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arabo-andalou / Moyen-Orient / Levant / Maghreb

Festival du monde Arabe : Le qanoun, soixante-dix-huit cordes, une infinité d’émotions à l’Espace culturel Kawalees

by Rédaction PAN M 360

La jeune virtuose aux doigts d’or, Chaima Gaddour, nous présente le qanoun sous un jour radicalement nouveau. Cet instrument, héritier des anciennes harpes mésopotamiennes, a voyagé à travers les siècles et les cultures, de Bagdad à l’Andalousie, pour devenir la pierre angulaire des orchestres classiques orientaux. Ses 78 cordes en font l’architecte mélodique des maqams.
Le maniant avec dextérité, Chaima Gaddour transforme cet instrument en une palette émotionnelle vibrante où se rencontrent la sagesse ancestrale et l’audace contemporaine. Elle n’interprète pas simplement la musique, elle la respire, la vit et la réinvente.
Son talent rare transcende la technique ; elle ose, improvise, et fait dialoguer les répertoires avec une liberté qui déjoue toutes les attentes. Sous ses doigts, le qanoun chante, pleure, danse et nous emporte, nous offrant un moment musical rare où la jeunesse rencontre l’éternité.

The young virtuoso Chaima Gaddour reveals the qanun in a radically renewed light. Descended from the ancient harps of Mesopotamia, this instrument has journeyed across centuries and civilizations, from Baghdad to al-Andalus, to become the melodic cornerstone of classical Oriental ensembles. Its seventy-eight strings construct the very architecture of the maqams, shaping the modal frameworks of Middle Eastern music.
In Gaddour’s hands, the qanun becomes a vibrant emotional palette where ancestral wisdom meets contemporary audacity. She does not merely perform music; she breathes it, lives it, and reinvents it. Her artistry transcends technical mastery: she dares, she improvises, she initiates dialogues between repertoires with a freedom that overturns all expectations.
Through her performance, the qanun ceases to be a static instrument and instead emerges as a living voice, singing, lamenting, dancing, carrying listeners into a rare musical moment where youth encounters eternity.

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arabo-andalou / Classical Singing / conférence

Festival du monde Arabe : Musique, voix et migration – regards croisés de femmes artistes à l’Espace Culturel Kawalees

by Rédaction PAN M 360

La migration trace des sillons invisibles dans l’histoire des répertoires musicaux, sculptant aussi bien les œuvres que les destinées de celles et ceux qui les portent. Au détour de cette causerie, l’entrelacement des migrations humaines et musicales prend vie avec éclat grâce à deux voix majeures de l’Algérie : Lila Borsali et Fairouz Oudjida. Ces artistes font vibrer sur scène la musique arabo-andalouse, héritage artistique façonné par les vagues migratoires traversant les siècles, tout comme leurs propres parcours se sont tissés au rythme des déplacements et des rencontres, sur des terres multiples.
Ces artistes d’une grande expérience, partagent les méandres de leurs trajectoires, guidées tant par les répertoires que par les horizons traversés. Elles dévoilent les défis – visibles ou invisibles– auxquels font face celles qui choisissent la voie de la musique, tant dans leur pays natal que dans ces terres d’adoption qui deviennent foyers d’inspiration.
Ce moment d’échange est animé par Caroline Marcoux-Gendron (UQAM / HEC) et Kayvan Jafarinejad (EHESS / CRAL), chercheurs et co-organisateurs du cycle « Musiciennes en migration : conjuguer les défis liés au genre, à la mobilité et à la professionnalisation », où cette causerie s’inscrit. Ensemble, ils invitent à écouter non seulement les notes, mais aussi les silences qui portent la mémoire des exils, les élans qui transcendent les frontières et la force des voix qui, malgré tout, chantent l’avenir.

Migration carves invisible traces in musical repertoires, shaping both the works themselves and the destinies of those who carry them. This conversation brings to life the interplay of human and musical migration through the voices of two eminent Algerian artists: Lila Borsali and Fairouz Oudjida.
Their testimonies intersect with those of researchers Caroline Marcoux-Gendron (UQAM/HEC) and Kayvan Jafarinejad (EHESS/CRAL), co-organizers of the cycle Musiciennes en migration. Together, they highlight the gendered, professional, and cultural challenges of artistic mobility, while revealing the silences and strengths that underpin exile and creativity.

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atelier / Moyen-Orient / Levant / Maghreb

Festival du monde Arabe : Découverte de la musique arabe à l’Espace culturel Kawalees

by Rédaction PAN M 360

L’univers envoûtant des traditions musicales arabes s’offre à vous sous la guidance de Ridha Ben Mansour, violoniste, luthiste, compositeur et docteur en musicologie.
Cette rencontre exclusive dévoile la fascinante diversité des écoles musicales arabes, des riches héritages du Maghreb aux expressions du Golfe, en passant par les traditions mésopotamiennes et les patrimoines égypto-syriens.
Une sélection d’extraits audio-visuels et de démonstrations instrumentales vous initie à la complexité modale des maqams, la subtilité des cycles rythmiques et la profondeur historique de ces traditions millénaires. L’expiration de cette immersion collective s’achève sur une session collaborative où le public rejoint l’artiste pour une pratique rythmique et vocale partagée.

Violinist, oud player, composer, and doctor of musicology, Ridha Ben Mansour guides audiences through the dazzling diversity of Arabic musical traditions.
From Maghrebi legacies to Gulf expressions, from Mesopotamian repertoires to Egyptian-Syrian heritage, this session explores modal maqams, rhythmic cycles, and the deep history of Arab music. The encounter concludes with a collaborative session where the audience joins the artist in shared rhythm and voice.

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DJ set / EDM / Electronic

After Palomosa : REBECCA BLACK (DJ SET) et ODDLY SATISFYING à la SAT

by Rédaction PAN M 360

On continue à danser jusqu’aux petites heures du matin à la SAT, après Palomosa!

Let’s keep dancing and partying all night long at the SAT, right after Palomosa!

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DJ set / EDM / Electronic

After Palomosa : SPF INFINI X LIVE FROM EARTH • FCUKERS (DJ SET) à la SAT

by Rédaction PAN M 360

On continue à danser jusqu’aux petites heures du matin à la SAT, après Palomosa!

Let’s keep dancing and partying all night long at the SAT, right after Palomosa!

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Alternative / college rock / Indie Rock

Pixies au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Suscitant une révolution avec leurs guitares tranchantes, leurs dynamiques en stop-start, leurs harmonies masculines et féminines entrelacées et leurs paroles évocatrices, Pixies est l’un des groupes les plus influents du rock alternatif. Sur des albums tels que Surfer Rosa (1988) et Doolittle (1989), ils ont renversé les conventions, mêlant punk et indie rock, pop classique, surf rock et riffs monumentaux avec les paroles fragmentées du chanteur/guitariste Black Francis, abordant des thèmes comme l’espace, la religion, le sexe, la mutilation et la culture pop. Ses mots pouvaient être cryptiques, mais la musique était puissante, jetant les bases de l’explosion du rock alternatif au début des années 90. Du grunge au britpop, l’ombre des Pixies était omniprésente ; il est difficile d’imaginer Nirvana sans la dynamique caractéristique des Pixies, avec ses alternances de fort et de doux et ses solos de guitare bruyants et déstabilisants. Cependant, le succès commercial du groupe n’a pas égalé son impact : MTV était réticente à diffuser leurs vidéos, et les radios rock modernes ne diffusaient pas régulièrement leurs singles. Lorsque Nirvana a ouvert la voie au rock alternatif en 1992, les Pixies étaient effectivement séparés. Pendant le reste des années 90 et dans les années 2000, ils ont continué à inspirer des groupes allant de Weezer, Radiohead et PJ Harvey aux Strokes et Arcade Fire. La réunion des Pixies en 2004 a été aussi surprenante que bienvenue, et leurs tournées fréquentes les ont conduits à enregistrer des albums, dont The Night the Zombies Came en 2024, qui a élargi leur son révolutionnaire en y incorporant des influences country et folk.

Sparking a revolution with their jagged guitars, stop-start dynamics, intertwining male-female harmonies and evocative lyrics, Pixies are one of alternative rock’s most influential bands. On albums such as 1988’s Surfer Rosa and 1989’s Doolittle, they upended conventions, melding punk and indie rock, classic pop, surf rock, and stadium-sized riffs with singer/guitarist Black Francis’ fragmented lyrics about space, religion, sex, mutilation, and pop culture. His words may have been cryptic, but the music was forceful, laying the groundwork for the alternative explosion of the early ’90s. From grunge to Brit-pop, Pixies’ shadow loomed large; it’s hard to imagine Nirvana without Pixies’ signature loud-quiet-loud dynamics and lurching, noisy guitar solos. However, the band’s commercial success didn’t match its impact — MTV was reluctant to play their videos, while modern rock radio didn’t put their singles into regular rotation. By the time Nirvana broke down the doors for alternative rock in 1992, Pixies were effectively disbanded. During the rest of the ’90s and into the 2000s, they continued to inspire acts ranging from Weezer, Radiohead, and PJ Harvey to the Strokes and Arcade Fire. Pixies’ 2004 reunion was as surprising as it was welcome, and the band’s frequent tours led them to record albums including 2024’s The Night the Zombies Came, which expanded their groundbreaking sound with country and folk influences.

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Jazz / Middle Eastern

Festival International de Jazz de Montréal : Dhafer Youssef au Théâtre Maisonneuve

by Rédaction PAN M 360

Dhafer Youssef est reconnu comme un artiste pionnier qui a contribué à faire entrer la musique du Moyen-Orient sur la scène internationale du jazz et de la musique du monde.
Le jeu de oud de Dhafer Youssef est exceptionnellement expressif, techniquement brillant et défie les genres. Son profond respect de la tradition et son approche novatrice du son ont fait de lui l’un des oudistes les plus influents de la scène musicale contemporaine.
Le jeu de Youssef n’est pas seulement impressionnant d’un point de vue technique, il est aussi fascinant d’un point de vue émotionnel. Sa capacité à exprimer des émotions complexes – qu’il s’agisse de mélancolie, de joie ou de mysticisme – à travers son instrument est l’une des caractéristiques de son jeu. L’oud lui-même, avec ses sonorités chaudes et résonnantes, devient un canal pour son expression personnelle, ce qui donne à chaque représentation un caractère intime et profondément personnel.

Dhafer Youssef is recognized as a pioneering artist who has helped bring the music of the Middle East into the global jazz and world music scene. Dhafer Youssef’s oud playing is uniquely expressive, technically brilliant, and genre-defying.
His deep respect for tradition combined with his innovative approach to sound has made him one of the most influential oud players in the contemporary music scene.
Youssef’s oud playing is not just technically impressive, but also emotionally compelling. His ability to express complex emotions — whether melancholy, joy, or mysticism —  through his instrument is one of the hallmarks of his playing. The oud itself, with its warm, resonant tones, becomes a conduit for his personal expression, making each performance feel intimate and deeply personal.

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Arabic / metal / Rock

Festival International Nuits d’Afrique : Sarāb au Ministère

by Rédaction PAN M 360

En langue arabe, leur nom signifie mirage. Point de tromperie ni d’illusion ici, rien que de la féérie. Sarāb entraîne l’auditoire dans un irrésistible monde en clair-obscur où se mêlent transe et moments suspendus, aux confins des musiques syriennes, égyptiennes, jazz et rock. “Une patte. Un son. De la classe” (FIP, 2024). Comme en témoigne leur troisième album, Qawalebese Tape (2023), l’univers musical de Sarāb est vaste. Tantôt il s’écoute ; tantôt il se danse. Il s’étend de la trap, au dub, au metal et au rock, porte des thématiques fortes et engagées, sans jamais perdre le fil d’une trame narrative enracinée dans la poésie des maqâmât arabes classiques, magnifiquement porté par la voix de la chanteuse Climène Zarkan et par les sonorités cuivrées.

“In Arabic, their name means ‘mirage.’ There is no deception or illusion here though, only enchantment. Sarāb brings their audience into an irresistible chiaroscuro world of trance and suspended moments, on the fringes of Syrian, Egyptian, jazz and rock music. ”A distinctive style. A sound. Pure class” (FIP, 2024). Their third album Qawalebese Tape is further proof that Sarāb inhabits a vast musical universe that invites listeners to sing and dance along to their music, which extends from trap to dub, metal and rock, while conveying strong, socially engaged messages without ever losing the thread of a narrative rooted in the poetry of classical Arab maqâmât, all of which is magnificently carried by the voice of singer Climène Zarkan and the dazzling sound of the trombone.

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chanson française / hommage

Brel & Barbara – Héros fragiles à la Cinquième Salle

by Rédaction PAN M 360

Une interprétation sensible et respectueuse de Brel et Barbara. Dans ce tour de chant unique où se mêlent souvenirs et scènes théâtrales, Julie Daoust et Renaud Paradis que le grand public a connu dans le téléroman « l’Auberge du chien Noir » nous font découvrir en chanson la relation particulière qui liait Brel et Barbara, par leur interprétation sensible et respectueuse. Une soirée émouvante, pleine d’humour et de tendresse. Au piano, le grand Philippe Noireaut. Une soirée unique où l’on jette un éclairage nouveau, en chansons et en souvenirs, sur l’amitié méconnue qui a lié Barbara et Brel, ces deux géants de la chanson.

A sensitive and respectful interpretation of Brel and Barbara. In this unique concert blending memories and theatrical scenes, Julie Daoust and Renaud Paradis, well known to the public from the TV series L’Auberge du chien noir—invite us to rediscover the special relationship that bound Brel and Barbara through their heartfelt and respectful performances. An emotional evening, filled with humor and tenderness. At the piano: the renowned Philippe Noireaut. A one-of-a-kind event that casts new light, through songs and recollections, on the little-known friendship that connected Barbara and Brel, two giants of French chanson.

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Folk / Indie / Jazz Pop

Coup de coeur francophone : Claudie Létourneau et Charlotte Brousseau au Verre Bouteille

by Rédaction PAN M 360

Claudie Létourneau

C’est vrai qu’il arrive que la musique de Claudie Létourneau mouille les yeux. C’est vrai aussi qu’elle parvient par moments à délier les hanches. C’est une musique qui fait pop, une bulle rose éclatée comme celle qui vit « sous ses cheveux tempête », sensible et pétillante. Si « La neige tombe » avant l’hiver pour l’autrice-compositrice-interprète, c’est qu’avec le printemps viendra la suite, un premier vrai album.

It’s true that Claudie Létourneau’s music sometimes brings tears to the eyes. It’s also true that at times it gets the hips moving. Her music is pop at heart, a pink bubble bursting like the one that lives “beneath her stormy hair,” sensitive and full of spark. If “La neige tombe” before winter for the singer-songwriter, it’s because spring will bring what’s next: a first full-length album.

Charlotte Brousseau

Charlotte Brousseau a un faible pour les moments suspendus, les contrastes de lumière, les floraisons d’instruments, les détours mélodiques qui débouchent sur des clairières d’une beauté inattendue. Comme du cinéma, les chansons de son Plus de fleurs que de fleuve, coréalisé avec Antoine Corriveau, sont des récits en mot-images et en cordes, des épopées de folk qui font des cercles d’onde dans les eaux plus ou moins troubles de la prog, la pop, le jazz ou la psychédélique.

Charlotte Brousseau has a weakness for suspended moments, for contrasts of light, for instrumental blooms, for melodic detours that open onto clearings of unexpected beauty. Like cinema, the songs of her Plus de fleurs que de fleuve, co-produced with Antoine Corriveau, are word-images and string-filled tales, folk epics sending ripples through the shifting waters of prog, pop, jazz, and psychedelia.

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Bossa Nova / Jazz / post-bop

Festival International de Jazz de Montréal : Esperanza Spalding à la scène TD

by Rédaction PAN M 360

Contrebassiste et chanteuse, Esperanza Spalding est une artiste plusieurs fois primée aux Grammy Awards, reconnue pour son approche audacieusement hybride du jazz contemporain. Saluée comme une prodige dès son adolescence, elle se fait remarquer au cours des années 2000 avec ses premiers albums Junjo et Esperanza, ce dernier atteignant le sommet des palmarès de jazz contemporain. En 2010, elle crée la surprise en remportant le Grammy de la Révélation de l’année — une première pour une musicienne de jazz —, ce qui propulse son troisième album, Chamber Music Society, dans le Top 40 du Billboard, devenant ainsi l’album de jazz contemporain le plus vendu de l’année. En parallèle, Spalding s’impose comme pédagogue, devenant la plus jeune professeure à intégrer le corps enseignant du Berklee College of Music.
Elle décroche un second Grammy pour Radio Music Society en 2012. Depuis, elle poursuit une trajectoire résolument expérimentale, enchaînant des albums à forte dimension conceptuelle : Emily’s D+Evolution (2016), Twelve Little Spells (2019) et Songwrights Apothecary Lab (2021), explorent les frontières du jazz, de l’art rock, du R&B, des styles afro-latins, du néo-prog et de la pop expérimentale. Malgré cette diversité, les standards de jazz intimes et subtilement interprétés demeurent au cœur de son identité musicale, comme en témoignent son album en duo avec le pianiste Fred Hersch, Alive at the Village Vanguard (2023), et sa collaboration teintée de folk et de bossa nova avec Milton Nascimento, Milton + Esperanza (2024).

Bassist and singer Esperanza Spalding is a Grammy-winning performer with an ambitiously cross-pollinated approach to contemporary jazz. Hailed as a prodigy in her teens, she garnered wider attention in the 2000s with the release of her debut, Junjo, and its follow-up, Esperanza, the latter of which topped the contemporary jazz charts. In 2010, she won Best New Artist at the Grammys, an accolade that helped propel her third album, Chamber Music Society, into the Billboard Top 40 as the best-selling contemporary jazz album that year. At the same time, Spalding won respect as a teacher, becoming the youngest faculty member at the Berklee College of Music.
She took home a second Grammy for 2012’s Radio Music Society. Spalding has remained a forward-thinking maverick artist, issuing a series of increasingly concept-driven albums, including 2016’s Emily’s D+Evolution, 2019’s Twelve Little Spells, and 2021’s Songwrights Apothecary Lab, all of which found her moving far afield of jazz into art rock, R&B, Afro-Latin styles, neo-prog, and experimental pop. Still, intimate and artfully rendered standards and jazz remain a core of her musical identity, as on her 2023 duo album with Fred Hersch, Alive at the Village Vanguard and her 2024 folk and bossa nova-tinged collaboration with Milton Nascimento, Milton + Esperanza.

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afro-pop / Cumbia / Hip Hop

Festival International Nuits d’Afrique : El Gato Negro au Ministère

by Rédaction PAN M 360

Le label montréalais Cosmovision Records a fait sa marque avec une électro éthérée, à la vibe positive, entrelaçant les traditions de différentes parties du monde et des sons downtempo et folktronica. Sur ce set, le collectif accueille El Gato Negro, “quelque chose comme le fils caché de Blaise Cendrars et de Celia Cruz” (Radio France, 2017). Chamboulé durant sa jeunesse par le Buena Vista Social Club, le chanteur et multi-instrumentiste a pris la route et s’est construit une vie de bohème, à l’origine d’un son fluctuant entre la pop subtropicale, le traditionnel de partout, le jazz et le hip hop, le tout estampillé d’une signature digitale. Le dernier album de ce pote de Manu Chao, Tigre qui pleure (2024), auquel ont notamment collaboré Orchestra Baobab et et Cucurucho Valdés, codifie des beats cumbia, salsa, soukous, boléro et afrotrap.

The Montreal label Cosmovision Records made its mark with a kind of ethereal electro with a positive vibe that incorporates downtempo and folktronica into traditional folk from around the world. For this set, the collective has invited El Gato Negro, who’s “something like a secret son of Blaise Cendrars and Celia Cruz” (Radio France, 2017). Thunderstruck by Buena Vista Social Club in his youth, the singer and multi-instrumentalist took to the road and began a bohemian existence, creating a sound that oscillates between subtropical pop, traditional folk from all over, jazz and hip hop, all stamped with a digital signature. In 2024, this buddy of Manu Chao released his latest album, Tigre qui pleure, which also features Orchestra Baobab and Cucurucho Valdés, and integrates cumbia, salsa, soukous, bolero and Afrotrap rhythms.

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