Gass’Nay est un groupe musical inspiré par les rythmes et les traditions profondes de Madagascar. Porté par une énergie collective, le groupe est formé de musiciens passionnés qui mêlent instruments traditionnels (guitare, grelot, percussions) et arrangements modernes pour offrir une musique vivante, enracinée et universelle. Au-delà des sons, Gass’Nay incarne une mission : faire résonner l’âme de Madagascar au-delà des frontières, à travers des messages d’unité, de joie et d’identité culturelle. En avril 2024, leur participation au Festival International de Cinéma Vues d’Afrique à Montréal a marqué une étape importante dans leur parcours, où ils ont fièrement représenté leur pays dans le cadre d’un échange culturel vibrant. Gass’Nay continue d’explorer les scènes locales et internationales, en portant haut les couleurs de leur île et l’authenticité de leur art.
Gass’Nay is a musical group inspired by the deep rhythms and traditions of Madagascar. Driven by collective energy, the group is made up of passionate musicians who blend traditional instruments (guitar, tambourine, percussion) with modern arrangements to offer vibrant, rooted, and universal music. Beyond the sounds, Gass’Nay embodies a mission: to let the soul of Madagascar resonate beyond borders, with messages of unity, joy, and cultural identity. In April 2024, their participation in the International Film Festival Vues d’Afrique in Montreal marked an important milestone in their journey, where they proudly represented their country as part of a vibrant cultural exchange. Gass’Nay continues to explore local and international stages, proudly showcasing the colors of their island and the authenticity of their art.
Les musiciens d’Only The Righteous allient leur passion pour des sons tels que le Hip-Hop, le Jazz ou le R&B, ou encore le Kompa, le Makossa ou le Bend skin. Ils proposent un spectacle plein de rythme et de chaleur, porté par des compositions et des reprises en français, anglais, créole ou médumba.
The musicians of Only The Righteous combine their passion for sounds such as Hip-Hop, Jazz or R&B, or even Kompa, Makossa or Bend skin. They offer a show full of rhythm and warmth, carried by compositions and covers in French, English, Creole or Medumba.
Le Vivier : Gabo Champagne — Yvern / Treffpunkt Quartet à la Chapelle Scènes Contemporaines
par Rédaction PAN M 360
Gabo Champagne — Yvern
Mêlant musique, théâtre expérimental et mouvement, ce spectacle poétique imagine un avenir dans un monde en déclin. Une vie et un climat transformés. Yvern, la nouvelle œuvre de la créatrice transdisciplinaire Gabo Champagne, est une exploration imaginative de l’hiver passé, présent, et imaginé à sa fin. Ce spectacle mêle musique, théâtre expérimental et mouvement pour raconter une histoire à la fois intime et urgente. Gabo Champagne y trace le paysage émotionnel changeant d’une saison menacée. L’œuvre imagine un avenir dans un monde en déclin, où mémoire et nostalgie occupent le devant de la scène. Poétique, ludique et élégiaque, Yvern réfléchit à la manière dont l’hiver a façonné l’identité québécoise, et à la portée de sa disparition. Yvern est un requiem pour un climat que nous avons connu, et un appel à affronter ce qui s’en vient.
Blending music, experimental theatre, and movement, this poetic performance imagines a future in a world in decline. A transformed life and climate. Yvern, a new work by transdisciplinary creator Gabo Champagne, is an imaginative exploration of winter—past, present, and envisioned at its end. This performance weaves together music, experimental theatre, and movement to tell a story that is both intimate and urgent. Gabo Champagne maps the shifting emotional landscape of a threatened season. The work imagines a future in a declining world, where memory and nostalgia take center stage. Poetic, playful, and elegiac, Yvern reflects on how winter has shaped Quebec identity, and on the consequences of its disappearance. Yvern is both a requiem for the climate we once knew and a call to face what lies ahead.
Treffpunkt Quartet
Ce programme réunit quatre œuvres pour quatuor de saxophones, dont une création du saxophoniste Antonin Bourgault. Chacune à leur manière, elles explorent des formes de transformation, de tension ou de circularité. Dans ces oeuvres, une attention particulière est donnée aux mouvements — physiques, mentaux ou symboliques — et aux manières dont ces gestes s’inscrivent dans le son. Plutôt que de suivre une trajectoire linéaire, ces pièces se construisent à partir de cycles, de glissements, de ruptures, ou de gestes ornementaux qui redéfinissent continuellement le rapport au temps et à l’écoute.
This program brings together four works for saxophone quartet, including a new creation by saxophonist Antonin Bourgault. Each piece, in its own way, explores forms of transformation, tension, or circularity. Particular attention is given to movements—physical, mental, or symbolic—and to the ways these gestures are inscribed in sound. Rather than following a linear trajectory, these works unfold through cycles, shifts, ruptures, or ornamental gestures that continuously redefine the relationship to time and listening.
POP MTL | Fat Dog sous cocaïne, et escapades velouriennes
par Sami Rixhon
Il y a des musiciens qui s’écoutent mieux en albums. Logique, certains sont plus à l’aise en studio. Et d’autres, par contre, sont meilleurs sur scène. C’est sur les planches qu’on les découvre sous leur meilleur jour. Fat Dog fait partie de cette deuxième catégorie.
Groupe de la scène londonienne formé récemment (formé pendant la Covid, en fait), Fat Dog, visiblement, impressionne tous ceux qui les voient sur scène depuis le lancement de son premier album, WOOF., sorti l’année dernière.
Les Anglais montent sur scène aux alentours de 22h40, après deux premières parties, alors que le début du spectacle était annoncé pour 20h sur le site de POP Montréal. Désolé de faire un Patrick Lagacé de moi, mais quand Madame attend sagement à la maison, et que la game des Canadiens est passée, ça irrite de perdre de son précieux temps un samedi soir.
Bref.
Fat Dog, à six, gagne la scène sur Vigilante, alors que le claviériste du groupe arbore fièrement un grand drapeau du Canada, qu’il remontrera à de nombreuses reprises vers la fin du spectacle. Bon, on aurait certainement préféré un drapeau du Québec, le blanc se marie bien mieux au bleu qu’au rouge, mais c’est déjà pas mal, on salue l’effort.
Fat Dog tricote dans un post-punk bien plus axé sur l’énergie qu’autre chose (à la manière Viagra Boys), avec une certaine dose de technique de la part des instrumentistes et, étonnamment, des airs parfois moyen-orientaux qui enrichissent une musique pas forcément des plus éclectiques.
Parce qu’il faut l’avouer, Fat Dog, ce n’est pas de la grande musique savante. Ça ne réinvente pas la roue d’une quelconque manière, ça ne se veut pas révolutionnaire. Mais mon Dieu, d’un autre côté, que c’est diablement jouissif.
Si vous êtes dans le fond de la salle, vous allez constamment hocher de la tête, obligé, et si vous êtes à l’avant, vous serez plutôt pris dans un mosh pit qui n’arrête jamais.
Le chanteur de Fat Dog, Joe Love, a l’air complètement explosé par toutes les substances du monde à la fois. Mais même intoxiqué, nonchalant à souhait, il parvient à faire lever la salle. La Toscadura semble tellement rudimentaire comme endroit qu’on a l’impression que le sol va s’écrouler face à l’enthousiasme du public.
À (re)voir lors de leur prochain passage à Montréal.
Wouf!
Ça ne décolle pas en première(s) partie(s)
Ce sont les Montréalais de Fresh Wax qui ont ouvert le bal de la soirée, vers 20h30. Le duo (un bassiste et un batteur) s’occupe à deux des parties rythmiques, mélodiques et des basses de sa musique, à la manière de Royal Blood. Leurs chansons, par contre, sont plus lourdes et mathématiques, se rapprochant des sonorités des premiers groupes de post-rock des années 90, saupoudré d’un mixage des micros à la Robert Smith, bien distant.
Ça ouvre correctement la soirée, mais sans plus, la musique est trop décousue pour être réellement très appréciable.
Le suivant, Godly the Ruler, musicien.ne américain.ne non-binaire, a proposé un set plein de tonus, mais qui n’a pas installé une ambiance aussi folle que celle entrevue pendant la performance de Fat Dog.
L’artiste base aussi la quasi entièreté de son univers sur l’énergie, iel ne jurant que par les « blood, sweat and tears », de ses mots. Mais là est le risque : sans une réponse nette et enthousiaste d’un public, la performance d’un Godly the Ruler est tout de suite entachée, elle ne rend pas l’effet escompté.
Et pourtant, la musique n’est pas mauvaise. Godwill Oke, de son vrai nom, m’a rappelé le fougueux Tyler, the Creator des débuts de sa carrière, piochant dans le plus agressif de Goblin et dans le plus bruyant de Cherry Bomb.
Velours Velours est en bonne compagnie
Il était environ 23h30 quand Fat Dog nous a quittés, sur son succès Running. Pas loin de là, à l’Espace POP, au-dessus du P’tit Ours (ancien Ursa), Velours Velours s’adonne à un sacré défi. Du 27 septembre midi au 28 septembre midi, l’artiste gaspésien, installé 24 heures dans une même pièce, devait, à chaque fois qu’une personne sonnait une cloche à côté de lui, jouer sa chanson La fin. Et cette chanson-là uniquement. Même à 2h matin, même s’il est terriblement fatigué. Ce sont les règles du jeu. C’est extrême, et ça rappelle fort cette performance de The National donnée il y a 12 ans.
Ça valait bien une petite marche pour aller voir ça de mes propres yeux.
J’entre dans la pièce alors que Velours Velours est en pleine performance de La fin, mais dans une version féline, tous les mots étant remplacés par des « miaous ». L’artiste est accompagné par un chœur du nom de La chorale des parcs. Velours Velours se fait, en fait, visiter par de nombreux collègues musiciens et amis tout au long des 24 heures. Histoire de varier un peu sa chanson, lui donner des couleurs différentes selon l’invité. Parce que, sinon, à la guitare-voix pendant 24 heures sans arrêt, ça risque de tourner un peu en rond.
L’Espace POP ressemble, pour l’occasion, à une chambre. L’éclairage est chaleureux, et les personnes rassemblées pour l’écouter sont souriantes, assises en indien tout autour de lui, et particulièrement silencieuses.
Velours Velours, à la fin d’une interprétation de sa chanson, en se levant, accroche par accident lui-même la cloche. Elle sonne, ce qui l’oblige à s’attaquer à une nouvelle version de La fin. Le visage mi-amusé, mi-désespéré, Velours Velours doit donc s’y remettre, les pauses ne règnent pas en maître par ici.
Et c’est reparti pour un tour!
Crédits photo de Fat Dog et Godly the Ruler : Pierre Langlois
MUZ : Rommel, Nadine Altounji, Sena The Queen, Boubé, Boogát et Francbâtards au Studio TD
par Rédaction PAN M 360
Rommel
Rommel se distingue comme un auteur-compositeur-interprète, guitariste et producteur brésilien talentueux, dont la polyvalence musicale fait de lui une figure unique dans le monde artistique. Son habileté exceptionnelle à fusionner des éléments de musique populaire brésilienne (MPB) avec l’Afro-Beat, le Reggae, le Funk et le Jazz apporte une touche vibrante et authentique à ses créations. Exprimant son art dans plusieurs langues—portugais, anglais, français et espagnol—Rommel captive les auditoires avec des paroles poétiques et des mélodies envoûtantes. Sa musique transcende les frontières linguistiques, forgeant des liens profonds et significatifs avec les auditeurs du monde entier. Rommel a acquis une reconnaissance en ouvrant les spectacles d’artistes de renom, tels que Gilberto Gil, Céu, Marisa Monte, Luedji Luna et Geraldo Azevedo. Ces expériences témoignent non seulement de son talent musical, mais aussi de sa capacité unique à captiver des publics divers dans une grande variété de styles musicaux. Avec chaque performance, Rommel offre une expérience musicale immersive, consolidant sa réputation d’artiste respecté partageant la scène avec certains des plus grands noms de la musique brésilienne. Son parcours artistique est marqué par des réalisations remarquables et une passion inébranlable pour créer une musique qui transcende les frontières et résonne avec l’âme de ses auditeurs.
Rommel stands out as a talented Brazilian singer-songwriter, guitarist, and producer, whose musical versatility makes him a unique figure in the artistic world. His exceptional ability to blend elements of Brazilian Popular Music (MPB) with Afrobeat, Reggae, Funk, and Jazz brings a vibrant and authentic touch to his creations. Expressing his art in multiple languages—Portuguese, English, French, and Spanish—Rommel captivates audiences with poetic lyrics and enchanting melodies. His music transcends linguistic boundaries, forging deep and meaningful connections with listeners around the world. Rommel has gained recognition by opening for renowned artists such as Gilberto Gil, Céu, Marisa Monte, Luedji Luna, and Geraldo Azevedo. These experiences demonstrate not only his musical talent but also his unique ability to engage diverse audiences across a wide variety of musical styles. With every performance, Rommel delivers an immersive musical experience, cementing his reputation as a respected artist sharing the stage with some of the greatest names in Brazilian music. His artistic journey is marked by remarkable achievements and an unwavering passion for creating music that transcends borders and resonates with the soul of his listeners.
Nadine Altounji
Une odyssée musicale envoûtante est proposée par Nadine Altounji pour explorer des horizons du Pérou à la Syrie, capturant ainsi l’essence du métissage montréalais unique. Les mélodies de son oud et de sa guitare s’entrelacent avec la darbouka, le cajón, et des nuances folk et pop captivantes. À travers deux EP, elle fusionne les styles péruviens et les rythmes africains, tout en approfondissant son héritage syrien, Nadine établit une connexion profonde avec le public, invitant à une immersion dans son univers musical.
Nadine Altounji offers a captivating musical odyssey, exploring landscapes from Peru to Syria and capturing the essence of Montreal’s unique cultural fusion. The melodies of her oud and guitar intertwine with the darbuka, cajón, and captivating folk and pop nuances. Through two EPs, she blends Peruvian styles with African rhythms while deepening her Syrian heritage, forging a profound connection with her audience and inviting them to immerse themselves in her musical world.
Sena The Queen
Sena The Queen est une poète dans l’âme qui vous emporte entre poésie, blues et slam. Elle commence à écrire dès l’âge de 11 ans et la piqûre des mots ne la quitte plus, la faisant naviguer entre poésie, chansons et textes philosophiques. En février 2021, elle remporte le prix “meilleur poète” du Festival Jeunesse Afro-Québécois (FJAQ). En décembre 2022, elle organise son tout premier spectacle, Rhythm and Poetry, au Vieux-Port, accompagnée de 4 autres artistes. Ce premier show est un succès et depuis lors, elle organise un événement chaque année qui est fort attendu.
Sena The Queen is a poet at heart, carrying audiences through poetry, blues, and slam. She began writing at the age of 11, and her passion for words has never left her, guiding her through poetry, songs, and philosophical texts. In February 2021, she won the “Best Poet” award at the Festival Jeunesse Afro-Québécois (FJAQ). In December 2022, she organized her very first show, Rhythm and Poetry, at the Old Port, accompanied by four other artists. The debut performance was a success, and since then, she has been hosting an eagerly anticipated annual event.
Boubé
Né au Niger, Boubé a grandi dans le village d’Iferouane berceau du plus important festival de musique Touareg, ce blues du désert chanté par les nomades berbères. Il part déjà en tournée dès l’âge de 13 ans avec différents groupes africains puis s’installe à Montréal. Certains le nomment le Jimi Hendrix du Sahara en raison de sa fougue sur scène, de son jeu de guitare singulier de virtuose. Récipiendaire du prix Afropop et du prix Argent des Syli d’Or, il a fait la tournée des festivals de musique du monde à l’été 2024.
Born in Niger, Boubé grew up in the village of Iferouane, the birthplace of the region’s most important Tuareg music festival, a desert blues sung by Berber nomads. He began touring at the age of 13 with various African bands before settling in Montreal. Often called the “Jimi Hendrix of the Sahara” for his fiery stage presence and virtuoso guitar playing, Boubé has received the Afropop Award and the Silver Syli d’Or Award. He toured world music festivals in the summer of 2024.
Boogát
Boogát est une des valeurs sûres de la scène de Musique Globale du Québec, avec une proposition festive et innovatrice Que ce soit en Espagnol, en Français ou en Anglais, il rappe et chante l’universalité en abordant les thèmes de l’identité, de la migration, de l’appartenance, à travers des textes oscillants entre sérieux et humour, poussant à la réflexion. Du hip-hop à la musique moderne latino-américaine, en passant par l’électro, son style a fait sa renommée à travers plusieurs tournées et de nombreux prix prestigieux.
Boogát is a standout figure in Quebec’s Global Music scene, known for his festive and innovative approach. Whether in Spanish, French, or English, he raps and sings about universality, addressing themes of identity, migration, and belonging through lyrics that balance humor and seriousness, encouraging reflection. From hip-hop to modern Latin American music and even electronic sounds, his distinctive style has earned him recognition through numerous tours and prestigious awards.
Francbâtards
En s’inspirant du concept de Batarsité, propre au poète et chanteur réunionnais Danyèl Waro, Francbâtards tire son nom des origines francophones diverses des membres du groupe : Québec, île de La Réunion et île Maurice. Ces différents horizons musicaux provoquent un mélange de genres allant du Ska à l’Afrobeat en passant par le Rap, le funk et le Reggae. Outre les trois tournées européennes, Francbâtards a plus d’une fois eu l’occasion de se démarquer dans divers vitrines et festivals majeurs au Québec et de porter vers les publics leur ragga à sonorités balkanes, jazz au rythme réunionnais ou ska aux allures d’afrobeat.
Inspired by the concept of Batarsité, coined by Réunionese poet and singer Danyèl Waro, Francbâtards takes its name from the diverse Francophone origins of its members: Quebec, Réunion Island, and Mauritius. These varied musical backgrounds create a fusion of genres, ranging from Ska to Afrobeat, with elements of Rap, Funk, and Reggae. In addition to three European tours, Francbâtards has repeatedly stood out at major showcases and festivals in Quebec, bringing their music to audiences with ragga infused with Balkan sounds, jazz with a Réunionese rhythm, and ska with Afrobeat flair.
Alternativement influencé par — et lassé de — la techno européenne inspirée des années 1990 qui dominait la fin des années 2010, le duo berlinois Brutalismus 3000 dynamise son son en y insufflant une éthique punk, injectant sa conscience politique et son esprit anti-establishment dans ses rythmes électroniques.
Alternately influenced by and bored with the ‘90s-inspired European techno of the late 2010s, Berlin’s Brutalismus 3000 give their sound a shot in the arm by channeling a punk ethos in their work, injecting their political consciousness and anti-establishment spirit into their electronic beats.
Plongez dans un tourbillon émotionnel avec le spectacle « Céline… ou presque! » où la drag queen Bobépine incarne magistralement les moments les plus marquants de la carrière de Céline Dion. De ses premiers pas sur scène à ses triomphes internationaux, revivez chaque moment emblématique de cette icône de la musique. Découvrez la puissance vocale et l’émotion pure de Céline à travers des performances époustouflantes de ses plus grands succès, du mythique « My Heart Will Go On » aux hits les plus récents. Laissez-vous transporter dans un voyage inoubliable à travers les décennies, où la musique, la passion et le glamour se rejoignent pour célébrer le génie de Céline Dion. « Céline… ou presque! » est bien plus qu’un spectacle : c’est une expérience immersive qui capture l’essence même de cette légende vivante avec plus de 10 changements de costumes, 14 changements de perruques et le tout accompagné de projections vidéo. Une soirée magique à ne pas manquer pour tous les fans de Céline et les amoureux de la musique!
Immerse yourself in an emotional whirlwind with Céline… or Almost!, where drag queen Bobépine masterfully embodies the most iconic moments of Céline Dion’s career. From her early days on stage to her international triumphs, relive every legendary moment of this musical icon. Experience the raw power and pure emotion of Céline through breathtaking performances of her greatest hits, from the timeless My Heart Will Go On to her most recent chart-toppers. Let yourself be transported on an unforgettable journey through the decades, where music, passion, and glamour come together to celebrate the genius of Céline Dion. Céline… or Almost! is more than just a show—it’s a fully immersive experience that captures the very essence of this living legend, featuring over 10 costume changes, 14 wig transformations, and stunning video projections. A magical evening not to be missed by Céline fans and music lovers alike!
Max McNown est un auteur-compositeur-interprète originaire de l’Oregon et installé à Nashville, reconnu pour sa voix expressive, ses paroles poignantes et évocatrices, ainsi que pour un son authentique puisant ses racines dans le country classique, le folk indépendant et l’Americana. Son single marquant A Lot More Free, sorti en 2023, s’est classé dans les palmarès aux États-Unis et à l’international, ouvrant la voie à son premier album, Wandering, en 2024. L’année suivante, il a publié son deuxième album, Night Diving.
Max McNown is a Nashville-based, Oregon-born singer/songwriter known for his expressive voice, poignant and relatable lyrics, and an earthy sound rooted in classic country, indie folk, and Americana. His breakout single, « A Lot More Free, » released in 2023, charted in the U.S. and internationally, paving the way for his debut album, Wandering, in 2024. The following year, he released his sophomore LP, Night Diving.
Avec 11 albums et plus de 45 millions d’exemplaires vendus, MANÁ a établi la norme en matière de rock latin. Leur album révolutionnaire Dónde Jugarán los Niños est l’album de rock latin le plus vendu de tous les temps. Depuis plus de 34 ans, la passion inébranlable du groupe pour les concerts l’a conduit dans plus de 30 pays, laissant derrière lui des moments historiques. Le groupe est également le groupe de rock latino le plus présent dans les classements Billboard « Hot Latin Songs » (33 entrées) et « Latin Airplay » (36 entrées). Sept de leurs albums ont atteint la première place du « Billboard Latin Charts », renforçant ainsi leur position de groupe de rock latin ayant le plus grand nombre d’albums à son actif.
With 11 albums and over 45 million copies sold, MANÁ has set the standard for Latin rock. Their groundbreaking album Dónde Jugarán los Niños is the best-selling Latin rock album of all-time. For over 34 years, the band’s unwavering passion for live performances has taken them across more than 30 countries, leaving a trail of history-making moments. The band also boasts the most entries by a Latin rock act on the Billboard Hot Latin Songs (33 entries) and Latin Airplay (36 entries) charts. Seven of their albums have reached l No. 1 on the Billboard Latin Charts—cementing their position as the Latin rock band with the most chart-topping records.
POP Montréal : Do Make Say Think + Kee Avil au Théâtre Rialto
par Rédaction PAN M 360
Do Make Say Think
Do Make Say Think est un groupe de post-rock originaire de Toronto, formé en 1996. Signé par le label montréalais Constellation Records en 1997, il s’est imposé comme l’un des pionniers du genre. Le groupe continue à produire une musique instrumentale riche, émotive et saisissante, qui touche un large public à travers le monde.
Do Make Say Think is a postrock band from Toronto that formed in 1996. Signed to Montreal’s Constellation Records in 1997, they have gone on to be recognized as one of the pioneers in their genre and continue to produce beautiful and dramatic instrumental music that resonates deeply with audiences around the world.
Kee Avil
La productrice montréalaise Kee Avil crée des chansons déconstruites mêlant guitare, voix et production électronique à des sensibilités avant-pop, glitch et folk expérimental. Son dernier album, Spine (Constellation, mai 2024), a été élu Album du jour par Bandcamp et a été largement salué par la critique. The Line of Best Fit a déclaré : « Spine confirme le statut de Kee Avil en tant que virtuose de l’esthétique et de la production, comparable à Jlin ou SOPHIE, produisant une version dégoulinante et caverneuse du glitch, dynamisée par les manipulations », tandis qu’Uncut la décrit comme « profondément intime et intensément troublante… comme une forme de vie extraterrestre fléchissant ses mandibules ». Spine a été citée dans The Wire, déclarant : « Les grooves squelettiques de Kee Avil frappent d’une intimité pressante », tandis que Quietus a salué son intensité contenue : « Spine mijote, se pavanant au bord de l’éruption. Les sons tourbillonnent comme du gel pressé. » Élargissant sa palette sonore avec des détails complexes, Spine a positionné Kee Avil comme une voix distincte dans la composition expérimentale, évoquant PJ Harvey, Eartheater, SOPHIE et Lucretia Dalt – où Juana Molina rencontre Coil, ou Grouper fusionne avec Autechre. Elle a effectué de nombreuses tournées, notamment aux Nuits Botanique, A Colossal Weekend, Pop Montréal, Sled Island, Ruhrtriennale, Le Guess Who?, et bien d’autres. Son premier album Crease (2022) a également été salué par la critique, et Crease et Spine ont tous deux été nommés aux Juno Awards. En 2023, elle a sorti Crease Remixed EP, avec des reprises de Claire Rousay, Ami Dang, Pelada et Cecile Believe.
Montreal producer Kee Avil crafts deconstructed songs blending guitar, voice, and electronic production with avant-pop, glitch, and experimental folk sensibilities. Her latest album, Spine (Constellation, May 2024), was Bandcamp’s Album of the Day and received widespread critical acclaim. The Line of Best Fit declared ‘Spine affirms Kee Avil’s status of an aesthetics and production virtuoso comparable to Jlin or SOPHIE – producing a dripping, cavernous version of glitch slammed with manipulations’ while Uncut described it as ‘Deeply intimate and intensely unsettling… like an alien lifeform flexing its mandibles’. Spine was featured in The Wire, stating ‘Kee Avil’s skeletal grooves hit with an urgent intimacy’ while the Quietus applauded its restrained intensity ‘Spine simmers, sashaying close to eruption. Sounds worm around like squeezed gel’. Expanding her sonic palette with intricate detail, Spine positioned Kee Avil as a distinct voice in experimental songcraft, evoking PJ Harvey, Eartheater, SOPHIE, and Lucretia Dalt—where Juana Molina meets Coil, or Grouper fuses with Autechre. She has toured extensively, including Les Nuits Botanique, A Colossal Weekend, Pop Montreal, Sled Island, Ruhrtriennale, Le Guess Who?, and more. Her debut album Crease (2022) also received critical acclaim, and both Crease and Spine were Juno-nominated. In 2023, she released Crease Remixed EP with reworks by claire rousay, Ami Dang, Pelada, and Cecile Believe.
POP Montréal : One Leg One Eye + SPILLINGS à la Casa del Popolo
par Rédaction PAN M 360
One Leg One Eye
En tant que membre fondateur du groupe folk expérimental Lankum, basé à Dublin, Ian Lynch explore les courants sous-jacents de la musique et du chant. Il trace une voie musicale à la fois sombre, mystérieuse et inquiétante, mais finalement transcendantale. Son nouveau projet solo, One Leg One Eye, le voit adopter une approche novatrice de l’arrangement musical, aboutissant à un son plus ancré dans l’esthétique brute du black metal de deuxième vague que dans le folk contemporain. Le projet a vu le jour en 2021, une période durant laquelle Lynch a pu profiter de la liberté d’expérimenter et d’explorer différentes voies de conception sonore sans attentes ni pression. À la recherche de cadres intéressants pour enregistrer de la musique et recueillir des enregistrements sur le terrain, plusieurs environnements, extérieurs et intérieurs, ont imprégné l’esprit de la musique et en sont venus à représenter l’approche artistique et l’évolution de Lynch avec ce premier album singulier, …And Take The Black Worm With Me.
As a founding member of Dublin experimental folk group Lankum, Ian Lynch explores submerged leylines of music and song. Forging a musical path that is all at once dark, mysterious and foreboding, but ultimately transcendental. His new solo project One Leg One Eye sees him taking a fresh approach to musical arrangement culminating in a sound that is more rooted in the raw aesthetics of second wave black metal than contemporary folk. The project was born across 2021, a period in which Lynch was able to enjoy the freedom of experimenting and explorating different paths of sound design without expectation or pressure. Seeking out interesting settings to record music and gather field recordings, there are several environments, external and interior, whose respective essence have seeped into the spirit of the music and come to represent Lynch’s artistic approach and development with this singular debut album, …And Take The Black Worm With Me.
SPILLINGS
SPILLINGS (Montréal / Berlin) est un duo collaboratif formé par Mat Ball (BIG BRAVE) et Liam Andrews (MY DISCO). Leur premier album a été composé à Berlin, au studio andereBaustelle (Einstürzende Neubauten, Pan Sonic, Keiji Haino), puis enregistré et produit en collaboration avec Seth Manchester (The Body, Mdou Moctar, Lingua Ignota) au studio Machines With Magnets à Pawtucket, dans le Rhode Island.
SPILLINGS (Montréal / Berlin) is a collaborative duo formed between Mat Ball (BIG BRAVE) and Liam Andrews (MY DISCO). Their debut album was composed in Berlin, at andereBaustelle Studio (Einstürzende Neubauten, Pan Sonic, Keiji Haino) and recorded and produced alongside Seth Manchester (The Body, Mdou Moctar, Lingua Ignota) at Machines With Magnets in Pawtucket, Rhode Island.
Lancer une invitation à Salebarbes c’est comme s’assurer que le party va lever ! L’année 2025 de ce groupe aura été spectaculaire et l’OSM est heureux de les accueillir sur scène en ouverture de sa série OSM Pop pour couronner en version symphonique leur immense succès. Sous la direction de la cheffe Dina Gilbert et des arrangements symphoniques d’Antoine Gratton, préparez-vous à vous à taper du pied et à vivre une soirée dont vous vous souviendrez longtemps.
Throwing an invitation to Salebarbes is like making sure that the party will rise! The year 2025 of this group has been spectacular and the OSM is happy to welcome them on stage at the opening of its Pop series, to celebrate their huge success in a symphonic version. Under the direction of conductor Dina Gilbert and with symphonic arrangements by Antoine Gratton, get ready to kick your feet and live an evening you will remember for a long time.
