Artiste hip-hop récompensé aux Grammy Awards, Nelly a enregistré avec les St. Lunatics. Il s’est fait connaître grâce à l’album « Country Grammar » sorti en 2000 qui s’est vendu à plus de huit millions de copies.
A Grammy Award-winning hip-hop artist, Nelly has recorded with the St. Lunatics. He made his name with the album “Country Grammar”, released in 2000, which sold over eight million copies.
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Sous le nom de Mount Eerie, l’auteur-compositeur, multi-instrumentiste et producteur originaire de l’État de Washington Phil Elverum prolonge l’exploration introspective et profondément personnelle entamée avec The Microphones. Ses paroles confessionnelles et sa narration fluide restent les constantes de sa musique, un mélange impressionniste d’ambient, de folk et de black metal qui amplifie le sentiment d’émerveillement propre à son œuvre. Sur ses premiers albums, comme No Flashlight (2005), la différence entre Mount Eerie et The Microphones était subtile, mais les disques suivants ont révélé l’étendue de son évolution. La majesté influencée par le metal de Wind’s Poem (2009), les méditations électro-acoustiques sereines de Clear Moon et les paysages sonores denses de Ocean’s Roar ont apporté des nuances distinctes à ses réflexions sur la vie et la mort. Elverum a documenté le deuil de sa femme Geneviève Castrée sur A Crow Looked at Me (2017) et Now Only (2018), deux albums salués pour leur expression poignante et sans fard de la douleur. Avec Night Palace (2024), il boucle la boucle en réunissant les sonorités lo-fi des débuts de Mount Eerie avec une écriture poétique.
As Mount Eerie, Washington state songwriter/multi-instrumentalist/producer Phil Elverum expands on the searching, deeply personal feel of his work with the Microphones. His confessional lyrics and free-flowing storytelling are the main constants of his music, an impressionistic blend of ambient, folk, and black metal that heightens the feeling of wonder in his work. On early albums such as 2005’s No Flashlight, the difference between Elverum’s work as Mount Eerie and the Microphones was subtle, but later releases showed how much his range had grown. The metal-influenced majesty of 2009’s Wind’s Poem, the serene electro-acoustic meditations of Clear Moon, and the dense soundscapes of Ocean’s Roar imbued his musings on life and death with distinct nuances. Elverum documented the aftermath of his wife Geneviève Castrée’s death on 2017’s A Crow Looked at Me and 2018’s Now Only, both widely acclaimed for their eloquent, unflinching expressions of grief. On 2024’s Night Palace, Elverum brought Mount Eerie full-circle by uniting the lo-fi sounds of the project’s early days with poetic songwriting.
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Il y a 30 ans, Céline Dion lançait l’album D’eux écrit et réalisé par Jean-Jacques Goldman, union parfaite entre une interprète à la voix unique et un auteur-compositeur des plus doués. Succès historique : D’eux fracasse tous les records, gagne le cœur du public et devient le disque de langue française le plus vendu mondialement, s’écoulant à près de 10 millions d’exemplaires, inspirant au passage une multitude d’artistes. Pour célébrer ces immenses chansons, ainsi que quelques autres succès nés de cette union légendaire, et pour rendre hommage à notre grande Céline Dion : 7 artistes d’âges et d’horizons différents monteront sur scène pour interpréter ensemble cette œuvre culte, qui depuis trois décennies a marqué plus d’une génération. Une soirée qui s’annonce exceptionnelle en compagnie de Marie Denise Pelletier, Ariane Roy, Martine St-Clair, Lou-Adriane Cassidy, Brigitte Boisjoli, Safia Nolin et Rita Baga. Sept voix d’exception qui feront certainement vivre de grandes émotions et un moment inoubliable aux spectatrices et aux spectateurs présent·es ! De « Destin » à « Je sais pas », « Les Derniers seront les premiers », « Cherche encore », « Regarde-moi » sans oublier « Pour que tu m’aimes encore », il faut assurément se remettre en tête et en voix ces classiques avant d’assister à cette soirée unique où chanter en chœur sera bienvenu. Pour célébrer Céline, ça commence avec ce refrain : J’irai où tu iras / Qu’importe la place / Qu’importe l’endroit. C’est une invitation !
Thirty years ago, Céline Dion released D’eux, an album written and produced by Jean-Jacques Goldman — a perfect union between a one-of-a-kind vocalist and one of the most gifted songwriters of his generation. A historic success, D’eux shattered records, captured the hearts of listeners, and became the best-selling French-language album of all time, with nearly 10 million copies sold worldwide. Its impact has inspired countless artists over the years. To celebrate these timeless songs — as well as other beloved tracks born of this legendary collaboration — seven artists from different generations and backgrounds will come together on stage to pay tribute to our beloved Céline Dion. Get ready for an extraordinary evening featuring Marie Denise Pelletier, Ariane Roy, Martine St-Clair, Lou-Adriane Cassidy, Brigitte Boisjoli, Safia Nolin, and Rita Baga. Seven remarkable voices sure to stir deep emotion and create an unforgettable experience for everyone in the audience. From Destin to Je sais pas, Les Derniers seront les premiers, Cherche encore, Regarde-moi, and of course Pour que tu m’aimes encore, it’s time to refresh your memory — and your vocal cords — before this one-of-a-kind night where singing along will be more than welcome. To celebrate Céline, it all begins with this refrain: J’irai où tu iras / Qu’importe la place / Qu’importe l’endroit. This is your invitation!
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À 100 ans, Le fantôme de l’opéra n’a pas pris une ride! Redécouvrez ce chef-d’œuvre du cinéma fantastique de 1925 illustré musicalement par l’organiste Jason Roberts. Le Fantôme errant dans les coulisses d’un opéra parisien, est un prodige musical défiguré, fasciné par la musique et obsédé par une artiste. Ce mystérieux personnage incarne à la fois le génie incompris et la marginalisation. Un ciné-concert saisissant où suspense, puissance et improvisation à l’orgue se rencontrent!
The Phantom of the Opera is still captivating audiences a century later! Experience this 1925 fantasy film classic like never before, with musical accompaniment by organist Jason Roberts. Haunting the depths of a Parisian opera house, the disfigured phantom—both a musical genius and a tragic outcast—is consumed by his obsession with music and a particular singer. This thrilling film concert blends drama and suspense with masterful organ improvisation for an unforgettable cinematic experience.
Programme
Le fantôme de l’opéra, 1925 (114 min) avec projection
Program
The Phantom of the Opera, 1925 (114 min) with screening
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Le gnawa. Un rite, une musique, des danses. Un art inscrit au patrimoine culturel immatériel de l’humanité de l’Unesco. La mémoire ancestrale, mystique, d’une ascendance d’Afrique sub-saharienne. Profondément ancrée dans la tradition, portée par les vibrations graves des cordes du guembri et le son claquant des karkabous, amplifiée par des répétitions entêtantes, ferment d’une transe libératrice, la musique de Boulila, lauréat des Syli d’or de la musique du monde 2021, renouvelle les codes de ce genre à la fois festif et thérapeutique par une instrumentation alliant guitare, saxophone, basse, piano et batterie, révélant l’africanité des musiques populaires occidentales.
La versatilité des rythmes marocains sera à l’honneur de ces trois soirées étoilées où Boulila jammera avec trois émissaires de la scène montréalaise.
Soirée fusion gnawa | avec Jean-Philippe Grégoire: Ce guitariste jazz formé au Conservatoire de Paris, détenteur d’une licence en musicologie de la Sorbonne, et passé par la Berklee College of Music à Boston, “essaie d’intégrer des éléments d’improvisation jazz à la musique traditionnelle gnaouie, tout en veillant à en respecter l’intégrité”.
Gnawa. Ritual, music, dance. This artistic form of expression, inscribed on UNESCO’s Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity, stems from a distant and mystical cultural memory rooted in sub-Saharan Africa. Boulila’s music is strongly grounded in tradition, carried by the low vibrations of the guembri’s strings and the clinking of the krakebs, and is amplified by intoxicating repetition and the ferment of a liberating trance. Winners of the 2021 Syli d’or de la musique du monde, the group revisits the conventions of this festive and therapeutic musical genre with instrumentation that combines guitar, saxophone, bass, piano and drums, exposing the African roots of popular Western music.
The versatility of Moroccan rhythms will be the focus of these three star-studded evenings, as Boulila jams with three emissaries from the Montreal scene.
Gnawa Fusion evening | with Jean-Philippe Grégoire: This jazz guitarist, who trained at the Conservatoire de Paris, holds a Musicology degree from the Sorbonne and studied at Boston’s Berklee College of Music, “tries to integrate aspects of jazz improvisation into traditional Gnawa music, while taking care to respect its integrity.”
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En créole réunionnais, “kozé” signifie “parler, communiquer”. L’ambition du groupe est de partager le folklore de son île. 100 % maloya, avec ses roulèr, kayamb, pikèr et sati qui donnent le tempo, la musique de Kozé est aussi sauvage et rafraîchissante que l’océan, aussi dense et précieuse que la forêt, aussi rugueuse et impétueuse que le volcan. Inscrit sur la liste du Patrimoine culturel immatériel de l’humanité depuis 2009, mémoire métissée des esclaves du passé, devenu hymne contestataire, le maloya, dont l’aura est quasi sacrée, est un chant, une musique, une danse… une identité.
In Reunionese Creole, “kozé” means “to speak, to communicate,” and that’s how this group spreads its island’s folk traditions. With roulèr, kayamb, piker and sati rhythms providing the tempo, Kosé’s music is 100% maloya: as wild and refreshing as the ocean, as dense and precious as the forest, as rugged and impetuous as a volcano! Inscribed on the Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity in 2009, maloya retains the memory and mixed heritage of slaves from the past as a kind of protest anthem, and its quasi-sacred aura means that it is much more than traditional songs, music and dance—it has become the island’s identity.
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Il occupe pleinement la scène et ça bouge. Il faut dire que, comme son nom l’indique, il en impose, Idriss le Viking Noir! Avec 25 ans de métier derrière la cravate… qu’il ne porte pas, Tonton n’a pas la langue dans sa poche. C’est un ambianceur. Sur des grooves mandingues du feu de Dieu, cadeaux d’un orchestre composé de musiciens aguerris, tel un sage un peu frondeur qui pompe dans son passé d’animateur, Idriss, conquérant sympathique et décomplexé, distille ses conseils et conte la vie, de sa voix qui porte et de laquelle pointent des accents reggae.
As his name suggests, Idriss le Viking Noir sets the stage ablaze with his fiery energy. Twenty-five years into his musical career, Tonton Idriss is never at a loss for words, and he certainly knows how to light up a crowd with his performances. Against a backdrop of exuberant mandinka rhythms, courtesy of his band of seasoned musicians, this wise, slightly rebellious man becomes a friendly, easy-going conqueror who draws on his background as an entertainer to spread his wisdom and tell life’s story in his powerful voice with a hint of a reggae accent.
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On vous invite à danser? Un parfum de carnaval de Rio embaumera la nuit montréalaise ce soir-là. Surdo, conga, caisse claire, tamborim, repique, chocalho: les percussions sont reines dans l’univers de ce joyeux cercle qui égraine avec puissance et à une cadence élevée les samba de roda, cabula, maracatu et autres rythmes afro-brésiliens. Relevée d’impros jazzistiques et de chants entraînants, la musique foisonnante de ce collectif énergétique, fondé en 2022 par Carlos Henrique Feitosa, concurrence sans l’ombre d’un doute celle des réputées écoles de samba brésiliennes.
Come and dance! There’s sure to be a whiff of the Rio Carnaval floating in the Montreal evening air. Surdo, conga, snare drum, tambourine, repinique, chocalho—percussion instruments reign supreme with this exuberant group that delivers a powerful mix of Samba de Roda, Samba de Cabula, maracatu and other Afro-Brazilian rhythms in rapid tempo. Formed in 2022 by Carlos Henrique Feitosa, this lively collective, with its jazzy, spiced up improvisations and upbeat vocals, certainly holds its own against anything coming out of the famous Brazilian samba schools.
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Aminé est un rappeur vif et haut en couleur, connu pour son approche décalée du hip-hop. Sa carrière a décollé grâce à son tube multi-platine Caroline (2016), qui a atteint la 11e place du classement pop américain. Il a ensuite confirmé son succès avec Good for You (2017), un album certifié or, puis avec la mixtape ONEPOINTFIVE (2018), marquée par Reel It In, son deuxième single multi-platine.
Son deuxième véritable album, Limbo (2020), s’est hissé dans le Top 20 du Billboard 200, avant d’être suivi par une nouvelle mixtape, TWOPOINTFIVE (2021). Entre ces deux projets, Aminé a décroché une nomination aux Grammy Awards dans la catégorie « Best Dance Recording » pour sa collaboration avec Disclosure sur le morceau My High.
Collaborateur de longue date du producteur Kaytranada, il a sorti avec lui l’album commun Kaytraminé en 2023. L’année suivante, Aminé a dévoilé un EP concis intitulé .mp3s (2024).
Aminé is a witty and colorful rapper with a left-of-center approach to hip-hop. His career took off with the multi-platinum number 11 pop hit « Caroline » (2016). It continued to ascend with Good for You (2017), a gold-certified album, and ONEPOINTFIVE (2018), a stardom-affected mixtape containing « Reel It In, » Aminé’s second multi-platinum single.
His second proper album Limbo (2020) cracked the Top 20 of the Billboard 200 and was followed with another tape, TWOPOINTFIVE (2021). Between the latter two releases, Aminé picked up a Grammy nomination for Best Dance Recording as a featured artist on Disclosure’s « My High. »
A longtime collaborator with producer Kaytranada, the two released the full-length Kaytraminé in 2023. Aminé released a brief EP titled .mp3s in 2024.
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S’il y a une chose qu’Emel Mathlouthi maîtrise, c’est bien l’art de la mise en scène digne d’une tragédie. Avec une entrée en scène spectaculaire, des effets de lumière de circonstance, et accompagnée de ses deux musiciens, à la batterie et aux claviers, celle que l’on surnomme « la voix de la révolution » est apparue telle une déesse du haut de son trône. Avec sa couronne sophistiquée, une robe blanche de style antique sortie du XVème siècle, l’artiste tunisienne nous présentait son plus récent album Mra, qui veut dire femme en arabe, paru en 2024 et entièrement réalisé par une équipe de femmes.
Toujours avec un écran en arrière, sa voix est rarement à l’état naturel, elle utilise beaucoup de réverbération et joue avec son micro, ajoutant un effet énigmatique à son univers dans lequel le trap, le hip hop et le drum n’bass cohabitent harmonieusement. Emel entre réellement dans son personnage et se laisse aller, insérant des mouvements de danse saccadés sur plusieurs morceaux. Elle tape sur son tambour par moment, venant complémenter le travail de son batteur, et ajouter l’effet dansant.
Au bout de la troisième chanson, le public se met tout doucement à danser, en contraste avec le style un peu solennel des deux premiers morceaux. Emel rajoute aussi des sons pré-enregistrés qui viennent fusionner avec les images qui défilent en boucle, un vrai cocktail sensoriel. La plupart de ses chansons sont en arabe mais elle chante également en anglais, une langue qu’elle maîtrise, tout comme le français. Elle passe d’ailleurs de l’un à l’autre lorsqu’elle s’adresse à l’audience.
Malheureusement, Naya Ali, qui devait être de la partie, n’a pas pu être présente finalement. Cela dit, un moment fort du concert est lorsque l’artiste Narcy est arrivé sur scène pour le morceau Yemenade. Et là, la soirée a pris un tournant tellement son énergie s’est fait ressentir dans toute la salle. Il a réussi à nous faire chanter, danser, en un seul morceau, pendant qu’Emel dansait derrière lui, tapant sur son tambour doré.
L’autre artiste que j’avais hâte de revoir était Ziya Tabassian. Également de la partie sur quatre morceaux, il a rajouté la touche Moyen-Orientale traditionnelle au spectacle. Il s’accordait parfaitement aux rythmes du batteur avec qui il échangeait des regards.
« J’espère que vous aimez les percussions folles comme celles que nous faisons ! On ne sait pas comment ça sonne de votre côté mais nous, on aime ça » dit-elle entre deux chansons. « Je n’arrive pas à faire des chansons douces, je n’y peux rien », nous confie-t-elle.
Pendant le morceau Souty, qui signifie Ma voix, elle fait défiler des feuilles sur lesquelles il est écrit « My voice is time less like the wind », comme s’il s’agissait des paroles de la chanson. Elle en profite pour mentionner le nom des détenus sur certaines de ces feuilles.
Emel a pris le temps de partager le message d’un militant palestinien qui lui a écrit pour lui donner l’état des lieux. En effet, la Palestine était en toile de fond tout au long du spectacle, incluant durant la première partie qui était assurée par Checkpoint 303, un duo de DJ qui ont mis la table pour le spectacle d’Emel.Ma chanson préférée est Mazel, qui veut dire Encore, et qui parle de l’espoir qu’elle porte encore en elle, et du nouveau lendemain qu’elle compte construire. En guise d’arrière-plan, plusieurs femmes militantes défilaient l’une après l’autre.
Elle a terminé avec Rise, faisant participer le public sur le refrain, avant de nous offrir un rappel qui a fait plaisir à l’audience. Je m’attendais à voir un National plein à craquer, mais ce n’était pas le cas. Mais une chose est sûre : les personnes qui y étaient sont rentrées satisfaites de leur soirée.
Crédit photo: Ola Choukair
Leur cumbia toute montréalaise, agitée des vibrations culturelles si propre à la métropole, est pourtant inscrite dans les gènes de ces cinq musiciens originaires du Mexique, de la Colombie, de Cuba et de l’Argentine. Combinant avec malice l’accordéon, la guacharaca, les percussions afro-colombiennes et la basse, ce groupe latin alternatif, lauréat des Syli d’or 2024, amène les cumbia sabanera, cumbia rebajada, cumbia villera et cumbia mexicana sur les dance floor, expérimentant un folklore de village à la fois poétique et festif, qui aspire à la vie et à la liberté.
Trois concerts, trois invités, trois ambiances. La variété et le dynamisme de la musique colombienne seront à l’honneur lors de cette série Étoiles.
Dub | avec O.N.S & friends: Comme quoi l’ethnomusicologie peut prendre différentes formes… Le jour, ce chercheur post doc est professeur au Département de musique de l’UQÀM. La nuit, il se métamorphose en musicien reggae relax ou en un redoutable DJ. O.N.S & friends est le dernier projet en date de Ons Barnat, un concept live dub mix excitant concocté de compos reggae-dub originales, en collaboration avec Yarra Sound System.
Although their unique style of cumbia is imbued with Montreal’s cultural vibes, this genre is in the DNA of the five musicians who hail from Mexico, Colombia, Cuba and Argentina. Playfully mixing accordion, bass, guacharaca and other Afro-Colombian percussion instruments, this alternative Latin band, winners of the Syli d’or 2024, bring different styles of cumbia—Mexicana, rebajada, sabanera and villera—to the dance floor, while they experiment with poetic and festive village folk traditions that embrace life and freedom.
Three concerts, three guests, three flavours. The diversity and vitality of Colombian music will be in the spotlight during this Étoiles series.
Dub | with O·N·S: Ethnomusicology can take many forms… By day, Ons Barnat is a postdoc researcher and professor in the Department of Music at UQÀM. But by night, he morphs into a laid-back reggae musician or a formidable DJ. For his latest project, O·N·S & Friends, he has teamed up with Yarra Sound System to deliver an exciting live dub experience featuring original reggae dub mixes.
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On lance la saison Dômesicle en FORCE avec une soirée électro, hard trance/ techno happy hardcore et acid co-signée par Normie Corp, le très tasty collectif made in Vancouver engagé dans les cultures asiatiques, et MUTEK, l’incontournable festival de créativité numérique et de musiques électroniques, pour 5 sets bouillonnants !
We’re kicking off the Domesicle season in full force with an electro, hard trance/ techno, happy hardcore and acid evening co-signed by Normie Corp, the tasty Vancouver-based collective committed to Asian cultures, and MUTEK, the unmissable festival of digital creativity and electronic music, for 5 scorching sets!
DAPASHU?
DAPASHU? est un duo de DJs qui explore la vaste palette de la musique électronique avec audace et intention. Ancré dans la culture club et le mouvement dansé, DAPASHU? fusionne électro, bass, techno et turntablism, le tout teinté d’une énergie théâtrale et d’une touche d’absurde. Leurs performances évoquent l’esprit brut des premières expérimentations électroniques, tout en puisant dans des esthétiques nostalgiques et des sonorités futuristes. Que ce soit dans des rassemblements underground ou des lieux immersifs d’envergure, DAPASHU? propose des expériences ludiques & imprévisibles.
DAPASHU? is a live DJ and performance duo navigating the wide spectrum of electronic music with flair and intent. Rooted in club culture and dance movement, their sets blend electro, bass, techno, and turntablism—infused with theatrical energy and a touch of absurdity. Their performances channel the raw spirit of early electronic experimentation while embracing nostalgic aesthetics and futuristic sounds. Whether playing for intimate underground gatherings or large-scale immersive venues, DAPASHU? creates experiences that are playful & unpredictable.
RICO RICA
RICO RICA, alias mmmmrico, est DJ, chanteur·euse et performeur·euse colombo-canadien·ne, inspiré·e par la chaleur du carnaval de Barranquilla, la néo-nostalgie des sous-cultures numériques et l’intersection des rythmes mondiaux façonnés par la migration constante. Son style sonore fusionne nostalgie et futurisme, réinventant le folklore latino tout en brisant les frontières des genres. Son premier single, La Tetona (2023), a rapidement attiré l’attention internationale après sa diffusion au Panorama Bar de Berghain. RICO RICA a également organisé des événements à Barcelone, Montréal, Berlin et dans diverses régions de Colombie, créant des espaces inclusifs qui célèbrent et soutiennent la communauté LGBTQ+.
RICO RICA, a.k.a. mmmmrico, is a Colombian-Canadian DJ, singer, and performer inspired by the heat of Barranquilla’s Carnival, the neo-nostalgia of digital subcultures, and the intersection of global rhythms by constant migration. Their sound is a fusion of nostalgia and futurism, reimagining Latin folklore while pushing genre boundaries. Their debut single, La Tetona (2023), gained international recognition after being played at Berghain’s Panorama Bar. RICO RICA has organized events in cities such as Barcelona, Montreal, Berlin and throughout Colombia, building spaces that uplift the LGBTQ+community.
fagofcolour
En tant que DJ, fagofcolour croit que tous les genres sont permis tant que la foule danse. Cette approche l’a amené à se produire dans des clubs, des entrepôts et des stades à travers le monde. Il est également cofondateur de Normie Corp, un collectif basé à Vancouver, qui, depuis sa création, défend les droits des personnes queer et trans, ainsi que les groupes BIPOC et les femmes.
As a DJ, fagofcolour believes that no genre is off-limits as long as the crowd is dancing. This approach has led him to play at clubs, warehouses, and stadiums around the world. He is also a co-founder of Vancouver-based Normie Corp, a collective that, since its inception, has championed queer and trans folks, BIPOC, and women.
HNZ
HNZ met en valeur son héritage Latinx à travers des rythmes percussifs, incluant le Dembow, le Tribal et le Reggaetón, entrelacés avec des mixes énergiques et riches en basses de Hard Techno, Psytrance et Global Club Music. Forte d’une formation en ingénierie audio et en production d’événements, elle utilisé ses compétences et sa passion pour la musique pour cofonder Normie Corporation, un collectif d’événements musicaux multi-genres basé à Vancouver, centré sur les personnes QTBIPOC. Normie Corp est devenu l’une des plus grandes initiatives musicales queer issues de la communauté au Canada et se développe rapidement en Europe et en Asie.
HNZ showcases her Latinx heritage through percussive rhythms, including Dembow, Tribal and Reggaetón, interlaced with high-energy and bass-heavy mixes of hard Techno, Psytrance and Global Club Music. With a background in audio engineering and event production, she has applied her skills and love for music by co-founding Normie Corporation, a Vancouver-based, QTBIPOC-centred, multi-genre music event collective. Normie Corp has grown to become one of the largest grassroots Queer-led music initiatives in Canada and is quickly expanding to Europe and Asia.
soratora
soratora opère une magie à chaque set, tissant des lignes de basse profondes et pulsantes, ainsi que des rythmes complexes qui plongent les danseur·euse·s dans un état de transe. Son style sonore mélange des rythmes déstructurés et des basses profondes, créant une attraction hypnotique qui invite les auditeur·rice·s à se perdre dans la musique, le tout enveloppé dans le groove irrésistible de la culture des clubs underground. soratora a également cofondé DIY Rave, un collectif queer qui soutient les talents émergents et crée un véritable sens de communauté.
soratora casts a spell with every set, weaving deep, pulsing basslines and intricate rhythms that lure dancers into a state of trance. Their sound blends broken rhythms and deep bass pressure, with a hypnotic pull that slowly builds tension and invites listeners to lose themselves in the music, all wrapped in the infectious groove of underground club culture. soratora is also the co-founder of DIY Rave, a queer collective that uplifts emerging talent and fosters community.
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