO EXTENDIDO , 2026 (40’ – Commande de l’Ensemble Contrechamps, en partenariat avec Art Zoyd Studios) for ensemble instrumental, vidéo et tracking facial  – premiere
-Nicole Lizée: New work for ensemble, video and electronics , 2026  – premiere
-Alexandre Babel: The brown gardener , 2025 (15′ – Co-commande Contrechamps / Le Vivier pour Architek Percussion) for quatuor de percussions  – premiere

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A collaboration between Switzerland and Canada, combining repurposed technologies, digital avatars, and everyday objects, this trio of concerts explores the many faces of contemporary sound. From Switzerland, Daniel Zea presents a performance for facial recognition in which a digital avatar reveals the tensions between human expression and algorithms. From Montreal, Nicole Lizée brings the machines of the past back to life in a quadraphonic creation where glitches become poetic material. Finally, from Switzerland, Alexandre Babel overturns sound hierarchies by sculpting the raw beauty of “poor” sounds, derived from found objects and simple gestures.

As such, PAN M 360 gathered comments from its artistic director, Jeffrey Stonehouse, who witnessed part of the Swiss work last September.
“In fact, I went to Switzerland for the premiere of Swiss composer Alexandre Babel’s work. It was a co-commission by Le Vivier and the Contrechamps ensemble, but written for Architek Percussion, who went to play in Geneva last September. The program includes this work as well as a new work by Nicole Lizée for instrumental ensemble, video, and electronics. The other work on the program, by composer Daniel Zea, was commissioned by the Contrechamp ensemble and Art Zoyd Studios. Daniel Zea designed a kind of score for the face and facial recognition. It all happens live, so the avatar’s facial movements trigger and control the part.”
More specifically, the program states:
Three works that, each in their own way, question our relationship to technology, memory, and imperfection—and redefine the boundary between human, machine, and matter. Fascinated by obsolete technologies, Nicole Lizée explores dysfunction and the aesthetics of imperfection to “go beneath the surface of things.” She incorporates atypical instruments into her works—Atari 2600, omnichords, stylophones, Simon™ games, and karaoke tapes—as well as a video device and quadraphonic sound in her new creation for Contrechamps.

Daniel Zea has designed a kind of score for faces and facial recognition. It all happens live, so the avatar’s facial movements trigger and control the piece.
More specifically, the program states:
Three works that, each in their own way, question our relationship with technology, memory, and imperfection—and redefine the boundary between human, machine, and matter. Fascinated by obsolete technologies, Nicole Lizée explores dysfunction and the aesthetics of imperfection to “go beneath the surface of things.” She incorporates atypical instruments into her works—Atari 2600, omnichords, stylophones, Simon™ games, and karaoke tapes—as well as a video device and quadraphonic sound in her new creation for Contrechamps.
Daniel Zea stages the contrast between a computer-analyzed face and its digital avatar. Thanks to a score for face and facial recognition, his movements animate the avatar and trigger the electronics, while the instrumentalists react in complement or contrast, highlighting the tension between digital and acoustic. Commissioned for Architek Percussion, The brown gardener brings together four percussionists playing on bell plates made of simple materials. The overlapping rhythmic patterns create a constantly evolving counterpoint. The title evokes an Indonesian bird that composes assemblages of objects, recalling the care taken in the choice of instruments.

Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

Contemporary / Création / Experimental / Contemporary

Le Vivier / Semaine du Neuf | Stick & Bow + Paramirabo + LiSiLoG – Canta lo invisible / Les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

Issu de la rencontre d’artistes de Stick&Bow, Paramirabo, LiSiLoG et du compositeur Philippe Macnab-Séguin, Canta lo invisible, sous la direction artistique de Krystina Marcoux, explore la relation intime entre geste, son et lumière, à la croisée de la musique contemporaine, de l’improvisation et de l’art numérique. Au cœur du projet se trouve l’IMSS (Interactive Motion Sound System), une technologie novatrice conçue par Christophe Lebreton (LiSiLoG), qui transforme le mouvement en son sans capteurs corporels, ouvrant un nouvel espace d’expression entre corps et matière sonore. Entre rigueur et lâcher-prise, Canta lo invisible questionne le rapport au corps, à l’instrument et à la création collective, où l’improvisation devient moteur d’écriture. Création mondiale dans le cadre de La Semaine du Neuf.

Directeur artistique du Vivier, Jeffrey Stonehouse nous en dit davantage:

“Tout ça sous la direction artistique de Krystina Marcoux, qui est la percussionniste de Paramirabol. Ne passe-t-elle pas inaperçue ? Effectivement, on ne peut pas la manquer lorsqu’elle monte sur scène. Qui plus est, elle a exploré le théâtre musical dans ses études de doctorat. Avec Christophe Le Breton de LiSiLoG, elle se penche sur la relation intime entre le geste, le son et la lumière. Tout ça aux frontières de la musique contemporaine instrumentale, mais aussi de la musique improvisée et de l’art numérique.

“Ici, le dispositif utilisé se nomme l’IMSS ou Interactive Motion Sound System. Il s’agit d’une une technologie qui a été conçue par Christophe Le Breton et qui transforme le mouvement en son. Très simplement. Plus précisément, les musiciens jouent de leurs instruments, le son produit est alors modulé par leur mouvement et les zones qu’ils  traversent sur scène. 

Ce projet a aussi été développé au Banff Centre for the Arts. Oui, il y a quand même plusieurs entités là-dedans. Il y a Paramirabo, il y a Stick & Bow et d’autres entités intervenantes. Nous avons déjà travaillé en résidence à l’édifice Wilder en compagnie de Christophe Le Breton pour explorer le dispositif, suivi d’un dialogue avec Philippe Macnab-Séguin afin qu’il compose des compléments et structure les improvisations à venir sur scène.”

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Programme

  • Création collective: Canta lo invisible , 2026 pour pour ensemble et Interactive Motion Sound System (iMSS)  – création

Artistes

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Canta lo invisible – making the invisible visible Born from the meeting of artists from Stick&Bow, Paramirabo, LiSiLoG and composer Philippe Macnab-Séguin, Canta lo invisible, under the artistic direction of Krystina Marcoux, explores the intimate relationship between gesture, sound, and light, at the crossroads of contemporary music, improvisation, and digital art. At the heart of the project is the IMSS (Interactive Motion Sound System), an innovative technology designed by Christophe Lebreton (LiSiLoG), which transforms movement into sound without body sensors, opening a new space of expression between body and sonic matter. Between rigor and letting go, Canta lo invisible questions the relationship to the body, to the instrument, and to collective creation, where improvisation becomes the driving force of composition. World premiere as part of La Semaine du Neuf.

Artistic director of Le Vivier, Jeffrey Stonehouse tells us more:

“All this under the artistic direction of Krystina Marcoux, who is the percussionist for Paramirabol. Doesn’t she stand out? Indeed, you can’t miss her when she takes the stage. What’s more, she explored musical theater in her doctoral studies. With Christophe Le Breton of LiSiLoG, she explores the intimate relationship between gesture, sound, and light. All this at the frontiers of contemporary instrumental music, but also improvised music and digital art.

“Here, the device used is called the IMSS or Interactive Motion Sound System. It is a technology designed by Christophe Le Breton that transforms movement into sound. Quite simply. More specifically, the musicians play their instruments, and the sound produced is then modulated by their movement and the areas they cross on stage. 

This project was also developed at the Banff Centre for the Arts. Yes, there are several entities involved. There’s Paramirabo, Stick & Bow, and other participating entities. We have already worked in residence at the Wilder Building with Christophe Le Breton to explore the device, followed by a dialogue with Philippe Macnab-Séguin so that he could compose additions and structure the improvisations to come on stage.”

Program

  • Collective creation: Speak No Words – Le silence des mots , 2026 for ensemble and Interactive Motion Sound System (iMSS)  – premiere

Artists

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Electronic / immersion / Modern music

Le Vivier / Semaine du Neuf |  Ensemble Éclat – Broken Spaces / Les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

Broken Spaces est un concert immersif et ininterrompu qui explore l’espace sonore et visuel sous toutes ses formes, en alliant musique électronique et musique mixte, avec des visuels numériques créés par Myriam Bleau. Une expérience sensorielle intense où se croisent de multiples esthétiques dans un dispositif scénique novateur.

Directeur artistique du Vivier, Jeffrey Stonehouse nous présente sommairement  le projet: 

“Éclat est un nouvel ensemble qu’on aime bien, et le projet ici présenté a été soutenu par le Pôle Relève et a aussi été développé en partenariat avec l’IRCAM. Donc, l’ensemble Éclats a été en résidence à l’IRCAM à Paris en octobre dernier pour travailler sur ce projet-ci, qui jumelle des oeuvres de Jérôme Combier, des oeuvres, une oeuvre acousmatique d’Audréanne Fillion, des oeuvres mixtes de Jérôme Combier,Quentin Lauvray et Omer Barash, et aussi une oeuvre acousmatique de Philippe Macnab-Séguin. Les visuels numériques sont créés par Myriam Bleau, ce qui crée une expérience sensorielle super intense. On y croise plusieurs esthétiques d’une façon novatrice. “

Programme

-Jérôme Combier: Gone , 2010 pour pour trio à cordes, clarinette, piano et électroniques
-Audréanne Filion: Interpolation , 2022 – 2025 pour pour sons fixés  – création
-Quentin Lauvray: Ephphata , 2025 pour pour violon et électronique  – création
-Philippe Macnab-Séguin: Gone for Eggs (extrait) , 2024 pour pour sons fixés
-Omer Barash: Nouvelle oeuvre , 2025 pour pour trio à cordes, clarinette, piano et électroniques  – création

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Broken Spaces is an immersive and uninterrupted concert that explores sonic and visual space in all its forms, combining electronic music and mixed music, with digital visuals created by Myriam Bleau. An intense sensory experience where multiple aesthetics intersect in an innovative stage setup.

Artistic director of Le Vivier, Jeffrey Stonehouse gives us a brief overview of the project:

“Éclat is a new ensemble that we really like, and the project presented here was supported by Pôle Relève and developed in partnership with IRCAM. So, the Éclats ensemble was in residence at IRCAM in Paris last October to work on this project, which combines works by Jérôme Combier, works, an acousmatic work by Audréanne Fillion, mixed works by Jérôme Combier, Quentin Lauvray, and Omer Barash, and also an acousmatic work by Philippe Macnab-Séguin. The digital visuals are created by Myriam Bleau, creating a super intense sensory experience. Several aesthetics come together in an innovative way.”

Program

-Jérôme Combier: Gone , 2010 for for string trio, clarinet, piano and electronics
-Audréanne Filion: Interpolation , 2022 – 2025 for for fixed sounds  – premiere
-Quentin Lauvray: Ephphata , 2025 for for violin and electronics  – premiere
-Philippe Macnab-Séguin: Gone for Eggs (extrait) , 2024 for for fixed sounds
-Omer Barash: New work , 2025 for for string trio, clarinet, piano and electronics  – premiere

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Contemporary / Electroacoustic / Experimental / Contemporary

Le Vivier / Semaine du Neuf |  Alexandra Templier — Chant 2 : Le Murmure Du Vivant / Les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

Expérience immersive, musique improvisée (voix et électroacoustique), danse, arts visuels Le Murmure du Vivant est un écosystème pluridisciplinaire où le son, le mouvement et le visuel se tissent de façon organique pour convier le public à une expérience transformative: écouter autrement pour penser autrement.

Directeur artistique du Vivier, Jeffrey Stonehouse défend ici brièment ce choix de programmation:

“Une très belle proposition d’Alexandra Templier ici ! Alexandra qui fait partie du pôle relève du Vivier, donc notre pôle de mentorat artistique. Sa proposition est en fait, une rencontre entre un genre de scénographie vivante et une interprétation en temps réel. Ce que je veux dire ici, c’est que l’élément de scénographie joue un rôle super central à la proposition d’Alexandra. Elle explore presque, je trouve, des zones de ASMR ! Donc, tous les sons sont super subtils. Par exemple, des verres qui sont juste légèrement bougés sur le sol. Mais tout ça aussiavec des interprètes en temps réel. Donc, c’est comme une espèce d’installation vivante, mais avec une proximité d’écoute très intéressante et très intime.”

Immersive experience, improvised music (voice and electroacoustic), dance, visual arts Le Murmure du Vivant is a multidisciplinary ecosystem where sound, movement, and visual elements are woven together organically, inviting the audience into a transformative experience: listening differently to think differently.

Artistic Director of Le Vivier, Jeffrey Stonehouse briefly defends this programming choice here:

“A very beautiful proposal from Alexandra Templier here! Alexandra is part of the Vivier’s next generation program, which is our artistic mentoring program. Her proposal is actually a combination of a kind of living scenography and real-time interpretation. What I mean here is that the scenography element plays a central role in Alexandra’s proposal. I think she’s almost exploring areas of ASMR! So all the sounds are very subtle. For example, glasses being moved slightly on the floor. But all this is also done with performers in real time. So it’s like a kind of living installation, but with a very interesting and intimate listening experience.”

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Africa / Kora

MHN | Senny and Zal, A Bond That Only Art Can Create

by Sandra Gasana

They had never met before this first trip to Montreal. Yet, during Friday night’s musical dialogue in the kora language, Senny Camara and Zal Sissokho seemed to have known each other for years. This rapport, tinged with respect—Senny used the term “Master” when addressing Zal—demonstrated the mutual admiration between the two artists. They exchanged smiles from time to time, whispering words in Wolof between songs, like a father advising his daughter.

Despite the snowstorm outside, time seemed to stand still inside Club Balattou, creating a feeling of floating. This contrast made us savor the present moment even more, knowing what awaited us outside.

Let’s start with their outfits: Zal, all in white, with his signature black hat; Senny, also all in white, wearing an outfit from her mother’s home region, with touches of green. Even her chair matched her outfit. Absolutely stunning!

The two musicians interacted with their audience, sometimes playing the role of journalist when they asked each other questions. Senny took the opportunity to share her connection with the calabash even before she took up the kora. It was therefore predestined!

“The first part will be more traditional, we will go to the Mandinka Empire,” Zal informs us, while several of his students were in the room.

And then, in the following song, we discover Senny’s piercing and powerful voice, her smile lighting up the room. She sings mainly in Wolof, with occasional passages in English, and places humanity at the heart of the themes she explores in her songs. Sometimes Zal accompanies her on vocals, sometimes he simply plays his kora, plucking the strings in a unique way that only he knows how.

Between songs, they tune their instrument. “My kora is cold,” Senny jokes. Indeed, this is the kora virtuoso’s first time in Montreal, and she will take the opportunity to play several other dates across the country with Zal.

They alternate, sometimes Zal plays a piece from his repertoire and then it’s Senny’s turn to pick from her own, notably playing several pieces from her most recent album Yéné, released in 2024.

“Everything that is happening in the world right now, we had warnings before but we didn’t pay attention,” she said, introducing Missal, also in Yéné album.

Zal, in turn, shared with us a song in which he pays tribute to his father who has passed away, telling us anecdotes from his many stays in Senegal and the precious time he spent with him.

Together, they managed to get the room singing along to the song Yéné, before finishing with Niit, which means Human in Wolof.

And the cherry on top of the Sundae was the participation of the musician Lasso Sanou who came to close the evening with his flute, in the middle of the two koras.

That’s how we returned home in the storm, but with our hearts full of warmth.

classique / Contemporary

SMCQ : Carte blanche à la relève à la salle Pierre-Mercure

by Rédaction PAN M 360

Dans le cadre du 60e anniversaire de la SMCQ, Ensemble Éclat présente six créations mondiales où musique, poésie et lumières se rencontrent pour célébrer la relève montréalaise. Un concert mis en scène avec Geneviève Ackerman sur des textes originaux du poète Frédérik Dufour. Œuvres originales de Olivier St-Pierre, Lily Koslow, Louis-Michel Tougas, Xue Han, Jeffrey Fong et Geneviève Ackerman mettant de l’avant le Quatuor Mémoire et la soprano Elisabeth Boudreault.

As part of the SMCQ’s 60th-anniversary celebrations, Ensemble Éclat presents six world premieres where music, poetry, and light come together to celebrate emerging Montréal talent. A staged concert created in collaboration with Geneviève Ackerman, set to original texts by poet Frédérik Dufour. Original works by Olivier St-Pierre, Lily Koslow, Louis-Michel Tougas, Xue Han, Jeffrey Fong, and Geneviève Ackerman, featuring Quatuor Mémoire and soprano Elisabeth Boudreault.

Programmation

Poème 1 — récitation
Midway to the Moon (2021, 26), 8:00
Xue Han
flûte, clarinette, percussions, piano, violon et violoncelle
Création
Poème 2 — récitation
[titre à déterminer], 12:00
Louis-Michel Tougas
voix, flûte, clarinette, percussions, piano, harpe, violon, violoncelle et basse électrique
Création
Poème 3 — récitation
Ave verum corpus (2026), 8:00
Geneviève Ackerman
percussions, violon, alto, violoncelle et contrebasse
Création
Poème 4 — récitation
everything waiting for midnight (2026), 10:00
Lily Koslow
voix, flûte, hautbois, clarinette, percussions, piano, violon, alto, violoncelle, contrebasse et instrument électronique
Création
Poème 5 — récitation
[titre à déterminer], 10:00
Jeffrey Fong flûte, clarinette, harpe, piano, violon, alto, violoncelle et contrebasse
Création
Poème 6 — récitation
Figurae (2026), 15:00
Olivier St-Pierre
quatuor à cordes, flûte, hautbois, clarinette, percussions, harpe, piano, violon, alto et contrebasse
Création

Program

Poem 1 — recitation
Midway to the Moon (2021, 26), 8:00
Xue Han
flute, clarinet, percussion, piano, violin and cello
Premiere
Poem 2 — recitation
[title to be determined], 12:00
Louis-Michel Tougas
voice, flute, clarinet, percussion, piano, harp, violin, cello and electric bass
Premiere
Poem 3 — recitation
Ave verum corpus (2026), 8:00
Geneviève Ackerman
percussion, violin, viola, cello and double bass
Premiere
Poem 4 — recitation
everything waiting for midnight (2026), 10:00
Lily Koslow
voice, flute, oboe, clarinet, percussion, piano, violin, viola, cello, double bass and electronic instrument
Premiere
Poem 5 — recitation
[title to be determined], 10:00
Jeffrey Fong
flute, clarinet, harp, piano, violin, viola, cello and double bass
Premiere
Poem 6 — recitation
Figurae (2026), 15:00
Olivier St-Pierre
string quartet, flute, oboe, clarinet, percussion, harp, piano, violin, viola and double bass
Premiere

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Ce contenu provient de la Société de musique contemporaine du Québec et est adapté par PAN M 360

Classical Singing / classique / période romantique

Aline Kutan, André Moisan & Michael McMahon à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

La soprano Aline Kutan et le pianiste Michael McMahon présentent un choix de lieder inspirés par les femmes ainsi que par les beautés de la nature et du printemps. Ils seront accompagnés du clarinettiste de l’Orchestre symphonique de Montréal André Moisan dans Le pâtre sur le rocher, D. 965, un des derniers chefs-d’œuvre de Schubert, écrit un mois avant sa mort.

Soprano Aline Kutan and pianist Michael McMahon present Schubert lieder inspired by women and by the beauties of nature and springtime. Orchestre symphonique de Montréal clarinetist André Moisan joins the duo for Schubert’s late masterpiece “The shepherd on the cliff,” D. 965, composed just one month before the composer’s death.

Programme

SCHUBERT
An die Nachtigall [Au rossignol], D. 196 et D. 497
Gott im Frühlinge [Dieu au printemps], D. 448
An den Frühling [Au printemps], D. 245
Der Schmetterling [Le papillon], D. 633
An die Natur [À la nature], D. 372
Lilla an die Morgenröte [Lilla à l’aube], D. 273
Das Mädchen [La jeune fille], D. 652
Lied der Anne Lyle [Chant d’Anne Lyle], D. 830
Die Liebe [L’amour], D. 210
Romanze: Ich schleiche bang [Je me glisse inquiet], D. 787 no 2
Nähe des Geliebten [Proximité du bien‑aimé], D. 162
Kolmas Klage [La plainte de Colma], D. 217
Alles um Liebe [Tout pour l’amour], D. 241
Auf den Tod einer Nachtigall [Sur la mort d’un rossignol], D. 399
Das Sehnen [Le désir], D. 231
Blanka, D. 631
Liebe schwärmt auf allen Wegen [L’amour voltige sur tous les chemins], D. 239 no 6
Der Hirt auf dem Felsen [Le berger sur le rocher], D. 965

Program

SCHUBERT
An die Nachtigall [To the nightingale], D. 196 and D. 497
Gott im Frühlinge [God in spring], D. 448
An den Frühling [To spring], D. 245
Der Schmetterling [The butterfly], D. 633
An die Natur [To nature], D. 372
Lilla am Morgenröthe [Lilla to the red light of dawn], D. 273
Das Mädchen [The maiden], D. 652
Lied der Anne Lyle [Anne Lyle’s song], D. 830
Die Liebe [Love], D. 210
Romanze: Ich schleiche bang [Romance: I wander], D. 787 No. 2
Nähe des Geliebte [Near the beloved], D. 162
Kolmas Klage [Colma’s lament], D. 217
Alles um Liebe [All for love], D. 241
Auf den Tod einer Nachtigall [On the death of a nightingale], D. 399
Das Sehnen [Longing], D. 231
Blanka, D. 631
Liebe schwärmt auf allen Wegen [Love roams wild], D. 239 No. 6
Der Hirt auf dem Felsen [The shepherd on the cliff], D. 965

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chanson keb franco

Michel Faubert et Bernard Falaise | La Chapelle Ardente en duo à la salle Claude-Léveillée

by Rédaction PAN M 360

La Chapelle Ardente est un album et un spectacle conçus par le duo formé de Michel Faubert et Bernard Falaise.
Librement inspiré par le Manuel de la petite littérature du Québec (Victor-Lévy Beaulieu / 1974), il nous conduit au cœur d’un Québec ancien et mal connu : celui des visionnaires, des mystiques et des dérangés de l’âme. Un Québec gothique, assoiffé de désir et obsédé par le Grand Partir.
Sur fond de guitares obsédantes, planantes et contemporaines, des récits poétiques et riches d’histoire. Un onirisme “dark”, un voyage au cœur du temps en compagnie de deux artistes qui tant dans le domaine du folklore que dans celui de la musique actuelle, n’ont plus besoin de présentation.

La Chapelle Ardente is an album and performance created by the duo Michel Faubert and Bernard Falaise.
Freely inspired by Manuel de la petite littérature du Québec (Victor-Lévy Beaulieu, 1974), it takes us to the heart of an old and little-known Quebec: a land of visionaries, mystics, and troubled souls. A gothic Quebec, thirsty for desire and obsessed with the Great Departure.
Set against a backdrop of haunting, soaring, and contemporary guitars, the work weaves poetic narratives rich in history. A “dark” dreamscape, it is a journey through time with two artists who, in both folklore and contemporary music, need no introduction.

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Contemporary / Création / musique de chambre

Duo étrange : voix et violoncelle à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

Décrit comme un ensemble qui redéfinit la musique de chambre, le Duo Étrange se taille actuellement une place de choix sur la scène musicale québécoise. À la suite de l’enregistrement de son premier disque, le duo présente un programme d’œuvres nouvelles, dont la création d’une partition de Nicole Lizée, co-commande de la Salle Bourgie.

Duo Étrange is rising to prominence on the Quebec music scene as an ensemble that redefines what classical chamber music can be. Shortly after recording its debut album, the cello-soprano duo presents a programme of new works, including the premiere of a Bourgie Hall co-commission from Nicole Lizée.

Programme

Airat ICHMOURATOV Quatrains of Wisdom (création)
Nicole LIZÉE création pour soprano, violoncelle et électronique
Laurence JOBIDON création pour soprano, violoncelle et piano
PREVIN Vocalise
Luna Pearl WOOLF Quatrains of Love
Jeffrey FONG Dans un sentier tout parfumé (création)
Anders HILLBORG Kväll

Program

Airat ICHMOURATOV Quatrains of Wisdom (premiere)
Nicole LIZÉE Premiere for Soprano, Cello and Electronics (Bourgie Hall co-commission)
Laurence JOBIDON New work, for soprano, cello and piano (premiere)
PREVINVocalise
Luna Pearl WOOLF Quatrains of Love
Jeffrey FONG Dans un sentier tout parfumé (premiere)
Anders HILLBORG Kväll

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classique / musique de chambre / période romantique

Trio Cassard-Grimal-Gastinel à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

Le trio, composé de trois solistes français exceptionnels, célèbre ses 20 ans d’existence. Il met à profit sa longue expérience dans un programme qui puise ses racines dans la musique populaire : des rythmes basques et orientaux du Trio de Ravel aux mélodies slaves du trio « Dumky ».

Three outstanding French soloists celebrate the 20th anniversary of their ensemble! Here, they apply their longstanding chemistry to works rooted in the traditional music of the past—the Basque- and Asian-inspired rhythms of Ravel’s Trio in A minor and the Slavic tunes of the “Dumky” trio by Dvořák.

Programme

SCHUBERT Notturno en mi bémol majeur, D. 897
DVOŘÁK Trio avec piano no 4, op. 90 (« Dumky »)
RAVEL Trio avec piano en la mineur, M. 67

Program

SCHUBERT Notturno in E-flat major, D. 897
DVOŘÁK Piano Trio No. 4, Op. 90 (“Dumky”)
RAVEL Piano Trio in A minor, M. 67

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