MUTEK: Expérience 4

par Jacob Langlois-Pelletier

Tous les jours dès 17h, la scène extérieure gratuite accompagne les Montréalais·es et les touristes sous le signe de la fête, de l’éclectisme et de la rencontre des styles musicaux sur l’esplanade Tranquille. À noter que plusieurs surprises seront dévoilées cet été pour un plaisir augmenté en temps et dans l’espace.

Every day from 5 p.m., the free outdoor stage on the Tranquille esplanade accompanies Montrealers and tourists alike in a festive, eclectic mix of musical styles. A number of surprises will be unveiled this summer, for added pleasure in time and space.

CET ÉVÉNEMENT EST GRATUIT

Ce contenu provient de MUTEK et est adapté par PAN M 360.

Électronique

MUTEK: Expérience 3

par Jacob Langlois-Pelletier

BLK MTR PA/QC | Arc & Texture CA | Piezo IT | Marie Davidson CA/QC | Steffi NL/PT

CET ÉVÉNEMENT EST GRATUIT

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house

MUTEK 2024 | Nosaj Thing & Jacques Green, live set en tandem

par Alain Brunet

L’équipe de PAN M 360 sillonne l’entière programmation de MUTEK 2024 et y observe un maximum d’artistes au cours de cette 25e édition de sa version montréalaise. Suivez nos expert.e.s jusqu’à dimanche soir, aucune autre couverture médiatique de MUTEK ne s’annonce aussi considérable!

Le Californien Jason Chung alias Nosaj Thing, est un artiste respecté dont la carrière est en marche depuis les années 2000. Du punk et du hardcore expérimental, il a progressivement mis au point un langage assez signifiant pour attirer des géants tels Kendrick Lamar et Flying Lotus. Son art dépasse le monde de la musique, il est très sollicité par la production cinématographique, télévisuelle ou multimédia. Dans la salle principale de la SAT, il amorçait la toute première heure de mercredi avec son éminent collègue montréalais Jacques Greene, un habitué de MUTEK, du Piknic et d’Igloofest, connu pour ses déclinaisons singulières de house, future soul et autres sous-genres mâtinés de brillantes insertions, dont des déclamations féminines en français s’il-vous plaît. Nosaj Thing et Jacques Greene présentaient ainsi leur premier set live, extrapolation créatrice d’une longue tournée en DJ set B2B. Le tandem a offert un set concluant, typique de la série Nocturne : exploration sonore, audace conceptuelle enrobée de référents mieux connus et, il va sans dire, propices au libations nocturnes.

crédit photo: Bruno Destombes

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house / Neo-soul / techno

MUTEK 2024 | Daito Manabe, très fort !

par Alain Brunet

Durant la dernière des 24 heures du mardi 20 août, la relation entre image et son était exploitée à son plein potentiel, côté Daito Manabe, un artiste japonais de très haute tenue. Les images sont hallucinantes, extrêmement contrastées et extrêmement diversifiées. Parfois inspirées des jeux vidéos, les formes bougent comme si on en contrôlait la diffusion à l’aide d’un joystick. Les effet audiovisuels engendrés sont intégrés à des beats divers, house, techno, jungle/drum’n’bass, neosoul et plus encore. Il en résulte un véritable parcours immersif, dont les séquences expérimentales sont précédées de repères assez évidents pour que le public se laisse aller à la découverte avant d’être ramené au plancher de danse sans que la proposition ne s’effrite en cours de routre.

Daito Manabe a bien saisi l’art du dosage conceptuel et l’usage des référents connus dans un contexte où il faut communiquer, remuer, émouvoir.

Fondateur du groupe Rhizomatiks, l’artiste nippon présente également sa dernière performance audiovisuelle à MUTEK plus tard cette semaine, en misant davantage, on imagine, sur les matériaux visuels cette fois inspirés des phénomènes quotidiens et tentant d’exprimer artistiquement les fonctions essentielles es organismes vivants ou artificiels.

INFOS et BILLETS ICI

crédit photo: Bruno Destombes

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électronique / house / techno

MUTEK 2024 | Mathew Jonson, la magie d’un maître

par Salima Bouaraour

Basé à berlin, le Canadien Mathew Jonson, figure emblématique de la scène de la musique électronique depuis deux décennies, a clôturé dans la liesse! L’expérience sonore était à son comble. Riche en diversité. Chaleur et rondeur des sons. Jazzy par moments, avec et un brin de samba électronique, sans compter ces entremêlements de techno et de house, ces évocations de de xylophones et de marimbas, ces multiples effets. Habitué de la scène et des performances en direct, il nous a fait de la magie en continu et nous a fait complètement oublier le plafond pluvieux et la fraîche température. Régulièrement en tournée internationale comme à Sydney, Bali, Ibiza, Berlin, Londres, Naples ou Tulum, ce globe-trotter a fait briller Montréal l’instant de ce set donné au crépuscule. En effet, cet artiste aguerri en production musicale qui a sorti maintes albums tels que Marionette, Decompression ou Agents of Time, a été applaudi par la communauté électronique internationale. Et maintenant, par le public de MUTEK 2024 !

Crédit photo: Frédérique Ménard-Aubin

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électronique / house

MUTEK 2024 | Jordan GCZ, éclectisme sous les cordes à l’Esplanade tranquille

par Salima Bouaraour

L’équipe de PAN M 360 sillonne l’entière programmation de MUTEK 2024 et en observe un maximum d’artistes au cours de cette 25e édition de sa version montréalaise. Suivez nos expert.e.s jusqu’à dimanche soir, aucune autre couverture médiatique de MUTEK ne s’annonce aussi considérable!

Comment résumer Jordan GCZ^CA , observé sous les cordes de pluie à l’Esplanade tranquille en cette Expérience 1 ? Compositions sonores éclectiques. Approche audacieuse. Spontanéité. Jordan Czamanski nous a offert une performance pleine d’expérimentations. Servis en direct, ds rythmes lents et entraînants, binaires et répétitifs, aux accents house électro. Enfin au sec à l’aube de MUTEK 224, le public s’est amassé au devant de la scène pour commencer à se dandiner. Le Torontois d’adoption a su tisser une progression pour préparer la fin de programme. Au gré des déhanchements de la foule, il faisait monter les BPM petit à petit et introduisait une multitude de sonorités à la résonance afro-latine et aux notes de cuivre liées à la chaleur des synthétiseurs analogiques. Étant DJ au sein du duo électronique Juju & Jordash et du groupe Magic Mountain High, le producteur a tiré profit de ses multiples expériences pour dynamiser l’Esplanade Tranquille.

Crédit photo: Frédérique Ménard-Aubin

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MUTEK 2024 – Au-delà des buzzwords

par Elsa Fortant

Le 20 août 2024, lors du Forum MUTEK, un panel intitulé « Au-delà des Buzzwords : que fait l’IA générative aux pratiques créatives ? » s’est tenu au Monument-National, réunissant des expert.es de divers horizons pour explorer l’impact de l’IA générative sur les pratiques artistiques. Modéré par Rose Landry du Mila, le panel comprenait Sofian Andry (Hexagram), Pía Balthazar (SAT), Yves Jacquier (Ubisoft), et Éric Desmarais (Sporobole).

Yves Jacquier a ouvert la discussion en abordant l’intégration de l’IA dans le domaine du jeu vidéo, soulignant que l’IA – un terme vieux de 70 ans – s’est progressivement imposée dans la fabrication des jeux vidéo. Il a mis en lumière l’importance d’une approche interdisciplinaire impliquant designers, programmeurs et artistes pour exploiter ces technologies de manière éthique et efficace.

Pía Balthazar a partagé son expérience à la SAT, où le développement des arts et des sciences se fait en partenariat avec des milieux artistiques et académiques. La SAT et Sporobole travaillent sur un projet qui vise à comprendre comment les outils d’apprentissage automatique peuvent servir les artistes plutôt que les contraindre. En mobilisant la notion d’imaginaire et en prenant comme point de départ les pratiques des artistes, il y aussi la volonté de déconstruire le discours techno déterministe empreint de peur qui entoure ces technologies.

Sofian Andry a apporté une perspective historique issue de son ouvrage Art in the Age of Machine Learning, publié par MIT Press. Il y retrace les origines de l’art et des sciences à l’ère du machine learning, en se concentrant sur une analyse matérielle des modèles d’apprentissage automatique. Il explore ce qui constitue un modèle de machine learning et examine comment certains artistes se sont approprié ces mécanismes, en les rapprochant de pratiques comme les algorithmes génétiques et les approches basées sur les données, ouvrant ainsi de nouvelles perspectives dans la création artistique.

Éric Desmarais a discuté de l’évolution des pratiques artistiques au sein de Sporobole, notamment à travers des cycles de création et de recherche appliquée, lors desquels les artistes expérimentent avec différentes technologies. Pré-pandémie, le cycle portait sur les univers virtuels. En 2021, alors que le cycle touche à sa fin, la vague ChatGPT déferle et met en lumière tout un tas d’outil d’IA générative. Le cycle IA permet aux artistes d’expérimenter, de créer des œuvres et à travers ce processus de recherche, de faire émerger une voix artistique forte du côté des artistes indépendant.es.

On entre alors au cœur de ce qui nous intéresse lorsqu’on parle d’IA génératives et de buzzword : ces technologies sont-elles vraiment disruptives ? S’agit-il d’un changement de paradigme ou plutôt de l’arrivée d’un nouvel outil ? Pía Balthazar a noté que ce changement « violent » aux allures de tsunami était en préparation depuis un moment, tandis qu’Yves Jacquier confirme qu’il y a une véritable disruption en cours, avec l’arrivée de nouveaux acteurs, la transformation des structures et l’évolution des modes de travail.

Le panel a également soulevé la question – qui doit être centrale – de la valeur des œuvres créées par IA génératives. Sofian Andry a rappelé que si l’IA peut produire de la nouveauté, la valeur de cette nouveauté reste une question complexe. La culture est humaine et un système déconnecté du monde, désincarné, ne peut comprendre ou « être » dans la culture. Éric Desmarais, rejoint par les autres membres du panel, a souligné que, avec l’IA, la valeur de l’œuvre / la production se déplace du résultat vers le concept, contrairement au travail d’un.e illustrateur.ice où c’est le résultat qui prime.

Néanmoins, l’optimisme est de mise : il faut profiter d’un momentum pour rééquilibrer le pouvoir et la valeur dans l’ensemble de l’écosystème artistique. Les meilleurs approches pour y arriver : favoriser l’interdisciplinarité comme le font Ubisoft et la SAT, ne pas sous-estimer le pouvoir et l’agentivité des entreprises locales, car non, toutes les décisions importantes se prennent pas à la Silicon Valley.

Crédit photo: Maryse Boyce

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classique occidental

Virée classique de l’OSM | Voyage en OVNI avec André Moisan comme passager

par Alexandre Villemaire

L’Orchestre à Vents Non Identifié (OVNI) avec son capitaine Jonathan Dagenais s’est posé à la Virée classique parmi les derniers concerts et évènements de la programmation 2024. Composé d’un équipage de 50 à 60 musiciens amateurs, professionnels et semi-professionnels, leur mission est de rendre compte de l’expressivité et de la richesse de l’orchestre avec pour mot d’ordre la qualité et le raffinement, le travail d’équipe et la sensibilité de l’interprétation. Nous pouvons dire que leur performance est une mission accomplie à cet égard. L’ensemble a proposé un voyage musical autour du bassin méditerranéen, du sud de la France à l’île de Chypre en passant par l’Italie et les Balkans.

Ouvrant le bal avec la Suite provençale de Jan Van der Roost, l’ensemble a par la suite fait escale à Chypre, interprétant des extraits de la Chyprian Suite de la compositrice Carol Barnett, marquée par des traits musicaux d’influences orientales et des interactions entre diverses sections de l’orchestre. L’ensemble a par la suite dompté un volcan en interprétant la pièce Vesuvius de Frank Ticheli : une œuvre bouillonnante, intense et virtuose que les musiciens ont interprétée avec grand contraste, qui a été dirigée par Leandro Cardoso, nouveau chef assistant de l’Orchestre symphonique de Québec. En conclusion du concert, l’OVNI accueillait à son bord un invité bien spécial, André Moisan, clarinettiste de l’OSM qui a rejoint l’orchestre pour une interprétation enlevante de Sholem-alekheim, rov Feidman! deBéla Kovács. Moisan a démontré l’étendue de sa maîtrise à l’instrument avec des envolées lyriques énergiques et mordantes parfaitement dignes du caractère de la musique klezmer. Avec une performance de la sorte, nous avons cependant été quelque peu déçus que cette collaboration n’ait duré que le temps de cette pièce et d’un rappel, alors que la présentation et le titre du concert nous laissaient présager le contraire.

crédit photo: Gabriel Fournier

Chanson francophone / classique occidental / musique traditionnelle arménienne

Virée classique de l’OSM | Harmonie arménienne pour le Quatuor Rhapsodie

par Alexandre Villemaire

Il y avait du monde à l’Espace culturel George-Émile Lapalme pour la prestation du Quatuor Rhapsodie, composé d’Amélie Lamontagne et Ana Drobac (violons), Nayiri Piloyan (alto) et Sophie Coderre (violoncelle). Sous le thème Mélodies arméniennes sous le soleil méditerranéen, l’ensemble a emmené l’audience dans un voyage au bout de la terre, de l’Arménie en passant entre autres par l’Italie et la France, avec de la musique imprégnée du folklore arménien sous toutes ses formes et influences. On navigue ainsi aisément entre des chants traditionnels folkloriques arméniens, notamment collectés par Vardapet Komitas, figure importante de la préservation du patrimoine musical arménien, le classique et la musique populaire.

Musicalement, l’ensemble est très solide, jouant avec une assurance et un son ample, égal et homogène. L’interprétation est pétillante et lumineuse dans les pièces, plus active et sensible dans celles nécessitant plus de retenue et d’intériorité. Nommons à cet effet l’énergique et emblématique Czárdás de Vittorio Monti qui a mis en valeur la virtuosité d’Amélie Lamontagne, ainsi que le très beau et touchant rendu du chant traditionnel Pari Arakil d’Aleksey Hekimyanainsi que de l’Underground Tango de Goran Bergovich. Les œuvres interprétées étaient toutes arrangées par Nayiri Piloyan, dont nous saluons l’intelligence de l’écriture où chaque ligne instrumentale est mise en valeur et donne aux œuvres une dimension nouvelle tout en préservant leur nature. Les extraits de Gayaneh et de la Valse d’Aram Khatchatourian illustrent ce propos.

Le quatuor a conclu son concert en interprétant un pot-pourri de chansons de Charles Aznavour, un autre symbole fort de la diaspora arménienne, qui aurait célébré son 100e anniversaire de naissance cette année.

crédit photo: Gabriel Fournier

MUTEK 2024 – Utopie ou oubli

par Elsa Fortant

Le 19 août 2024, le Sommet Future Festivals a lancé la 10e édition du Forum MUTEK « Utopie ou oubli » à la Société des arts technologiques (SAT). L’objectif de cette journée était de réunir les créateurs de festivals, les artistes et les publics pour explorer des idées et des projets innovants pour l’avenir des festivals. PAN M 360 a assisté à la conférence d’ouverture et voici ce qu’il faut savoir à ce sujet.

La conférence d’ouverture du Sommet Future Festivals, intitulée « Du festival comme laboratoire vers la culture d’utopies temporaires », a commencé par Drew Hemment qui a posé deux questions simples mais complexes : « Pourquoi faisons-nous des festivals ? Pourquoi ont-ils de l’importance ? »

Drew Hemment est un universitaire, artiste et commissaire d’exposition britannique connu pour son travail de pionnier à l’intersection de la technologie, de la culture et de la société. Les travaux de Drew Hemment couvrent des domaines tels que la science des données, l’IA et le design. Il est actuellement associé à l’université d’Édimbourg, où il contribue à des projets tels que les festivals du futur à l’Edinburgh Futures Institute et travaille avec l’Alan Turing Institute.

Au cours de sa présentation, Drew Hemment a exploré l’évolution des festivals en tant que plateformes d’innovation et de changement social. Il a commencé par retracer son parcours, de DJ à la fin des années 80 à la fondation de FutureEverything en 1995, en soulignant comment ses propres pratiques sont intégrées dans les projets de recherche qu’il dirige actuellement, notamment The New Real, un centre pour l’IA, la recherche créative et la recherche sur l’avenir, géré comme un festival.

S’appuyant sur son expérience avec le FutureEverything, Hemment a discuté de l’éthique qui sous-tend les festivals, soulignant le besoin de méthodologies de prototypage et de création d’outils à la croisée de la création de festivals, de la théorie critique et des méthodes de conception. La boîte à outils The Festival As Lab, le FutureEverything Manual ou le Future Festival Field Guide sont de parfaits exemples de ce qui peut être partagé.

L’universitaire britannique a ensuite mis en lumière six trajectoires clés (et non des prédictions !) pour les festivals à venir :

Paratonnerres pour les signaux faibles
Faciliter les découvertes fortuites
Créateurs de nouveaux sens et de nouvelles formes
Favoriser les connexions et les communautés au-delà de la bulle de filtre
Infrastructures culturelles additives et régénératives
Catalyseurs de l’intelligence planétaire

Vous pouvez trouver les détails de ces trajectoires, chacune accompagnée d’une recommandation, dans un article (très accessible) écrit par Hemment à https://www.holo.mg/dossiers/future-festivals-field-guide/#68760

L’engagement de Drew Hemment à partager ses connaissances sur les festivals interdisciplinaires et socialement engagés montre qu’il croit en leur rôle essentiel pour façonner l’avenir. Toutefois, pour assurer leur pérennité, il faudra relever les défis infrastructurels grâce à un effort collectif, à l’attention et à la détermination.

Crédit photo: Maryse Boyce

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ambient / classique occidental / électronique / Experimental

Virée classique de l’OSM | Fin de soirée transcendante

par Alexandre Villemaire

L’équipe de PAN M 360 est très présente à la Virée classique, présentée par l’OSM. Sur le terrain, dans les activités gratuites et les concerts en salle, Alain Brunet, Alexis Desrosiers-Michaud et Alexandre Villemaire rendent compte de ce qu’ils ont vu et entendu aux évènements présentés à Montréal jusqu’au 18 août.

La soirée du 17 août à la Virée classique de l’OSM s’est conclue par une performance live ou la musique classique rencontrait la musique électronique. Sur la grande scène extérieure de l’Esplanade Tranquille, un trio de cordistes de l’OSM, constitué de la violoniste Abby Walsh, de l’altiste Scott Chancey et du violoncelliste Julien Siino, s’était greffé au claviériste Nicolas Boucher et à la VJ Line Katcho, pour interpréter la pièce Les Empires de Guillaume Coutu Dumont. Puisant son inspiration dans la nostalgie de l’enfance, notamment les souvenirs de dessins animés et les bandes sonores de films, la performance a attiré une honorable foule, peut-être plus qu’anticipé, car des bénévoles de la Virée ont dû s’affairer à installer des rangers supplémentaires de chaises. Si les référents nous ont échappé, le matériau musical dans son ensemble et l’interaction avec les musiciens, dont les motifs circulaires et les lignes mélodiques étaient un des moteurs qui alimentait les échantillonnages sonores contrôlés par Dumont Coutu. L’adéquation vidéo-musique était agréable sans être agressive, pour une musique qui se veut complexe dans son traitement, mais volontairement accessible : une musique par laquelle on se laisse emporter et transporter facilement.

Ce concert, présenté en partenariat avec le festival MUTEK, qui commencera le 20 août, était une présentation et une introduction toute en douceur à la musique électronique et à ses potentielles collaborations avec d’autres genres musicaux, dont la musique orchestrale.

crédit photo: Antoine Saito

classique occidental / musique de chambre / période romantique

Virée classique de l’OSM | Virtuosité, élégance et écoute de Fauré à Chausson

par Alexandre Villemaire

Après avoir interprété avec l’OSM le Concerto no 5 de Saint-Saëns, le pianiste Cédric Tiberghien remontait sur scène quelques heures pour un deuxième concert. Comme l’a présenté Marianne Dugal, deuxième violon solo associé de l’OSM, l’interprète mériterait une médaille pour son endurance tant les deux œuvres sont complexes et virtuoses, notamment le Concert op. 21 d’Ernest Chausson qui est de facture pianistique titanesque. Œuvre centrale de ce concert programmé dans l’intimé de la Cinquième salle, cette œuvre se distingue par son effectif peu commun : un piano, un violon et un quatuor à cordes. À mi-chemin entre la pièce de musique de chambre et le concerto, la forme ne paraît pas disproportionnée ou disparate à l’oreille, tant l’écriture de Chausson est fine, donnant la part belle à chacun des intervenants. Ce qui frappe et captive également, c’est le langage musical qui est déployé par le compositeur. Empruntant tant à l’esthétique française qu’au langage wagnérien, l’œuvre est d’une étonnante organicité dans des mouvements où apparaissent des thèmes folkloriques et un chromatisme dramatique. Dans le plus pur esprit d’une œuvre de Wagner, on est sur le bout de notre siège pour voir – et entendre – où l’harmonie va s’en aller. Tiberghien se démarque encore par son jeu clair et précis, son doigté raffiné et énergique et l’écoute attentive de ses partenaires de jeu, Dugal, (violon solo), Alexander Read et Richard Zheng (violons), Victor Fournelle-Blain (alto) et Anna Burden (violoncelle) qui ont tous offert une performance solide.

L’œuvre était précédée de la Sonate pour violoncelle et piano de Debussy et de l’Élégie de Fauré, interprétée par Anna Burden avec beaucoup d’élégance et d’intensité. Seul petit bémol, la balance provenant de l’amplification des micros n’était pas égale en fonction de la zone investie par les cordistes sur scène, de sorte que dans les passages solos, le son de Marianne Dugal et Anna Burden, semblait par moment étouffé.