La Sotterenea

expérimental / contemporain / noise-pop / punk

Suoni Per Il Popolo : Chris Burns and His Going Concerns, L.O.O.T., Montalban et Vitamin Pink à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

Le musicien montréalais Chris Burns a donné son premier concert à 15 ans, en 1982. Aujourd’hui, à 59 ans, il est plus actif que jamais. Guitariste avant tout, il est également compositeur, improvisateur, chanteur, auteur-compositeur, bassiste et batteur. Son style unique se retrouve dans un vaste catalogue d’albums et de bandes originales, couvrant plus de 40 ans de carrière et une soixantaine de titres d’artistes tels que Terminal Sunglasses, American Devices, Nutsak, Crackpot, The Ratchet Orchestra et Retail Simps. Tout au long de sa carrière, il a joué aux côtés d’une impressionnante et éclectique brochette de musiciens, parmi lesquels Marshall Allen, Rhys Chatham, Corpusse, Jean Derome, godspeed! you black emperor!, Malcolm Goldstein, Éric Goulet, The Gruesomes, John Heward, Michel « Away » Langevin, Joe McPhee, The Nymphets, Matana Roberts, Sam Shalabi, Elizabeth Anka Vajagic, Rufus Wainwright et Mike Watt. Chris Burns & His Going Concerns, sa plus récente formation de rock déjanté, est en quelque sorte l’aboutissement de tout ce qu’il a vécu, appris, désappris, peaufiné, perfectionné et oublié au fil de ses aventures musicales. Leurs concerts peuvent être composés de morceaux typiques de Burns, écrits depuis 1981 jusqu’à ce matin même. Le groupe offre des performances passionnées, engagées et énergiques, alliant une grande maîtrise technique à une bonne dose d’abandon cathartique.
La formation actuelle de Going Concerns comprend Joe Chamandy (Retails Simps) à la guitare,Kate Erickson (FIGHTFACE) à la basse et Zak Slax (Feeling Figures) à la batterie.
L.O.O.T fait du punk libéré enflammé pour batterie, guitare et saxophone, à quelque part entre the Ex et Last Exit.
Montalban est un nouveau projet composé de Jon Asencio, Jackie Gallant et Marc Montanchez. Tous trois sont profondément ancrés dans la scène musicale indépendante montréalaise. Ils ont commencé à jouer ensemble en décembre 2025, trouvant un plaisir dans l’improvisation qui a progressivement façonné leur style distinctif. La basse profonde et rythmique de Jon, la batterie puissante et complexe de Jackie et les riffs de guitare anguleux et incisifs de Marc se sont immédiatement accordés naturellement. Le résultat est un mélange surprenant de mélodies hyperkinétiques, de rythmes et de grooves aux influences latines, funk, country et punk rock, qui signe un son unique : Montalban.
Le groupe Vitamin Pink, adepte du noise pop, est connu pour ses morceaux déjantés de 1 à 6 minutes, véritables hymnes à la musique.
Lauréats du prix Hot Cherry Pie et trois fois nominés au Trophée de la Participation, ils ont été désignés comme le groupe le plus prometteur de Montréal par une source réputée. Au cours de la dernière année, ils ont peaufiné leur musique, chanté et brillé sur les scènes alternatives de Montréal, dans l’espoir de percer le mystère de l’amour, d’atteindre des sommets de conscience et de mettre au point une recette de salade de thon. Je vous aime !

Montreal-based musician Chris Burns played his first gig at 15, in 1982. Today, aged 59, he is more active than ever. Primarily a guitarist, he is also a composer, improviser, singer, songwriter, bassist and drummer. His distinctive style can be heard in a vast and varied catalogue of records and soundtracks spanning over 40 years and some 60 releases by artists such as Terminal Sunglasses, American Devices, Nutsak, Crackpot, The Ratchet Orchestra and Retail Simps. Throughout his career, he has been seen and heard playing alongside an impressive and eclectic mix of musicians such as Marshall Allen, Rhys Chatham, Corpusse, Jean Derome, godspeed! you black emperor!, Malcolm Goldstein, Éric Goulet, The Gruesomes, John Heward, Michel “Away” Langevin, Joe McPhee, The Nymphets, Matana Roberts, Sam Shalabi, Elizabeth Anka Vajagic, Rufus Wainwright and Mike Watt. Chris Burns & His Going Concerns, his most recent mentally guitarded racket roll formation, is in some ways the culmination of everything he has experienced, learned, unlearned, toiled over, honed and forgotten throughout all of his musical adventures. Its live shows can be comprised of Burnzoid toons written as far back as 1981 to as recent as this morning. The band delivers passionate, committed and energetic performances featuring strong musicianship mixed with a healthy dose of cathartic abandon.
The current Going Concerns live line-up consists of Joe Chamandy (Retails Simps) on guitar,Kate Erickson (FIGHTFACE) on bass and Zak Slax (Feeling Figures) on drums.
L.O.O.T. is fired up free’d punk for saxophone, guitar and drumkit, building the bridge between Last Exit and the Ex.
Montalban is a new project consisting of Jon Asencio, Jackie Gallant and Marc Montanchez. All three members are deeply woven into the fabric of Montreal’s independent music milieu. They started playing together in December 2025, finding joy in improvisation that gradually framed their distinctive style. Jon’s deep pocket bass-guitar , Jackie’s powerful and intricate drumming and Marc’s angular and restless guitar hooks clicked naturally from the start. The result is a surprising blend of hyperkinetic melodies folded into rhythms and grooves with elements of Latin, funk, country and punk rock that signals its singular sound: Montalban.
Noise poppers Vitamin Pink are known to subject their audience to 1-6 minute bursts of sanguine din known as « songs ».
Honoured winners of the Hot Cherry Pie Award, and three-time Participation Trophy nominees, they have been named Montreal’s most portent by a reputable source. Over the past year, they have honed, moaned and shone on DIY stages across « Montreal » with the hopes of finding the true meaning of love, the edge of the eleventh manifold, and a recipe for tuna salad. I love you !

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électroacoustique / expérimental / musique contemporaine

Suoni Per Il Popolo : Lucas ‘Granpa’ Abela, Alex Motta/Aleida Perez et DEATH KNEEL à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

Les performances de Lucas « Granpa » Abela (anciennement Justice Yeldham) sur son instrument fétiche, des éclats de verre amplifiés, sont légendaires. Leur pratique singulière est née de la scène noise underground, où, en plus de vingt ans, le verre a évolué, passant d’un moyen de créer des cacophonies extatiques de free noise à un instrument marginal produisant une sorte d’électro organique. Abela fait vibrer le verre vocalement pour contrôler un patch modulaire qui n’utilise aucune technique de synthèse traditionnelle ; le verre sert à la fois de source sonore et de modulation. Le patch extrait des tensions de contrôle de la dynamique et de la fréquence du verre afin de se moduler en synchronisation avec la performance, façonnant six chaînes d’effets stéréo parallèles qui fusionnent en d’épaisses couches d’une musique atypique.
Alejandro Motta est un contrebassiste de formation classique, spécialisé dans la musique contemporaine, l’expérimentation sonore et la performance scénique. Cofondateur de l’ensemble d’improvisation libre Algo Cruje, il a collaboré avec divers orchestres nationaux, dont l’OFUNAM (Orchestre philharmonique de l’Université nationale autonome du Mexique). Il a récemment participé à la représentation de Memor I.A. dans le cadre de l’atelier de composition de l’UNAM et est actuellement membre de l’ensemble CEPROMUSIC. Son œuvre explore un répertoire allant du classique à des créations plus libres, intégrant le son et la présence.
Aleida Perez est une violoniste et improvisatrice qui s’intéresse à la musique contemporaine et aux formes expérimentales telles que l’improvisation libre. Elle collabore actuellement avec l’ensemble Liminar. Parmi ses prestations les plus récentes, on peut citer une résidence avec le collectif norvégien Verdensteatret, le concert Epiciclos dans le cadre du cycle Diferencial, et La escucha infinita.
Aleida est diplômée de violon classique de l’Escuela Superior de Música (INBA). Elle a débuté ses études musicales au sein du programme de base du Centre culturel Ollin Yoliztli et a poursuivi sa formation à l’ESM (École supérieure de musique), où elle a obtenu son diplôme sous la direction du maestro Cuauhtémoc Rivera. Elle a participé à divers festivals, notamment la Rencontre nationale du violon de l’Université de Zacatecas, le Festival des expressions contemporaines d’Aires Nacionales (FAM-UNAM) et le Festival international de musique de chambre de l’Université de Querétaro. Elle s’est produite dans des lieux prestigieux tels que l’Auditorium Blas Galindo, le Palacio de Bellas Artes, le Teatro de la Ciudad, le CCU-BUAP (Centre des Beaux-Arts), la Casa del Lago, l’Ex-Teresa et la Sala Silvestre Revueltas-CCOY. Elle a suivi des masterclasses avec Jorge Rici, Renata Knific, David Colwell, le Trio de l’Université du Kansas, Erika Dobociewicz, Ron Francois et Ryu Gotto, entre autres.
Aleida est une figure active de la scène musicale expérimentale de Mexico, participant à divers forums et festivals indépendants spécialisés dans les pratiques contemporaines, tels que Material Art Fair, Index, Arte Book Fair, le Museo Anahuacalli, Arte Alameda, la Galería Kurimanzutto, El Nicho Experimental et le Vernacular Institute.
DEATH KNEEL est le principal label de Max Klebanoff, musicien basé à Toronto. Sa musique se caractérise par une manipulation binaurale sans concession et une utilisation abusive et assumée de l’octatrack. Des sons fortuits et des dessins électroacoustiques automatiques sont déconstruits et réutilisés à l’infini. Depuis 2014, Klebanoff a collaboré avec des labels reconnus tels que Chondritic Sound, Total Black, White Centipede Noise et son propre label, Life Of Sensation. De nouvelles sorties sont à venir sur Students of Decay.

Lucas ‘Granpa’ Abela’s (fka Justice Yeldham) performances on their signature instrument; shards of amplified glass are the stuff of legend. Their singular practice spawned from the noise music underground, where over twenty years the glass evolved from a means to create ecstatic free-noise cacophonies into an outsider instrument that produces some kind of organic electronica. Abela vibrates the pane vocally to control a modular patch that uses no traditional syntheses techniques, instead the glass acts as both sound and modulation source. The patch extracting control voltages from the glass’s dynamics and frequency in order to modulate itself in synchronicity with the performance, shaping six parallel stereo effects chains that merge into dense layers of anomalous music.
Alejandro Motta is a classically trained double bassist with a focus on contemporary music, sound experimentation, and stage performance. He is the co-founder of the free improvisation ensemble Algo Cruje and has collaborated with various national orchestras, including the OFUNAM (National Autonomous University of Mexico Philharmonic Orchestra). He recently participated in the performance of Memor I.A. as part of the UNAM Composition Workshop and is currently a member of the CEPROMUSIC Ensemble. His work ranges from traditional repertoire to more free-flowing creation, integrating sound and presence.
Aleida Perez is a violinist and improviser interested in new music and experimental forms such as free improvisation. She currently collaborates with the Liminar ensemble. Her most recent performances include a residency with the Norwegian collective Verdensteatret, the Epiciclos concert as part of the Diferencial series, and La escucha infinita.
Aleida holds a degree in classical violin from the Escuela Superior de Música (INBA). She began her musical studies in the basic program at the Ollin Yoliztli Cultural Center and continued her training at the ESM (Educational School of Music), where she completed her degree under the guidance of maestro Cuauhtémoc Rivera. She has participated in various festivals such as the National Violin Encounter at the University of Zacatecas, the Contemporary Expressions Festival, Aires Nacionales (FAM-UNAM), and the International Chamber Music Festival at the University of Querétaro. She has performed at venues such as the Blas Galindo Auditorium, the Palacio de Bellas Artes, the Teatro de la Ciudad, the CCU-BUAP (Center for Fine Arts), the Casa del Lago, the Ex-Teresa, and the Sala Silvestre Revueltas-CCOY. She has taken master classes with Jorge Rici, Renata Knific, David Colwell, the University of Kansas Trio, Erika Dobociewicz, Ron Francois, and Ryu Gotto, among others.
Aleida is active in Mexico City’s experimental music scene, participating in various independent forums and festivals specializing in contemporary practices such as Material Art Fair, Index, Arte Book Fair, Museo Anahuacalli, Arte Alameda, Galería Kurimanzutto, El Nicho Experimental, and the Vernacular Institute.
DEATH KNEEL is the primary recording outlet of Toronto based musician Max Klebanoff. His output is characterized by unyielding binaural manipulation and unapologetic octatrack abuse. Incidental sound and electroacoustic automatic drawings dismantled and deconstructed to be recycled, again and again. Since 2014, Klebanoff has been featured on notable labels Chondritic Sound, Total Black, White Centipede Noise and his own imprint Life Of Sensation, with new releases forthcoming on Students of Decay.

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avant-garde / Indie / noise

Taverne Tour : Bernardino Femminielli + Elle Barbara + Bossanova Frankenstein à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

Bossanova Frankenstein (21h)

Né de l’imagination misanthrope d’Evan Henderson, Bossanova Frankenstein est à la fois un homme et un monstre festif, un showman rock’n’roll sur le déclin, recousu et ramené à la vie ici, à Montréal, au Québec.Ce qui a commencé comme un single pour son groupe de disco sombre AUS!Funkt s’est rapidement transformé en un tout nouveau projet solo. La tournée Taverne sera le premier spectacle en direct et coïncidera avec la sortie de l’album !

The misanthropic brainchild of Evan Henderson, Bossanova Frankenstein is part-man, part-party monster – a washed-up rock and roll showman stitched together and brought back to life here in Montreal, QC.What began as a single for his dark disco band AUS!Funkt, quickly spiraled into a whole new solo project. Taverne Tour will be the debut live show, and coincide with the album release!

Elle Barbara (22h)

Elle Barbara est auteur-compositeur-interprète, artiste musicale d’avant-garde, metteur en scène au théâtre expérimental, dans la vidéo, et la performance, travailleuse communautaire et pin-up, basée à Montréal. Sa musique combine tour à tour des éléments de dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz et glam, tout en s’inspirant de la library music, de la musique orchestrale et de la soul psychédélique. Figure incontournable de la scène underground montréalaise depuis plus d’une décennie, Elle Barbara affectionne les aspects étranges, obscurs et négligés de la musique pop.

Elle Barbara is an avant-garde singer-songwriter, recording artist, experimental theatre and video director, performer, community worker, and pinup, based in Montreal. Her music alternately combines elements of dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz, and glam, with an interest in library music, orchestral music, and psychedelic soul. She has been an underground fixture in her native Montreal for more than a decade. 

Bernardino Femminielli (23h)

Bernardino Femminielli est un artiste multidisciplinaire dont la pratique fusionne musique, vidéo, performance, poésie et cinéma sous le masque d’un provocateur nostalgique. Se mouvant avec fluidité de la chanson française à l’italo-disco brutale, des paysages sonores industriels mutants aux drones cosmiques denses, ses explorations sonores reflètent ses alter ego en perpétuel mouvement. Son œuvre et sa persona constituent une synthèse de mysticisme, de transgression et de plaisir — un personnage vivant qu’il incarne sur la route.

Bernardino Femminielli is a multidisciplinary artist whose practice fuses music, video, performance, poetry, and cinema under the guise of a nostalgic provocateur. Moving fluidly from French chanson to brutal italo-disco, from mutant industrial soundscapes to dense cosmic drone, his sonic explorations mirror his ever-shifting alter egos. His work and persona form a synthesis of mysticism, transgression and pleasure — a living character he embodies on the road.

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Alt-punk / électro / indie rock

Taverne Tour : Victime + Nuha Ruby Ra + Durex + Korea Town Acid à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

Korea Town Acid (20h)

Korea Town Acid est une artiste électronique multidisciplinaire et productrice originaire de Corée du Sud, aujourd’hui basée à Toronto. Reconnue pour son approche audacieuse et sans frontières, elle fusionne les sonorités expérimentales du club, du hip-hop, du breakbeat, de la jungle et des textures cinématiques — repoussant sans cesse les limites du son.

Korea Town Acid is a multidisciplinary electronic artist and producer from South Korea, currently based in Toronto. Renowned for her fearless, genre-fluid approach, she fuses experimental club, hip-hop, breakbeat, jungle, and cinematic soundscapes — continuously pushing boundaries and redefining sonic expectations.

Durex (21h)

Durex est un groupe de punk hardcore basé à Montréal. Ils jouent ensemble depuis 2023. Un hardcore malveillant, drôle et bruyant, aux accents scandinaves. Ne clignez pas des yeux, au risque de vous faire hurler dessus par un énergumène pendant que des riffs vous explosent au visage.

Durex is a hardcore punk band based in Montreal. They’ve been playing together since 2023. Evil, funny, noisy, Scandinavian-esque hardcore. Don’t blink or you’ll miss being yelled at by some freak while being blasted with riffs.

Nuha Ruby Ra (21h30)

En 2022, Nuha Ruby Ra a dévoilé ses nouveaux singles « My Voice » et « Self Portraiture » sur Brace Yourself Records. Ces titres font suite à l’EP How To Move (2021), salué par la critique et ayant établi Nuha comme l’une des nouvelles artistes les plus excitantes et provocantes du pays. Son nouvel EP, Machine Like Me, paraîtra en mars 2023 et constitue son projet le plus ambitieux à ce jour. Elle partira en tournée avec Self Esteem pour en soutenir la sortie, après avoir déjà tourné aux côtés d’artistes tels que Yard Act, Warmduscher, Viagra Boys, King Gizzard and The Wizard Lizard et Bambara. Elle s’est également produite dans des festivals majeurs comme SXSW, Glastonbury, The Great Escape, Bluedot, Latitude, Boardmasters, Grauzone, Reeperbahn, et bien d’autres.

2022 saw Nuha Ruby Ra release her new singles ‘My Voice’ and ‘Self Portraiture’ on Brace Yourself Records. The singles follow 2021’s ‘How To Move’ EP, released to critical acclaim cementing Nuha as one of the most exciting and provocative new acts in the country. Her new EP ‘Machine Like Me’ arrives in March 2023 and is her most ambitious body of work to date. She is heading out on tour with Self Esteem in support of the release, and has previously toured with the likes of Yard Act, Warmduscher, Viagra Boys, King Gizzard and The Wizard Lizard and Bambara and has appeared at festivals such as SXSW, Glastonbury, The Great Escape, Bluedot, Latitude, Boardmasters, Grauzone, Reeperbahn and more.

Victime (23h)

VICTIME est de retour avec En conversation avec, son deuxième long jeu à paraître le 25 octobre 2024 sous l’étiquette Mothland. VICTIME présente cet automne une première parution en 5 ans, quelques années qui auront alloué des horizons toujours plus vastes de tensions absorbées et d’ouvertures possibles, croisant post-punk, trip-hop, avant-rock, IDM, no wave, noise rock et tout ce qui se fait de décent et de fun du bon côté d’internet.

VICTIME are back with En conversation avec, their second long-player to drop on October 25th, 2024 via Mothland. With their first release in 5 years, the three-piece apply an even wider scope in researching sonic tensions and openings, in turn aptly amalgamating post-punk, trip-hop, avant-rock, IDM, no wave, noise rock, as well as anything and everything “good” one can hear on the internet.

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DJ set / indie rock / shoegaze

Taverne Tour : Jessica93 + Bonnie Trash + Mickey Dagger à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

Mickey Dagger (21h)

Mickey Dagger performe, produit et mixe depuis longtemps sous différents alias, façonnant un son qui fusionne Post-Punk, New Beat, Italo Disco, EBM, Acid House, Freestyle, Musiques de Films et Techno Hop pour créer une identité qui lui est totalement propre.Issu de la scène Hardcore Punk old school, il a joué dans des groupes tels que The Omegas, Rikk Agnew et Abyssed, et continue aujourd’hui de se produire avec ses groupes actuels, Perestroika et Young Blades, gardant cette intensité brute au cœur de tout ce qu’il fait.

Mickey Dagger has been performing, producing, and DJing for a long time under various aliases, shaping a sound that fuses Post-Punk, New Beat, Italo Disco, EBM, Acid House, Freestyle, Film Scores, and Techno Hop into something entirely his own. He emerged from the world of old-school Hardcore Punk, having played in bands such as The Omegas, Rikk Agnew, and Abyssed, and continues to perform with his current bands, Perestroika and Young Blades, keeping that raw intensity alive in everything he does.

Bonnie Trash (22h)

Bonnie Trash est le projet des sœurs jumelles Emmalia et Sarafina Bortolon-Vettor, mariant l’austérité acérée du post-punk à la grandeur sombre du goth rock. Plutôt que de transformer les cauchemars en réalité, le groupe peint la réalité comme un cauchemar, remplie de douleur, de souffrance et de théâtre gothique. À l’instar de leurs aînés Joy Division, Black Sabbath ou John Carpenter, Bonnie Trash sait que les atrocités quotidiennes hantent le périphérique de nos vies. Là où leur premier album, Malocchio (2022), enveloppait les cauchemars de Bonnie Trash dans une réverbération rêveuse et sombre, Mourning You (2025) est vif et immédiat. Mourning You n’est pas une fantaisie post-mortem, mais un coup de poignard soudain et rapide au cœur. C’est le chagrin non pas comme une ecchymose persistante, mais comme une plaie béante.

Bonnie Trash is the project of twin sisters Emmalia and Sarafina Bortolon-Vettor, wedding post-punk’s steeley-eyed austerity to goth rock’s brooding grandeur. Rather than fashioning nightmares into reality, the band paints reality as a nightmare; rife with pain, suffering, and gothic theatre. Like their forebears Joy Division, Black Sabbath, or John Carpenter, Bonnie Trash understands that everyday atrocities haunt the periphery of our lives. Where their first full length, Malocchio (2022), shrouded Bonnie Trash’s nightmares in dusky dreamlike reverb, Mourning You (2025) is vivid and immediate. Mourning You is less a post-mortem fantasia than a sudden, swift dagger to the heart. This is sorrow not as a lingering bruise, but a gushing wound.

Jessica93 (23h)

Jessica 93 est le projet solo post-punk / cold wave de Geoffroy Laporte, originaire de Paris. Laporte est également membre des groupes Besoin Dead, Missfist et Les Louise Mitchels. Le nom Jessica 93 vient du fait que sa mère lui avait dit que si c’était une fille, elle l’aurait appelée « Jessica », tandis que le « 93 » provient d’un surnom donné par un ami, « Jojo 93 ». Son dernier album, Who Cares, sorti fin juin 2013, a été salué par la presse musicale française et est disponible sur trois labels : Et mon cul c’est du tofu?, MusicFearSatan et Teenage Menopause.

Jessica 93 is the post-punk / cold wave one-man-band project by Geoffroy Laporte from Paris. Laporte is also a member of Besoin Dead, Missfist and Les Louise Mitchels. The name, Jessica 93, comes from the fact that Laporte’s mother told him that if he had been a girl, she would have named him « Jessica », the 93 comes from a nickname given to him by a friend, « Jojo 93 ». His latest album, Who Cares, released at the end of June, 2013, has received praise from the French music press and is available on three music labels: Et mon cul c’est du tofu?, MusicFearSatan and Teenage Menopause.

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Ce contenu provient du Taverne Tour et de Last.fm est adapté par PAN M 360

électronique / expérimental / no wave

Festival Flux : Violence Gratuite + Moose Terrific à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

Violence Gratuite

Artiste multidisciplinaire et conservatrice, Violaine Morgan Le Fur (alias Violence Gratuite) a passé ces dernières années à affiner sa perspective créative, à développer des documentaires, à produire des expositions et à réaliser des clips musicaux et des courts métrages. « Baleine à Boss » n’est pas seulement son premier album, mais aussi sa première incursion dans la production musicale. Le Fur n’avait commencé à expérimenter les logiciels de musique que quelques semaines avant d’enregistrer l’album, ce qui rend cet ensemble unique d’autant plus déconcertant. Chantant et vocalisant avec franchise et produisant chaque morceau seule, elle semble profondément raffinée, invoquant un brouillard séduisant de chanson, de rap, de no wave et d’électronique expérimentale qui oscille entre la pop et l’avant-garde.
Le Fur a grandi dans la banlieue tentaculaire de Paris et a été influencée par un cercle diversifié de personnes, grâce à sa mère bretonne et son père camerounais. Elle a déjà intégré ses origines dans son travail, en mélangeant des images provenant des archives cinématographiques de sa mère avec ses propres enregistrements réalisés au pays bamiléké pour créer le documentaire autobiographique « À L’ouest » en 2017. Sous le nom de Violence Gratuite, Le Fur adopte une approche plus énigmatique, s’inspirant des vastes forêts de l’ouest du Cameroun, terres ravagées par des générations d’hommes sanguinaires, et mêlant des rythmes techno pulsés à des sons trap fracturés et des échos de pop française.
Sa voix se démarque fièrement sur le morceau d’ouverture « Iséo », superposée à un mantra charmant sur un beat fragile et crasseux assemblé à partir d’échantillons saccadés et de bips 8 bits. Acrobatique mais néanmoins décontractée, Le Fur divise son interprétation, chantant en français sur des chants ondulants et des roucoulements spectraux. Elle change ensuite de registre sur « Olive », où elle rappe d’une voix glaciale et impassible tandis que des synthés pointus bouillonnent autour de stabs saccadés à la Neptunes. Puis, sur le nocturne « Smooth Operation », Le Fur nous guide vers un rituel au clair de lune, pleurant doucement dans l’obscurité tandis que des tambours à main et des pincements rêveurs bavardent en arrière-plan.
Sur le morceau titre, Le Fur réduit le rythme à un grondement sombre et squelettique, utilisant des percussions caoutchouteuses et des chœurs emprisonnés pour s’enfoncer dans un espace négatif. Parlant d’une voix grave et rauque, elle rappelle les premiers morceaux les plus inquiétants de Tricky ou les productions les plus décalées de Lizzy Mercier Descloux, hybrideuse française de la no wave. Mais l’album change sans cesse de ton, se dirigeant vers les Caraïbes avec « Ragga Nieztches » et vers un dembow déjanté avec le morceau hypnotique « Bad à Bras le Corps » qui clôt l’album. « Baleine à Boss » est une suite imprévisible et labyrinthique qui refuse de rester statique, un spectacle varié aussi à l’aise dans un club que dans un fest noz.

A multidisciplinary artist and curator, Violaine Morgan Le Fur (aka Violence Gratuite) has spent the last few years sharpening her creative perspective, developing documentaries, producing exhibitions, and directing music videos and short films. ‘Baleine à Boss’ isn’t just her debut album, but her first venture into music production; Le Fur had only begun to experiment with music software a few weeks before dubbing the record, a fact that makes this unique set only more bewildering. Singing and vocalizing candidly and producing each track alone, she sounds profoundly polished, invoking a beguiling haze of chanson, rap, no wave and experimental electronics that hovers around the margins of pop and the avant-garde.
Le Fur grew up in Paris’s sprawling suburbs, and was provided with a diverse coterie of influences by her Breton mother and Cameroonian father. She’s channeled her ancestry into her work before, splicing material from her mother’s film archives with her own footage recorded in Bamiléké land to develop the autobiographical documentary ‘À L’ouest’ back in 2017. As Violence Gratuite, Le Fur thinks more cryptically, considering the vast forests of western Cameroon, lands ravaged by generations of bloodthirsty men and looping pulsing techno rhythms with fractured trap and the ghosts of French pop.
Her voice stands out proudly on opener ‘Iséo’, layered into a charming mantra over a brittle, grime-y beat assembled from stuttering samples and 8-bit blips. Acrobatic yet somehow casual, Le Fur splits her delivery, singing in French over undulating chants and spectral coos. And she switches up the flow on ‘Olive’, rapping in an icy cool deadpan while spiky synths bubble around jerky, Neptunes-like stabs. Then, on the nocturnal ‘Smooth Operation’, Le Fur guides us towards a moonlit ritual, crying sweetly into the darkness as hand drums and dreamy plucks chatter in the background.
On the title track, Le Fur strips the rhythm down to a moody, skeletal rumble, using rubbery drums and trapped chorals to mire herself in negative space. Speaking in a low rasp, she brings to mind Tricky’s eeriest early material, or the wonkiest output of French no wave hybridist Lizzy Mercier Descloux. But the record switches gears relentlessly, lurching towards the Caribbean on ‘Ragga Nieztches’ and into spannered dembow on the hypnotic closing track ‘Bad à Bras le Corps’. ‘Baleine à Boss’ is an unpredictable, labyrinthine suite that refuses to stay static, a variety show that’s as comfortable in the club as it is at a fest noz.

Moose Terrific

Moose Terrific est un duo expérimental d’électronique et de synthé composé de Sam Shalabi et Tamara Filyavich, basés à Montréal. Le duo se concentre sur les sons synthétiques classiques, mais avec de nombreuses influences polyrythmiques, symphoniques, post-punk, nord-africaines et est-européennes. Ils ont sorti un premier album intitulé « The Drinks » sur le label irlandais FortEvilFruit en 2018, puis un deuxième album, « Nude Beginnings », sur le label libanais Ruptured en 2024.

Moose Terrific is an experimental electronics and synth duo composed of Montreal based Sam Shalabi and Tamara Filyavich. The pair focuses on classic synth sounds but with a lot of polyrythmic, symphonic, post-punk ,North African and Eastern European influences. They have released a debut album called ‘The Drinks’ on the Irish label, FortEvilFruit in 2018 and a 2and album ‘Nude Beginnings’ on Lebanese label Ruptured in 2024.

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Ce contenu provient du Festival Flux et est adapté par PAN M 360

dream pop / Indie / pub-rock

POP Montréal : The Tubs + Ducks LTD + Ribbon Skirt à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

The Tubs

Le deuxième album des Tubs, Cotton Crown, voit le boys band celtique Jangle s’aventurer sur des terres plus sombres et plus personnelles, tout en continuant à peaufiner son style musical hautement addictif. Véritable opus de haut niveau, il permet au groupe d’élargir sa palette sonore pour explorer un éventail kaléidoscopique d’influences : du pub rock soul (Chain Reaction) à l’agressivité des Husker Du (One More Day) en passant par la sophisto-pop mélancolique (Narcissist). Comme l’a souligné Pitchfork, The Tubs voient le jangle comme un « vaste monde d’humeurs et de muses » et Cotton Crown les voit continuer à explorer cet univers et créer ainsi un son typiquement Tub-ulaire.

The Tubs’ second album, Cotton Crown, sees the Celtic Jangle boyband venture into darker, more personal territory while continuing to hone their highly addictive brand of songcraft. It’s a true level up album which sees the band expand their sonic palette to take in a kaleidoscopic range of influences: everything from soulful pub rock (Chain Reaction) to Husker Du aggression (One More Day) to melancholy sophisto-pop (Narcissist) gets a look in. As Pitchfork noted, The Tubs see jangle as a ‘vast world of moods and muses’ and Cotton Crown sees them continuing to explore this world and creating a distinctly Tub-ular sound in the process.

Ducks Ltd.

Ducks Ltd. est un groupe de Toronto composé du guitariste principal australien Evan Lewis et du chanteur, bassiste et guitariste rythmique Tom McGreevy, né au Royaume-Uni et élevé aux États-Unis. Sous le nom de Ducks Ltd., les deux s’épanouissent à la lisière de la jangle pop dynamique et de la power pop entraînante. Leur dernier album, Harm’s Way, contient des chansons angoissantes qui, selon McGreevy, “parlent de la lutte. Sur le fait de voir les gens que j’aime souffrir et d’essayer de comprendre comment être là pour eux. Et sur la tension de vivre dans un monde qui semble prêt à s’effondrer”.
Harm’s Way est une évolution indéniable du processus d’écriture de Ducks Ltd. Alors que Modern Fiction, leur premier album acclamé par la critique en 2021, et Get Bleak, leur EP de 2019, ont été enregistrés et autoproduits dans un sous-sol de Toronto, ils ont ici réalisé un LP à Chicago avec le producteur Dave Vettraino et certains de leurs musiciens préférés. Ces collaborateurs comprennent Macie Stewart de Finom, Julia Steiner et Marcus Nuccio de Ratboys, Jason Balla de Dehd, Margaret McCarthy de Moontype, Rui De Magalhaes de Lawn, Nathan O’Dell de Dummy, et Lindsey-Paige McCloy de Patio. Le batteur de tournée de Ducks Ltd., Jonathan Pappo, apparaît également sur l’album.
« Notre relation est basée sur la confiance et nous ne laissons pas nos egos intervenir dans le processus créatif », explique Lewis. Notre relation est basée sur la confiance et nous ne laissons pas nos egos intervenir dans le processus créatif« , explique Lewis. »Nous avons une relation vraiment géniale où chaque décision concernant le groupe est filtrée par nous deux. Ici en particulier, nous avons vraiment trouvé le moyen de faire quelque chose qui nous ressemble vraiment.”

Ducks Ltd. are a Toronto band featuring Australian lead guitarist Evan Lewis and U.K-born, U.S.-raised singer, bassist, and rhythm guitarist Tom McGreevy. As Ducks Ltd., the two thrive on skirting the edges of buoyant jangle pop and driving power pop. Their latest album, Harm’s Way, contains anxious songs that McGreevy explains are “about struggling. About watching people I care for suffer, and trying to figure out how to be there for them. And about the strain of living in the world when it feels like it’s ready to collapse.”
Harm’s Way is an undeniable evolution of Ducks Ltd.’s songwriting process. Where their critically acclaimed 2021 debut Modern Fiction and 2019 EP Get Bleak were self-recorded and self-produced in a Toronto basement, here, they made an LP in Chicago with producer Dave Vettraino and some of their favorite musicians. These collaborators include Finom’s Macie Stewart, Ratboys’ Julia Steiner and Marcus Nuccio, Dehd’s Jason Balla, Moontype’s Margaret McCarthy, Lawn’s Rui De Magalhaes, Dummy’s Nathan O’Dell, and Patio’s Lindsey-Paige McCloy. Ducks Ltd.’s touring drummer Jonathan Pappo also appears on the LP.
“Our relationship is built on trust and we don’t let our egos come into the creative process in any way,” says Lewis. “We have this really great thing where every decision with the band is filtered through both of us. Here especially, we really figured out how to make something that truly sounds like us.”

Ribbon Skirt

Dirigé par la musicienne Anishinaabe Tashiina Buswa, Ribbon Skirt est un groupe montréalais anciennement connu sous le nom de Love Language. Leur premier album « Bite Down » est sorti en avril 2025 sur le label Mint Records. Il a été produit par Scott « Monty » Munro (Preoccupations) et Marlaena Moore, et mixé par Greg Saunier (Deerhoof). L’album apporte un son plus sombre et plus introspectif, abordant les thèmes de la mémoire, du deuil et de la connexion de Buswa à son identité indigène et à ses pratiques culturelles. Le groupe a participé à des festivals dans toute l’Amérique du Nord, notamment SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest et Pop Montréal, et a partagé la scène avec Dehd, Ombiigizi, Packs et Wombo.

Led by Anishinaabe musician Tashiina Buswa, Ribbon Skirt are a band from Montreal, formerly known as Love Language. Their debut album ‘Bite Down’ was released in April 2025 on Mint Records and was produced by Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) and Marlaena Moore, and mixed by Greg Saunier (Deerhoof). The album brings a darker and more introspective sound, dealing with themes of memory, grief and Buswa’s connection to her Indigenous identity and cultural practices. They have played festivals across North America, including SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, and Pop Montreal, and shared stages with Dehd, Ombiigizi, Packs and Wombo.

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dream pop / hip-hop alternatif / punk

POP Montréal : PISS + Rachel Bobbitt + JayWood + Hanako à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

PISS

PISS est un groupe punk bruyant et transgenre de quatre membres originaire de Vancouver, en Colombie-Britannique. Le groupe combine musique, poésie, collage sonore, performance et divers arts visuels pour aborder des thèmes complexes qui brouillent les frontières entre l’intime et le politique.
S’appuyant sur une musicalité experte, des performances live énergiques et une vision claire et précise d’une communauté underground plus sûre, PISS compose une musique punk qui vise à transcender les limites d’un genre bien établi en s’inspirant d’un large éventail d’influences inattendues : des géants de la littérature, des philosophes, des cinéastes, des peintres, des psychanalystes, des activistes, des enfants, des membres d’un groupe militant anarcho-féministe allemand et le public de leurs spectacles, pour n’en citer que quelques-unes. Ces voix représentent diverses convictions idéologiques sur la violence sexiste et permettent à PISS de créer une œuvre qui dépeint des questions difficiles et controversées comme la violence sexuelle et les normes de genre inculturées, sans réduction, romantisation, polémique ou dogmatisme.

PISS is a noisy, genre-bending 4-piece punk band from Vancouver B.C. The band combines music, poetry, sound collage, performance art, and various mediums of visual art to address complex themes that blur the line between personal and political.
Powered by a combination of expert musicianship, energetic live performances, and a crystal-clear vision of a safer underground community, PISS writes punk music that aims to transcend the limitations of a well-established genre by pulling inspiration from a wide range of unexpected influences: literary giants, philosophers, filmmakers, painters, psychoanalysts, activists, children, members of a German anarcho-feminist militant group, and audience members from their shows, to name a few. These voices represent varying ideological beliefs about gender-based violence and enable PISS to create art that depicts challenging and controversial issues such as sexual violence and enculturated gender norms without reduction, romanticisation, polemics, or dogmatism.

JayWood

JayWood, nom de plume de Jeremy Haywood-Smith, navigue avec aisance entre les frontières floues entre les genres tels que le hip-hop alternatif, l’indie et la néo-soul, un territoire où il se sent parfaitement à l’aise. S’inspirant d’artistes divers, sa musique se caractérise par des voix soul, des sonorités originales et une production dynamique. En témoignent son album autoproduit « Slingshot » (2022), nominé au Prix de musique Polaris, et son EP « Grow On » (2023), salué par KEXP, KCRW, CBC, Paste, FLOOD, Exclaim!, The FADER, et bien d’autres. Parmi les dernières sorties de JayWood, on compte le single « BIG TINGS », avec le duo art-pop Tune-Yards, et le titre soul « UNTITLED (Swirl) ». Il finalise actuellement un nouvel album, qui sortira plus tard cette année.

JayWood, the nom-de-plume of Jeremy Haywood-Smith, fluidly navigates the blurred lines between genres such as Alternative Hip-Hop, Indie, and Neo-Soul—territory where he feels completely at home. Drawing inspiration from a diverse range of artists, his music features soulful vocals, fresh sounds, and dynamic production. This is evident in his self-produced 2022 album “Slingshot,” which was nominated for the Polaris Music Prize, and his 2023 EP “Grow On”, which combined garnered praise from KEXP, KCRW, CBC, Paste, FLOOD, Exclaim!, The FADER, and more. JayWood’s latest offerings include the single “BIG TINGS”, featuring art-pop duo Tune-Yards, and the soulful track “UNTITLED (Swirl).” He is putting the finishing touches on a new album, which will drop later this year.

Rachel Bobbitt

Rachel Bobbitt est une artiste originaire de Nouvelle-Écosse, au Canada. Aujourd’hui installée à Toronto, elle puise son inspiration musicale dans les films, les livres et ses amis.

Rachel Bobbitt is an artist from Nova Scotia, Canada. Now based in Toronto, she draws inspiration from her music from movies, books, & friends.

Hanako

Originaire de Montréal, Hanako est une auteure-compositrice-interprète polyvalente qui apprécie autant le folk indie, le rock & roll que la dream pop. Son premier album, My River Goblin (2024), a été enregistré en direct avec l’ingénieur du son talentueux Ky Brooks. Il distille chagrin et espoir, mêlant souvenirs et désir, en huit chansons originales d’une rare maturité lyrique. Son deuxième album, un EP intitulé KakoBako, dont les mélodies oniriques et les paroles japonaises évoquent les forêts et les rivières de l’enfance. En 2025, elle poursuit son calendrier chargé de concerts et, avec quelques artistes locaux appréciés, se lance dans les séances d’enregistrement d’un troisième album qui propulsera sa musique vers une nouvelle direction fascinante.

Montreal native Hanako is a versatile singer-songwriter who loves indie folk, rock & roll and dream pop in equal measure. Her first album, called My River Goblin (2024), was recorded live with the skilled engineer Ky Brooks. It distills heartbreak and hope, mixing memory and desire, into eight original songs that have a rare lyrical maturity. Hanako’s second record was an EP entitled KakoBako whose fever-dream melodies and Japanese lyrics conjure up the forests and rivers of childhood memory. In 2025, she is continuing a busy calendar of live shows, and, together with some favourite local performers, diving into recording sessions for a third album that will take her music in a mesmerizing new direction.

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alt-folk / indie rock / punk rock

POP Montréal : Mappe Of + Common Holly + Rise Carmine + PISS à La Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

Mappe Of

Mappe Of est le projet immersif de Tom Meikle, auteur-compositeur et producteur multidisciplinaire et multi-instrumentiste, connu pour sa musique folk moderne. Ses compositions explorent souvent les thèmes de la nature, des univers spirituels et des récits fragmentés, avec des arrangements mêlant musique classique et fingerpicking complexe, percussions expérimentales, synthétiseurs et voix luxuriantes. Il s’est fait connaître grâce à son premier album, « A Northern Star, A Perfect Stone », sorti en 2017, qui l’a imposé comme une force créative et expérimentale du genre avant-folk. Il a suivi ce succès avec l’album « The Isle of Ailynn » en 2019, qui a enrichi son univers sonore acclamé. En 2025, la nouvelle musique de Mappe Of reflète un retour à ses débuts, combinant des éléments de folk, d’alternatif, d’indie, de post-rock et d’électronique.

Mappe Of is the immersive project of multi-disciplinary, multi-instrumentalist, songwriter and producer Tom Meikle, known for his modern folk music. His compositions often explore themes of nature, spiritual realms, and fragmented narratives, featuring arrangements that blend classical music with intricate fingerpicking, experimental percussion, synths, and lush vocals. He gained recognition for his debut album, ‘A Northern Star, A Perfect Stone’, released in 2017, which established him as a creative and experimental force in the avant-folk genre. He followed this success with the 2019 full-length album, ‘The Isle of Ailynn’, which further expanded his acclaimed sonic landscape. In 2025, Mappe Of’s new music reflects a return to his early work, combining elements of folk, alternative, indie, post-rock, and electronica.

Common Holly

‘Anything glass’, le troisième album de l’auteure-compositrice montréalaise Brigitte Naggar, alias Common Holly, a été enregistré en direct en quelques jours, dans le but de capturer le son et l’énergie que son groupe a affinés sur scène.
Coproduit avec Devon Bate, collaborateur de longue date, Anything glass donne l’impression d’être à la fois certain et incertain, à la fois tranchant et doucement ciblé. Engageant et bien ficelé, l’album est une avancée réfléchie et captivante. Il aborde les thèmes de la mortalité, de la connexion et de la signification dans un monde en constante évolution. Des influences clés comme Bill Callahan, Mount Eerie, Lomelda et Leonard Cohen ont influencé l’écriture de Naggar – des artistes qui donnent une impression d’universalité à ce qui est personnel, mais aussi des auteurs-compositeurs qui évoquent un monde autour de leur travail, qui peuvent livrer une chanson d’une pure douceur ou sincérité, mais toujours avec un bord, un scintillement de statique caché dans l’ombre. Au fil des dix titres, Anything glass montre Brigitte Naggar en train d’élargir sa palette musicale pour y trouver de plus grands détails et des nuances toujours plus colorées. Elle capture son groupe en direct et vivant dans une pièce, chantant les soucis et les sagesses. Naggar réfléchit : “Nous existons dans des corps fragiles, dans un écosystème fragile, et lorsque nous nous sentons lucides, nous nous souvenons que nous ne vivrons pas éternellement. Et cette fin inévitable nous enveloppe et nous contient en nous rappelant de regarder à l’intérieur et de localiser ce qui compte le plus… et d’aller vers lui !”

Anything glass, the third album from Montreal songwriter Brigitte Naggar, aka Common Holly, was recorded live off the floor over just a handful of days, in a bid to capture the sound and energy her band has honed on stage.
Co-produced with long-time collaborator Devon Bate, Anything glass feels certain and uncertain, sharp yet softly focused. Engaging and tightly-knit, the album is a considered, captivating stride forward. It touches on themes of mortality, connection and meaning in an ever-confounding world. Key influences like Bill Callahan, Mount Eerie, Lomelda, and Leonard Cohen have impacted Naggar’s writing – artists who make the personal feel universal, but also songwriters that conjure a world around their work, who can deliver a song of pure gentleness or sincerity but always with an edge, a flicker of static hidden in the shadows. Across its ten tracks, Anything glass shows Brigitte Naggar expanding her musical palette to find greater details and ever more colourful shades. It captures her band live and alive in a room together, singing to worries and wisdoms. Naggar reflects, ”we exist in fragile bodies, in a fragile ecosystem, and when we are feeling lucid, we remember we won’t live forever. And that inevitable end encases and contains us by reminding us to look inside and to locate what matters most…and to go toward it!”

Rise Carmine

Rise Carmine ouvre grand les portes de la scène rock alternatif dans un univers nouveau et transversal. Avec un son résolument éclectique, ancré à la fois dans l’indie rock des années 90 et le psychédélisme new-age, Rise Carmine (alias Liam Colbert) s’intéresse à des sonorités extérieures au rock/alternatif. Son premier album, « Under The Red Light », révèle une attitude sombre et brute, propre à la rencontre du rock et de l’électronique. Portée par des lignes de basse entraînantes et pulsées et la voix planante du chanteur Colbert, la musique est à la fois hymne et dansante.
L’album à venir, « Under The Red Light », célèbre ce qui se passe dans l’ombre – ces rencontres secrètes et ces unions tumultueuses sur les pistes grunge des clubs – où les corps, les murmures et la sueur se confondent et convergent sous les éclats de lumière. La musique rappelle des groupes comme Nine Inch Nails, Royal Blood et Tame Impala. Le tout sur une bande-son qui trouverait sa place dans les enceintes des clubs et sur les scènes des festivals.
Rise Carmine a récemment conclu une tournée au printemps 2024 qui les a menés en Ontario et au Québec, culminant avec un concert incontournable à Toronto, ville natale du groupe, qui affichait presque complet. Leurs concerts endiablés leur ont valu récemment des premières parties pour The Mysterines, The Amazons, We Are Scientists, Lost Cousins ​​et Kasador, ainsi que des apparitions à Supercrawl, NXNE et Wintersong.

Rise Carmine is blowing the doors wide open on the alt-rock scene in a new genre-bending world. With an unabashedly eclectic sound equally rooted in 90s indie rock and new-age psychedelia, Rise Carmine (AKA Liam Colbert) is keen on leaning into sounds outside of the rock/alternative sphere. The debut album ‘Under The Red Light’ unearths the type of dark gritty attitude that exists only where rock and electronic meet. Lead by driving, pulsing bass lines and lead singer Colbert’s soaring vocals, the music is all at once anthemic yet danceable.
The upcoming album ‘Under The Red Light’ is a celebration of the things that take place in the shadows – those secret meetings and sweaty unions on grungy club floors – where bodies and whispers and sweat twist and converge under flashes of light. The music is reminiscent of bands like Nine Inch Nails, Royal Blood, and Tame Impala. All set to a soundtrack that would find a home blasting out of dirty club speakers and on festival stages.
Rise Carmine recently wrapped up a spring 2024 tour that took them around Ontario and Quebec, culminating in an unmissable, almost sold-out hometown Toronto release show. Their buzzy live act has earned them recent support slots for The Mysterines, The Amazons, We Are Scientists, Lost Cousins, and Kasador, as well as appearances at Supercrawl, NXNE and Wintersong.

PISS

PISS est un groupe punk bruyant et transgenre de quatre membres originaire de Vancouver, en Colombie-Britannique. Le groupe combine musique, poésie, collage sonore, performance et divers arts visuels pour aborder des thèmes complexes qui brouillent les frontières entre l’intime et le politique.
S’appuyant sur une musicalité experte, des performances live énergiques et une vision claire et précise d’une communauté underground plus sûre, PISS compose une musique punk qui vise à transcender les limites d’un genre bien établi en s’inspirant d’un large éventail d’influences inattendues : des géants de la littérature, des philosophes, des cinéastes, des peintres, des psychanalystes, des activistes, des enfants, des membres d’un groupe militant anarcho-féministe allemand et le public de leurs spectacles, pour n’en citer que quelques-unes. Ces voix représentent diverses convictions idéologiques sur la violence sexiste et permettent à PISS de créer une œuvre qui dépeint des questions difficiles et controversées comme la violence sexuelle et les normes de genre inculturées, sans réduction, romantisation, polémique ou dogmatisme.

PISS is a noisy, genre-bending 4-piece punk band from Vancouver B.C. The band combines music, poetry, sound collage, performance art, and various mediums of visual art to address complex themes that blur the line between personal and political.
Powered by a combination of expert musicianship, energetic live performances, and a crystal-clear vision of a safer underground community, PISS writes punk music that aims to transcend the limitations of a well-established genre by pulling inspiration from a wide range of unexpected influences: literary giants, philosophers, filmmakers, painters, psychoanalysts, activists, children, members of a German anarcho-feminist militant group, and audience members from their shows, to name a few. These voices represent varying ideological beliefs about gender-based violence and enable PISS to create art that depicts challenging and controversial issues such as sexual violence and enculturated gender norms without reduction, romanticisation, polemics, or dogmatism.

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jazz / latino

Suoni per il Popolo : Mestizx + Mas Aya + Stefan Christoff & Daniela Solís à la Sotterenea

par Rédaction PAN M 360

MESTIZX (la chanteuse bolivienne Ibelisse Guardia Ferragutti et le batteur jazz portoricain Frank Rosaly, maintenant basés à Amsterdam) déploient une tapisserie sonore profondément personnelle et puissante. Leur premier album tisse l’avant-jazz, les rythmes ancestraux vibrants d’Amérique latine (Bolivie, Brésil, Porto Rico) et les textures de l’électronica. Cette exploration non genrée plonge dans les thèmes de l’identité, de la décolonisation et de l’esprit de résistance du rituel, nés de leurs expériences uniques d’« entre-deux ».
Également à l’affiche : les paysages sonores évolutifs et inventifs de l’artiste nicaraguayen-canadien Mas Aya, présentant son plus récent voyage musical captivant.
En ouverture de soirée, la collaboration inaugurale de Daniela Solís & Stefan Christoff offre une expérience sonore profondément attentive et pleine d’espoir, une connexion Montréal-Mexico forgée par leur temps et leur créativité partagée à Mexico.

MESTIZX (singer Ibelisse Guardia Ferragutti from Bolivia and jazz drummer Frank Rosaly from Puerto Rico, now based in Amsterdam) unleashes a deeply personal and potent sonic tapestry. Their debut album weaves together avant-jazz, the vibrant ancestral rhythms of Latin America (Bolivia, Brazil, Puerto Rico), and the textures of electronica. This non-gendered exploration delves into themes of identity, decolonization, and the defiant spirit of ritual, born from their unique « in-between » experiences.
Also featuring the evolving and inventive soundscapes of Nicaraguan-Canadian artist Mas Aya, presenting his latest compelling musical journey.
Opening the evening, the debut collaboration of Daniela Solís & Stefan Christoff offers a deeply attentive and hopeful sonic experience, a Montreal-Mexico connection forged from their time and shared creativity in Mexico City.

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Ce contenu provient de Suoni per il Popolo et est adapté par PAN M 360

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