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Indie / R&B / Synth-Pop

Le Phoque OFF 2026 : Sympa César + Catherine Jeanne-D’Arc + Nsangu + Fovelle à L’Anti Bar & Spectacles

by Rédaction PAN M 360

22:40 – Sympa César

Le spectacle FLUID•e est un univers où le chaos et la mélodie s’entremêlent harmonieusement, donnant naissance à une expérience artistique unique. Sympa César incarne le magicien fou, explorateur des multivers, qui manipule avec audace des potions magiques empreintes de bonheur, même au cœur des moments sombres de la vie quotidienne. Sur scène, l’artiste transporte le public dans un voyage sonore qui groove, fusionnant des fragments de musique style vintage comme le rock des années 90, du Motown des années 70, du R&B des années 2000, le tout avec des touches synthétiques progressives et modernes et une voix puissante de soul. Plongez dans cet océan de sonorités en constante évolution et laissez-vous emporter par la magie de Sympa César.

The show FLUID•e is a universe where chaos and melody intertwine seamlessly, creating a truly unique artistic experience. Sympa César embodies the mad magician, a multiverse explorer who boldly mixes magical potions of joy, even in the darkest moments of everyday life. On stage, the artist takes the audience on a groovy sonic journey, blending fragments of vintage-inspired music such as ’90s rock, ’70s Motown, 2000s R&B, all infused with modern progressive synth touches and a powerful soulful voice. Dive into this ever-evolving ocean of sound and let yourself be carried away by the magic of Sympa César.

23:20 – Catherine Jeanne-D’Arc

Catherine Jeanne-D’Arc est un projet pop influencé par la synth pop des années 80 à 2000. Au cœur de son œuvre figurent le féminisme, sa fluidité de genre, ainsi que toutes les revendications qui lui tiennent à cœur.Comédien.ne de jour, drag king de soir, iel navigue entre les différentes formes d’art. Autrice-compositrice-interprète à la tête du groupe punk/rock féministe Chârogne, Catherine gravite dans le milieu musical montréalais depuis une dizaine d’années.
En 2022, son premier single solo Comme les garçons parait dans la compilation Le chalet émergent québécois. La pièce se hisse en 10e position chez Stingray Music et est nommée « Espoir 2022 » par Sirius XM. Son 2e single Ode au coming out célèbre l’euphorie et la fluidité de genre, ainsi que toutes les orientations sexuelles, encourageant les coming outs. En 2023, iel fait paraitre le simple Sarah-Anne qui se classe dans la liste de lecture très réputée « The Eh! List » de Exclaim qui célèbre les meilleures chansons canadiennes.

Catherine Jeanne-D’Arc is a pop project influenced by synth-pop from the ’80s to 2000s. At the heart of the work are themes of feminism, gender fluidity, and the causes close to their heart. A daytime actor and nighttime drag king, they navigate various forms of art. As a singer-songwriter leading the feminist punk/rock band Chârogne, Catherine has been an active presence in the Montreal music scene for about a decade.
In 2022, their first solo single, Comme les garçons, appeared on the compilation Le chalet émergent québécois. The track reached #10 on Stingray Music and was named “Espoir 2022” by Sirius XM. Their second single, Ode au coming out, celebrates euphoria, gender fluidity, and all sexual orientations, encouraging people to come out. In 2023, they released the single Sarah-Anne, which was featured on Exclaim’s highly regarded playlist The Eh! List, highlighting the best Canadian songs.

00:00 – Nsangu

Originaire de Liège, cette artiste talentueuse a choisi de s’établir à Bruxelles, où elle consacre son temps à la musique et au théâtre. Issue d’une famille congolaise, c’est son oncle qui l’a initiée à la neo-soul, en lui faisant découvrir des icônes telles qu’Erykah Badu, Jill Scott et Sade. Elle a ensuite élargi ses horizons musicaux en tombant sous le charme des chansons de Charles Aznavour, découvrant ainsi toute la richesse de la chanson française.
En alliant sa passion pour la musique et le théâtre, Nsangu a développé un stylequ’elle qualifie d’« Expressif », imprégné d’une vitalité contagieuse. Sa voix, à la fois puissante et délicate, cherche à toucher les sens de manière profonde et intense. Nsangu ne se contente pas de chanter ; elle incarne véritablement les personnages de ses interprétations, livrant des concerts où l’émotion de sa voix se mêle à la force de son interprétation, captivant le public à chaque performance.
Préparez-vous à être transporté par Nsangu dans un univers musical unique, où la soul fusionne harmonieusement avec la nostalgie des chansons françaises d’antan. Ce mélange original, empreint de douceur et de profondeur, offre une expérience musicale à ne surtout pas manquer.

Hailing from Liège, this talented artist has settled in Brussels, dedicating her time to both music and theater. Coming from a Congolese family, she was introduced to neo-soul by her uncle, who shared icons like Erykah Badu, Jill Scott, and Sade. She later expanded her musical horizons through the songs of Charles Aznavour, discovering the richness of classic French chanson.
By combining her passions for music and theater, Nsangu has developed a style she calls “Expressive,” full of contagious vitality. Her voice, both powerful and delicate, aims to touch the senses deeply and intensely. Nsangu does more than sing, she embodies the characters in her performances, delivering shows where the emotion in her voice intertwines with the strength of her interpretation, captivating audiences every time.
Get ready to be transported by Nsangu into a unique musical universe, where soul seamlessly merges with the nostalgic charm of classic French songs. This original blend, full of warmth and depth, promises an unforgettable musical experience.

00:40 – Fovelle

S’inspirant de l’électro français et de la pop funky des années 80, Fovelle propose une musique à la fois dansante, accrocheuse et frontale. En studio, Fovelle se plait à collaborer à chaque chanson avec des interprètes qu’il admire ou à remixer des chansons qu’il aurait aimé avoir composées. En spectacle, il débarque avec ses “dangereux personnages” pour brouiller les cartes entre le spectacle rock et la performance de DJ. Pulsations ininterrompues, envolées musicales, et composites surprenants, on danse avec ces multi-instrumentistes à cette fête où se marient les synthés, la guitare funk et les voix de chacun.e.
Cet auto-producteur acharné a fait paraître deux EP et a lancé le 7 mai “l’Enfant au briquet” son premier album au Ministère dans le cadre de Vue sur la Relève. Ses chansons totalisent plus de 450 000 écoutes sur Spotify à travers le monde et il parcourt depuis leurs sorties les routes du Québec, de l’Ontario et du Nouveau-Brunswick. Il a notamment assuré la première partie de Lisa Leblanc, de Valaire et de Claudia Bouvette. Son dernier EP a été nommé pour le EP pop de l’année au GAMIQ 2023. Il a été la Star iHeart Radio du mois d’août 2024 et son single Confettis s’est hissé à la 34ème position du Top 100 Franco Media Base. Son album, l’Enfant au briquet, est nommé dans la catégorie meilleur album Indie-Pop au GAMIQ 2025.

Drawing inspiration from French electro and funky ’80s pop, Fovelle creates music that is simultaneously danceable, catchy, and bold. In the studio, Fovelle enjoys collaborating on each track with artists he admires or remixing songs he wishes he had written. On stage, he arrives with his “dangerous characters,” blurring the lines between rock performance and DJ set. With continuous pulsations, soaring musical passages, and unexpected arrangements, audiences are invited to dance alongside these multi-instrumentalists in a celebration where synths, funky guitar, and layered vocals intertwine.
This dedicated self-producer has released two EPs and, on May 7, launched his debut album L’Enfant au briquet under Ministère as part of Vue sur la Relève. His songs have amassed over 450,000 streams on Spotify worldwide, and he tours extensively across Quebec, Ontario, and New Brunswick. He has opened for artists such as Lisa Leblanc, Valaire, and Claudia Bouvette. His latest EP was nominated for Pop EP of the Year at GAMIQ 2023, he was named iHeart Radio Star of the Month in August 2024, and his single Confettis reached #34 on the Top 100 Franco Media Base. His album L’Enfant au briquet is nominated for Best Indie-Pop Album at GAMIQ 2025.

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Alt Folk / Alternative Rock / Synth-Pop

Le Phoque OFF 2026 : Fleur de Peau + Beau Nectar + Tes Amants au Pantoum

by Rédaction PAN M 360

21:00 – Fleur de Peau

Le projet musical synth-pop Fleur de Peau est né en janvier 2023. Il est composé de Louis Fernandez, multi instrumentiste-réalisateur et Élie Dubois-Sénéchal à la voix. Le duo a décidé de joindre leur force et leur créativité pour faire naître un projet plus grand qu’eux, en honneur de leur amour commun pour l’art et la musique.
Le son de Fleur de Peau est mélancolique, percutant et poétique. C’est un projet qui témoigne tantôt d’une réalité Queer et féministe, tantôt d’une approche personnelle et émotive de l’urgence de vivre. Avec le rythme de batteries teinté de réverbération et de drum machine robotique, on reconnaît dans la musique de Fleur de Peau une influence des années 80 tout en restant ancré dans un son moderne et alternatif. On y entend des synthétiseurs brillants et des guitares tantôt dynamiques, tantôt lo-fi et sombres. Sans être minimalistes, les arrangements ne voilent pas l’essentiel.
Le groupe sort un premier album au printemps 2024 dans lequel chacune des chansons possède son univers bien à elle. On peut y reconnaître des influences électro, punk, dreampop et indie rock. On y trouve des mélodies vocales caressantes et des guitares dissonantes et abrasives.
The synth-pop project Fleur de Peau was born in January 2023. It is composed of multi-instrumentalist and producer Louis Fernandez and vocalist Élie Dubois-Sénéchal. The duo decided to combine their talents and creativity to create a project larger than themselves, honoring their shared love for art and music.
Fleur de Peau’s sound is melancholic, punchy, and poetic. The project alternates between reflecting a queer and feminist reality and offering a personal, emotive approach to the urgency of living. With reverb-soaked drum rhythms and robotic drum machines, the music nods to 1980s influences while remaining grounded in a modern, alternative sound. The tracks feature bright synthesizers and guitars that range from dynamic to lo-fi and dark. The arrangements, while rich, never overshadow the essence of each song.
The band’s debut album, released in spring 2024, gives each track its own distinct universe. Listeners can hear echoes of electro, punk, dreampop, and indie rock, with caressing vocal melodies intertwined with dissonant, abrasive guitar lines.

21:40 – Beau Nectar

Beau Nectar est une collaboration bilingue entre les auteures-compositrices-interprètes Marie-Clo et éemi. Le duo propose une musique intime et vibrante mêlant synth-pop et folk, inspirée par la faune et la flore, qui éveille l’empathie de leur public envers la nature. Signé chez Indica Records, le duo a lancé son premier album Two Lips le 2 juin 2023. Depuis, elles ont sorti deux singles en anglais (Apple, Loggerhead Shrike), extraits de leur prochain album Dandy, dont la sortie est prévue à l’hiver 2026.
Après la parution de leur premier album, Beau Nectar a effectué trois tournées à travers le pays, dont une en collaboration avec le prestigieux réseau Coup de cœur francophone. Elles ont été choisies pour assurer la première partie d’artistes de renommée internationale tels que Daniel Bélanger, Pierre Kwenders et Fanny Bloom, entre autres. Leur single Sous l’eau a débuté en quatrième position sur Sirius XM, tandis que Fleur de pot a été sélectionné pour une synchronisation dans la série télévisée Habitants du Nord (Unis TV). Récemment, le duo a été nommé à dix reprises aux prix Trille Or et a remporté deux distinctions : Album pop de l’année et Groupe de l’année (2025), en plus du prix Artiste pop de l’année aux Saskatchewan Music Awards (2025).
Avant cela, Beau Nectar avait déjà remporté quatre prix Trille Or (2023), été nommé à quatre Capital Music Awards (2024), deux Western Canadian Music Awards (2024) et un prix GAMIQ (2024). Le duo a également été sélectionné pour participer au prestigieux programme Banff Artists in Residence (2023) et figurait parmi le Top 100 Searchlight de CBC Music, en plus de nombreuses autres réalisations.

Beau Nectar is a bilingual collaboration between singer-songwriters Marie-Clo and éemi. The duo creates intimate and vibrant music blending synth-pop and folk, inspired by flora and fauna, fostering empathy for nature in their audience. Signed to Indica Records, they released their debut album Two Lips on June 2, 2023. Since then, they have released two English-language singles, Apple and Loggerhead Shrike, from their upcoming album Dandy, scheduled for release in winter 2026.
Following their first album, Beau Nectar completed three national tours, including one in partnership with the prestigious Coup de cœur francophone network. They have opened for internationally renowned artists such as Daniel Bélanger, Pierre Kwenders, and Fanny Bloom. Their single Sous l’eau debuted at number four on Sirius XM, while Fleur de pot was selected for synchronization in the TV series Habitants du Nord (Unis TV). Recently, the duo received ten nominations at the Trille Or Awards, winning Pop Album of the Year and Group of the Year (2025), as well as Pop Artist of the Year at the Saskatchewan Music Awards (2025).
Previously, Beau Nectar had already won four Trille Or Awards (2023), received nominations for four Capital Music Awards (2024), two Western Canadian Music Awards (2024), and one GAMIQ Award (2024). They were also selected for the prestigious Banff Artists in Residence program (2023) and featured among CBC Music’s Top 100 Searchlight, along with numerous other achievements.

22:20 – Tes Amants

En un an seulement, Tes Amants ont su se faire remarquer dans la sphère musicale émergente. Avec leurs compositions rock alternatif et leur présence scénique hors du commun, les cinq musiciens offrent un évènement d’une énergie rarement vue auparavant.
Des textes décomplexés, des influences musicales variées et des musiciens irrévérencieux, c’est ça, Tes Amants. Mélangeant tout ce qu’il y a de plus beau et grandiose avec tout ce qu’il y a de plus laid et ordinaire, ils aiment se qualifier de “sacs d’ordures en velours”. Pas de demi-mesure, ni dans la musique, ni dans l’attitude.

In just one year, Tes Amants have made a name for themselves in the emerging music scene. With their alternative rock compositions and extraordinary stage presence, the five musicians deliver performances brimming with energy rarely seen before.
Uninhibited lyrics, diverse musical influences, and irreverent musicians, that’s Tes Amants. Mixing the most beautiful and grandiose with the most ugly and ordinary, they proudly call themselves “velvet garbage bags.” No half measures, neither in their music nor in their attitude.

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Electronic / percussions / Western European

Festival Orientalys : Albaluna au Quai de l’Horloge

by Rédaction PAN M 360

Depuis quinze ans, Albaluna déchire le silence avec une musique où la cornemuse des montagnes ibériques épouse les nappes électroniques, où le hurdy-gurdy ancestral rugit sous les doigts de Ruben Monteiro comme une clameur venue des siècles passés.
Leur album ENNEAD est un manifeste brûlant : un voyage des tavernes de Lisbonne aux caravanes de la Route de la Soie, tissant le fado pleureur, les rythmes balkaniques et la transe gnawa en une tapisserie sonore révolutionnaire. Sur scène, leurs instruments oubliés, sanfona électrique, bouzouki furieux, percussions ottomanes, se muent en armes de poésie, portant des textes en portugais ancien qui transforment la saudade en cri contre l’intolérance.
Chaque concert est un bivouac nomade où le public, saisi aux tripes par les mélodies séfarades et les riffs prog, devient complice d’un rituel chamanique. Laissez Teresa Silva vous envelopper de sa voix-prière, Dinis Coelho faire trembler la terre avec ses tablas, et Tiago Santos vous projeter dans un cosmos où passé et futur fusionnent.
Après l’Inde, le Maroc et les temples de Macao, leur tornade sonore arrive près de vous: préparez-vous à être dépouillé, transfiguré, et cousu d’or par l’énergie pure d’un groupe qui ne répare pas le monde, mais vous rappelle que vous en êtes l’étincelle.

For fifteen years, Albaluna has torn through silence with a music where Iberian mountain bagpipes meet sweeping electronic layers, and the ancestral hurdy-gurdy roars under the fingers of Ruben Monteiro like a cry from centuries past.
Their album ENNEAD is a burning manifesto; a journey from Lisbon’s taverns to Silk Road caravans, weaving mournful fado, Balkan rhythms, and Gnawa trance into a revolutionary sonic tapestry. On stage, their once-forgotten instruments; electric sanfona, raging bouzouki, Ottoman percussion; become weapons of poetry, carrying ancient Portuguese texts that turn saudade into a cry against intolerance.
Each concert is a nomadic bivouac where the audience, gripped to the core by Sephardic melodies and prog rock riffs, becomes part of a shamanic ritual. Let Teresa Silva envelop you with her prayerful voice, Dinis Coelho shake the earth with his tablas, and Tiago Santos launch you into a cosmos where past and future fuse.
After India, Morocco, and the temples of Macao, their sonic whirlwind lands near you. Get ready to be stripped bare, transfigured, and stitched with gold by the raw energy of a band that does not fix the world, but reminds you that you are its spark.

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Qawwali / South Asian

Festival Orientalys : Oraison cosmique, qawwālī et kathak en fusion au Quai de l’Horloge

by Rédaction PAN M 360

Quand la voix-lave de Mushfiq Hashimi épouse les frappes-racines de Sudeshna Maulik, la scène se fend en oraison cosmique. Le maître du qawwālī, dont chaque mélodie est un pont brûlant vers l’invisible, et la grande prêtresse du kathak montréalaise, dont les ghungroos scellent le sol en mantras dansés, tissent un sama incarné où Montréal devient carrefour des transcendances.
Leurs arts se respirent d’un même poumon sacré. La voix de Mushfiq, braise tourbillonnante née des maqams soufis, enlace les chakkars (pirouettes) de Sudeshna, qui transforment l’éther en mandalas vivants ; ses murmures de cendre répondent à ses talons foudroyants, gravant dans le bitume les épopées du Gange.
Les anneaux de chevilles tintent en constellations, tandis que l’harmonium exhume des cryptes mélodiques où chaque note est une offrande, chaque frappe un sūtra chorégraphié. Leurs langages fusionnent en une géométrie ardente : les abhinayas (mudras narratifs) de Sudeshna déploient des poèmes sans mots, que les qawwālīs de Mushfiq ensemencent de ferveur, créant un thrène où la rigueur du kathak épouse l’extase soufie.
Une cérémonie où Orientalys bat au rythme d’un cœur biface, terrien et sidéral, feu et terre, prière et incarnation!

When the lava-like voice of Mushfiq Hashimi meets the rooted footwork of Sudeshna Maulik, the stage splits open into a cosmic prayer.
The master of qawwālī, whose every melody is a burning bridge to the unseen, and Montreal’s high priestess of kathak, whose ghungroos stamp the ground with danced mantras, weave a living sama where Montreal becomes a crossroads of transcendence.
Their art breathes from the same sacred lung. Mushfiq’s swirling ember of a voice, born from Sufi maqams, entwines with Sudeshna’s chakkars (pirouettes), transforming the ether into living mandalas. His ashen murmurs answer her thunderous heels, etching Ganges epics into the pavement.
Anklets ring like constellations, while the harmonium exhumes melodic crypts where each note is an offering, each beat a choreographed sutra. Their languages fuse in a geometry of fire: Sudeshna’s abhinayas (narrative mudras) unfold wordless poems, which Mushfiq’s qawwālīs seed with fervor, crafting a lament where kathak’s discipline embraces Sufi ecstasy.
A ceremony where Orientalys beats to a dual-hearted rhythm; earthly and celestial, fire and soil, prayer and embodiment.

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Indigenous peoples / Punk

Présence Autochtone : Groupe 1876 à la Place des Festivals

by Rédaction PAN M 360

1876 s’est formé début 2020 et a immédiatement lancé l’EP Pow Wow Punk Rock.
Avec des sonorités familières à tout habitué des pow-wow, mêlées à des guitares agressives, des mélodies accrocheuses et des paroles engagées propres à l’univers punk, 1876 partage une perspective unique.
Le groupe représente fièrement les nations Northern Cheyenne et Blackfeet, chantant dans les deux langues.
Des sweat lodges aux clubs punk, 1876 met en lumière une réalité souvent négligée par l’industrie musicale.
Le projet est né d’un rêve de résurgence culturelle et linguistique, porté par ceux qui vivent au quotidien les défis et les fiertés d’être nés NDN.

1876 was formed in early 2020 and immediately debuted the EP “Pow Wow Punk Rock.”
With notable sounds that any pow wow goer will recognize, combined with the aggressive guitar playing, catchy melodies, and political lyrics of the punk world, 1876 expresses their unique perspective.
1876 proudly represents both the Northern Cheyenne and the Blackfeet nations, singing in both languages. From sweat lodges to punk clubs, 1876 helps shed light on a narrative often neglected by the music industry.
1876 was born in 2020 out of a dream of cultural and language resurgence being seen and produced by those who experience the hardships and triumphs of being born NDN.

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Dancehall / Indigenous peoples / Reggae

Présence Autochtone : Shauit aux Jardins Gamelin

by Rédaction PAN M 360

Artiste québécois reconnu, Shauit est sans doute le seul auteur-compositeur-interprète à mélanger ingénieusement le reggae, le dancehall et le soul avec l’innu-aimun, sa langue natale. Il a reçu les prix Artiste s’exprimant dans une langue autochtone et Musique d’expression moderne au Gala Teweikan 2017 même année où il a lancé son tout premier album Apu peikussiak u Originaire de Maliotenam dans le nord-est du Québec, l’auteur-compositeur-interprète chante en créole, français, en anglais, mais surtout dans sa langue autochtone (innu). Ayant voyagé à travers le Canada, passant par le Yukon jusqu’à la Russie, Shauit se veut un fier représentant de sa culture autochtone à travers le monde.

Well-known Quebec artist, Shauit is probably the only singer-songwriter to ingeniously mix reggae, dancehall and soul with Innu-aimun, his native language. He received the Artist Award in Native Language and Modern Expression Music at the Teweikan Gala 2017, the same year he released his first album Apu peikussiak u. Originally from Maliotenam in northeastern Quebec, the singer-songwriter sings in Creole, French, English, but especially in his native language (innu). Traveling across Canada, through the Yukon to to Russia, Shauit is a proud representative of its indigenous culture around the world.

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Indigenous peoples / militant

Présence Autochtone : Spectacle le Chant Des Baleines à la Place des Festivals

by Rédaction PAN M 360

Oktoecho, en collaboration avec le collectif australien Corrina Bonshek & Collaborators, présente « Song to the Whales/Chant de la baleine », un projet musical international d’envergure réunissant artistes inuit, māoris et aborigènes et allochtones du Canada, de Nouvelle-Zélande et d’Australie.
Rassemblés autour d’un thème commun – l’océan et les baleines, êtres spirituels centraux dans de nombreuses traditions – ce projet se veut à la fois une célébration et un appel à l’action.
Inspirée des chants traditionnels maoris, aborigènes et inuit, cette œuvre fusionne voix ancestrales et instrumentation contemporaine. Elle propose un voyage sensoriel célébrant la force symbolique de la baleine, tout en éveillant les consciences à la nécessité de préserver les écosystèmes marins.

Oktoecho, in collaboration with the Australian collective Corrina Bonshek & Collaborators, presents “Song to the Whales”, an ambitious international musical project bringing together Inuit, Māori, Aboriginal, and non-Indigenous artists from Canada, New Zealand, and Australia.
United by a common theme — the ocean and whales, spiritual beings central to many traditions — this project is both a celebration and a call to action.
Inspired by traditional Māori, Aboriginal, and Inuit songs, the piece blends ancestral voices with contemporary instrumentation. It offers a sensory journey that honours the symbolic power of the whale, while raising awareness about the urgent need to protect marine ecosystems.

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chants / Indigenous peoples / percussions

Présence Autochtone : Manitou Singers à la Place des Festivals

by Rédaction PAN M 360

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Afro-Electro / Raï

Festival Orientalys : Gasba électrique au Quai de l’Horloge

by Rédaction PAN M 360

Sur les machines de Boubakr Maatalla, la gasba, flûte des montagnes algériennes, plonge dans la mémoire des cheikhates, ces voix emblématiques qui ont marqué l’histoire du raï, dans un spectacle vibrant où le bois ancien se mêle aux basses profondes et aux rythmes électroniques. Un paysage sonore unique qui s’aventure au cœur de la tradition pour en faire jaillir les textures les plus contemporaines.
Entre samples de voix, synthétiseurs et guitares électriques, chaque note tisse un pont fragile entre passé et avenir. Sur scène, l’alliance de l’organique et du numérique dessine une fresque sonore où la transe prend une dimension nouvelle. L’atmosphère s’électrise, la polyrythmie vibre et aspire l’audience dans un élan immersif hors du commun.
Né d’une résidence artistique entre Paris et Alger, Gasba électrique propose une expérience puissante, une musique qui pulse au rythme d’une mémoire vivante, prête à réveiller les sens et à transcender les frontières des âges et des identités.

On Boubakr Maatalla’s machines, the gasba, a traditional flute from the Algerian mountains, dives deep into the memory of the cheikhates, iconic voices that shaped the history of raï music. In this vibrant performance, the ancient wood of the flute meets deep bass and electronic beats. The result is a unique sonic landscape that ventures into the heart of tradition to reveal its most contemporary textures.
Through vocal samples, synthesizers, and electric guitars, each note weaves a fragile bridge between past and future. On stage, the fusion of organic and digital elements creates a soundscape where trance takes on new meaning. The atmosphere becomes electrified, polyrhythms throb, and the audience is swept into an extraordinary immersive experience.
Born from an artistic residency between Paris and Algiers, Gasba Électrique offers a powerful experience; music that pulses with the rhythm of a living memory, ready to awaken the senses and transcend the borders of time and identity.

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danse / Indigenous peoples

Présence Autochtone : Musique et Danse traditionnelle Mohawk et Wendat à la Place des Festivals

by Rédaction PAN M 360

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danse / South Asian

Festival Orientalys : Arabesque de Bollywood au Quai de l’horloge

by Rédaction PAN M 360

L’élan du corps – Atelier de danse
Avant que le rideau ne se lève, les artistes vous convient à une mise en mouvement joyeuse et libératrice. Pas besoin d’être danseur ou danseuse, il suffit d’avoir envie.
En quelques minutes, les bras se déploient, les hanches s’animent, les mains dessinent l’invisible. Mains en mudras, pas cadencés, regards expressifs, le corps s’ouvre au langage dansé, et le public devient déjà partie prenante du rituel.
Quand la danse devient célébration – Veils of Bollywood
Une immersion totale dans les battements du sous-continent, où chaque geste raconte un monde, et chaque rythme appelle à la joie.
Veils of Bollywood revient avec une performance pensée comme un arc sensoriel et collectif, du corps qui s’éveille à la fête qui explose, en passant par un tableau chorégraphique vibrant d’élégance. À la croisée des styles indien, Bollywood, Garba, Bhangra, Kathak et Bharatanatyam, la troupe tisse un fil entre mémoire et mouvement, tradition et pulsation contemporaine.
Fusion festive – DJ de l’équipe Jannat Productions, Veils of Bollywood
Et puis, l’énergie déferle dans un tourbillon sonore captivant où les rythmes hypnotiques de Bollywood s’entrelacent aux vibrations électro.
Un DJ de l’équipe Jannat Productions électrise la scène, tandis que les danseurs de Veils of Bollywood tissent avec grâce des arabesques lumineuses qui enflamment l’espace. Les mascottes festives ajoutent une touche de magie et de gaieté, invitant le public à une célébration collective débordante de joie.
Musique, danse et euphorie fusionnent pour écrire une nouvelle page d’un festival vibrant et mémorable.
Le souffle du spectacle – Montréal Quartet
Dans la pénombre vibrante du moment, les premières notes s’élèvent, caressent l’air, et l’espace se transforme. Montreal Quartet vous invite à un voyage au cœur de la musique classique sud-asiatique, entre tradition millénaire et virtuosité contemporaine.
La voix cristalline de Divya Iyer trace les contours d’un raga ancien, soutenue par le battement profond du mridangam de Sainan Kandiah, pulsation du temps et de l’âme. Le violon d’Anjana Srinivasan s’élance en volutes mélodiques, rejoint par les vibrations solaires de la veena jouée par Seshakamal Iyengar, dont chaque corde murmure un souvenir d’Orient.
Dans cette conversation intime entre les instruments, c’est une Inde intérieure qui s’éveille – grave, lumineuse, suspendue. Une offrande musicale, lente et précise, qui suspend le temps et ouvre une fenêtre sur l’infini.

Momentum of body – Dance workshop
Before the lifting of curtain, several artists invite you into liberating movement. You don’t need to be a dancer, you just need a thrilling restlessness to move.
In only a few minutes, arms unfold, hips awaken, hands sketch the invisible. Hands in mudras, grounded steps, expressive glances; the body opens up to the language of dance, and the audience becomes part of the ritual.
When Dance Becomes Celebration – Veils of Bollywood
A full-bodied immersion into the heartbeat of the subcontinent, where every gesture tells a story and every rhythm calls for joy.
Veils of Bollywood returns with a performance designed as a collective, sensory arc; from the body’s first stirrings to the explosive joy of celebration, passing through a choreographic tableau pulsing with elegance.
At the crossroads of Indian, Bollywood, Garba, Bhangra, Kathak, and Bharatanatyam styles, the troupe weaves a thread between memory and movement, tradition and contemporary pulse.
Festive Fusion – DJ affiliated with Jannat Productions, Veils of Bollywood
And then, energy bursts forth in a captivating sonic whirlwind where the rhythms of Bollywood entwine with pulsing electro beats. A DJ from Jannat Productions lights up the stage, while the Veils of Bollywood dancers trace hypnotic arabesques through the air, setting the space ablaze with poise and intensity.
Joyful mascots add a spark of magic and mischief, drawing the crowd into a collective celebration overflowing with joy.
Music, dance, and euphoria fuse to write a lustrous new chapter in the festival’s story.
The Breath of the Performance – Montreal Quartet
In the vibrant hush of the moment, the first notes rise, brush the air, and reshape the space.
Montreal Quartet invites you on a journey through the heart of South Asian classical music; where ancient tradition meets contemporary virtuosity.
Divya Iyer’s crystal-clear voice traces the contours of a timeless raga, carried by the deep, soulful pulse of Sainan Kandiah’s mridangam; heartbeat of time and spirit. Anjana Srinivasan’s violin unfurls in melodic spirals, joined by the sunlit resonance of Seshakamal Iyengar’s veena, each string whispering memories of the East.
In this intimate conversation between instruments, an inner India awakens; solemn, luminous, suspended. A musical offering, precise and patient, that stretches time and opens a window onto the infinite.

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central asia / Jazz / Pop

Festival Orientalys : Mémoire nomade souffles des steppes au Quai de l’Horloge

by Rédaction PAN M 360

Quand Altanjargal Boldbaatar entonne son chant, la plaine s’étire, le vent se fige, le temps se plie. Maître du chant diphonique, il fait vibrer l’air en couches anciennes, convoque chevaux, yourtes et dieux invisibles. Chaque souffle devient mémoire. Chaque vibration, un lien fragile entre la terre et le ciel.
À ses côtés, Badamkhand Chuluunbat fait surgir la lumière. Originaire de la province de Khövsgöl, cette voix longue comme la route et souple comme la steppe incarne la relève mongole avec éclat. Artiste complète, elle glisse du chant millénaire aux explorations jazz ou pop, sans jamais perdre son ancrage. Sa voix précise et éthérée donne chair à l’invisible, entre tradition orale et audace moderne.
Sublimant cette alliance, Mandukhai Jamsran, danseuse étoile du Mongolian State Academic Ensemble, incarne avec puissance l’âme nomade de la steppe. Forte de plus de 20 ans de carrière et de plus de 200 spectacles, sa danse mêle héritage millénaire et modernité, racontant par chaque geste les mythes et paysages de sa terre natale.
Un moment suspendu, venu d’ailleurs, et qui résonne longtemps après.

When Altanjargal Boldbaatar begins his song, the plain stretches, the wind stills, and time folds. Master of throat singing, he makes the air vibrate in ancient layers, summoning horses, yurts, and invisible gods. Each breath becomes memory. Each vibration, a fragile link between earth and sky.
By his side, Badamkhand Chuluunbat brings forth the light. Hailing from Khövsgöl province, her voice is as long as the road and as supple as the steppe, brilliantly embodying the new generation of Mongolian artists. A versatile performer, she flows effortlessly from millennia-old songs to jazz and pop explorations, never losing her roots. Her precise and ethereal voice gives form to the invisible, bridging oral tradition and bold modernity.
Enhancing this alliance, Mandukhai Jamsran, star dancer of the Mongolian State Academic Ensemble, powerfully embodies the nomadic soul of the steppe. With over 20 years of career and more than 200 performances, her dance blends ancient heritage and modernity, telling through every movement the myths and landscapes of her homeland.
A suspended moment from afar that lingers long after.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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