classique / Modern Classical / post-romantique

Pro Musica : Lucas Debargue à la salle Pierre-Mercure

by Rédaction PAN M 360

« Depuis le passage de Glenn Gould à Moscou et la victoire de Van Cliburn au Concours Tchaïkovski en pleine guerre froide, un pianiste étranger n’avait jamais suscité pareille effervescence. » Olivier Bellamy, Le HUFFINGTON POST
Révélé par le 15e Concours International Tchaïkovski à Moscou en juin 2015, Lucas Debargue est aujourd’hui un des pianistes les plus demandés au monde.
Il s’est déjà produit dans les salles les plus prestigieuses, parmi lesquelles le Théâtre Mariinski et la Grande Salle de la Philharmonie de Saint-Petersbourg, la Philharmonie et le Théâtre des Champs Elysées à Paris, le Wigmore Hall et le Royal Festival Hall à Londres, le Concertgebouw d’Amsterdam, le Victoria Hall à Genève, les Konzerthaus de Vienne et Berlin, le Carnegie Hall de New York, le Prinzregententheater de Munich et la Philharmonie de Berlin, la Philharmonie de Varsovie, le Konserthuset à Stockholm, la Grande Salle du Conservatoire Tchaïkovski et la Salle Tchaïkovski de Moscou, et bien d’autres à Seatle, Chicago, Montréal, Toronto, Mexico, Tokyo, Osaka, Beijing, Taipei, Shanghai, Séoul …
Il joue régulièrement sous la baguette de chefs tels que Valery Gergiev, Mikhaïl Pletnev, Vladimir Jurowsky, Andrey Boreyko, Tugan Sokhiev, Vladimir Spivakov, Bertrand De Billy, et a déjà joué en musique de chambre avec Gidon Kremer, Janine Jansen, Martin Fröst.
Lucas Debargue consacre aussi une grande partie de son temps à la composition et est l’auteur d’une vingtaine de pièces pour piano seul et pour ensembles de musique de chambre.

“Since Glenn Gould’s visit to Moscow and Van Cliburn’s victory at the Tchaikovsky Competition during the Cold War, no foreign pianist has caused such a stir.”
— Olivier Bellamy, Le Huffington Post
Revealed at the 15th International Tchaikovsky Competition in Moscow in June 2015, Lucas Debargue is now one of the most sought-after pianists in the world.
He has already performed in the most prestigious venues, including the Mariinsky Theatre and the Grand Hall of the Saint Petersburg Philharmonic, the Philharmonie and Théâtre des Champs Elysées in Paris, Wigmore Hall and Royal Festival Hall in London, the Concertgebouw in Amsterdam, Victoria Hall in Geneva, the Konzerthaus in Vienna and Berlin, Carnegie Hall in New York, Prinzregententheater in Munich, the Berlin Philharmonie, the Warsaw Philharmonie, Konserthuset in Stockholm, the Grand Hall of the Tchaikovsky Conservatory and Tchaikovsky Hall in Moscow, and many others in Seattle, Chicago, Montreal, Toronto, Mexico, Tokyo, Osaka, Beijing, Taipei, Shanghai, Seoul…
He regularly performs under the baton of conductors such as Valery Gergiev, Mikhaïl Pletnev, Vladimir Jurowsky, Andrey Boreyko, Tugan Sokhiev, Vladimir Spivakov, Bertrand De Billy, and has already performed in chamber music with Gidon Kremer, Janine Jansen, and Martin Fröst.
Lucas Debargue also dedicates a significant part of his time to composition and is the author of around twenty pieces for solo piano and chamber music ensembles.

Programme

Saison Prodige – Lucas Debargue, piano
MAURICE RAVEL, Jeux D’eau, M.30
MAURICE RAVEL, Sonatine, M.40
GABRIEL FAURÉ, Mazurka en si bémol majeur, op. 32
GABRIEL FAURÉ, Barcarolle no.9, op.101
GABRIEL FAURÉ, Nocturne no.12, op.107
GABRIEL FAURÉ, Impromptu no.5, op. 102
GABRIEL FAURÉ, Valse caprice no.4, op. 62
-ENTRACTE-
LUCAS DEBARGUE, Suite en ré mineur
LUCAS DEBARGUE, Prélude
LUCAS DEBARGUE, Pantomime
LUCAS DEBARGUE, Sarabande
LUCAS DEBARGUE, Menuet Guerrier
LUCAS DEBARGUE, Gigue
ALEXANDRE SCRIABIN, Sonate no.3 en fa dièse mineur, op. 23.

Program

Prodigy Season – Lucas Debargue, piano
MAURICE RAVEL, Jeux D’eau, M.30
MAURICE RAVEL, Sonatine, M.40
GABRIEL FAURÉ, Mazurka in B-flat major, Op. 32
GABRIEL FAURÉ, Barcarolle No. 9, Op. 101
GABRIEL FAURÉ, Nocturne No. 12, Op. 107
GABRIEL FAURÉ, Impromptu No. 5, Op. 102
GABRIEL FAURÉ, Valse caprice No. 4, Op. 62
INTERMISSION
LUCAS DEBARGUE, Suite in D minor
LUCAS DEBARGUE, Prelude
LUCAS DEBARGUE, Pantomime
LUCAS DEBARGUE, Sarabande
LUCAS DEBARGUE, Menuet Guerrier
LUCAS DEBARGUE, Gigue
ALEXANDER SCRIABIN, Sonata No. 3 in F-sharp minor, Op. 23

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R&B / rap

Nelly au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Artiste hip-hop récompensé aux Grammy Awards, Nelly a enregistré avec les St. Lunatics. Il s’est fait connaître grâce à l’album “Country Grammar” sorti en 2000 qui s’est vendu à plus de huit millions de copies.

A Grammy Award-winning hip-hop artist, Nelly has recorded with the St. Lunatics. He made his name with the album “Country Grammar”, released in 2000, which sold over eight million copies.

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Experimental Rock / Indie Rock / Lo-Fi

Mount Eerie au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Sous le nom de Mount Eerie, l’auteur-compositeur, multi-instrumentiste et producteur originaire de l’État de Washington Phil Elverum prolonge l’exploration introspective et profondément personnelle entamée avec The Microphones. Ses paroles confessionnelles et sa narration fluide restent les constantes de sa musique, un mélange impressionniste d’ambient, de folk et de black metal qui amplifie le sentiment d’émerveillement propre à son œuvre. Sur ses premiers albums, comme No Flashlight (2005), la différence entre Mount Eerie et The Microphones était subtile, mais les disques suivants ont révélé l’étendue de son évolution. La majesté influencée par le metal de Wind’s Poem (2009), les méditations électro-acoustiques sereines de Clear Moon et les paysages sonores denses de Ocean’s Roar ont apporté des nuances distinctes à ses réflexions sur la vie et la mort. Elverum a documenté le deuil de sa femme Geneviève Castrée sur A Crow Looked at Me (2017) et Now Only (2018), deux albums salués pour leur expression poignante et sans fard de la douleur. Avec Night Palace (2024), il boucle la boucle en réunissant les sonorités lo-fi des débuts de Mount Eerie avec une écriture poétique.

As Mount Eerie, Washington state songwriter/multi-instrumentalist/producer Phil Elverum expands on the searching, deeply personal feel of his work with the Microphones. His confessional lyrics and free-flowing storytelling are the main constants of his music, an impressionistic blend of ambient, folk, and black metal that heightens the feeling of wonder in his work. On early albums such as 2005’s No Flashlight, the difference between Elverum’s work as Mount Eerie and the Microphones was subtle, but later releases showed how much his range had grown. The metal-influenced majesty of 2009’s Wind’s Poem, the serene electro-acoustic meditations of Clear Moon, and the dense soundscapes of Ocean’s Roar imbued his musings on life and death with distinct nuances. Elverum documented the aftermath of his wife Geneviève Castrée’s death on 2017’s A Crow Looked at Me and 2018’s Now Only, both widely acclaimed for their eloquent, unflinching expressions of grief. On 2024’s Night Palace, Elverum brought Mount Eerie full-circle by uniting the lo-fi sounds of the project’s early days with poetic songwriting.

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Africa / chaoui / Raï

Festival International Nuits d’Afrique : AfirkA à la scène Loto-Québec

by Rédaction PAN M 360

Pivot du projet d’AfirkA, le partage généreux avec le public du doux souvenir d’insouciantes et chaleureuses soirées remplies de joie et de rires ; de fêtes rassembleuses, libératrices et décomplexées, cadencées par les musiques populaires d’Algérie, défiées par les longs youyous enthousiastes. Authentiques et énergiques, s’appuyant sur une instrumentation composée de la darbouka, de la mandole, de la guitare et du violon, leurs reprises passionnées et urbaines de succès aux intonations raï, chaoui et kabyle rappellent à quel point les rythmes de leur pays sont cosmopolites par essence.

At the heart of AfirkA is the shared experience of exhilarating, carefree evenings filled with joy and laughter; inclusive, liberating, exuberant celebrations, pulsating with Algeria’s rhythmic pop sound and punctuated by long, enthusiastic ululations and a cheering crowd. Passionate, urban and energizing, the band features the darbouka, mandola, guitar and violin while its covers of raï, chaoui and kabyle hits are a wonderful reminder of the inherently cosmopolitan nature of Algerian rhythms.

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Jazz / latino / Salsa

Festival International Nuits d’Afrique : Team Salsa Sextet à la scène TD

by Rédaction PAN M 360

“La Salsa n’est pas un rythme. C’est un concept” (Willie Colón, pionnier du New York Sound dans les années 70). Cette musique de la rue, née dans la Grosse Pomme, est une musique d’immigrés. Une musique entrelaçant différents rythmes, propulsée par la diaspora latine, particulièrement cubaine et portoricaine, dans une tentative éperdue de se forger une identité propre, sur fond de revendications sociales. Aussi inspirée par la liberté d’improvisation du jazz et du rock, la salsa met en valeur les rythmes afro-descendants qui ont pollinisé les folklores caribéens dès le 16e siècle. Elle défie tous les codes. C’est cette fureur de vivre, d’exister, de danser, que cultive Team Salsa Sextet à la ferveur des percussions et à la puissance des cuivres.

“Salsa is not a rhythm, it’s a concept” (Willie Colón, pioneer of the “New York Sound” in the 1970s). Salsa emerged organically from immigrant communities in the heart of the Big Apple, with a melting pot of rhythms propelled by the Latin American diaspora, especially Cuban and Puerto Rican, in a bursting effort to forge a distinct identity against a backdrop of social demands. Inspired by the improvisational spirit of jazz and rock, it is a fusion of genres that emphasize the African roots of the traditional rhythms that have shaped Caribbean folk music since the 16th century. Team Salsa Sextet cultivates this passion for life, for being alive and for dancing, through the fervour of percussion and power of brass vibes.

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Chanson francophone / hommage

Francos de Montréal : D’eux, 30 ans déjà – Célébrons Céline! à la salle Wilfrid-Pelletier

by Rédaction PAN M 360

Il y a 30 ans, Céline Dion lançait l’album D’eux écrit et réalisé par Jean-Jacques Goldman, union parfaite entre une interprète à la voix unique et un auteur-compositeur des plus doués. Succès historique : D’eux fracasse tous les records, gagne le cœur du public et devient le disque de langue française le plus vendu mondialement, s’écoulant à près de 10 millions d’exemplaires, inspirant au passage une multitude d’artistes. Pour célébrer ces immenses chansons, ainsi que quelques autres succès nés de cette union légendaire, et pour rendre hommage à notre grande Céline Dion : 7 artistes d’âges et d’horizons différents monteront sur scène pour interpréter ensemble cette œuvre culte, qui depuis trois décennies a marqué plus d’une génération. Une soirée qui s’annonce exceptionnelle en compagnie de Marie Denise Pelletier, Ariane Roy, Martine St-Clair, Lou-Adriane Cassidy, Brigitte Boisjoli, Safia Nolin et Rita Baga. Sept voix d’exception qui feront certainement vivre de grandes émotions et un moment inoubliable aux spectatrices et aux spectateurs présent·es ! De « Destin » à « Je sais pas », « Les Derniers seront les premiers », « Cherche encore », « Regarde-moi » sans oublier « Pour que tu m’aimes encore », il faut assurément se remettre en tête et en voix ces classiques avant d’assister à cette soirée unique où chanter en chœur sera bienvenu. Pour célébrer Céline, ça commence avec ce refrain : J’irai où tu iras / Qu’importe la place / Qu’importe l’endroit. C’est une invitation !

Thirty years ago, Céline Dion released D’eux, an album written and produced by Jean-Jacques Goldman — a perfect union between a one-of-a-kind vocalist and one of the most gifted songwriters of his generation. A historic success, D’eux shattered records, captured the hearts of listeners, and became the best-selling French-language album of all time, with nearly 10 million copies sold worldwide. Its impact has inspired countless artists over the years. To celebrate these timeless songs — as well as other beloved tracks born of this legendary collaboration — seven artists from different generations and backgrounds will come together on stage to pay tribute to our beloved Céline Dion. Get ready for an extraordinary evening featuring Marie Denise Pelletier, Ariane Roy, Martine St-Clair, Lou-Adriane Cassidy, Brigitte Boisjoli, Safia Nolin, and Rita Baga. Seven remarkable voices sure to stir deep emotion and create an unforgettable experience for everyone in the audience. From Destin to Je sais pas, Les Derniers seront les premiers, Cherche encore, Regarde-moi, and of course Pour que tu m’aimes encore, it’s time to refresh your memory — and your vocal cords — before this one-of-a-kind night where singing along will be more than welcome. To celebrate Céline, it all begins with this refrain: J’irai où tu iras / Qu’importe la place / Qu’importe l’endroit. This is your invitation!

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cinéma / classique

OSM : Le fantôme de l’opéra

by Rédaction PAN M 360

À 100 ans, Le fantôme de l’opéra n’a pas pris une ride! Redécouvrez ce chef-d’œuvre du cinéma fantastique de 1925 illustré musicalement par l’organiste Jason Roberts. Le Fantôme errant dans les coulisses d’un opéra parisien, est un prodige musical défiguré, fasciné par la musique et obsédé par une artiste. Ce mystérieux personnage incarne à la fois le génie incompris et la marginalisation. Un ciné-concert saisissant où suspense, puissance et improvisation à l’orgue se rencontrent!

The Phantom of the Opera is still captivating audiences a century later! Experience this 1925 fantasy film classic like never before, with musical accompaniment by organist Jason Roberts. Haunting the depths of a Parisian opera house, the disfigured phantom—both a musical genius and a tragic outcast—is consumed by his obsession with music and a particular singer. This thrilling film concert blends drama and suspense with masterful organ improvisation for an unforgettable cinematic experience.

Programme

Le fantôme de l’opéra, 1925 (114 min) avec projection

Program

The Phantom of the Opera, 1925 (114 min) with screening

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Afro Funk / Afrobeat / Blues

Festival International Nuits d’Afrique : Boulila Fusion gnawa avec Jean-Philippe Grégoire au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Le gnawa. Un rite, une musique, des danses. Un art inscrit au patrimoine culturel immatériel de l’humanité de l’Unesco. La mémoire ancestrale, mystique, d’une ascendance d’Afrique sub-saharienne. Profondément ancrée dans la tradition, portée par les vibrations graves des cordes du guembri et le son claquant des karkabous, amplifiée par des répétitions entêtantes, ferment d’une transe libératrice, la musique de Boulila, lauréat des Syli d’or de la musique du monde 2021, renouvelle les codes de ce genre à la fois festif et thérapeutique par une instrumentation alliant guitare, saxophone, basse, piano et batterie, révélant l’africanité des musiques populaires occidentales.
La versatilité des rythmes marocains sera à l’honneur de ces trois soirées étoilées où Boulila jammera avec trois émissaires de la scène montréalaise.
Soirée fusion gnawa | avec Jean-Philippe Grégoire: Ce guitariste jazz formé au Conservatoire de Paris, détenteur d’une licence en musicologie de la Sorbonne, et passé par la Berklee College of Music à Boston, “essaie d’intégrer des éléments d’improvisation jazz à la musique traditionnelle gnaouie, tout en veillant à en respecter l’intégrité”.

Gnawa. Ritual, music, dance. This artistic form of expression, inscribed on UNESCO’s Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity, stems from a distant and mystical cultural memory rooted in sub-Saharan Africa. Boulila’s music is strongly grounded in tradition, carried by the low vibrations of the guembri’s strings and the clinking of the krakebs, and is amplified by intoxicating repetition and the ferment of a liberating trance. Winners of the 2021 Syli d’or de la musique du monde, the group revisits the conventions of this festive and therapeutic musical genre with instrumentation that combines guitar, saxophone, bass, piano and drums, exposing the African roots of popular Western music.
The versatility of Moroccan rhythms will be the focus of these three star-studded evenings, as Boulila jams with three emissaries from the Montreal scene.
Gnawa Fusion evening | with Jean-Philippe Grégoire: This jazz guitarist, who trained at the Conservatoire de Paris, holds a Musicology degree from the Sorbonne and studied at Boston’s Berklee College of Music, “tries to integrate aspects of jazz improvisation into traditional Gnawa music, while taking care to respect its integrity.”

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Maloya

Festival International Nuits d’Afrique : Kozé à la scène TD

by Rédaction PAN M 360

En créole réunionnais, “kozé” signifie “parler, communiquer”. L’ambition du groupe est de partager le folklore de son île. 100 % maloya, avec ses roulèr, kayamb, pikèr et sati qui donnent le tempo, la musique de Kozé est aussi sauvage et rafraîchissante que l’océan, aussi dense et précieuse que la forêt, aussi rugueuse et impétueuse que le volcan. Inscrit sur la liste du Patrimoine culturel immatériel de l’humanité depuis 2009, mémoire métissée des esclaves du passé, devenu hymne contestataire, le maloya, dont l’aura est quasi sacrée, est un chant, une musique, une danse… une identité.

In Reunionese Creole, “kozé” means “to speak, to communicate,” and that’s how this group spreads its island’s folk traditions. With roulèr, kayamb, piker and sati rhythms providing the tempo, Kosé’s music is 100% maloya: as wild and refreshing as the ocean, as dense and precious as the forest, as rugged and impetuous as a volcano! Inscribed on the Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity in 2009, maloya retains the memory and mixed heritage of slaves from the past as a kind of protest anthem, and its quasi-sacred aura means that it is much more than traditional songs, music and dance—it has become the island’s identity.

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Africa / Reggae

Festival International Nuits d’Afrique : Idriss LeViking Noir à la scène TD

by Rédaction PAN M 360

Il occupe pleinement la scène et ça bouge. Il faut dire que, comme son nom l’indique, il en impose, Idriss le Viking Noir! Avec 25 ans de métier derrière la cravate… qu’il ne porte pas, Tonton n’a pas la langue dans sa poche. C’est un ambianceur. Sur des grooves mandingues du feu de Dieu, cadeaux d’un orchestre composé de musiciens aguerris, tel un sage un peu frondeur qui pompe dans son passé d’animateur, Idriss, conquérant sympathique et décomplexé, distille ses conseils et conte la vie, de sa voix qui porte et de laquelle pointent des accents reggae.

As his name suggests, Idriss le Viking Noir sets the stage ablaze with his fiery energy. Twenty-five years into his musical career, Tonton Idriss is never at a loss for words, and he certainly knows how to light up a crowd with his performances. Against a backdrop of exuberant mandinka rhythms, courtesy of his band of seasoned musicians, this wise, slightly rebellious man becomes a friendly, easy-going conqueror who draws on his background as an entertainer to spread his wisdom and tell life’s story in his powerful voice with a hint of a reggae accent.

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Gypsy Jazz / Latin Pop / latino

Festival International de Jazz de Montréal : Monsieur Periné à la scène TD

by Rédaction PAN M 360

Fusion éclatante d’art, de mode et de styles musicaux allant du jazz manouche à la pop en passant par diverses traditions latines, Monsieur Periné s’est imposé dès le début des années 2010 comme l’un des ensembles les plus créatifs de Bogotá. Dès la sortie de leur premier album en 2012, certifié disque d’or, le groupe attire l’attention et remporte en 2015 le Latin Grammy du Meilleur nouvel artiste. Mené par la voix douce et expressive de la chanteuse Catalina García, le groupe livre en 2018 Encanto Tropical, un troisième album qui marie la scène latinx contemporaine à des boléros passionnés, des tangos jazzy et de somptueuses ballades romantiques.

A vivid confluence of art, fashion, and musical styles ranging from gypsy jazz, pop, and various Latin traditions, Columbia’s Monsieur Periné emerged in the early years of the 2010s as one of Bogotá’s most creative ensembles. After their 2012 debut earned gold status, the group was named Best New Artist at the 2015 Latin Grammy Awards. Fronted by dulcet-voiced singer Catalina García, their third album, 2018’s Encanto Tropical, blended elements of the contemporary Latinx scene with bolero torch songs, jazzy tangos, and lush romantic ballads.

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Bluegrass / boogie-rock / Folk

Festival International de Jazz de Montréal : Tommy Emmanuel au Théâtre Maisonneuve

by Rédaction PAN M 360

Auteur-compositeur et interprète, Tommy Emmanuel est un creuset d’influences de tous les genres, de la pop au bluegrass et du jazz au rock n’ roll. Pour lui, la musique est faite de rythme et d’émotion, toutes les autres distinctions n’ont pas de sens.
Le légendaire artiste qui a ébloui les publics du monde entier, a reçu un Grammy Award, plusieurs ARIA Awards et d’innombrables récompenses, mais rien ne signifie plus pour lui que les trois lettres que Chet Atkins a placées à la fin de son nom : C.G.P. Le titre de Certified Guitar Player était le plus grand honneur qu’Atkins pouvait accorder à un autre guitariste – un signe que le récipiendaire avait non seulement maîtrisé l’instrument, mais qu’il l’avait emmené vers de nouveaux horizons et qu’il était devenu un guide pour la prochaine génération de guitaristes.
Tous ceux qui ont vu Tommy jouer vous le diront : le chanteur est là, tout comme le batteur, le bassiste, le guitariste rythmique et le guitariste principal. D’une manière qu’il faut souvent voir pour le croire, Tommy joue simultanément toutes les parties d’un groupe complet, ses doigts dansant sur le manche avec une dextérité et une rapidité qui sembleraient impossibles si l’on n’en était pas témoin.
La détermination de Tommy à divertir et à émouvoir le public grâce au pouvoir de la musique reste intacte alors qu’il approche de sa septième décennie en tant qu’artiste.

Songwriter and a performer, Tommy Emmanuel is a melting pot of influences across genres, form pop to bluegrass and jazz to rock n’ roll. To him, music is rhythm and emotion, all other distinctions are meaningless.
The legendary entertainer has dazzled audiences across the world. Tommy has a Grammy Award, multiple ARIA Awards and countless accolades, but nothing means more to Tommy than the three letters Chet Atkins designated at the end of Tommy’s name: C.G.P. The title of Certified Guitar Player was the highest honor Atkins could bestow on another player – a signifier that the recipient had not only mastered the instrument but taken it to new vistas and become a guiding light for the next generation of pickers.
Anyone who has seen Tommy play will tell you, the vocalist is there, as is the drummer, the bass player and the rhythm and lead guitarists. In a way that must often be seen to be believed, Tommy plays all the parts of a full band simultaneously, his fingers dancing around the fretboard with a dexterity and speed that would seem impossible if you weren’t witnessing it.
Tommy’s determination to entertain and move audiences through the power of music, remains undimmed as he closes in on his seventh decade as a performer.

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