Le Vivier : Gabo Champagne — Yvern / Treffpunkt Quartet à la Chapelle Scènes Contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Gabo Champagne — Yvern

Mêlant musique, théâtre expérimental et mouvement, ce spectacle poétique imagine un avenir dans un monde en déclin. Une vie et un climat transformés. Yvern, la nouvelle œuvre de la créatrice transdisciplinaire Gabo Champagne, est une exploration imaginative de l’hiver passé, présent, et imaginé à sa fin. Ce spectacle mêle musique, théâtre expérimental et mouvement pour raconter une histoire à la fois intime et urgente. Gabo Champagne y trace le paysage émotionnel changeant d’une saison menacée. L’œuvre imagine un avenir dans un monde en déclin, où mémoire et nostalgie occupent le devant de la scène. Poétique, ludique et élégiaque, Yvern réfléchit à la manière dont l’hiver a façonné l’identité québécoise, et à la portée de sa disparition. Yvern est un requiem pour un climat que nous avons connu, et un appel à affronter ce qui s’en vient.

Blending music, experimental theatre, and movement, this poetic performance imagines a future in a world in decline. A transformed life and climate. Yvern, a new work by transdisciplinary creator Gabo Champagne, is an imaginative exploration of winter—past, present, and envisioned at its end. This performance weaves together music, experimental theatre, and movement to tell a story that is both intimate and urgent. Gabo Champagne maps the shifting emotional landscape of a threatened season. The work imagines a future in a declining world, where memory and nostalgia take center stage. Poetic, playful, and elegiac, Yvern reflects on how winter has shaped Quebec identity, and on the consequences of its disappearance. Yvern is both a requiem for the climate we once knew and a call to face what lies ahead.

Treffpunkt Quartet

Ce programme réunit quatre œuvres pour quatuor de saxophones, dont une création du saxophoniste Antonin Bourgault. Chacune à leur manière, elles explorent des formes de transformation, de tension ou de circularité. Dans ces oeuvres, une attention particulière est donnée aux mouvements — physiques, mentaux ou symboliques — et aux manières dont ces gestes s’inscrivent dans le son. Plutôt que de suivre une trajectoire linéaire, ces pièces se construisent à partir de cycles, de glissements, de ruptures, ou de gestes ornementaux qui redéfinissent continuellement le rapport au temps et à l’écoute.

This program brings together four works for saxophone quartet, including a new creation by saxophonist Antonin Bourgault. Each piece, in its own way, explores forms of transformation, tension, or circularity. Particular attention is given to movements—physical, mental, or symbolic—and to the ways these gestures are inscribed in sound. Rather than following a linear trajectory, these works unfold through cycles, shifts, ruptures, or ornamental gestures that continuously redefine the relationship to time and listening.

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Brazilian jazz / Saharan Blues / Slam

MUZ : Rommel, Nadine Altounji, Sena The Queen, Boubé, Boogát et Francbâtards au Studio TD

by Rédaction PAN M 360

Rommel

Rommel se distingue comme un auteur-compositeur-interprète, guitariste et producteur brésilien talentueux, dont la polyvalence musicale fait de lui une figure unique dans le monde artistique. Son habileté exceptionnelle à fusionner des éléments de musique populaire brésilienne (MPB) avec l’Afro-Beat, le Reggae, le Funk et le Jazz apporte une touche vibrante et authentique à ses créations. Exprimant son art dans plusieurs langues—portugais, anglais, français et espagnol—Rommel captive les auditoires avec des paroles poétiques et des mélodies envoûtantes. Sa musique transcende les frontières linguistiques, forgeant des liens profonds et significatifs avec les auditeurs du monde entier. Rommel a acquis une reconnaissance en ouvrant les spectacles d’artistes de renom, tels que Gilberto Gil, Céu, Marisa Monte, Luedji Luna et Geraldo Azevedo. Ces expériences témoignent non seulement de son talent musical, mais aussi de sa capacité unique à captiver des publics divers dans une grande variété de styles musicaux. Avec chaque performance, Rommel offre une expérience musicale immersive, consolidant sa réputation d’artiste respecté partageant la scène avec certains des plus grands noms de la musique brésilienne. Son parcours artistique est marqué par des réalisations remarquables et une passion inébranlable pour créer une musique qui transcende les frontières et résonne avec l’âme de ses auditeurs.

Rommel stands out as a talented Brazilian singer-songwriter, guitarist, and producer, whose musical versatility makes him a unique figure in the artistic world. His exceptional ability to blend elements of Brazilian Popular Music (MPB) with Afrobeat, Reggae, Funk, and Jazz brings a vibrant and authentic touch to his creations. Expressing his art in multiple languages—Portuguese, English, French, and Spanish—Rommel captivates audiences with poetic lyrics and enchanting melodies. His music transcends linguistic boundaries, forging deep and meaningful connections with listeners around the world. Rommel has gained recognition by opening for renowned artists such as Gilberto Gil, Céu, Marisa Monte, Luedji Luna, and Geraldo Azevedo. These experiences demonstrate not only his musical talent but also his unique ability to engage diverse audiences across a wide variety of musical styles. With every performance, Rommel delivers an immersive musical experience, cementing his reputation as a respected artist sharing the stage with some of the greatest names in Brazilian music. His artistic journey is marked by remarkable achievements and an unwavering passion for creating music that transcends borders and resonates with the soul of his listeners.

Nadine Altounji

Une odyssée musicale envoûtante est proposée par Nadine Altounji pour explorer des horizons du Pérou à la Syrie, capturant ainsi l’essence du métissage montréalais unique. Les mélodies de son oud et de sa guitare s’entrelacent avec la darbouka, le cajón, et des nuances folk et pop captivantes. À travers deux EP, elle fusionne les styles péruviens et les rythmes africains, tout en approfondissant son héritage syrien, Nadine établit une connexion profonde avec le public, invitant à une immersion dans son univers musical.

Nadine Altounji offers a captivating musical odyssey, exploring landscapes from Peru to Syria and capturing the essence of Montreal’s unique cultural fusion. The melodies of her oud and guitar intertwine with the darbuka, cajón, and captivating folk and pop nuances. Through two EPs, she blends Peruvian styles with African rhythms while deepening her Syrian heritage, forging a profound connection with her audience and inviting them to immerse themselves in her musical world.

Sena The Queen

Sena The Queen est une poète dans l’âme qui vous emporte entre poésie, blues et slam.
Elle commence à écrire dès l’âge de 11 ans et la piqûre des mots ne la quitte plus, la faisant naviguer entre poésie, chansons et textes philosophiques. En février 2021, elle remporte le prix “meilleur poète” du Festival Jeunesse Afro-Québécois (FJAQ). En décembre 2022, elle organise son tout premier spectacle, Rhythm and Poetry, au Vieux-Port, accompagnée de 4 autres artistes. Ce premier show est un succès et depuis lors, elle organise un événement chaque année qui est fort attendu.

Sena The Queen is a poet at heart, carrying audiences through poetry, blues, and slam. She began writing at the age of 11, and her passion for words has never left her, guiding her through poetry, songs, and philosophical texts. In February 2021, she won the “Best Poet” award at the Festival Jeunesse Afro-Québécois (FJAQ). In December 2022, she organized her very first show, Rhythm and Poetry, at the Old Port, accompanied by four other artists. The debut performance was a success, and since then, she has been hosting an eagerly anticipated annual event.

Boubé

Né au Niger, Boubé a grandi dans le village d’Iferouane berceau du plus important festival de musique Touareg, ce blues du désert chanté par les nomades berbères. Il part déjà en tournée dès l’âge de 13 ans avec différents groupes africains puis s’installe à Montréal. Certains le nomment le Jimi Hendrix du Sahara en raison de sa fougue sur scène, de son jeu de guitare singulier de virtuose. Récipiendaire du prix Afropop et du prix Argent des Syli d’Or, il a fait la tournée des festivals de musique du monde à l’été 2024.

Born in Niger, Boubé grew up in the village of Iferouane, the birthplace of the region’s most important Tuareg music festival, a desert blues sung by Berber nomads. He began touring at the age of 13 with various African bands before settling in Montreal. Often called the “Jimi Hendrix of the Sahara” for his fiery stage presence and virtuoso guitar playing, Boubé has received the Afropop Award and the Silver Syli d’Or Award. He toured world music festivals in the summer of 2024.

Boogát

Boogát est une des valeurs sûres de la scène de Musique Globale du Québec, avec une proposition festive et innovatrice Que ce soit en Espagnol, en Français ou en Anglais, il rappe et chante l’universalité en abordant les thèmes de l’identité, de la migration, de l’appartenance, à travers des textes oscillants entre sérieux et humour, poussant à la réflexion. Du hip-hop à la musique moderne latino-américaine, en passant par l’électro, son style a fait sa renommée à travers plusieurs tournées et de nombreux prix prestigieux.

Boogát is a standout figure in Quebec’s Global Music scene, known for his festive and innovative approach. Whether in Spanish, French, or English, he raps and sings about universality, addressing themes of identity, migration, and belonging through lyrics that balance humor and seriousness, encouraging reflection. From hip-hop to modern Latin American music and even electronic sounds, his distinctive style has earned him recognition through numerous tours and prestigious awards.

Francbâtards

En s’inspirant du concept de Batarsité, propre au poète et chanteur réunionnais Danyèl Waro, Francbâtards tire son nom des origines francophones diverses des membres du groupe : Québec, île de La Réunion et île Maurice. Ces différents horizons musicaux provoquent un mélange de genres allant du Ska à l’Afrobeat en passant par le Rap, le funk et le Reggae.
Outre les trois tournées européennes, Francbâtards a plus d’une fois eu l’occasion de se démarquer dans divers vitrines et festivals majeurs au Québec et de porter vers les publics leur ragga à sonorités balkanes, jazz au rythme réunionnais ou ska aux allures d’afrobeat.

Inspired by the concept of Batarsité, coined by Réunionese poet and singer Danyèl Waro, Francbâtards takes its name from the diverse Francophone origins of its members: Quebec, Réunion Island, and Mauritius. These varied musical backgrounds create a fusion of genres, ranging from Ska to Afrobeat, with elements of Rap, Funk, and Reggae.
In addition to three European tours, Francbâtards has repeatedly stood out at major showcases and festivals in Quebec, bringing their music to audiences with ragga infused with Balkan sounds, jazz with a Réunionese rhythm, and ska with Afrobeat flair.

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Electronic / Techno

Brutalismus 3000 au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Alternativement influencé par — et lassé de — la techno européenne inspirée des années 1990 qui dominait la fin des années 2010, le duo berlinois Brutalismus 3000 dynamise son son en y insufflant une éthique punk, injectant sa conscience politique et son esprit anti-establishment dans ses rythmes électroniques.

Alternately influenced by and bored with the ‘90s-inspired European techno of the late 2010s, Berlin’s Brutalismus 3000 give their sound a shot in the arm by channeling a punk ethos in their work, injecting their political consciousness and anti-establishment spirit into their electronic beats.

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drag-queen / hommage / humour

Bopébine : CÉLINE… ou presque! au Club Soda

by Rédaction PAN M 360

Plongez dans un tourbillon émotionnel avec le spectacle « Céline… ou presque! » où la drag queen Bobépine incarne magistralement les moments les plus marquants de la carrière de Céline Dion. De ses premiers pas sur scène à ses triomphes internationaux, revivez chaque moment emblématique de cette icône de la musique.
Découvrez la puissance vocale et l’émotion pure de Céline à travers des performances époustouflantes de ses plus grands succès, du mythique “My Heart Will Go On” aux hits les plus récents. Laissez-vous transporter dans un voyage inoubliable à travers les décennies, où la musique, la passion et le glamour se rejoignent pour célébrer le génie de Céline Dion.
« Céline… ou presque! » est bien plus qu’un spectacle : c’est une expérience immersive qui capture l’essence même de cette légende vivante avec plus de 10 changements de costumes, 14 changements de perruques et le tout accompagné de projections vidéo. Une soirée magique à ne pas manquer pour tous les fans de Céline et les amoureux de la musique!

Immerse yourself in an emotional whirlwind with Céline… or Almost!, where drag queen Bobépine masterfully embodies the most iconic moments of Céline Dion’s career. From her early days on stage to her international triumphs, relive every legendary moment of this musical icon.
Experience the raw power and pure emotion of Céline through breathtaking performances of her greatest hits, from the timeless My Heart Will Go On to her most recent chart-toppers. Let yourself be transported on an unforgettable journey through the decades, where music, passion, and glamour come together to celebrate the genius of Céline Dion.
Céline… or Almost! is more than just a show—it’s a fully immersive experience that captures the very essence of this living legend, featuring over 10 costume changes, 14 wig transformations, and stunning video projections. A magical evening not to be missed by Céline fans and music lovers alike!

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Alternative Rock / latino / Rock

MANÁ au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Avec 11 albums et plus de 45 millions d’exemplaires vendus, MANÁ a établi la norme en matière de rock latin. Leur album révolutionnaire Dónde Jugarán los Niños est l’album de rock latin le plus vendu de tous les temps. Depuis plus de 34 ans, la passion inébranlable du groupe pour les concerts l’a conduit dans plus de 30 pays, laissant derrière lui des moments historiques.
Le groupe est également le groupe de rock latino le plus présent dans les classements Billboard “Hot Latin Songs” (33 entrées) et “Latin Airplay” (36 entrées). Sept de leurs albums ont atteint la première place du “Billboard Latin Charts”, renforçant ainsi leur position de groupe de rock latin ayant le plus grand nombre d’albums à son actif.

With 11 albums and over 45 million copies sold, MANÁ has set the standard for Latin rock. Their groundbreaking album Dónde Jugarán los Niños is the best-selling Latin rock album of all-time. For over 34 years, the band’s unwavering passion for live performances has taken them across more than 30 countries, leaving a trail of history-making moments.
The band also boasts the most entries by a Latin rock act on the Billboard Hot Latin Songs (33 entries) and Latin Airplay (36 entries) charts. Seven of their albums have reached l No. 1 on the Billboard Latin Charts—cementing their position as the Latin rock band with the most chart-topping records.

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Avant-Pop / Glitch / Post-Rock

POP Montréal : Do Make Say Think + Kee Avil au Théâtre Rialto

by Rédaction PAN M 360

Do Make Say Think

Do Make Say Think est un groupe de post-rock originaire de Toronto, formé en 1996. Signé par le label montréalais Constellation Records en 1997, il s’est imposé comme l’un des pionniers du genre. Le groupe continue à produire une musique instrumentale riche, émotive et saisissante, qui touche un large public à travers le monde.

Do Make Say Think is a postrock band from Toronto that formed in 1996. Signed to Montreal’s Constellation Records in 1997, they have gone on to be recognized as one of the pioneers in their genre and continue to produce beautiful and dramatic instrumental music that resonates deeply with audiences around the world.

Kee Avil

La productrice montréalaise Kee Avil crée des chansons déconstruites mêlant guitare, voix et production électronique à des sensibilités avant-pop, glitch et folk expérimental. Son dernier album, Spine (Constellation, mai 2024), a été élu Album du jour par Bandcamp et a été largement salué par la critique.
The Line of Best Fit a déclaré : « Spine confirme le statut de Kee Avil en tant que virtuose de l’esthétique et de la production, comparable à Jlin ou SOPHIE, produisant une version dégoulinante et caverneuse du glitch, dynamisée par les manipulations », tandis qu’Uncut la décrit comme « profondément intime et intensément troublante… comme une forme de vie extraterrestre fléchissant ses mandibules ». Spine a été citée dans The Wire, déclarant : « Les grooves squelettiques de Kee Avil frappent d’une intimité pressante », tandis que Quietus a salué son intensité contenue : « Spine mijote, se pavanant au bord de l’éruption. Les sons tourbillonnent comme du gel pressé. »
Élargissant sa palette sonore avec des détails complexes, Spine a positionné Kee Avil comme une voix distincte dans la composition expérimentale, évoquant PJ Harvey, Eartheater, SOPHIE et Lucretia Dalt – où Juana Molina rencontre Coil, ou Grouper fusionne avec Autechre.
Elle a effectué de nombreuses tournées, notamment aux Nuits Botanique, A Colossal Weekend, Pop Montréal, Sled Island, Ruhrtriennale, Le Guess Who?, et bien d’autres. Son premier album Crease (2022) a également été salué par la critique, et Crease et Spine ont tous deux été nommés aux Juno Awards. En 2023, elle a sorti Crease Remixed EP, avec des reprises de Claire Rousay, Ami Dang, Pelada et Cecile Believe.

Montreal producer Kee Avil crafts deconstructed songs blending guitar, voice, and electronic production with avant-pop, glitch, and experimental folk sensibilities. Her latest album, Spine (Constellation, May 2024), was Bandcamp’s Album of the Day and received widespread critical acclaim.
The Line of Best Fit declared ‘Spine affirms Kee Avil’s status of an aesthetics and production virtuoso comparable to Jlin or SOPHIE – producing a dripping, cavernous version of glitch slammed with manipulations’ while Uncut described it as ‘Deeply intimate and intensely unsettling… like an alien lifeform flexing its mandibles’. Spine was featured in The Wire, stating ‘Kee Avil’s skeletal grooves hit with an urgent intimacy’ while the Quietus applauded its restrained intensity ‘Spine simmers, sashaying close to eruption. Sounds worm around like squeezed gel’.
Expanding her sonic palette with intricate detail, Spine positioned Kee Avil as a distinct voice in experimental songcraft, evoking PJ Harvey, Eartheater, SOPHIE, and Lucretia Dalt—where Juana Molina meets Coil, or Grouper fuses with Autechre.
She has toured extensively, including Les Nuits Botanique, A Colossal Weekend, Pop Montreal, Sled Island, Ruhrtriennale, Le Guess Who?, and more. Her debut album Crease (2022) also received critical acclaim, and both Crease and Spine were Juno-nominated. In 2023, she released Crease Remixed EP with reworks by claire rousay, Ami Dang, Pelada, and Cecile Believe.

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Experimental Folk / Indie

POP Montréal : One Leg One Eye + SPILLINGS à la Casa del Popolo

by Rédaction PAN M 360

One Leg One Eye

En tant que membre fondateur du groupe folk expérimental Lankum, basé à Dublin, Ian Lynch explore les courants sous-jacents de la musique et du chant. Il trace une voie musicale à la fois sombre, mystérieuse et inquiétante, mais finalement transcendantale. Son nouveau projet solo, One Leg One Eye, le voit adopter une approche novatrice de l’arrangement musical, aboutissant à un son plus ancré dans l’esthétique brute du black metal de deuxième vague que dans le folk contemporain.
Le projet a vu le jour en 2021, une période durant laquelle Lynch a pu profiter de la liberté d’expérimenter et d’explorer différentes voies de conception sonore sans attentes ni pression. À la recherche de cadres intéressants pour enregistrer de la musique et recueillir des enregistrements sur le terrain, plusieurs environnements, extérieurs et intérieurs, ont imprégné l’esprit de la musique et en sont venus à représenter l’approche artistique et l’évolution de Lynch avec ce premier album singulier, …And Take The Black Worm With Me.

As a founding member of Dublin experimental folk group Lankum, Ian Lynch explores submerged leylines of music and song. Forging a musical path that is all at once dark, mysterious and foreboding, but ultimately transcendental. His new solo project One Leg One Eye sees him taking a fresh approach to musical arrangement culminating in a sound that is more rooted in the raw aesthetics of second wave black metal than contemporary folk.
The project was born across 2021, a period in which Lynch was able to enjoy the freedom of experimenting and explorating different paths of sound design without expectation or pressure. Seeking out interesting settings to record music and gather field recordings, there are several environments, external and interior, whose respective essence have seeped into the spirit of the music and come to represent Lynch’s artistic approach and development with this singular debut album, …And Take The Black Worm With Me.

SPILLINGS

SPILLINGS (Montréal / Berlin) est un duo collaboratif formé par Mat Ball (BIG BRAVE) et Liam Andrews (MY DISCO). Leur premier album a été composé à Berlin, au studio andereBaustelle (Einstürzende Neubauten, Pan Sonic, Keiji Haino), puis enregistré et produit en collaboration avec Seth Manchester (The Body, Mdou Moctar, Lingua Ignota) au studio Machines With Magnets à Pawtucket, dans le Rhode Island.

SPILLINGS (Montréal / Berlin) is a collaborative duo formed between Mat Ball (BIG BRAVE) and Liam Andrews (MY DISCO). Their debut album was composed in Berlin, at andereBaustelle Studio (Einstürzende Neubauten, Pan Sonic, Keiji Haino) and recorded and produced alongside Seth Manchester (The Body, Mdou Moctar, Lingua Ignota) at Machines With Magnets in Pawtucket, Rhode Island.

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acadie / classique / Folk

OSM : Salebarbes rencontre l’OSM

by Rédaction PAN M 360

Lancer une invitation à Salebarbes c’est comme s’assurer que le party va lever ! L’année 2025 de ce groupe aura été spectaculaire et l’OSM est heureux de les accueillir sur scène en ouverture de sa série OSM Pop pour couronner en version symphonique leur immense succès. Sous la direction de la cheffe Dina Gilbert et des arrangements symphoniques d’Antoine Gratton, préparez-vous à vous à taper du pied et à vivre une soirée dont vous vous souviendrez longtemps.

Throwing an invitation to Salebarbes is like making sure that the party will rise! The year 2025 of this group has been spectacular and the OSM is happy to welcome them on stage at the opening of its Pop series, to celebrate their huge success in a symphonic version. Under the direction of conductor Dina Gilbert and with symphonic arrangements by Antoine Gratton, get ready to kick your feet and live an evening you will remember for a long time.

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

Punk

Sex Pistols au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Ils n’ont pas inventé le punk rock, et ils n’ont pas été le premier groupe punk britannique à se produire ou à enregistrer, mais aucun groupe n’a autant contribué à faire du punk un phénomène culturel mondial que les Sex Pistols. En un peu plus de deux ans, leur succès de scandale les a propulsés de l’obscurité totale à une infamie planétaire : adulés par les adeptes du punk rock, détestés par presque tout le reste de la population, et victimes de poursuites judiciaires comme d’attaques de justiciers autoproclamés en Angleterre.
Musicalement, les Sex Pistols n’ont rien révolutionné formellement, mais leur rock simple et brut était porté par une puissance et une agressivité presque inédites au milieu des années 1970. Le chant féroce et narquois de Johnny Rotten, tout comme ses paroles accusatrices et provocantes, ont renversé les attentes quant à ce qu’un leader de groupe rock devait être ou incarner.
Même si les médias les traitaient en parias, la force de leur musique et de leur image a résonné auprès d’un public en quête d’alternatives aux sonorités prog ou soft rock alors dominantes. Ce choc a déclenché une révolution dont les échos se font encore sentir aujourd’hui.
Leur seul album studio issu de leur formation originale, Never Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols (1977), est un pilier du punk britannique. En 1980, Flogging a Dead Horse compile les singles fondateurs de leur réputation. Filthy Lucre Live (1996), enregistré lors d’un concert de reformation, est l’un des rares albums live du groupe offrant une qualité sonore décente. Enfin, le coffret 76-77, paru en 2021, rassemble les sessions studio antérieures à Never Mind the Bollocks.

They didn’t invent punk rock, and they weren’t the first British punk band to perform or record, but no band did more to turn punk into a global cultural phenomenon than the Sex Pistols. In just over two years, the group’s success de scandale took them from utter obscurity to global infamy, beloved by converts to punk rock, hated by nearly everyone else, and subject to legal and vigilante persecution in their native England.
The Sex Pistols’ music was not formally groundbreaking, yet their simple meat-and-potatoes rock was filled with a power and aggression that was all but unknown in the mid-’70s, and the ferocious, sneering vocals of Johnny Rotten (as well as his pointed, accusatory lyrics) upended all expectations of how a rock frontman should look or sound.
Even as the media treated them as pariahs, the potency of their music and their image spoke to an audience waiting for something different than the prog and soft rock sounds that ruled the charts in the 1970s, sparking a revolution that is still playing itself out.
The group’s only album from their original incarnation, 1977’s Never Mind the Bollocks Here’s the Sex Pistols, is a cornerstone of British punk, 1980’s Flogging a Dead Horse collected the original singles that earned them their reputation, 1996’s Filthy Lucre Live, recorded at a reunion concert, is that rare Sex Pistols live album with decent fidelity, and 2021’s 76-77 is a box set that collects the band’s pre-Never Mind the Bollocks studio sessions.

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Alternative / Indie Pop

Tom Odell au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Auteur-compositeur-interprète britannique doté d’un sens aigu de l’atmosphère et de la mélodie, Tom Odell propose des ballades au piano empreintes de douleur et de mélancolie. Intimes, brutes et souvent feutrées, ses chansons évoquent des figures telles que Leonard Cohen ou Jeff Buckley. Son premier EP, très remarqué en 2012, lui vaut le Critics’ Choice Award des BRITs, et son premier album, Long Way Down (2013), atteint la première place des classements au Royaume-Uni.
Odell enregistre ses deux albums suivants entre New York et Los Angeles, avant de revenir à Londres pour créer Jubilee Road en 2018, un disque plus intimiste. En 2021, il change de ton avec monsters, un album sombre aux influences electro-pop. Il revient ensuite à l’essentiel avec son cinquième album, The Best Day of My Life, sorti en 2022, aux arrangements dépouillés.

A British singer/songwriter with a keen sense for both atmosphere and melody, Tom Odell’s piano-led odes to heartache and pain are emotional, raw, and often hushed affairs that evoke names like Leonard Cohen and Jeff Buckley. His acclaimed 2012 debut EP earned him a BRITs Critics’ Choice award, and his first full-length outing, 2013’s Long Way Down, reached number one on the U.K. albums chart.
Odell recorded his next two releases in New York and Los Angeles before returning home to London for 2018’s intimate Jubilee Road and 2021’s dark, electro-pop-leaning monsters. His stripped-down fifth album, The Best Day of My Life, appeared in 2022.

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chanson keb franco / Folk Pop / Tropicalia

POP Montréal : Unessential Oils + Rémi Gauvin à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Unessential Oils

Unessential Oils est le nouveau projet de Warren Spicer, chanteur du groupe montréalais Plants and Animals. Le projet est inspiré par le jazz, le folk, le Tropicália, Jorge Ben, Daniel Lanois, Miles Davis et plus encore. La musique a été conçue dans un bain. Très ouverte et malléable, elle a été comparée à Alabaster DePlume, Connan Mockasin, Hermanos Gutiérrez et Devendra Banhart.

Unessential Oils is a search for something authentic. Bits and pieces of Warren Spicer’s life’s traumas and weaknesses, successes and breakthroughs, moments of clarity and enlightenment mixed with the mundane and menial. The weight of grief and anger imposed on the joy and ecstatic freedom of new life. “The process was the therapy of working through, the result is more a document than construction, it’s what happened, not what I made happen,” he says.
Warren is widely known as the front-person for Montreal band Plants and Animals and as a producer, engineer and mixer (La Force, Comment Debord, Ludovic Alarie). This is his first solo record, an opportunity to take his collective experience and focus on a singular vision.
The result is an album that’s somewhat like a jazz record in that it’s about the musicians’ performances. Many of the songs are quite minimal in terms of songwriting, but the execution and the playing are very adventurous with room for embellishment and playing around. The songs are filled with small patterns that loop again and again, and the musicians were encouraged to play whatever they want, to react to the music and to each other. The mics were turned up loud and everyone played quietly, complementing Warren’s vocals, which are more conversational in terms of range and volume, almost under-sung. The four backup singers are singing in unison – a hat tip to the backing-vocal style in Brazilian Tropicalía records – gently enveloping the lead vocals.
This isn’t a cerebral record, it’s an emotional one.
Unessential Oils was created with co-producer and keyboardist Christophe Lamarche-Ledoux (Chocolat, Organ Mood, Lesser Evil), bassist Miska Stein (Patrick Watson, Teke Teke, Fhang) and drummer Tommy Crane (Aaron Parks, Martha Wainwright). Tommy’s drumming was crucial to realizing a lot of jazz possibilities on the album. When percussionist Martin Dicham (Sade, Talk Talk, Mark Hollis, Tina Turner) joined the project it was the final piece in the puzzle that let the songs take their full shape. His percussion arrangements and his distinctive Martin Dicham sound helped define the songs in this strongly percussive album.

Rémi Gauvin

Parolier et chanteur montréalais reconnu pour son rôle au sein du groupe comment debord, Rémi Gauvin nous revient cette fois seul sur scène pour dévoiler quelques pièces d’un nouveau projet solo à paraître. Soulignés par la critique, ce sont ici véritablement les textes sensibles et originaux de l’auteur-compositeur-interprète qui sont mis de l’avant. À travers des compositions inédites, il dévoile une œuvre plus intime, nourrie par ses relations et expériences personnelles.
Un spectacle touchant et authentique à ne pas manquer.

Montreal-based songwriter and singer Rémi Gauvin, known for his role in the band Comment Debord, returns to the stage this time alone to unveil a few tracks from a new solo project to be released soon. Critically acclaimed, it is truly the sensitive and original lyrics of the singer-songwriter that are highlighted here. Through new compositions, he unveils a more intimate work, nourished by his personal relationships and experiences.
A touching and authentic show not to be missed.

LES BILLETS POUR CE SPECTACLE SONT ÉPUISÉS!

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Alt Folk / Experimental Folk / Indie

POP Montréal : CHANCES – Lancement – And Now You Become a Seeker au Nomad

by Rédaction PAN M 360

CHANCES propose un folk-expérimental à mi-chemin entre l’animal et la machine, ancré dans les voix et le rythme. Dans une configuration scénique atypique, en proximité avec le public, le trio offre une expérience singulière au service de leurs chansons, tantôt plus spirituelles ou cosmiques, tantôt plus brutes et toniques. Un spectacle surprenant et lumineux qui frappe droit au cœur.

CHANCES blends experimental folk with raw rhythm and layered vocals, walking the line between the organic and the electronic. In an intimate and unconventional stage setup, the trio delivers a striking live experience—sometimes cosmic and spiritual, other times bold and energetic. A radiant performance that hits straight to the heart.

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