Si vous demandiez à un musicien de jazz de décrire ce qu’est de jouer dans un trio, il vous répondrait probablement « exposé ». Lorsqu’il y a soudain un instrument rythmique, un instrument de basse et un instrument couvrant la mélodie et l’harmonie (ou du moins impliquant l’harmonie), chaque décision et interaction musicale a plus de poids.

Toutefois, cette exposition s’accompagne également d’une plus grande liberté pour jouer différents rôles. La batterie peut chercher à jouer de manière mélodique en choisissant et en accordant soigneusement les percussions ; la basse peut chercher à jouer des accords complets ; et la guitare peut chercher à établir un groove avec des notes en sourdine. En plus de tout cela, les moments polyphoniques de tous les participants deviennent une possibilité de bon goût.

Bill Frisell, Thomas Morgan et Rudy Royston ont réalisé ces différents exploits (et bien d’autres), en brouillant les lignes des rôles de leurs instruments d’un moment à l’autre. Et c’était fantastique à observer.

Pendant le premier morceau, nous avons vu un excellent exemple de polyphonie en action, le trio jouant un air joyeux et groovy. La basse et la guitare ont joué de haut en bas en inventant diverses lignes et contre-lignes sur la gamme majeure.

Et ce, après que Frisell nous ait offert une introduction composée d’harmoniques et d’une pédale de boucle. A certains moments, les choses changent rapidement avec des moments de dissonance pointilliste, des sections de blues rock, de rock flou des années 70 et de douces ballades qui se succèdent rapidement.

Personnellement, mon morceau préféré de la soirée a été Isfahan de Billy Strayhorn, que Frisell a interprété en jouant ici et là des parties de blues.

En vérité, ce que j’ai le plus retenu de cette soirée, c’est l’expérience musicale de ce trio qui s’étend sur plusieurs décennies. Dans les moments où la musique s’est transformée en rock à partir d’un shuffle ou d’un swing, par exemple, je me suis rendu compte que des musiciens moins expérimentés pourraient essayer la même chose et que cela sonnerait comme un gadget bon marché s’ils n’étaient pas formés à ces genres musicaux. À soixante-quatorze ans, cependant, Frisell a vécu une grande partie de cette musique alors qu’elle était en train de se développer.

Le rock et le post-bop, par exemple, se développaient de son vivant et il les a intériorisés avec sincérité et légitimité, me semble-t-il. D’ailleurs, l’un de mes albums préférés de Frisell est Guitar in the Space Age ! (2014), dans lequel il interprète diverses sélections des années 60 à sa manière unique.

En effet, l’expérience du trio en matière de choix musicaux et d’interactions a été mise en évidence tout au long de la soirée, de même que la richesse de leurs connaissances en matière de jazz et de rock et leur capacité à fusionner les genres avec aisance.

Branford Marsalis est monté sur la scène du Théâtre Maisonneuve avec son quartette de longue date, composé du pianiste Joey Calderazzo, du bassiste Eric Revis et du batteur Justin Faulkner. Cette configuration est restée intacte depuis la sortie de Four MF’s Playin’ Tunes en 2012 , mais les relations musicales entre ces  » MF’s  » remontent à plus loin, et leur familiarité est évidente.

Il se trouve que le set a commencé de la même manière que l’album de 2012, avec une composition de Calderazzo intitulée The Mighty Sword. Le groupe s’est passé la mélodie et a joué avec une sensation de temps brisé, obscurcissant légèrement le rythme, avant que Faulkner n’introduise une pulsation plus solide. Calderazzo a pris le premier solo au milieu d’une composition de batterie particulièrement chargée. Cela aurait pu poser des problèmes à des musiciens moins expérimentés, mais l’interaction entre les membres du groupe était telle que personne ne se gênait. Branford a pris le solo suivant, commençant pendant une sorte de point culminant. Cela a créé un arc dynamique intéressant pour le morceau dans son ensemble, qui s’est terminé non pas par une reprise typique de la mélodie principale, mais par une coupure nette à la fin du solo de Marsalis.

Le reste du set a été tout aussi surprenant, avec un mélange de compositions originales, de réinterprétations du répertoire classique de jazz et de multiples sélections de Keith Jarrett – ce qui n’est pas surprenant étant donné que le dernier album du groupe est une réimagination ton sur ton de l’album Belonging de Jarrett. Il y a eu des morceaux entiers joués entièrement en rubato, sans jamais établir un tempo clair, des solos qui émergeaient doucement d’improvisations collectives, et des morceaux qui faisaient un clin d’œil à l’ère du swing au début avant de finir dans une ambiance plus proche de la production de John Coltrane au début des années 1960. La plus grande surprise de la soirée est peut-être venue du toucher de Justin Faulkner à la batterie ; j’ai rarement (voire jamais) vu un batteur de jazz frapper la batterie aussi fort ! À plusieurs reprises, le jeu de batterie a rappelé les styles heavy metal plus que le jazz, écrasant presque l’oreille mais ne cessant jamais de servir la musique.

Il convient également de noter la manière dont le quartette a traité les standards des années 1920 et 1930 – There Ain’t No Man (Worth the Salt of My Tears) de Fred Fisher et On the Sunny Side of the Street de Jimmy McHugh. Ces sélections contrastent avec le reste du set, les arrangements s’orientant clairement vers l’idiome des débuts du jazz tout en incorporant des approches plus contemporaines du tempo, du rythme, de la tonalité et de l’harmonie. Le groupe ne s’est jamais complètement installé dans l’ère du swing, mais ne l’a jamais complètement quittée non plus, s’installant de manière unique dans une sorte de « vallée étrange » et démontrant un respect partagé pour la riche histoire de cette musique.

Les relations durables que Marsalis et ses collègues musiciens ont entretenues témoignent d’une compréhension claire des sons individuels de chacun ainsi que de ceux du collectif. Cela dit, on a également l’impression qu’un soir différent, le public pourrait entendre quelque chose de complètement différent de ce qu’ils ont joué à Maisonneuve.

Leur musique est cohésive, collée serrée, bien ancrée. Rien ne semble hors limites.

Le batteur Nate Smith a réuni un quatuor extrêmement talentueux pour son spectacle du 30 juin ; en effet, cette formation et leurs capacités musicales ont captivé le public du Théâtre Jean-Duceppe. Les applaudissements et les demandes d’un troisième rappel, qui n’arrivera malheureusement jamais, en sont la meilleure preuve.

Pendant le préambule de l’émission, Smith a tenu à expliquer qu’il ne « dirigeait » pas vraiment ce quatuor composé de Lalah Hathaway au chant, James Francies au piano et aux synthétiseurs, et Derrick Hodge à la basse. Il a préféré dire qu’il « accueillait » ce quatuor, car il tenait chacun de ses membres en haute estime. Et c’est vrai, on avait moins l’impression que Smith les dirigeait que d’assister à une collaboration des esprits.

En ce qui concerne la musique elle-même, je ne peux évidemment pas décrire un concert de Nate Smith sans parler de son jeu de batterie. Pour moi, c’est la quintessence du « feeling » et du « groove ». Dans la plupart des morceaux qu’il joue, même lorsqu’il ne joue pas expressément un contretemps avec un grand 2 et un grand 4, celui-ci est implicite. Lorsqu’il utilise davantage de notes fantômes ou qu’il entre et sort d’un rythme de sextuplets, un « groove » gras est toujours perceptible. Smith tire également beaucoup de profit d’un kit de quatre pièces, car une grande partie de ce qu’il fait est concentrée sur la grosse caisse, la caisse claire et le charleston. Il lui arrive bien sûr de s’écarter de cette règle et de jouer avec l’ensemble du kit ; cependant, son style étant tellement influencé par le hip-hop, ces trois éléments suffisent parfois pour de longues périodes de son jeu. En d’autres termes, il fait beaucoup avec peu.

Le son du synthétiseur principal de James Francies a également été un point fort pour moi. Je ne pourrais pas commencer à décrire les réglages spécifiques ou le modèle qu’il utilisait, mais un son de synthé bien choisi peut être extrêmement important, sinon vous risquez de voir vos solos bien conçus sonner faux à cause de la seule tonalité de votre synthé. La sélection des sons et les choix de jeu de Francies étaient toutefois excellents.

Les solos de basse de Hodge étaient cependant un peu plus difficiles à apprécier. Je me suis retrouvé à faire des efforts pour entendre exactement ce qu’il jouait, car l’égalisation n’était pas parfaite. Parfois, il n’y avait pas assez de hautes fréquences dans le son de sa basse, ce qui rendait ses différents hammer-ons, pull-offs et tapping plus difficiles à entendre. Il y a remédié à quelques reprises en utilisant une pédale d’octave pour jouer vers le haut de l’octave afin d’obtenir une plus grande clarté. C’était nécessaire et c’est l’un de mes sons de « jazz moderne » préférés, c’est-à-dire un solo de basse haut sur le manche avec une pédale d’octave. Malheureusement, ce problème est réapparu tout au long du spectacle, la grosse caisse et la guitare basse se battant pour les mêmes fréquences.

Lalah Hathaway a fait son apparition vers la fin du spectacle et a impressionné par ses notes claires, tenues et droites. À quelques reprises, elle a inventé un passage ou un embellissement et l’a terminé par une note qu’elle a tenue sans vibrato, comme si elle était un cor. Ce n’est pas toujours la chose la plus facile à faire. J’aurais aimé qu’elle sorte plus tôt, car elle a rejoint le groupe pendant vingt-cinq minutes, me semble-t-il.

La soirée s’est terminée par un deuxième rappel, au cours duquel Smith a joué un petit solo de batterie et le public a applaudi à deux et à quatre. Il jouera avec la pulsation établie en laissant tomber le premier temps, en entrant dans une petite subdivision un poil avant ou après les temps principaux et en employant des sensations de triolets fluides. C’est sa coutume. C’est son son. Et il a absolument sévi. Pas étonnant que tout le monde ait réclamé un troisième rappel.