La SAT accueille 1morning (US), Mike Larry et Asha b2b Runa pour une soirée techno, break et bass.
SAT welcomes 1morning (US), Mike Larry and Asha b2b Runa for an evening of techno, break and bass.
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Ce contenu provient de la Société des arts technologiques et est adapté par PAN M 360.
Michael Formanek a été décrit comme « un bassiste et compositeur audacieux et inclassable », tandis que le New York Times a noté que sa musique est toujours « gracieuse dans ses subversions, souvent même somptueuse ». Qu’il s’agisse d’un petit groupe ou d’un grand ensemble, il crée un jazz moderne à la fois terreux et atmosphérique, toujours animé de mélodies sombres et de rythmes profonds, riche en possibilités dynamiques et en sonorités surprenantes.
Même s’il a des décennies d’expérience à son actif – il a fait ses débuts en tant qu’adolescent de la Bay Area en jouant avec des musiciens comme Joe Henderson et Tony Williams – Formanek a fait certains de ses plus grands bonds créatifs au cours des dernières années, comme en témoigne une série d’enregistrements justement loués.
Michael Formanek has been described as “a bold and unclassifiable bassist and composer,” while The New York Times has noted that his music is always “graceful in its subversions, often even sumptuous.” Whether it’s for a small band or a large ensemble, he creates modern jazz that is earthy yet atmospheric, always alive with dark-hued melody and bone-deep rhythms, rich in dynamic possibility and the sound of surprise.
Even with decades of experience to his credit – he got his start as a Bay Area teenager playing with the likes of Joe Henderson and Tony Williams – Formanek has made some of his keenest creative leaps in recent years, documented on a sequence of justly lauded recordings.
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Ce contenu provient de OFF JAZZ et est adapté par PAN M 360.
Guynard & New Formule est un groupe orchestré par Guynard Mungu alias Inspecto, véritable sensation de la rumba congolaise.
Guynard & New Formule is a band orchestrated by Guynard Mungu alias Inspecto, a true Congolese rumba sensation.
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Ce contenu provient du Club Balattou et est adapté par PAN M 360.
Architek Percussion
Architek Percussion, aux côtés des pianistes Pamela Reimer et Daniel Añez, propose une expérience de concert unique, définie par la juxtaposition de nuances subtiles et de vagues sonores puissantes. Deux œuvres d’envergure au programme: Angel’s Share (2020) d’Andrea Young, une œuvre méditative pour quatuor à percussion, explore l’univers complexe et évolutif des arômes du scotch, en s’inspirant de trois whiskys single malt rares de la distillerie Ardbeg. L’exploration par Young de timbres profonds, de masses sonores denses et de la mélancolie envoûtante des scies musicales invite le public à une expérience de synesthésie sensorielle entre le goût et l’ouïe. Architek Percussion s’associe ensuite aux pianistes montréalais Pamela Reimer et Daniel Añez pour présenter une interprétation de l’œuvre minimaliste séminale de Julius Eastman, Gay Guerrilla. Cette performance contribue à réaffirmer la place d’Eastman comme l’un des compositeurs les plus novateurs de son époque, un statut qui lui fut initialement dénié en raison de sa race et de son orientation sexuelle.
Architek Percussion, alongside pianists Pamela Reimer and Daniel Añez, presents two works by Andrea Young and Julius Eastman. A unique concert experience characterized by the juxtaposition of subtle nuances and powerful sound waves. Two major works are on the program: Angel’s Share (2020) by Andrea Young, a meditative work for percussion quartet, explores the complex and evolving universe of scotch aromas, inspired by three rare single malt whiskies from the Ardbeg distillery. Young’s exploration of deep timbres, dense sound masses, and the haunting melancholy of musical saws invites the audience to a sensory synaesthetic experience between taste and hearing. Architek Percussion then joins Montreal pianists Pamela Reimer and Daniel Añez for a performance of Julius Eastman’s seminal minimalist work, Gay Guerrilla. This performance helps to reaffirm Eastman’s place as one of the most innovative composers of his time, a status that was initially denied to him because of his race and sexual orientation.
Julius Eastman était un compositeur, pianiste et chanteur afro-américain manifestement queer, qui était un augure précoce du post-minimalisme. Bien que son travail ait reçu un accueil très favorable (ses compositions préfigurent l’œuvre ultérieure d’Arthur Russell et de Rhys Chatham, et son enregistrement des Eight Songs for a Mad King de Peter Maxwell Davies est considéré comme un classique), il a été systématiquement exclu de tous les emplois, sauf les plus précaires, et est mort sans abri en 1990. Son décès n’a été signalé que huit mois plus tard.
Julius Eastman was an openly queer African- American composer, pianist and vocalist, who was an early augur of post-minimalism. While his work received considerable acclaim (his compositions presaged the later work of Arthur Russell and Rhys Chatham, and his recording of Peter Maxwell Davies’ Songs for a Mad King is considered a classic) he was systematically excluded from all but the most precarious of employment and died homeless in 1990. His death was not reported until eight months later.
The Holy Presence of Joan D’Arc a été créée à The Kitchen en 1981, mais la partition a été perdue et il ne restait qu’un enregistrement d’archives que la compositrice Clarice Jensen a utilisé pour construire minutieusement une transcription.Dans cet enregistrement vidéo, le violoncelliste Amahl Arulanandam interprète les dix parties de The Holy Presence of Joan D’Arc en écran partagé – un exploit virtuose qui a nécessité l’enregistrement et la synchronisation de plus de trois heures de séquences vidéo !
The Holy Presence of Joan D’Arc was originally premiered at the Kitchen in 1981, but the score was lost, and all that remained was an archival recording which composer Clarice Jensen used to painstakingly construct a transcription., In this video recording, cellist Amahl Arulanandam performs all The Holy Presence of Joan D’Arc’s ten cello parts in split screen format – a virtuoso feat which involved recording and synchronizing more than three hours of video footage!
Amahl Arulanandam
Le violoncelliste torontois Amahl Arulanandam est connu pour sa polyvalence musicale et sa capacité à s’adapter à de nombreux genres différents, allant du baroque au death metal. Se sentant à l’aise dans les studios, les petits clubs et les grandes salles de concert, Amahl est connu comme un fervent défenseur de la musique de notre temps, se produisant avec des ensembles tels que Soundstreams, New Music Concerts, Tapestry Opera et Esprit Orchestra, ainsi qu’avec des apparitions régulières au 21C Music Festival. Il a eu l’occasion de travailler en étroite collaboration avec des compositeurs de premier plan tels que Salvatore Sciarrino, Marco Stroppa, Ana Sokolovic, Luna Pearl Woolf et Brian Current. En tant que soliste et chambriste, Amahl a présenté plusieurs récitals et s’est produit aux côtés d’artistes tels que David Geringas, Robert Aitken, Steven Dann, Angela Cheng et Jeffrey Beecher. Il a effectué une tournée aux États-Unis avec l’ensemble de violoncelles de Matt Haimovitz, Uccello, et a été l’un des artistes vedettes du Festival de musique de chambre de Salzbourg et du Festival de musique de chambre d’Ottawa.
Amahl Arulanandam is a Toronto-based cellist known for his musical versatility and ability to adapt to many different genres ranging from baroque to death metal. Feeling at home in studios, small clubs, and large concert-halls, Amahl is known as a strong advocate for the music of our time, performing with ensembles such as Soundstreams, New Music Concerts, Tapestry Opera and Esprit Orchestra, as well as regular appearances at the 21C Music Festival. He has had the opportunity to work closely with leading composers such as Salvatore Sciarrino, Marco Stroppa, Ana Sokolovic, Luna Pearl Woolf, and Brian Current. As a soloist and chamber musician, Amahl has presented several recitals and performed alongside artists such as David Geringas, Robert Aitken, Steven Dann, Angela Cheng, and Jeffrey Beecher. He toured the US with Matt Haimovitz’s all-cello ensemble, Uccello, and was a featured artist at the Salzburg Chamber Music Festival and Ottawa Chamberfest.
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Ce contenu provient du festival FLUX et est adapté par PAN M 360
Le Quatuor Molinari souligne le 20e anniversaire du décès de Guido Molinari en interprétant des œuvres inspirées de ses toiles et de ses sculptures, ainsi que l’ultime quatuor d’Anton Webern, son compositeur préféré. Des projections d’œuvres du grand peintre québécois accompagneront le concert.
The Molinari Quartet marks the 20th anniversary of Guido Molinari’s death by performing works inspired by his paintings and sculptures, as well as the ultimate quartet by Anton Webern, his favorite composer. Projections of works by the great Quebec painter will accompany the concert.
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Ce contenu provient du Quatuor Molinari et est adapté par PAN M 360.
La Fondation PHI pour l’art contemporain est fière de présenter Oma-je, la plus grande exposition en Amérique du Nord de l’artiste française de renom Laure Prouvost, qui ouvrira ses portes au public le 1er novembre 2024. Adaptée de la version proposée en 2023 au Remai Modern à Saskatoon, cette exposition immersive se déploiera dans les sept galeries de la Fondation PHI à Montréal. Oma-je célèbre les relations de Prouvost avec sa famille, ses ami·e·s et leurs proches, ainsi que les penseur·euse·s, militant·e·s, personnalités et prédécesseur·e·s artistiques qui l’ont inspirée. L’exposition met à l’honneur à la fois l’héritage intellectuel et les modes de connaissance incarnés, déplaçant l’attention du grand-père à la grand-mère et de l’aïeul à l’aïeule. Elle chante l’amour, le toucher et l’enseignement, des thèmes profondément liés.
The Fondation PHI pour l’art contemporain is proud to present Oma-je, the largest exhibition in North America by renowned French artist Laure Prouvost, opening to the public on November 1, 2024. Adapted from the 2023 version at Remai Modern in Saskatoon, this immersive exhibition will unfold in the seven galleries of Fondation PHI in Montreal. Oma-je celebrates Prouvost’s relationships with her family, friends and loved ones, as well as the thinkers, activists, personalities and artistic predecessors who inspired her. The exhibition celebrates both intellectual heritage and embodied ways of knowing, shifting the focus from grandfather to grandmother and from forefather to foremother. She sings of love, touch and teaching, themes that are deeply intertwined.
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Ce contenu provient du Centre PHI et est adapté par PAN M 360.
Le brillant Concerto pour piano no 1 de Beethoven répond encore aux canons esthétiques du classicisme; toutefois, cette partition enjouée est entrecoupée d’accents typiquement beethovéniens annonciateurs d’un style très personnel. Depuis sa création, la Symphonie fantastique de Berlioz n’a cessé de susciter l’enthousiasme du public. Elle demeure l’une des œuvres phares du répertoire symphonique tant par son originalité que par la variété et la puissance de son orchestration.
Beethoven’s brilliant Piano Concerto No. 1 still conforms to the aesthetic canons of classicism; however, this playful score is interspersed with typically Beethovenian accents heralding a highly personal style. Since its premiere, Berlioz’s Symphonie fantastique has never ceased to arouse public enthusiasm. It remains one of the leading works of the symphonic repertoire, as much for its originality as for the variety and power of its orchestration.
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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360
Rêves codés est une exposition immersive qui vous encourage à explorer les frontières de l’intelligence artificielle (IA) et à déverrouiller les portes de l’imaginaire à travers deux expériences uniques et captivantes. Vous êtes invité·e·s à devenir parties prenantes des œuvres en influençant les récits qui vous seront dévoilés à travers celles-ci.
Préparez-vous à entrer dans un univers où la technologie et l’art se rencontrent pour tisser des récits envoûtants, où les données complexes se transforment en expériences oniriques, interactives et participatives.
Découvrez tout d’abord Tulpamancer, une œuvre de réalité virtuelle innovante qui vous invite à une exploration unique de vous-même. En partageant vos souvenirs et vos visions du futur, vous deviendrez l’architecte d’une rencontre intime et fascinante avec votre Tulpa, cette intelligence artificielle qui explorera et proposera une réflexion sur le récit de votre histoire personnelle.
Poursuivez ensuite votre exploration avec The Golden Key, une œuvre immersive qui réinvente les contes folkloriques grâce à l’intelligence artificielle. Plongez dans une histoire sans fin où chaque choix que vous faites influence le déroulement du récit. Cette expérience unique est une invitation à façonner ensemble une histoire collective, en puisant dans les mythes et légendes du monde entier. Participez à l’écriture de ce récit commun, où chaque contribution enrichit et modifie le tissu du conte, transformant chaque visite en une aventure inédite.
En interagissant avec des environnements virtuels, vous serez transporté·e·s dans des mondes façonnés par des algorithmes intelligents, où votre imagination guide la création et votre participation est essentielle pour donner vie à des récits uniques.
Coded Dreams is an immersive exhibition that encourages you to explore the frontiers of artificial intelligence (AI) and unlock the doors of the imagination through two unique and captivating experiences. You’re invited to become part of the works by influencing the stories that will be revealed through them.
Prepare to enter a universe where technology and art meet to weave spellbinding narratives, where complex data is transformed into dreamlike, interactive and participatory experiences.
First, discover Tulpamancer, an innovative virtual reality work that invites you to a unique exploration of yourself. By sharing your memories and visions of the future, you’ll become the architect of an intimate and fascinating encounter with your Tulpa, an artificial intelligence that will explore and reflect on your personal story.
Then continue your exploration with The Golden Key, an immersive work that uses artificial intelligence to reinvent folk tales. Immerse yourself in a never-ending story, where every choice you make influences the course of the narrative. This unique experience is an invitation to shape a collective story together, drawing on myths and legends from all over the world. Take part in the writing of this shared narrative, where every contribution enriches and modifies the fabric of the tale, transforming each visit into an original adventure.
By interacting with virtual environments, you’ll be transported into worlds shaped by intelligent algorithms, where your imagination guides the creation and your participation is essential to bring unique stories to life.
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Ce contenu provient du Centre PHI et est adapté par PAN M 360.
Project Immersed propose des expériences intimes explorant comment la musique et le son influencent la santé et le bien-être. Cet événement crée des liens entre les passionné·e·s de musique, les créateur·trice·s, les scientifiques et les technologues, favorisant la créativité et la curiosité.
Le thème de cette année, Guides Sonores, invite artistes et participants à créer et explorer des œuvres qui servent de guides dans un voyage de découverte personnelle et d’harmonie collective, mettant en valeur le pouvoir transformateur de la musique et du son.
Project Immersed offers intimate experiences exploring how music and sound influence health and well-being. The event connects music enthusiasts, creators, scientists and technologists, fostering creativity and curiosity.
This year’s theme, Sound Guides, invites artists and participants to create and explore works that serve as guides in a journey of personal discovery and collective harmony, highlighting the transformative power of music and sound.
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Ce contenu provient du Centre PHI et est adapté par PAN M 360.
Sunforger
Sunforger est un groupe post-punk vénéré de Montréal. Un premier album sorti en 2023, des tournées aux États-Unis, des performances dans des festivals canadiens et une musique défiant les attentes leur ont valu un culte international. Une cadence circulaire dans des signatures rythmiques étranges et des accords impossibles à reproduire sous-tendent des éclats étroitement orchestrés de chansons émotives, distinctives et entraînantes.
Sunforger are venerated post-punks from Montreal, Quebec. A 2023 debut album, U.S. tours, Canadian festival performances, and expectation-defying music have garnered them an international cult following. Circular cadence in odd time signatures and unreplicatable tunings underlie tightly-orchestrated bursts of emotive, distinctive, and catchy song.
Gawbé
Gawbé est un projet de rock alternatif francophone slacker et dramatique de Québec. Avec ses mélodies qui adhèrent à la musique et aux tympans, Gabrielle Côté y raconte ses histoires familières et intimes avec une voix enveloppante et singulière ainsi qu’un pop rock variant entre hargne, relâchement et douceur mélancolique.
Gawbé is a french-speaking alternative rock project firmly rooted in Quebec City. Like an island of freshness for urban youth, Gabrielle Côté tells her relatable and intimate stories with a relaxed and lively attitude.
Knitting
knitting, d’abord un projet d’hibernation de pandémie, est maintenant devenu une entité indie rock montréalaise à part entière. Avec « des guitares sinueuses et entraînantes… et des refrains irrésistibles » (FME), knitting produit du rock indie aux paroles introspectives qui évoque la nostalgie des groupes de rock alternatif des années 90 comme Pavement, Pixies et Sonic Youth. Nichée entre les guitares entrelacées, les lignes de basse dynamiques et les batteries explosives, la voix subtile de Dempsey raconte les crush inexplicables, les mauvaises habitudes et la mélancolie de l’été. Les chansons de knitting sont sincères et brutes, offrant une représentation queer/trans réfléchie qui diversifie la portée des récits qui ont historiquement été au centre de la musique rock indie. Formé il y a deux ans, knitting a partagé la scène avec des groupes tels que Cherry Glazerr, Loving et Truth Club, et a participé à des tournées et des festivals partout en Amérique du Nord. Suite à son EP éponyme de 2021 le groupe fait suivre deux singles autoproduits — « throwaway year » (2022) et « fix » (2023). Après être entré en studio avec Scott Munro (Preoccupations), le très attendu premier album de knitting sortira le 6 septembre 2024 sur Mint Records.
What started out as a pandemic hibernation project is now the fully fledged Montreal indie-rock-unit knitting. With “sinuous, bouncy guitars…and choruses that have the potential to metamorphose into earworms” (FME), knitting makes guitar driven and lyrically introspective indie rock evoking the nostalgia of 90s alternative rock bands like Pavement, Pixies and Sonic Youth. Nestled among entwined guitars, rousing basslines, and explosive drums, Dempsey’s subtle vocals recount bizarre crushes, bad habits, and summertime melancholy. knitting’s songs are earnest and raw, giving reflexive queer/trans representation that diversifies the scope of narratives historically given space in indie rock music. Formed two years ago, knitting has shared the stage with the likes of Cherry Glazerr, Loving and Truth Club, and toured and performed at festivals across North America. The band followed up their 2021 self-titled EP with two self-produced singles – throwaway year (2022) and fix (2023). After going into the studio with Scott Munro (Preoccupations), knitting’s highly anticipated debut album comes out September 6 2024 on Mint Records.
Pompey
La composition de chansons de Pompey est nourrie par une recherche constant de confort. Parfois ça marche, parfois ça met en lumière une vérité cachée, moins confortable, qui finit par être une meilleure chanson. La dernière album de Pompey, “ionlyfitinyourarms”, est une collection de chansons folk intimistes sur la vie et autre chose.
Pompey’s songwriting is fuelled by an ongoing search for comfort. Sometimes it works, sometimes it unearths a hidden, less comfortable truth that ends up being a better song. Pompey’s most recent release, ionlyfitinyourarms is a collection of sparsely-produced, bedroom folk songs about life and stuff.
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The Fleshtones
Dans un monde où il n’y a plus de héros, les Fleshtones parcourent la terre tels des dieux romains.
Depuis leur création en 1976 dans le Queens, à New York, et leur gestation en sueur et arrosée dans des lieux légendaires tels que le CBGB, Max’s Kansas City et le légendaire Club 57 – récemment célébré au Museum of Modern Art, où leur proto-vidéo underground “Soul City” était destiné aux stars de l’art, aux paillettes et à une flopée de punk rockers qui ont réussi à franchir la porte d’entrée – ils ont perpétré leur marque exclusive SUPER ROCK, un amalgame frénétique de garage punk et de soul, ponctué par le grand battre et se déchaîner avec la majesté spectaculaire du show business qui les maintient sur la route depuis plus de quarante ans, adorés par un public dont l’amour pour eux confine à la ferveur religieuse.
In a world where there are no more heroes, the Fleshtones walk the earth like Roman gods.
Since their inception in 1976 in Queens, New York, and their sweaty, boozy gestation at legendary venues such as CBGB, Max’s Kansas City, and the storied Club 57— recently feted at the Museum of Modern Art, where their proto-video underground film“Soul City” was unspooled for art stars, glitterati, and a raft of punk rockers who managed to get past the front gate — they have perpetrated their proprietary brand of SUPER ROCK, a frenetic amalgam of garage punk and soul, punctuated by the big beat and unleashed with the spectacular show business majesty which has kept them on the road for over forty years, adored by audiences whose love for them borders on religious fervor.
Los Bitchos
Los Bitchos est de retour et meilleur que jamais ! Depuis le lancement de leur premier album très apprécié, « Let the Festivities Begin », avec City Slang en février 2022, le quatuor instrumental féminin pancontinental basé à Londres a captivé le public du monde entier. Ils ont donné plus de 200 spectacles, dont des apparitions légendaires à Glastonbury, des tournées de soutien avec King Gizzard et un passage légendaire en Australie. Leur présence dynamique en live reste inégalée.
Los Bitchos is back and better than ever! Since the launch of their much-loved debut album, ‘Let the Festivities Begin,’ with City Slang in February 2022, the London-based, pan-continental female instrumental four-piece has captivated audiences worldwide. They’ve performed over 200 shows, including legendary appearances at Glastonbury, and supporting tours with King Gizzard, and a legendary stint to Australia. Their dynamic live presence remains unparalleled.
Karneef
Karneef est un compositeur et chanteur de Montréal, qui écrit des airs Jazz Fusion avec une touche de non-sensibilité Prog et Pop mi-tardive. Débutant comme batteur pour des groupes montréalais à la fin des années 2000, il a gravi les échelons jusqu’au poste de chef de groupe après avoir mal travaillé avec les autres. Le progrès, pas la perfection.
Karneef is a composer and singer from Montreal, writing Jazz Fusion-esq tunes with a touch of mid-late Prog and Pop non-sensibility. Starting as a drummer for Montreal bands in the late 2000s, he moved his way up to band leader after not working too well with others. Progress, not perfection.
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Chilly Gonzales est aussi bien réputé pour son approche intimiste du piano à travers sa trilogie d’albums Solo Piano que pour son remarquable talent de showman en concert et ses compositions pour des artistes de grande renommée. Vêtu d’un peignoir et chaussé de pantoufles, il remplit les salles de spectacle du monde entier : en l’espace d’une soirée, il peut donner un sublime récital de piano, disséquer la musicologie d’un tube de Billie Eilish et faire preuve de sa dextérité lyrique de rappeur. Chilly aime aussi s’interroger sur son propre enthousiasme pour les musiques souvent considérées d’un « goût » douteux et ose poser la question : la musique doit-elle être soumise à une appréciation intellectuelle ou peut-elle simplement aller droit au cœur ?
Chilly Gonzales is as much renowned for his intimate approach to the piano on his trilogy of Solo Piano albums as he is for his remarkable showmanship in concert, composing for artists of great renown. Dressed in a bathrobe and slippers, he fills concert halls the world over: in the space of an evening, he can give a sublime piano recital, dissect the musicology of a Billie Eilish hit and demonstrate his lyrical dexterity as a rapper. Chilly also likes to question his own enthusiasm for music often considered of dubious “taste”, and dares to ask the question: should music be subject to intellectual appreciation, or can it simply go straight to the heart?
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