L’Atelier lyrique de l’Opéra de Montréal et l’Orchestre de l’Agora se sont unis samedi soir pour présenter Le Couronnement de Poppée, mystérieux opéra de Claudio Monteverdi. La taille restreinte de la salle Pierre-Mercure du centre Pierre-Péladeau de l’UQAM n’a pas empêché les interprètes de livrer une prestation grandiose. Une mise en scène efficace et une distribution de très haut calibre ont contribué à rendre cette soirée troublante et mémorable.

On dit que cet opéra de Monteverdi est plein de mystères puisque la version originale de Monteverdi a disparu, et que les mises en scène sont des reconstitutions rendues possibles par les recherches musicologiques. Malgré tout, cet opéra est considéré comme un joyau du répertoire italien, et continue à fasciner les publics, même près de 400 ans après sa création. Le livret raconte les péripéties de Poppée, amante de l’empereur Néron, qui souhaite accéder à la couronne. Après avoir répudié son épouse Octavie, Néron marie Poppée, faisant de cette dernière l’impératrice de Rome. Derrière cet argument basé dans la Rome antique se cachent des dilemmes intemporels : le combat entre l’amour et le devoir, et les contradictions internes qui nous habitent toutes et tous.

La complexité émotionnelle du livret est efficacement représentée par une mise en scène d’Aria Umezawa. Les décors, au commencement épurés et ouverts, se chargent de plus en plus d’objets divers, laissés sur scène par les chanteuses et chanteurs. Le dernier tableau de l’opéra s’en trouve alors des plus surchargés visuellement, illustrant la décadence et la désolation suggérées par l’œuvre. Les costumes aussi sont réfléchis et évocateurs, permettant même des changements vestimentaires en quelques instants, sur la scène même.

Pour leur part, les interprètes, autant sur scène que dans la fosse d’orchestre, sont toutes et tous d’une qualité exceptionnelle. Si l’on s’inquiétait de prime abord au sujet de l’acoustique (l’Orchestre de l’Agora, dirigé par Nicolas Ellis, jouant pour l’occasion sur des instruments d’époque), on est rapidement rassuré. Chaque instrument est clairement audible, et ne rivalisent nullement avec les voix. Tout est parfaitement calibré de ce point de vue.

À la qualité vocale des chanteuses et chanteurs s’ajoute un jeu d’acteur convaincant qui fait vivre toute une gamme d’émotions. On tremble devant la colère de Néron (Ilanna Starr), on s’inquiète devant l’ambition de Poppée (Emma Fekete), on est ému devant Sénèque (Matthew Li) destiné à mourir et on est déchiré par les dilemmes que vit Ottone (Ian Sabourin). Toutes et tous interprètent les passages les plus difficiles et virtuoses avec aisance et agilité. Toutes les prestations sont à saluer et à applaudir chaudement.

Le Couronnement de Poppée a vu plusieurs forces s’unir pour offrir une représentation des plus spectaculaires. On ne peut que les féliciter et attendre avec impatience une autre collaboration du genre.

L’édition 2023 du Festival Bach s’ouvrait vendredi soir à la Maison Symphonique avec un programme mettant à l’honneur la musique de deux fils de J.S. Bach : Johann Christian (1735-1782) et Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795). Pages méconnues et peu jouées de ceux que l’on appelle respectivement le « Bach de Londres » et le « Bach de Bückenburg », les deux symphonies et concertos de chacun étaient dirigés par le chef allemand Reinhard Goebel, éminent et légendaire spécialiste du répertoire de la musique ancienne qui a fait de sa marque de commerce depuis plusieurs années la redécouverte de ce répertoire oublié avec son ensemble, Musica Antiqua Köln. Sa présence revêtait également une symbolique particulière et familière pour le festival, lui qui en avait inauguré la toute première édition il y a dix-huit ans comme l’a mentionné en introduction sa fondatrice et directrice artistique, Alexandra Scheibler.

Aussitôt entré sur scène d’un pas énergique et primesautier, le chef allemand à entrainé les musiciens de l’Orchestre du Festival Bach dans l’univers de Johann Christian. Tout de contraste, la Symphonie en sol mineur n^o 6 plonge l’auditeur dans une énergie véloce alimentée par une base de cordes haletantes, mais dont les idées musicales, bien que dynamiques, finissent par s’estomper. Soliste invitée pour la soirée, l’excellente pianiste Schaghadjeh Nosrati a interprété le Concerto en mi bémol majeur du même compositeur. Typique de la forme classique tripartite, le matériel du piano et de l’orchestre se fondait ensemble dans une synergie remarquable pour par lui suite, se séparer dans de beaux dialogues musicaux où les interventions de chacune des parties étaient mises en relief avec élégance et énergie. Les multiples dynamiques et nuances exprimées dans la première partie portaient la marque du style galant, caractéristique chez Johann Christian et du Sturm und Drang, courant esthétique de la deuxième moitié du XVIII^e siècle mettant de l’avant une plus grande expression des sentiments.

En deuxième partie nous avons eu droit aux œuvres de l’aîné Johann Christoph Friedrich. Plus dense dans sa forme, le Concerto Grosso en mi bémol majeur fait intervenir à la fois l’ensemble de l’orchestre, une petite section d’instrumentistes et la soliste dans des dialogues passionnés. Ici encore, la maîtrise des textures et des dynamiques dans cette œuvre à la fois énergique et élégiaque par Goebel et Nosrati est engagée et solide. La marque du Sturm und Drang est également encore bien présente, notamment dans le deuxième mouvement Adagio, en mode mineur, à la fois mélancolique et dansant, marqué par des passages qui appellent au début du romantisme. La Symphonie en si bémol majeur se distingue par ses idées musicales nuancées, son énergie joviale et sautillante rappelant les symphonies de Haydn, son orchestration raffinée et colorée ainsi que par un emploi de mélodies tirées de chants populaires, particulièrement présents dans les troisièmes et quatrièmes mouvements.

La connaissance et l’aisance du chef dans ce répertoire étaient palpables tout le long de la soirée. Reinhard Goebel respire, transpire et inspire chacune des phrases, chaque nuance, chaque traits musicaux. Il les connaît comme le fond de sa poche et l’a démontré dans une direction qui tenait parfois plus de l’expression musicale que de la technique au sens strict. Il vivait cette musique. Saluons à cet égard l’excellent contingent de musiciens de l’orchestre qui répondait avec énergie et fougue à ses commandements, notamment les flûtes et les hautbois qui ont offert une belle présence sonore. Malgré la déconvenue que l’annulation de la présence de Sir John Eliot Gardiner – qui a interrompu ses activités professionnelles suite à un incident avec un chanteur en août dernier – a pu avoir, la prestation stylistiquement cohérente et bien menée par Reinhard Goebel, Schaghadjeh Nosrati et l’Orchestre du Festival Bach Montréal, ouvre néanmoins de manière sereine et solide cette nouvelle édition de ce grand rendez-vous de la musique des XVII^e et XVIII^e siècles à Montréal.

Ce concert d’ouverture sera présenté au Palais Montcalm de Québec le samedi 18 novembre et au Centre Carleton Dominion-Chalmers à Ottawa le dimanche 19 novembre. INFOS ET BILLETS ICI.

Pour bien des mélomanes, le Messie de Haendel rime avec le temps des Fêtes. Ce grand classique de la musique baroque a été présenté hier soir à la Salle Bourgie au grand plaisir du public réuni pour l’occasion. Ce concert était également une collaboration entre Arion orchestre baroque et le Studio de musique ancienne de Montréal (SMAM). Les musicien.ne.s et choristes des deux formations, sous la direction d’Andrew McAnerney du SMAM, ont offert une performance lumineuse et d’une remarquable précision.

Comme pouvaient nous l’apprendre les informations projetées sur le mur du fond de la scène avant le début du concert, tous les instruments utilisés étaient d’époque, ou des reproductions de ceux-ci. Par conséquent, la qualité sonore était toute caractéristique de ces orchestres baroques qui ont à cœur l’interprétation historiquement informée. Il y avait beaucoup d’interprètes pour la somme toute petite scène de la Salle Bourgie, mais la texture sonore demeurait douce, presque intime, sans perdre pour autant la profondeur du son. On pouvait voir la complicité entre les membres d’une même section, ceux-ci s’échangeant des regards complices et des sourires.

La qualité du jeu d’ensemble d’Arion et du SMAM est remarquable. Le chœur, composé de 3 interprètes par section, est homogène, et chaque section chante comme d’une seule voix. La précision, autant du chœur que de l’orchestre est également à saluer. Et cette constance et rigueur se maintiennent durant toute la durée (2 heures et demie!) de la représentation. L’on peut dire de même des solistes, dont la diction impeccable laisse entendre chacune des syllabes du texte, tiré des différents livres de la Bible. La puissance vocale du baryton Geoffroy Salvas, en particulier, est impressionnante.

Une curiosité à noter de ce concert est l’utilisation du logiciel NEX-perience, qui permet au public d’obtenir un programme interactif sur son téléphone intelligent durant le concert. Tout au long du concert, de courts faits défilaient sur notre téléphone sans avoir à y toucher. Ces informations concernaient parfois la vie de Haendel, la création du Messie, ou simplement des informations sur la rhétorique musicale mise en œuvre dans cet oratorio. Une offre intéressante, facile d’accès, et qui renouvelle l’expérience de concert.

Malgré le caractère très sombre de certains textes, il ressort tout de même de cette interprétation une grande lumière et un magnifique message de paix. On sort de cette longue soirée énergisé.

Deux autres représentations auront lieu à la Salle Bourgie : samedi 18 novembre à 16h et dimanche 19 novembre à 14h30. INFOS ET BILLETS ICI!

C’était la deuxième soirée du festival-showcase Mundial Montréal hier soir au Café Campus. On a été traité aux petits oignons avec six groupes, certains meilleurs que d’autres, mais aucun vraiment mauvais. 

L’ensemble hip hop full live acoustique Super Duty Tough Work, de Winnipeg, a lancé l’événement avec aplomb, mais pour un résultat final relativement convenu. L’attrait principal du band, cela dit, c’est l’utilisation exclusive d’instruments acoustiques (basse, batterie, guitare et sax baryton! Dans mon livre à moi, n’importe qui mettant un sax baryton sur scène mérite mon respect) afin de recréer le son et le ressenti du hip hop old school. Pour ça, c’est réussi. Le leader et chanteur Brendan Grey exerce un flow adéquatement aisé, sans être particulièrement impressionnant. LA toune est venue vers la fin, intitulée Fuck the Police (FTP). Oublions le titre et le propos rempli de clichés (même si la colère associée aux bavures des forces de l’ordre est 100% légitime), c’est la musique qui a tout cassé ici. Celle-ci a pris vie grâce à un excellent grondement des beats, un refrain accrocheur et l’entrée du public dans la parade, ce qui avait sérieusement échoué quelques minutes plus tôt, malgré les (trop longues) minutes d’effort de Brendan. Peut-être pas une révélation, mais du solide en provenance de Winnipeg.

La surprise la plus étonnante et rafraîchissante de la soirée est venue d‘une artiste ukrainienne, Krutb (se prononce kroutch), s’accompagnant seule au bandoura, une sorte de grosse guitare traditionnelle ayant à la fois des propriétés de la contrebasse et de la harpe. La jeune dame commence avec un folk éthéré, presque fantomatique, et on se demande où elle s’en va avec ce style très différent du reste des bands. Mais très vite, on est subjugué. Le public généralement assez bruyant (une plaie!) était étonnamment silencieux, c’est dire! C’est que, voyez-vous, Maryna Krut (de son véritable nom) possède une voix merveilleuse, bellement centrée à la façon des chanteuses classique (son soprano est léger et lumineux) mais également assez agile pour oser efficacement des intonations soul. Son accompagnement au bandoura est empreint de simplicité non exempte de passages plus virtuoses. Elle tape sur son instrument, parfois, et lui donne une dose d’amplification pour un résultat folk-pop, tendance indie, pas mal séduisant. Je dirais même envoûtant. À retenir.

Suivait Qairo, un groupe de flamenco-rai-jazz-blues-turc pas mal impressionnant. Le septuor, dont deux danseuses flamboyantes, a quelque chose d’électrique dans sa version modernisée du flamenco, c’est-à-dire moins aride mais sans tomber (alors là absolument pas!) dans le Gypsy Kings. Ça groove, ça rock et ce fut apprécié. J’ai cependant entendu un ou deux échos de camarades qui sont restés de marbre devant la portion danse. L’un a trouvé cela un peu trop ‘’Las Vegas’’. D’accord, peut-être pas pour tout le monde cette mise en scène. 

De Toronto nous venait ensuite la maîtresse du steelpan (ou steeldrum) caribéen, Joy Lapps et ses musiciens d’enfer (le bassiste mes amis! Oh, quel pumping irrésistible!). Le côté quétaine d’un certain répertoire caribéen pour touristes boomers en croisière est bien resté caché dans sa grosse barque, et nous en avons tous et toutes été très heureux! Lapps redonne des lettres de noblesse à cet univers en l’habillant de jazz et de blues, et en imposant une pesanteur groove plus hip hop que zouk. Très bon.

Le Montréalais Mister Dre-D remplissait l’avant-dernière fenêtre de la soirée. Le jeune homme a de très beaux attraits : il est une efficace bête de scène, il converse habilement avec le public et possède une très belle voix dont les élans évoquent de temps en temps une filiation spirituelle et soul James-Browniste. Son funk dansant où s’invitent aussi quelques indices de zouk et de rock a convaincu le public de professionnels de l’industrie. Bravo.

La soirée s’est terminée sur le show ma-la-de d’Al Qasar, un ensemble dit de « fuzz-arabe » dont je pourrais résumer les velléités sonores comme du Led Zeppelin déchaîné jouant du « Desert Blues » école Tinariwen. Wow. Un trio d’enfer qui était additionné hier de la voix d’une chanteuse soudanaise vivant à New York. Imaginez un peu le look de Pam Grier dans Foxy Brown, mais avec des intonations vocales extatiques. Un mur de son, irrémédiable, mêlant distortion électrique appuyée, groove musclé et transe spirituelle, voilà les quelque 25 minutes qui ont mémorablement clôturé cette deuxième itération des journées de showcases du Mundial Montréal 2023. Mais la chance que vous avez si cette proposition vous attire, c’est que le band en question sera en vrai full concert ce soir à l’Esco. Amenez vos bouchons si vous avez les tympans fragiles, mais ne manquez pas ça.

Totalement Sublime, pop ambiante et infusion de synthés

Pour démarrer en force la première soirée de showcase au Ausgang Plaza, M pour Montréal a donné le micro au groupe électro-pop francophone, Totalement Sublime. Auparavant un duo composé de Marc-Antoine Barbier et Élie Raymond, la formation est dorénavant un trio avec Thomas Bruneau Faubert qui s’y est greffé au fil du temps. 

Élie joue de la batterie au fond de la scène, Marc-Antoine s’élance à la guitare et même au saxophone alors que Thomas est devant son synthétiseur. Ensemble, ils créent une musique planante qui tapisse tranquillement les murs de la salle. Les nappes de synthés se font bien présentes et enrobent le tout. Les deux membres originaux mélangent leur voix douces aux arrangements. Tous deux l’utilisent comme un instrument et on peine parfois à les entendre. 

La répétition est au cœur de leur art et transporte le public dans une spirale sonore. Des effets de distorsion se font entendre ici et là, puis le public applaudi. Nul doute, le trio a su charmer les différents observateurs présents.

Kanen, jeune voix innue prometteuse

Directement après la prestation de Totalement Sublime, on change de côté de rue et de registre musical pour se retrouver au Théâtre Plaza afin de voir sur scène Kanen, cette jeune auteure-compositrice-interprète innue dont tout le monde parle. Il y a un peu plus d’une semaine, la jeune artiste de 24 ans a été sacrée « Révélation de l’année » et « Artiste autochtone de l’année » lors du 45e Gala de l’ADISQ. Voyons voir ce qu’elle propose! 

Kanen transporte sa pop-folk de belle manière sur scène et le rendu dévoile une facette rock plus assumée. Les musiciens qui l’accompagnent sont excellents; la batterie et la guitare électrique sont prédominantes. Originaire de la communauté de Uashat Mak Mani-utenam près de Sept-Îles, elle alterne entre la langue de ses ancêtres et le français. Avec sa voix à la fois douce et puissante, Kanen connecte directement à son public grâce aux émotions qu’elle véhicule. On comprend rapidement tout l’engouement la concernant. 

Mattmac, la résilience incarnée

Avec sa canne blanche, Mattmac, Matthews Monias de son vrai nom, monte sur scène et est guidé près du microphone. Originaire de la Première nation de Garden Hill au Manitoba, le rappeur de 23 ans est né aveugle. Ce qui est assez impressionnant, c’est qu’il crée de A à Z la quasi-totalité de sa musique, sans être un poil freiné par son handicap. Au cours des dernières années, il récolte les différents prix et roule sa bosse dans le monde du rap. Son histoire est inspirante et son courage se transpose dans ses textes. 

Ses productions sont hip-hop & R&B et influencées par le rap américain. Mattmac propose un rap mélodique avec des couplets découpés au quart de tour. C’est lors des refrains qu’il est à son meilleur et réussit à faire chanter la foule. Il a terminé sa prestation avec Rez, son morceau le plus populaire inspiré par le titre Ghetto d’Akon. 

La musique de Mattmac n’est pas révolutionnaire, mais il s’agit tout de même de chansons rap de qualité et on salue l’immense résilience de l’homme.

Photos a Camille Gladu Drouin

Hier soir avait lieu la première soirée de showcases à l’occasion du Mundial Montréal 2023. Diffuseurs et producteurs de Québec, du Canada et d’ailleurs dans le monde étaient réunis au Lion d’Or pour assister aux performances de quatre groupes se disputant l’attention des convives dans l’espoir de décrocher des engagements professionnels (ou simplement tisser de nouvelles relations et étendre leurs réseaux).

Deux grands « gagnants » se sont révélés, si l’on accepte ce terme en fonction de leur potentiel de tournée et d’attrait public tant ici qu’à l’international : Bruno Capinan, de Toronto, et Dumai Dunai de Montréal. 

Capinan est brésilien et fait de la post-bossa teintée de MPB et de Bahiatronica. Une musicalité de très haut niveau (quelle belle voix!), une aisance mélodique des compositions et une présence scénique queer magnétique et hyper communicatrice (il séduit le public comme s’il était le petit frère que tout le monde aime) en ont fait pour votre humble reporter une superbe découverte. J’espère de tout coeur qu’on le reverra de sitôt à Montréal!

Dumai Dunai est mieux connu chez nous car l’ensemble dub-punk slave ukrainien habite la scène musicale montréalaise depuis sa formation en 2021. Si l’invasion de l’Ukraine par la Russie a contribué à propulser le band férocement énergétique dans l’attention du public, sa renommée et sa popularité grandissantes n’ont rien à voir avec des circonstances strictement géopolitiques. Le groupe est animé par une énergie débordante, une originalité féconde, une cohérence de groupe hyper rodée et une qualité musicale et technique individuelles des membres tout à fait professionnelle. Ils ont tout ce qu’il faut pour faire le tour du monde.

On a apprécié le duo Mi’gmafrica, constitué de Valérie Ivy Hamelin, artiste multidisciplinaire de la Nation micmac de Gespeg, et Sadio Sissokho, griot montréalais originaire du Sénégal. Un joli mélange d’influences autochtones et de culture mandingue, avec un ascendant manifeste de cette dernière, cela dit. La qualité inégale des voix, tantôt très belles, tantôt plus faibles (tonalement parlant) méritera une attention particulière pour peaufiner adéquatement le produit.

Finalement, on reste (comme plusieurs membres du public de professionnels)… perplexes, devant le produit offert par Second Moon, un ensemble sud-coréen de chants traditionnels accolés sur une structure musicale et harmonique celtique. Du K(eltic)-Pop? Pas vraiment, car les mélodies traditionnelles n’ont pas l’attrait simple (et même simpliste), mais direct, de la véritable K-Pop ni de la musique instrumentale celtique. Et, artistiquement, même si la violoniste, l’accordéoniste et les autres musiciens sont excellents (sauf la voix, inégale elle aussi, capable de traits impressionnants comme d’approximations), le rendu final ne donne pas l’impression d’une fusion parfaitement harmonieuse, ni tellement intéressante. La curiosité passée, et le plaisir initial de voir les costumes bigarrés terminé, on se demande si on a vraiment envie d’écouter cela plus que 10 minutes. Dommages. Remarquez : quelques convives ont eu l’air d’avoir pas mal de fun. C’est peut-être juste moi…

Crédit photo : Alain Brunet